Plein Air Painting - Isang Detalyadong Kasaysayan ng Open Air Painting

John Williams 12-10-2023
John Williams

Noong unang bahagi ng ika-19 na siglo, ang pagpipinta sa labas, o en Plein air, ay lalong naging popular sa mga Impresyonistang pintor. Ang pagsasanay sa pagpipinta na ito ay nagbigay-daan sa mga Impresyonista na makuha ang mas panandaliang katangian ng kapaligiran. Mayroong ilang iba't ibang paraan na ginagamit ng Plein air mga artista upang makuha ang eksena sa masalimuot na detalye. Naipakita ng mga impresyonista ang mga epekto ng natural na liwanag na hindi kailanman tulad ng dati sa pamamagitan ng pagpipinta en Plein air.

Isang Maikling Kasaysayan ng Plein Air Painting: Ano Ang Plein Air Pagpinta?

Ang pagpipinta sa labas ay may mahabang kasaysayan sa mundo ng sining, ngunit hanggang sa unang bahagi ng ika-19 na siglo ay naging malawakang isinagawa ito. Bago ang shift na ito, maraming mga artista ang naghalo ng kanilang sariling mga pintura gamit ang mga hilaw na pigment. Ang mga pigment na ito ay kailangang gilingin at ihalo sa pintura, kaya ang portability ay hindi maginhawa. Karamihan sa mga aktibidad sa pagpipinta ay mahigpit na nakakulong sa studio. Plein air Ang mga painting ay naging isang praktikal na opsyon para sa maraming artist sa sandaling ang mga tube ng pintura ay naging malawak na magagamit noong 1800s.

French Impressionists at Plein Air Mga Pinta

Ang paaralan ng sining ng Barbizon sa France ay naging sentro sa pagsikat ng katanyagan ng pagpipinta en Plein air. Ang mga artista ng Barbizon tulad nina Theodore Rousseau at Charles-Francois Daubigny ay mga tagapagtaguyod ng istilong ito ng pagpipinta. Sa pamamagitan ng pagpipinta sa labas, makukuha ng mga artistang ito kung paano angrepresentasyon. Ang mga dalisay na landscape, o mga landscape na walang anumang katibayan ng aktibidad ng tao, ang pinakakaraniwang paksa para sa mga pintor ng Barbizon at Renoir na ito.

Sinundan ni Renoir ang halimbawa ng mga pintor ng Barbizon at nagpinta sa labas, o en Plein air. Kapag nagpinta sa labas, madalas na gumagawa si Renoir ng maliliit na pag-aaral para sa mga susunod na gawain, at kumukumpleto ng mga pagpipinta sa isang upuan. Posibleng makita ang mabilis na paghampas ng brush, maluwag na tinukoy na mga anyo, at magaspang na texture sa ibabaw ng maagang istilo ng Impresyonista sa marami sa mga painting ni Renoir. Ginamit ni Renoir ang mga diskarteng ito upang makuha ang mga kondisyon ng atmospera at mga pagbabago sa liwanag na sentro ng pagpipinta ng Impresyonista.

Mga Mahahalagang Gawa

Ang mabilis at hindi pinaghalong brushstroke na katangian ng istilo ni Renoir ay kitang-kita sa Ang Ihip ng hangin. Ang painting na ito ay puno ng mga kontradiksyon. Ang mga brushstroke ay lumikha ng isang landscape na tila halos sketchlike, isang epekto na nagpapalakas lamang sa atmospheric na pakiramdam ng isang mabangis na araw. Sa kabaligtaran, ang paraan ng Renoir upang makuha ang mga dapples ng liwanag at ang paggalaw ng hangin ay hindi kapani-paniwalang matingkad. Pinaniniwalaan na natapos ni Renoir ang Plein air painting na ito sa isang upuan.

Noong 1877, ipinakita ni Renoir ang The Seine at Champrosay, bukod sa iba pa. Nang bumisita siya sa Champrosay upang magpinta ng isang nakatalagang larawan, si Renoir ay nabighani sa kanayunan. Dito sapagpinta, makikita natin ang mabilis na mga haplos ng brush at ang matapang, hindi pinaghalo na kulay na katangian ng istilong Impresyonista.

Bank of the Seine at Champrosay (1876) ni Pierre- Auguste Renoir; Pierre-Auguste Renoir, Pampublikong domain, sa pamamagitan ng Wikimedia Commons

Ilang Inirerekomendang Pagbasa sa Pagpipinta en Plein Air

Pagpinta en Plein air may mahaba at magandang kasaysayan. Simula sa mga naunang Naturalist na pintor tulad ng Constable at nagpapatuloy sa maraming bahagi ng mundo ngayon, ang pagpipinta sa labas ay may partikular na kagandahan na hindi mapapalitan ng studio. Kung interesado kang matuto pa tungkol sa kasaysayan ng pagpipinta en Plein air, mayroon kaming tatlong rekomendasyon sa aklat.

The Work of Art: Plein Air Painting and Artistic Identity in Nineteenth-Century France

Sa nakamamanghang hardcover na aklat na ito, tinuklas ng may-akda na si Anthea Callen ang pagbuo ng isang artistikong pagkakakilanlan sa mga naunang French Impressionist na pintor. Sa pamamagitan ng pagsusuri ng mga portrait ng mga kapwa artista, self-portraits, print, litrato, at mga larawan sa studio mula sa mga kilalang Impressionist na pintor, magkakaroon ka ng insight sa pagbuo ng Avante-Garde painting sa France. Ang aklat na ito, na may 180 black-and-white at color na mga ilustrasyon, ay nag-explore kung paano ang landscape painting at Plein air painting, sa partikular, ay nagtulak sa Impressionist revolution.

The Work of Art: Plein Air Pagpipintaat Artistic Identity sa Nineteenth-Century France
  • Isang pagsusuri sa mga kilalang 19-siglo na French Impressionist na pintor
  • Ang impluwensya ng "plein air" painting sa Impressionist revolution
  • Pagsusuri sa self-representasyon at mga pamamaraan ng pagpipinta ng mga artist
Tingnan sa Amazon

Ang aklat na ito ay nag-aalok ng higit pa sa isang simpleng kasaysayan ng isang kilusang sining. Maingat na sinusuri ni Callen ang sosyal, performative, at aesthetic na elemento ng pagpipinta en Plein air. Masusing tinitingnan din niya ang mga materyales at teknik na nagtulak sa katanyagan ng pagpipinta sa labas at nag-aalok ng maalalahaning komentaryo sa lumalagong kilusang Impresyonista.

Sa Liwanag ng Italy: Corot at Early Open-Air Painting

Saglit lang naming binanggit ang pagsasanay sa pagpipinta en Plein air sa Italy, kaya kung gusto mong galugarin pa ang bahaging ito ng kasaysayan ng sining, hindi namin sapat na inirerekomenda ang aklat na ito. Habang ang pagsasanay sa pagpipinta sa labas ay kadalasang nauugnay sa mga Impresyonista, ang maagang pagpipinta sa open-air ay may mahabang kasaysayan sa Italya.

Sa Liwanag ng Italya: Pagpipinta ng Corot at Maagang Open-Air
  • Tinatalakay ng mga kilalang istoryador ng sining ang background ng panlabas na pagpipinta
  • Maagang kasaysayan, teorya at kasanayan, at mga site ng open-air painting
  • Ang isang mayamang seleksyon ng mga nauugnay na painting ay tinalakay at ginawang muli
Tingnan sa Amazon

Ang aklat na ito ay isang koleksyon ng mga talakayan nikilalang art historian na sina Sarah Faunce, Peter Galassi, Philip Conisbee, Jeremy Strick, at Vincent Pomarede. Sama-sama, sinusuri nila ang maagang kasaysayan ng Italian open-air painting, ang kahalagahan, teorya, at kasanayan nito. Naglalaman ang aklat ng isang mayamang seleksyon ng mga muling ginawang pagpipinta at mga larawan. Talagang makikita mo kung paano naging inspirasyon ng magandang tanawin ng Italya ang mga pintor mula sa France at iba pang bansa sa Europa.

Baltic Light: Early Open-Air Painting sa Denmark at North Germany

Noong unang bahagi ng ika-19 na siglo, marami ang mga artista mula sa Germany at Denmark na nag-aral sa Rome at Paris ay nag-uwi ng konsepto ng pagpipinta en Plein air. Ang mga kondisyon ng atmospera at liwanag sa hilaga ay perpekto para sa istilong ito ng pagpipinta ng landscape, lalo na sa mahabang araw ng tag-araw. Sinasaliksik ng aklat na ito ang mga gawa ng ilang Dutch at German landscape artist mula noong ika-19 na siglo. Ang Caspar David Friedrich , na kilala sa pagbuo ng Romantikong istilo, ay sakop nang malalim.

Baltic Light: Early Open-Air Painting sa Denmark at North Germany
  • Pagtuon sa mga pintor at painting ng panahon ng "plein air"
  • Pagtatanghal ng mga topographical na landscape, panorama, at higit pa
  • Kasama ang mga sanaysay ng mga kilalang awtoridad upang talakayin ang kilusang ito
Tingnan sa Amazon

Bukod pa sa isang hanay ng mga sanaysay ng mga art historian na tumatalakay sa iba't ibang aspeto ng North Germanat Danish open-air painting movement, naglalaman ang aklat na ito ng maraming nakamamanghang landscape, portrait, at panorama. Sa aklat na ito, malalaman mo ang tungkol sa kung paano tinanggihan ng istilo ng pagpipinta en Plein air ang moral at intelektwal na katangian ng mga neoclassical na landscape. Interesado ka man sa Dutch at German art o open-air painting, ang aklat na ito ay lubos naming inirerekomenda.

Artists Who Paint en Plein Air Ngayon

Sa ngayon sa artikulong ito, higit na tinitingnan natin ang mga artista mula noong ika-19 na siglo, ngunit ang pagsasanay sa pagpipinta sa labas ay buhay na buhay at maayos pa rin ngayon. Sa ibaba, ipinakita namin ang mga karanasan ng ilang artist na patuloy na nagpinta sa labas sa hanay ng mga medium.

Brian Shields

Para kay Brian Shields, ang pagpipinta sa labas ay tungkol sa pagtuklas kung paano mo kinakatawan ang mga natural na elemento. Ang pagpipinta ng en Plein air ay maaaring maging hamon, at para sa Shields, ang pinaka-mapanghamong aspeto ay kumakatawan sa lahat ng kanyang pandama na karanasan sa isang kapaligiran – amoy, tunog, emosyon, at paningin sa isang maliit na canvas. Madalas na nalaman ni Shields na dapat siyang gumawa ng mabilis na sketch o kumuha ng litrato ng isang eksena at pagkatapos ay bumalik sa kanyang studio upang paikliin ang memorya sa pamamagitan ng pagpipinta. Matapos magpinta sa labas ng halos 30 taon, mas gusto na ngayon ni Shields na magtipon ng mga larawan sa mahabang paglalakad at pagkatapos ay bumalik sa kanyang studio para i-compile ang mga ito.

David Grossmann

Ipinanganak sa Colorado,Ginugol ni David Grossmann ang kanyang pagkabata sa Chile. Ang kanyang karera bilang isang artista ay nagdala sa kanya sa buong mundo, ngunit siya ngayon ay nakatira sa Colorado kasama ang kanyang asawa. Ang landscape painting ni Grossmann ay hindi kapani-paniwalang nakakapukaw, na nagpapalabo ng mga linya sa pagitan ng memorya, katotohanan, at imahinasyon. Si Grossmann ay palaging isang artista, at natanggap niya ang kanyang pormal na edukasyon sa Colorado Academy of Art at kasama si Jay Moore, ang kilalang landscape artist.

Para kay Grossmann, ang pagpipinta ay isang paraan upang kumonekta sa mga tao. Ang kanyang mga kuwadro na gawa ng mga tahimik na tanawin at tahimik, mapagbantay na kalangitan ay nagpapakita ng pananabik na makahanap ng kanlungan at kapayapaan. Umaasa siya na ang kanyang mga pintura ay nagpapakita ng ganitong pakiramdam ng kanlungan upang ang iba ay makibahagi dito sa kanya.

Tingnan din: Pinakamahusay na Mga Aklat sa Kasaysayan ng Sining - Aming Inirerekomendang Listahan ng Babasahin

Grossmann ay pinagsama ang iba't ibang mga lumang diskarte sa isang kontemporaryong aesthetic, at sa ganitong paraan, ang kanyang trabaho ay nagtulay sa pagitan ng luma at bago. Karaniwan, pinipinta ni Grossmann ang mga makinang na layer ng pigment na may detalyadong texture sa ibabaw sa mga panel na gawa sa kamay na gawa sa kahoy. Para kay Grossmann, ang prosesong ito na nakakaubos ng oras ay lubos na nagninilay-nilay.

Kapag nakatanggap ng mga parangal tulad ng Southwest Art Award of Excellence at Artists Choice Award, malawak na ipinagdiwang ang gawa ni Grossmann. Sa paglipas ng mga taon, ipinakita ni Grossmann ang kanyang gawa sa buong Europa at Hilagang Amerika.

Frances B. Ashforth

Dahil pinalaki sa isang pamilya ng mga artista, si Frances B. Ashforth ay palaging naakit sa kulay at linya. sa kanyaAng sakahan ng lolo't lola sa New Hampshire, Ashforth ay nilinang ang kanyang pagkahumaling sa linya ng abot-tanaw, isang karaniwang tampok sa kanyang en Plein air mga tanawin. Sa pamamagitan ng kanyang trabaho, umaasa si Ashforth na parangalan ang pamana ng kanyang pamilya bilang mga artista at may-ari ng lupa.

Gumagamit si Ashforth ng kumbinasyon ng open-air painting at studio painting upang makumpleto ang kanyang mga gawa. Kung minsan ay kukumpleto siya ng drawing sa field, at sa ibang pagkakataon ay gagawa siya ng mga field drawing na dadalhin pabalik sa kanyang studio. Ang tubig at ang abot-tanaw sa pagitan ng mga anyong tubig at lupa ay palaging isang minamahal na paksa para sa Ashforth. Ang Stone ay isa pang paksa na hindi makuha ni Ashforth. Para sa kanya, ang isang bato ay kasing ganda ng mga palumpong na tumatakip dito sa mga buwan ng tag-araw. Sinabi ni Ashforth na tinutukoy ng ating mga indibidwal na alaala ang paraan ng pagtingin natin sa mundo, kaya ang kanyang sining ay direktang komunikasyon ng kanyang nakaraan, kasalukuyan, at hinaharap.

Jane Shoenfeld

Ang piniling medium ni Jane Shoenfeld kapag siya ay nagtatrabaho en Plein air ay pastel. Si Shoenfeld ay gumagawa ng sining sa labas sa halos buong buhay niya, at ang kanyang abstract na mga gawa ay madalas na nagpapakita ng liwanag, mga kulay, at ritmo ng natural na mundo na mahal na mahal niya. Karamihan sa mga gawa ni Shoenfeld ay ganap na abstract, ngunit ang kanyang paglalaro na may kulay at hugis ay nagpapabatid ng isang tiyak na antas ng emosyonalidad.

Kapag si Jane ay gumuhit sa labas, nakakaramdam siya ng pananabik at tensyon habang dinadama niya ang tanawin.bago siya. Kadalasan, ang mga gawang ito ay hindi nakakakuha ng isang eksena kundi ang pakiramdam ng isang lugar. Para kay Shoenfeld, ang enerhiyang nararanasan niya sa isang partikular na lokasyon ay higit na mahalaga at higit na maimpluwensyahan sa panghuling gawain kaysa sa nakikita ng kanyang mga mata.

Ang pagpipinta sa en Plein air ay may mahaba at internasyonal na kasaysayan . Mula sa mga naunang Naturalista at French Impressionist hanggang sa mga kontemporaryong artista, ang pagpipinta sa labas ay isang popular na pamamaraan. Ang pagpipinta ng landscape mula sa loob ay tila nakukuha ang kakanyahan nito sa isang tunay na paraan na kakaiba sa pamamaraang ito.

binabago ng panahon ang hitsura ng liwanag sa isang kapaligiran.

Noong 1860s, nagkita sina Pierre-Aguste Renoir, Claude Monet , Frederic Bazille, at Alfred Sisley noong nag-aaral sa ilalim ni Charles Gleyre. Natuklasan ng apat na artist na ito ang isang karaniwang hilig sa pagpipinta ng mga eksena mula sa kontemporaryong buhay at mga landscape. Ang grupong ito ay madalas na nakikipagsapalaran sa kanayunan upang magpinta ng en Plein air. Gamit ang natural na sikat ng araw at ang bagong available na iba't-ibang rich pigments, bumuo ang mga artist na ito ng bagong istilo ng pagpipinta. Ang istilong ito ng Impresyonistang pagpipinta ay mas maliwanag at mas magaan kaysa sa Realismo ng paaralang Barbizon.

Ang istilo ng pagpipinta na ito ay radikal noong una, ngunit sa pagtatapos ng ika-19 na siglo, ang mga teorya ng Impresyonista ay tumagos sa mga akademikong lupon at pang-araw-araw na gawaing sining. . Sa buong Europe, lumilitaw ang maliliit na kolonya ng mga artist na dalubhasa sa mga diskarte sa Impresyonista at Plein air pagpinta. Ang mga Landscape Impressionist na sina Henri Le Sidaner at Eugene Chigot ay bahagi ng kolonya ng mga artista sa Cote d'Opal.

Plein Air Pagpinta sa Italya

Sa Tuscany, ang Macchiaioli grupo ng Italian pintor ay lumalabag sa mga lumang tradisyon ng mga akademya sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. Simula noong 1850s, ginawa ng mga artistang ito ang karamihan sa kanilang pagpipinta sa labas, kung saan nakukuha nila nang tumpak ang kulay, lilim, at natural na liwanag ng kapaligiran. Ang pagsasanay ngpagpipinta en Plein air nag-uugnay sa grupong ito ng mga artista sa mga French Impressionist, na naging prominenteng makalipas ang ilang taon.

Plein Air Pagpinta sa Landscape ng England

Sa England, masyadong, ang pagpipinta sa labas ay naging isang umiiral na kasanayan sa mga landscape artist. Marami sa England ang naniniwala na si John Constable ang unang pioneer ng Plein air approach sa pagpipinta noong bandang 1813. Sa England partikular, ang pagpipinta ng en Plein air ay isang pangunahing bahagi ng pag-unlad ng Naturalismo. Sa huling bahagi ng ika-19 na siglo, ang Newlyn School ay isang malakas na tagapagtaguyod ng en Plein air mga diskarte.

Ang hindi gaanong kilalang mga kolonya ng mga artist na nagpinta sa labas ay lumitaw sa buong England, kabilang ang kolektibo sa Amberly . Ang West Sussex collective na ito ay nabuo sa paligid ng Paris-trained na landscape artist na si Edward Stott. Gustung-gusto ng mga yumaong Victorian ang atmospheric landscape ng Stott. Ang pagpipinta sa labas ay madalas na dinadala sa sukdulan. Mayroong, halimbawa, isang larawan ni Stanhope Forbes na nagpinta sa malakas na hangin sa isang beach, na ang kanyang canvas at easel ay nakatali ng mga lubid.

The Watering Place (1879- 1918) ni Edward Stott; Edward Stott, Pampublikong domain, sa pamamagitan ng Wikimedia Commons

Pagpipinta sa Labas sa Hilagang Amerika

Ang kasanayan ng Plein air pagpinta ay kumalat din sa Northern America, simula sa Hudson River School. Maraming American artist ,tulad ni Guy Rose, naglakbay sa France upang mag-aral sa ilalim ng mga pintor ng French Impressionist. Ang mga koleksyon ng mga American Impressionist ay lumaki sa mga lugar na may mga nakamamanghang tanawin at maraming natural na liwanag. Ang mga bahagi ng American South West, West, at East Coast ay naging tanyag sa mga artist para sa kanilang hindi kapani-paniwalang liwanag. Ang pagpipinta sa labas ay naging isang pangunahing bahagi ng edukasyon sa sining, at maraming mga artista ang gumawa ng matapang na paglalakbay upang mag-aral at magpinta ng mga magagandang tanawin.

Kapag naglalakbay sa iba't ibang lokasyon, para sa mga mag-aaral at guro, ang layunin ng pagpipinta en Plein air ay upang makuha ang mga partikular na kulay at liwanag ng bawat lugar. Upang makuha ang makulay na sikat ng araw sa Rhode Island, ang Amerikanong pintor na si Philip Leslie Hale ay magpapanggap ng mga modelo sa hardin ng kanyang tiyahin. Ang kakayahan ng mga Amerikanong artista na makuha ang pakiramdam ng bukas na hangin at tunay na sikat ng araw ay marahil ang pinakamahusay na personipikasyon ni Edmund Tarbell. Ang kilalang Plein air pintor, si William Merritt Chase, ay kilala hindi lamang para sa kanyang mga pagpipinta ng mga baybayin at parke, kundi pati na rin sa mga outdoor painting lessons na ibinigay niya sa Shinnecock Summer Art School at iba pang mga institusyon.

Mga Hamon ng Pagpipinta en Plein Air at ang Kagamitang Para Madaig ang mga ito

Nagdulot ng ilang problema ang pagpipinta sa labas sa mga unang tagapagtaguyod ng Plein air. Hindi lamang hinihiling ng mga artista na dalhin ang lahat ng kanilang kagamitan, ngunit may problema sa pagdadala ng mga basang canvasebahay at pag-navigate sa panahon. Ang panahon ay marahil ang pinakamalaking hamon sa Plein air mga pintor. Ang lahat ng pinakahuling pag-unlad sa kagamitan sa pagpipinta ay hindi maaaring isaalang-alang ang ulan at hangin.

Ang box easel, o French box easel, ay isa sa pinakamahalagang imbensyon ng kagamitan mula noong ika-19 na siglo. Walang pinagkasunduan kung sino ang unang bumuo ng kahon na ito, ngunit ang hindi kapani-paniwalang portable na mga easel na may built-in na kahon ng pintura at teleskopiko na mga binti ay nagpadali sa pagpipinta en Plein air . Ang mga easel na ito ay nakatiklop sa laki ng isang briefcase, na ginagawang madali itong dalhin at madaling iimbak, at sikat pa rin sa mga artist ngayon.

Ang isa pang pag-unlad sa kagamitan sa pagpipinta ay ang Pochade Box. Isang compact na kahon na may espasyo para sa mga artist upang itago ang kanilang mga kagamitan sa pagpipinta, ang Pochade Box ay may hawak ding canvas sa takip. Depende sa disenyo, maaaring i-clamp ng mga artist ang mas malalaking canvases sa takip, at ang ilang mga disenyo ay may mga inbuilt na compartment para hawakan ang mga basang canvase. Bagama't ang mga kahon na ito ay unang idinisenyo para sa panlabas na pagpipinta, maraming mga artist ang patuloy na gumagamit ng mga ito ngayon sa bahay, silid-aralan, o studio.

Ilan sa Mga Pinakatanyag tl Plein Air Mga Pintor

Malawak naming tinalakay ang ilan sa mga pinaka-maimpluwensyang pintor na gumamit ng en Plein air mga diskarte. Plein air ang mga artista tulad ng Constable, Monet, at Renoir ay nananatili sa mga talaan ng kasaysayan bilang ilan sa mga pinaka-maimpluwensyangmga pintor mula sa kilusang ito. Tuklasin natin ang kanilang mga istilo at kasanayan nang mas malalim.

John Constable (1776-1837)

Itinuturing ng maraming art historian na si John Constable ang unang pioneer ng pagpipinta sa labas. Ipinanganak sa Suffolk, sikat ang English artist sa kanyang mga landscape painting. Ang Constable ay may likas na kakayahang makuha nang may katumpakan at pakiramdam ang mga kulay, liwanag, klima, at hindi sopistikadong romantikismo ng kanayunan ng Ingles. Napag-aralan ang mga gawa ng isa sa mga pinakadakilang Baroque landscape artist , si Claude Lorrain, Constable ay nagpinta ng maayos na nasusukat na mga reconstruction ng landscape.

Ang mga painting ng Constable ay may natatanging lightness of touch. Makukuha niya, nang may kapansin-pansing katumpakan, ang mga paglalaro ng liwanag at kulay sa rolling English countryside. Gamit ang maliliit at sirang brushstroke, tulad ng mga impresyonista sa bandang huli ng siglo, nakukuha ni Constable ang liwanag at paggalaw nang sa gayon ay kumikinang ito at sumayaw sa canvas.

Tingnan din: Paano Gumuhit ng Aso - Isang Madaling Gabay sa Pagguhit ng Aso

Sa kanyang karera, nagpinta si Constable ng ilang larawan. Bagama't mahusay ang mga portrait na ito, hindi nasiyahan si Constable sa portrait dahil hindi ito kasing-excite ng mga landscape. Ang mga relihiyosong pagpipinta ay isang genre na hindi pinahusay ni Constable. Ang Constable ay lumipat sa paligid ng England nang husto sa buong taon. Gugugulin niya ang pagpipinta sa tag-araw sa East Bergholt, at pagkatapos ay pupunta sa London para sa taglamig.Ang Constable ay partikular na mahilig sa Salisbury, at siya ay bibisita sa bawat pagkakataon na nakuha niya. Ang kanyang watercolor painting, Stonehenge , ay itinuturing na isa sa kanyang pinakamahusay.

Significant Works

Noon lamang siya ay 43 taong gulang na ibinenta ni Constable ang kanyang unang pangunahing pagpipinta. Ang White Horse naghanda ng daan para sa hinaharap na malalaking pagpipinta na kadalasang mahigit anim na talampakan ang haba. Marahil ang pinakasikat na painting ng Constable ay ang The Hay Wain, na ipininta niya noong 1821. Inilalarawan ng painting na ito ang isang kabayo at kariton na tumatawid sa isang malawak na ilog sa harap ng malalaking rolling hill. Matapos makita ang pagpipinta na ito sa eksibisyon sa Academy, pinuri ng maimpluwensyang French artist Theodore Gericault si Constable. Sa pamamagitan ni Gericault unang nakatagpo ng art dealer na si John Arrowsmith ang The Hay Wain, na binili niya kalaunan . Noong 1824 sa isang eksibisyon sa Paris Salon, The Hay Wain nagwagi ng gintong medalya.

The Hay Wain (1800) ni John Konstable; Ernst Ludwig Kirchner, CC0, sa pamamagitan ng Wikimedia Commons

Claude Monet (1840-1926)

Sa lahat ng French Impressionist na pintor, si Monet dapat ang pinakasikat. Ipinanganak sa Paris, nagsimulang mag-drawing si Monet noong bata pa siya. Nagbenta si Monet ng mga karikatura at larawan para sa pocket money noong bata pa siya. Sa kanyang teenager years, nagsimulang magpinta si Monet ng mga landscape en Plein air. Pagkatapos maglingkod sa hukbo sa loob ng dalawang taon, si Monetbumalik sa Paris at nabuo ang matatag na pakikipagkaibigan sa iba pang mga batang pintor. Mula sa grupong ito ng mga pintor na lumitaw ang French Impresyonistang kilusan . Ang pagkahumaling ni Monet sa pagpipinta sa labas ay naging karaniwang kasanayan para sa mga Impresyonista.

Hindi tulad ng maraming artista noong panahon niya, buong-buo na inilaan ni Monet ang kanyang sarili sa pagpipinta sa labas ng isang studio. Ang paglalaro ng natural na liwanag at anino sa anumang ibabaw ang pangunahing pinagtutuunan ng pansin ng karamihan sa mga gawa ni Monet, at nadama niya na ang pagpipinta sa labas ay ang pinakamahusay na paraan upang makuha ito. Bilang resulta ng kanyang interes sa liwanag at kulay, nagpinta si Monet ng maraming paksa na hindi isinasaalang-alang ng ibang mga artista. Isa man itong haystack o isang pulang kimono, nakita ni Monet ang kagandahan sa paraan ng paglalaro ng liwanag dito.

Hindi lang hinamon ni Monet ang mga kumbensyon ng paksa, ngunit hinamon din niya ang mga tradisyonal na pag-unawa sa ibig sabihin nito upang tapusin ang isang pagpipinta. Si Monet at ang iba pang mga naunang Impressionist na pintor ay nagtrabaho nang mabilis upang makuha ang isang partikular na sandali ng liwanag. Tinuya ng maraming kumbensyonal na artista ang istilo ni Monet dahil sa pagiging magaspang na sketch.

Mga Makabuluhang Akda

Ang pinakasikat na serye ng mga gawa ni Monet ay dapat na Water Lilies . Ang koleksyong ito ng humigit-kumulang 250 oil painting ng kanyang water lily garden sa Giverny ay sikat sa buong mundo. Ipininta ni Monet ang Water Lilies hindi mabilang na beses, na kinukunan ang liwanag sa tubig sapabago-bagong klima at kulay. Ang mga kuwadro na ito ay ganap na nakatuon sa tubig, nang walang anumang representasyon ng langit o lupa. Anumang pahiwatig ng langit o lupa ay higit pa sa isang pagmuni-muni sa tubig. Bago simulan ang seryeng ito ng mga pagpipinta, itinanim ni Monet ang mga water lily sa kanyang hardin sa Giverny. Ang pagkakaayos ng mga bulaklak sa hardin na ito ay katulad ng komposisyon ng isang pagpipinta. Sa huling 30 taon ng kanyang buhay, inialay ni Monet ang kanyang sarili sa pagkuha ng pabago-bagong mundo ng kanyang water lily pond.

Ang isa pang maimpluwensyang serye ng maraming painting ni Monet ay Haystacks . Mayroong 25 pangunahing pagpipinta sa seryeng ito, bawat isa ay naglalarawan ng haystack ng inani na trigo. Nagsimulang ipinta ni Monet ang seryeng ito sa pagtatapos ng 1890 at nagpatuloy hanggang sa sumunod na taon. Ang kahalagahan ng seryeng ito ay nakasalalay sa paraan kung paano nakuha ni Monet ang mga pagbabago sa kapaligiran, liwanag, at kulay. Ang serye ay isang Impresyonistang obra maestra at nasa exhibit sa buong mundo.

Water Lilies (1906) ni Claude Monet; Claude Monet, Pampublikong domain, sa pamamagitan ng Wikimedia Commons

Pierre-Auguste Renoir (1841-1919)

Isa pang mahusay na Pranses na Impresyonistang pintor, si Pierre-Aguste Renoir ay nakatagpo ng impluwensya noong unang bahagi ng mga pintor mula sa Barbizon School. Pagpinta ng mga landscape sa buong karera niya, si Renoir ay naging inspirasyon ng naturalistic na diskarte na ginawa ng mga artist na ito sa landscape

John Williams

Si John Williams ay isang batikang artista, manunulat, at tagapagturo ng sining. Nakuha niya ang kanyang Bachelor of Fine Arts degree mula sa Pratt Institute sa New York City at kalaunan ay itinuloy ang kanyang Master of Fine Arts degree sa Yale University. Sa loob ng mahigit isang dekada, nagturo siya ng sining sa mga mag-aaral sa lahat ng edad sa iba't ibang setting ng edukasyon. Ipinakita ni Williams ang kanyang likhang sining sa mga gallery sa buong Estados Unidos at nakatanggap ng ilang mga parangal at gawad para sa kanyang malikhaing gawa. Bilang karagdagan sa kanyang mga artistikong hangarin, nagsusulat din si Williams tungkol sa mga paksang nauugnay sa sining at nagtuturo ng mga workshop sa kasaysayan at teorya ng sining. Siya ay madamdamin tungkol sa paghikayat sa iba na ipahayag ang kanilang sarili sa pamamagitan ng sining at naniniwala na ang lahat ay may kapasidad para sa pagkamalikhain.