A obra de arte do artista japonês Takashi Murakami tem sido descrita como vividamente colorida e loucamente feliz. As pinturas de Takashi Murakami dispararam em popularidade no mundo da arte contemporânea, suscitando tanto elogios como críticas pela sua arte pop japonesa. As esculturas e obras de arte de Murakami combinam as referências da cultura pop do Japão com a rica tradição cultural da nação, esbatendo magistralmente aentre o comércio e a alta arte.

A vida e a arte do artista japonês Takashi Murakami

Pela sua estratégia de arte como negócio, bem como pelas suas enormes fábricas de trabalhadores que produzem, promovem e vendem a sua arte, Takashi Murakami tem sido comparado a Andy Warhol. Os seus detractores rotularam-no de vigarista que está a ceder à necessidade crescente do mercado de arte de uma arte japonesa exótica e facilmente digerível.

No entanto, para Murakami, isso é um elogio, e é exactamente isso que ele se propôs a fazer.

Infância

Takashi Murakami nasceu no ano de 1962, filho de um pai taxista e de uma mãe dona de casa. O envolvimento de Murakami com as artes foi muito influenciado pela sua mãe, que praticava bordados e produzia têxteis. Os seus pais exigiam-lhe frequentemente que escrevesse relatórios sobre as exposições a que tinha assistido. Se protestasse, era obrigado a dormir sem comer. Murakami aprendeu a sentar-se e a pensar rapidamente comoresultado da sua educação num ambiente tão competitivo.

Estas capacidades ajudaram a moldar a sua eventual reputação como crítico de arte cáustico.

Murakami cresceu a ouvir a sua mãe dizer que, se os Estados Unidos tivessem detonado outra bomba nuclear no Japão, ele nunca estaria vivo. A generalização dos danos, bem como a ocupação norte-americana do Japão nos anos que se seguiram à Segunda Guerra Mundial, tiveram um impacto significativo no desenvolvimento artístico de Murakami. Durante a sua educação, o Japão desenvolveu um carácter cultural querevitalizou a cultura histórica japonesa, ao mesmo tempo que exercia uma enorme pressão sobre os seus trabalhadores para que se apresentassem ao Ocidente, tanto a nível cultural como económico.

Fotografia do artista Takashi Murakami, tirada no seu trigésimo aniversário por Ithaka Darin Pappas, com as primeiras obras na Galerie Mars, em Tóquio, 1992; IthakaDarinPappas, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Os primeiros passatempos de Murakami incluíam a observação de ritos budistas e aulas de caligrafia japonesa, bem como visitas a exposições em museus de mestres como Goya e Renoir reflectindo este enfoque misto nas antigas tradições japonesas e nas ideias ocidentais.

Embora tenha adquirido desde cedo uma afinidade tanto com a herança japonesa convencional como com as obras de arte europeias contemporâneas, a animação japonesa foi a que mais o influenciou durante a adolescência, o que explica o facto de dedicar grande parte das suas obras ao mercado otaku, uma subcultura preocupada com imagens distópicas e fetichistas.

Estes tropos comuns na manga e na anime correspondem à incapacidade, ou possivelmente à relutância, dos fãs otakus de se envolverem na vida real ou de usarem competências sociais. O próprio Murakami liga a cultura otaku à civilização japonesa do pós-guerra.

Formação e trabalho precoce

Murakami inscreveu-se no departamento de nihonga da prestigiada Universidade Nacional de Belas Artes e Música de Tóquio - um estilo clássico de pintura japonesa que se inspira em aspectos da arte ocidental contemporânea - e começou por aprender a criar a arte de fundo para animações. Aprendeu a criar animações fora da escola, enquanto pesquisava técnicas antigas na universidade, e expandiu a suacompreender o mundo da arte actual, visitando exposições e participando no programa de artistas itinerantes da sua escola.

Em 1984, um encontro inspirador, mas irritante, com Joseph Beuys revelou-se um ponto de viragem na carreira criativa de Murakami.

Beuys rejeitou muitas das perguntas dos alunos durante um debate na sala de aula, afirmando: "As perguntas não têm sentido. Eu gostaria de fazer um inquérito mais profundo." A atitude desdenhosa de Beuys irritou Murakami, que também estava zangado com o que considerava serem estudantes de arte japoneses sem educação. Como resultado, durante o sétimo ano do liceu, o trabalho de Murakami começou a mostrar o seu lado extremamente críticoem relação à indústria artística ocidental.

Os primeiros escritos de Murakami reflectem as circunstâncias da sua educação, aprofundando a difícil ligação entre o Japão e os Estados Unidos após a Segunda Guerra Mundial. Polirritmia (1991), por exemplo, utiliza figuras em miniatura da Segunda Guerra Mundial, enquanto Brisa do mar (1992) faz alusão à bomba atómica.

Estas pinturas mostram a sua evolução inicial de um estilo divertido, enganadoramente leve, que alude constantemente a um ponto de vista mais sardónico.

Período de maturação

O artista pop japonês mudou-se para Nova Iorque com uma bolsa do Conselho Cultural Asiático, onde se sentiu sozinho e insatisfeito, cercado pelos constrangimentos da cena artística americana e do sistema de exposições. Aí reconheceu que, para prosperar neste ambiente, precisava de se libertar das suas fixações japonesas demasiado intelectuais e de se retratar a si próprio e à sua arte de uma forma mais básica, como verdadeirosPor conseguinte, este período marca um ponto de viragem na sua carreira.

O seu trabalho tinha-se concentrado anteriormente na arte contemporânea com um pendor global, mas foi durante este período que optou por voltar a envolver-se com a sua herança japonesa e aumentar a ligação do seu trabalho artístico tanto com a forma de arte nihonga como com os géneros da cultura pop manga e anime.

Na iminência de deixar Nova Iorque, Murakami criou a personagem "Mr. DOB", que acabou por representar a personalidade distintiva do designer em todo o seu vasto espectro de meios artísticos. Os insufláveis em forma de Mr. DOB foram originalmente exibidos em Nova Iorque, em 1995, na Fundação Angel Orensanz, mas obtiveram pouca aclamação por parte da crítica.

Fotografia do artista japonês Takashi Murakami no Palácio de Versalhes, em França, a 10 de Setembro de 2010, a dar uma entrevista a uma equipa de filmagem sobre a sua nova exposição; Sodacan, Domínio público, via Wikimedia Commons

Em 1996, participou numa exposição colectiva na galeria Característica A sua reputação e fama internacionais começaram com esta exposição. O artista pop japonês criou depois várias esculturas importantes influenciadas pela subcultura otaku, nomeadamente Menina ko2 (1997), e O meu cowboy solitário (1998).

Murakami fundou a Hiropon Factory em 1996 para fazer as suas obras de arte inspiradas nos otakus. A sua oficina, tal como muitas das criações de Murakami, baseia-se tanto nas fábricas de arte tradicionais japonesas, como as que criavam as vibrantes gravuras em bloco de madeira da era Edo, como na fábrica de Andy Warhol.

Na Hiropon, assistentes formados em diversas áreas de competência trabalham em iniciativas de grande escala, comercializadas em massa, sob a orientação do artista. A Hiropon Factory passou a designar-se Kaikai Kiki Co. em 2001. Para além de criar e promover as obras de arte de Takashi Murakami, a empresa apoia artistas emergentes, organiza feiras de arte, organiza iniciativas conjuntas com indivíduos e empresas do sector da moda,entretenimento e música, e cria filmes e filmes de animação.

Arte apresentada na exposição "Flowers & Skulls" de Takashi Murakami, exibida no Instituto Tomie Ohtake em São Paulo, Brasil; Anna Cicilini, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

A Kaikai Kiki Co. assinala uma mudança na produção artística moderna, em que as belas-artes e a indústria são totalmente incorporadas e em que a mão tangível do artista na criação das obras de arte já não define o valor, mas, em vez disso, o valor representativo é gerado através da afiliação do artista com as mercadorias artísticas geradas na sua fábrica empresarial.

Murakami propôs a teoria do Superflat numa exposição colectiva com o mesmo nome em 2000, em busca de uma identidade japonesa do pós-guerra e frustrado pela apatia dos seus compatriotas em relação à arte contemporânea japonesa.

A exposição incluía pinturas de Shigeyoshi Ohi, Yoshitomo Nara, Aya Takano e outros, bem como as suas próprias pinturas. A teoria do superplano espalhou-se rapidamente pelo mundo da arte contemporânea, tornando-se uma tendência definidora da arte pop japonesa contemporânea e o último estilo significativo a alcançar renome internacional no mundo da arte desde o grupo japonês Gutai na década de 1950. O artigo seminal de Murakami " Uma teoria da arte japonesa super plana "(2000) é o culminar do seu desdém inicial pelo sistema artístico.

Neste artigo, ele expressa o desejo de criar um estilo criativo distintamente japonês que está intimamente ligado à longa sombra do Japão lançada pela humilhante perda da Segunda Guerra Mundial. Este artigo tem como objectivo captar a essência da cultura japonesa do pós-guerra para a utilizar como uma filosofia central para as suas obras de arte. Murakami, como diz o escritor Pico Iyer, "é um repórter realista da saída do real". Andy Warhol quis dar à América contemporânea o excesso de produção em massa e o estrelato de massa a que parecia tão inclinada, com uma fúria, Murakami deu ao Japão exactamente as imagens de que este gosta, na sua paixão pelo fofo e pelas formas desviantes favorecidas pelos otakus".

A versão japonesa deste artigo está repleta de antiamericanismo venenoso, embora as suas traduções inglesas se concentrem no crescimento estilístico das suas obras. No entanto, em ambas as versões, Murakami discute a noção de "superplano", a que chama "um conceito japonês original que foi completamente ocidentalizado".Arte japonesa desde os pergaminhos Genji e Heiji dos séculos XII e XIII até à cultura pop japonesa moderna.

As pessoas são frequentemente atraídas para a sua obra de arte pela sua aparente vapidez e brilhante erupção de figuras e cores, apesar das conotações históricas e culturalmente ricas das suas pinturas, artigos, declarações e entrevistas. Esta dicotomia entre o significado profundo e o prazer rápido recebido pelo seu público exemplifica o carácter fluido da sua ideia de Superflat.

Prática actual

O trabalho de Murakami tornou-se cada vez mais comercial e, desde a criação da Hiropon Factory, tem explorado meios criativos atípicos, como o design, a música, o lazer, as instalações públicas, as animações e os filmes. Esta mudança de responsabilidades indica a determinação de Murakami em redefinir o que significa ser um artista pós-moderno e mundial.

O artista japonês iniciou então a sua longa parceria com a marca Louis Vuitton em 2002. Murakami foi capaz de misturar o seu próprio visual distinto no projecto LV sem sacrificar a sua singularidade.

Arte de Takashi Murakami, da exposição "Flowers & Skulls" que foi apresentada no Instituto Tomie Ohtake em São Paulo, Brasil; Anna Cicilini, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Esta parceria tornou Murakami conhecido por dissolver ainda mais as barreiras comerciais, elevou o seu perfil ao de uma superestrela no seu país natal e aumentou o valor económico da sua arte para o de uma mercadoria altamente valorizada entre os consumidores (principalmente ocidentais)Legado Murakami foi mentor e influenciou a próxima geração de artistas japoneses.

Aos seus apoiantes japoneses, declarou que tinha a missão de enganar o Ocidente e destruir o sistema artístico japonês.

É também um professor entusiasta de artistas japoneses em ascensão, tendo-os contratado para as suas oficinas, comissariado exposições do seu trabalho e escrito artigos que contextualizam o seu trabalho na herança da arte japonesa contemporânea. Apesar das reacções contraditórias ao seu trabalho, que alternam entre o desprezo severo e o elogio absoluto, o Superflat veio definir a percepção mundial do japonêsArte pop.

Obras de arte de Takashi Murakami

A arte de Takashi Murakami é influenciada pela cultura japonesa dos otakus, repleta de estranhas perversões da doçura e da pureza, bem como de uma tremenda brutalidade. Murakami utiliza esta cultura para construir uma crítica matizada da sociedade japonesa moderna, bem como do impacto invasor do Ocidente sobre ela.

Murakami criou o movimento Superflat em rejeição à cena artística dominada pelo Ocidente. O nome relaciona-se tanto com as composições achatadas das tendências criativas japonesas do passado, como o Nihonga, como com o achatamento (ou fusão) da arte e dos negócios.

O Superflat de Murakami combina a história japonesa com a cultura pop moderna. A sua abordagem colorida e simples atraiu de imediato um grande número de seguidores para a obra de Murakami. Os críticos, por outro lado, acusaram o Superflat de ser uma caricatura óbvia e uma deturpação do Japão moderno. No entanto, o Superflat influenciou uma nova geração de artistas japoneses.

727 (1996)

O avatar de Murakami, Mr. DOB, está sentado no coração deste tríptico moderno. A sua boca escancarada mostra presas afiadas, enquanto os seus numerosos olhos o observam maniacamente. A anime japonesa é famosa pelas suas personagens de desenhos animados com olhos extraordinariamente grandes que normalmente cobrem uma parte substancial do seu rosto. Os olhos vagueantes desta peça exageram ainda mais o exagero da anime.

O Mr. DOB de Murakami, criado em 1993, é inspirado na frase da gíria japonesa "dobozite", traduzida aproximadamente como "porquê?" O sorriso louco do Mr. DOB pode ser visto como a postura risonha de Murkami em relação ao mundo da arte, bem como ao Ocidente.

727 Neste sentido, o nome é uma alusão directa ao papel dos Estados Unidos no Japão do pós-guerra, que Murakami está ansioso por investigar e condenar na sua arte. Mr. DOB está sentado no topo de uma ondulação modelada, uma homenagem óbvia ao artista Hokusai, cujas cores arrojadas e desenhos achatados inspiraram tantoO pano de fundo abstracto, obtido através da raspagem de várias camadas de tinta, evoca uma tela dobrável japonesa de estilo nihonga.

A aplicação pacífica da cor no pano de fundo desta pintura contrasta fortemente com o cómico Mr. D.O.B. no topo de uma paródia da onda de Hokusai. Murakami, que tem um doutoramento em nihonga, combina eficazmente os mundos da antiga beleza japonesa com os populares desenhos animados japoneses modernos. Murakami lançou a série Mr. DOB com a intenção de criar um símbolo moderno equivalente ao Rato Mickey, ou ao HelloKitty. O Sr. DOB é a mascote da empresa.

Este padrão repetitivo é o primeiro "ADN artístico" de Murakami, que pode ser visto numa variedade de meios e contextos culturais, desde pinturas de belas artes e esculturas maciças a t-shirts, faixas e porta-chaves produzidos em massa.

"O público não precisa do criador, apenas da persona", proclama, para fazer desaparecer o criador. "Desespero-me com a ideia de que o mundo não se purificaria, e que a arte é um meio eficaz para perdurar alegremente, mesmo depois do meu enterro", continua Murakami, fazendo eco dos artesãos japoneses sem nome do passado. A popularidade desenfreada de Mr. DOB deu a Murakami a coragem de se elevar ao nível deDuchamp, Cézanne, Warhol e Picasso, que "tinham características para durar muitas décadas para além das suas vidas", nas suas palavras. O Sr. DOB é simultaneamente uma comemoração e uma crítica da civilização actual, e é esta dicotomia que o torna tão apelativo.

Hiropon (1997)

Com a sua cintura pequena e grossas tranças cor-de-rosa, esta escultura excessivamente sexualizada tem seios tão grandes que irrompem do seu fino top de biquíni, projectando um jacto de leite que envolve a sua forma. Embora esta escultura pareça ser uma figura de banda desenhada, a sua presença física imponente e a sua colocação em cima de uma vitrina branca imaculada lembram aos espectadores que estão a olhar para "belas artes".

Esta escultura, que combina a doçura feminina com uma depravação assustadora, representa a extensa ligação de Murakami com a sociedade otaku, particularmente com o seu lado pornográfico, conhecido como o "Complexo Lolita", no qual a pureza e a feminilidade são paradoxalmente valorizadas e glamourizadas.

Em Hiropon Murakami descreve estas obras de arte como "um reflexo da minha paixão pessoal por anime quando andava no liceu e assimilei muitas coisas do anime, como as suas qualidades sensuais e de fantasia, que culminaram neste trabalho".

No entanto, para além da sua caricatura e do seu verniz relativamente insignificante, esta obra de arte serve como uma severa acusação à civilização japonesa pós-Segunda Guerra Mundial. Murakami tem afirmado frequentemente em conversas e publicações que a presença dos EUA após a Segunda Guerra Mundial infantilizou o Japão, tornando-o o "rapazinho" em relação aos EUA. De acordo com Murakami, após a Segunda Guerra Mundial, o Japão foi "impedido de se envolver plenamente nageopolítica mundial, os impulsos estético-políticos japoneses explodiram em sonhos de criaturas e heróis, batalhas galácticas, andróides e crianças em idade escolar - todas as manifestações de anime, banda desenhada e jogos de vídeo".

Ele retrata este facto como tendo um impacto brutalizante no Japão e, como consequência, a sociedade japonesa ficou preocupada com a beleza juvenil e, com ela, com uma encarnação sexual mais sombria e violenta deste desejo. O termo refere-se ao lado mais sombrio da sociedade japonesa - "hiropon" é um termo japonês para crystal meth.

O estudo de Murakami sobre a subcultura otaku como uma forma ilegal de entretenimento é demonstrado por esta ligação física à sociedade da droga.

Supernova (1999)

À primeira vista, esta imagem de cogumelos com vários painéis, denominada Supernova, parece ser uma fantasia infantil e caprichosa, executada no estilo Superflat característico de Murakami, que funde referências à arte clássica japonesa com a cultura pop moderna. No entanto, os olhos mutantes, os espigões em forma de presas, os tons caleidoscópicos e as formas retorcidas destes animais sugerem tendências obscuras.

O título da obra de arte refere-se à canção "Champagne Supernova", de 1995, da banda britânica Oasis. A relação da canção com a cultura da droga implica que estas imagens fantásticas podem ser potencialmente consideradas como cogumelos mágicos.

Um fungo maciço com uma coroa coberta de olhos grotescamente deslumbrantes e presas em forma de cacos está situado no centro. Ao longo dos seus sete painéis, uma faixa horizontal de pequenos cogumelos espalha-se. A peça foi inspirada na obra de Ito Jakuchu Compêndio de legumes e insectos (No entanto, no contexto do Japão do pós-guerra, o cogumelo é também uma recordação inquietante da nuvem em forma de cogumelo gerada pelas bombas nucleares dos Estados Unidos disparadas sobre Nagasaki em 1945.

O estado mutante do cogumelo evoca as consequências negativas horríveis e duradouras da radiação nuclear.

Os cogumelos são uma presença frequente nos escritos de Murakami. A sua representação fantasiosa de uma alegria brilhante é uma acusação velada à sociedade japonesa obcecada pela juventude, que valoriza tanto a ingenuidade como a doçura, o que se reflecte nas cores vivas e nos traços cómicos da obra.

Piscar de olho (2001)

Invadindo a grandiosidade formal da Grand Central Station de Nova Iorque, bolhas gigantescas cobertas com os olhos e flores característicos de Murakami parecem flutuar à volta do grande espaço como balões, enquanto duas esculturas de chão parecem erguer-se do chão. Esta obra, apresentada pela Creative Time, oferece uma coexistência contraditória e sarcástica do Neo-Pop japonês com a grandiosidade formal daA arquitectura tradicional Beaux-Arts do Grand Central Terminal.

As esculturas lançam um olhar interrogativo aos transeuntes interessados, divertidos ou atarefados, incitando-os a estabelecer um diálogo humorístico.

Piscar de olho Quando olhamos para estas imagens, elas olham-nos de volta", comentou Murakami sobre os olhos de desenho animado nos orbes luminosos. De acordo com a escritora de arte Roberta Smith, "é prejudicada pelo seu contexto impróprio, uma enorme sala de espera antiga desprovida das suas cadeiras de madeira, que parece ser todaEsta estranha mistura cultural é, no entanto, exactamente o que Murakami quer dizer.

O objectivo de Murakami de apelar a um público alargado deriva da sua ambição crescente de revelar os mundos entrelaçados da alta arte e dos negócios.

Aprender as formas de arte na Europa e na América. Os museus são visitados por um pequeno número de pessoas, as salas de cinema são muito maiores. Esse lugar, o museu, faz lembrar os meios de comunicação da velha guarda, como a ópera. É por isso que sou tão apaixonado por criar coisas para as pessoas comuns".

Eye Love SUPERFLAT (2006)

Em 2002, Murakami iniciou o seu trabalho a longo prazo com a Louis Vuitton. Os desenhos de Murakami incluem o monograma da marca LV em 97 cores diferentes, bem como os seus olhos de medusa característicos que se repetem em fundos brancos ou pretos. Murakami foi pioneiro na comercialização da arte como marca comercial em resultado deste famoso empreendimento.

Esta cooperação histórica também rendeu à Louis Vuitton mais de 300 milhões de dólares. Apesar de muitos críticos de arte terem escarnecido da sua comercialização óbvia, para ele é apenas a personificação comercial da abordagem do artista à arte.

Murakami foi escolhido por Marc Jacobs, o designer-chefe da Louis Vuitton na época, para atrair um novo grupo de jovens japoneses para o abraço da marca premium. Murakami, por outro lado, sente que a moda pode ser um espelho visual da época, afirmando que "subculturas e acontecimentos particulares em várias nações se misturam para produzir o clima de uma época, que gera moda".O desejo de retratar os nossos tempos é coerente com o seu maior objectivo criativo de confrontar e revelar o núcleo da sociedade japonesa contemporânea a um público mundial.

Pouco depois de lançar a sua colecção Louis Vuitton, Murakami reapropriou-se dos mesmos motivos impressos nos sacos para pinturas destinadas a grandes instituições de arte e coleccionadores famosos, esbatendo ainda mais a barreira entre arte e consumismo. Uma loja Louis Vuitton foi incluída na exposição "Murakami" de 2007 no Museu de Arte Contemporânea de Los Angeles, que, como o escritor de arte Dave Hickeyobservou: "Transformou o museu num caro Macy's".

Quando vista de uma perspectiva diferente, a colecção Louis Vuitton/Murakami apresenta uma nova sociedade de elite para os ricos.

"Murakami está provocadoramente (e possivelmente com astúcia) absorvido nos procedimentos do capitalismo neoliberal, sugerindo que está a desafiar a dicotomia da arte, ao mesmo tempo que tenta explorar e comemorar os procedimentos de comercialização e transferência de representação que ocorrem no pós-moderno", escreve a historiadora de arte Kristen Sharp.

Flores azuis e caveiras (2012)

Nesta peça, a mortalidade e a inocência encontram-se quando margaridas sorridentes e caveiras de olhos grandes inundam o plano da imagem e se fundem aleatoriamente graças à paleta de cores azuis da obra. A mistura de doçura e mortalidade de Murakami é o seu método de ligação - e de crítica - ao fascínio japonês pela fofura. Segundo Murakami, "a tradição Kawaii tornou-se um organismo vivo quepenetra em tudo".

"Com um povo despreocupado com o custo de festejar a imaturidade, o país está a braços com um enigma: a obsessão pelo anti-envelhecimento pode controlar não só o coração, mas também o corpo", afirma. Murakami expõe um envolvimento mais duro com estas flores alegres e infantis nesta frase, que visa directamente a sociedade actual.

O crânio tem actuado como um espelho da aproximação da própria morte ao longo da história da arte ocidental.

Isto também corresponde à noção budista japonesa de Shogyo mujo, que se traduz aproximadamente como "Tudo é passageiro". Murakami entende esta frase como significando que, no final, "Toda a gente vai morrer, por isso não se preocupem".

Leitura recomendada

Hoje, descobrimos o maravilhoso e estranho mundo das esculturas e obras de arte de Takashi Murakami. Mas há muito mais para aprender sobre este famoso artista pop japonês. Consulte a nossa lista de livros recomendados para descobrir ainda mais sobre as pinturas e a vida de Takashi Murakami.

Murakami: Ego (2012) de Takashi Murakami

Uma colecção completa de Takashi Murakami, um dos pintores vivos mais conhecidos da actualidade, é supervisionada pelo próprio artista neste livro. Murakami é conhecido em todo o mundo pela sua hábil mistura de arte alta e baixa. O público é envolvido pela forma única de Murakami canalizar a emoção e a ansiedade da sociedade contemporânea nesta colecção, que coincide com uma exposição significativa deMurakami - Ego, concebido como um auto-retrato em forma de cartoon, evidencia a função do artista como descodificador e crítico dos fenómenos culturais, bem como um reflexo das redes mundiais de consumo, reinterpretação e comércio.

• Um volume completo supervisionado pelo próprio Murakami
• Apresenta algumas das séries mais célebres do artista
• Completo com uma entrevista do curador Massimiliano Gioni

Takashi Murakami: O polvo come a sua própria perna (2017) por Michael Darling

Takashi Murakami, um dos mais conhecidos expoentes da arte moderna, recebe uma atenção crítica há muito esperada nesta antologia essencial. Este livro, que acompanha a primeira grande exposição inteiramente dedicada às pinturas de Takashi Murakami, segue a carreira de Murakami desde os seus primeiros anos de escolaridade até à sua actividade actual no estúdio.A obra de Murakami, esta é a primeira análise exaustiva dos seus trabalhos como pintor.

• Ricamente ilustrado com uma biografia pormenorizada e um historial de exposições
• O primeiro estudo sério da obra de Murakami como pintor
• Um verdadeiro essencial para coleccionadores e fãs

Inspirando-se na Factory de Andy Warhol, Murakami criou um novo tipo de arte Pop, apropriadamente designado por Neo-Pop, em que a barreira entre a cultura pop e a arte erudita não só se esbateu, como foi totalmente apagada. A arte Pop japonesa de Murakami goza com a sociedade consumista do pós-guerra, "amostrando" e "reaproveitando" os seus motivos e figuras no contexto da arte erudita.Neste sentido, Murakami destrói a ideia de exclusividade e de superioridade do mundo da arte, ao mesmo tempo que beneficia com isso.

Perguntas mais frequentes

Que tipo de arte são os quadros de Takashi Murakami?

Os seus críticos apelidaram-no de vigarista que está a cair na crescente necessidade do mercado de arte de consumir facilmente arte japonesa exótica. Para Murakami, no entanto, isto é um elogio, e é exactamente o que ele queria dizer. A sua arte é influenciada pela cultura otaku no Japão, que está cheia de estranhas perversões de beleza e pureza, bem como de incrível selvajaria. Murakami utiliza isto para construir umacrítica sofisticada da actual sociedade japonesa e da influência invasora do Ocidente sobre ela.

Porque é que Takashi Murakami é famoso?

As esculturas e obras de arte de Takashi Murakami têm sido caracterizadas como vibrantes e insanamente alegres. As pinturas de Takashi Murakami explodiram em popularidade no mundo da arte contemporânea, recebendo tanto elogios como críticas pela sua arte pop japonesa. As esculturas e obras de arte de Murakami misturam alusões à cultura pop japonesa com a rica herança cultural do país, esbatendo habilmente afronteira entre o comércio e a alta arte.