Vanitas - En påminnelse om människans dödlighet genom Vanitas målningar

John Williams 30-09-2023
John Williams

V anitas var en konstform som började på 1500- och 1600-talen och som existerade som en symbolisk typ av konstverk som visade på livets och nöjeslivets tidslöshet och meningslöshet. Den mest kända genren som kom från Vanitas-temat var stillebenet, som var otroligt populärt i norra Europa och Nederländerna. Vanitas-konstverk uppstod under en tid av stor religiösspänningar i Europa, eftersom den framstod som en försvarare av den protestantiska uppgiften att rannsaka sig själv.

Vad är Vanitas?

Vanitas, som har sitt ursprung i Nederländerna under 1500- och 1600-talen, blev en mycket utbredd typ av konstverk. Holländsk mästarmålning Vanitas-genren använde sig av stillebenformen för att frammana livets flyktiga kvalitet och livets fåfänga i de konstverk som producerades.

Vid denna tid var Europa uppslukat av stora handelsmässiga rikedomar och regelbundna militära konflikter, vilket gav målarna intressanta ämnen och idéer att ta ställning till. Konstnärerna började uttrycka ett intresse för livets korthet, de jordiska glädjeämnenas meningslöshet samt det meningslösa sökandet efter makt och ära. Dessa teman överbetonades sedan i de målningar som gjordes ochDessa egenskaper kom att betraktas som väsentliga i de följande Vanitas-verkens konstverk.

En mycket mörk form av stillebenmåleri blomstrade när Vanitas-temat började bli allt populärare, eftersom konstverken syftade till att påminna betraktarna om deras egen förestående dödlighet. Vanitas-artisterna ägnade sig åt att kommunicera till den välbärgade allmänheten att saker som nöjen, rikedomar, skönhet och auktoritet inte var oändliga egenskaper.

Allt är fåfänga (1892) av Charles Allan Gilbert, där livet, döden och meningen med tillvaron är sammanflätade. På bilden ser man en kvinna som tittar i en boudoirspegel som har formen av en skalle; Charles Allan Gilbert, Public domain, via Wikimedia Commons

Denna starka påminnelse om förgänglighet demonstrerades i olika Vanitasmålningar genom att vissa föremål inkluderades. Saker som blev vanliga i dessa målningar var världsliga föremål som böcker och vin, som placerades bredvid meningsfulla symboler som skallar, skrumpande blommor och timglas. Dessa föremål förmedlade alla temat om tidens förlopp i målningarna, vilketbetonade ytterligare dödlighetens ständigt närvarande verklighet.

Eftersom syftet med Vanitas-målningarna var att visa på både det meningslösa i världsliga strävanden och dödens visshet, fanns det två typer av målningsstilar. Den första kategorin omfattade målningar som fokuserade på döden genom att inkludera föremål som skallar, ljus, utbrända lampor och vissnande blommor. Den andra kategorin, i ett försök att antyda dödens oundviklighet, symboliserade denjordiska njutningars flyktiga natur med föremål som pengar, böcker och smycken.

En annan viktig symbol som användes i båda kategorierna var timglas, öppna fickur och klockor som visade att tiden gick. Dessa föremål uppmanade tittarna att förstå att tiden var en värdefull resurs och skällde subtilt ut dem som verkade slösa bort sin tid.

Se även: Berömda arkitekter - en guide till berömda arkitektoniska formgivare

Många Vanitasmålningar kombinerade båda kategorierna för att skapa konstverk som var symboler för både död och förgänglighet.

Riddarens dröm (ca 1650) av Antonio de Pereda, där en gentleman från 1600-talet, klädd i tidens kläder, sitter och sover medan en ängel visar honom hur flyktiga nöjen, rikedomar, ära och ära är; Antonio de Pereda, Public domain, via Wikimedia Commons

Vid första anblicken är Vanitas målningar otroligt slående, eftersom deras kompositioner är mycket kaotiska och oorganiserade. Duken är vanligtvis full med föremål som först verkar slumpmässiga, men vid närmare granskning visar sig föremålens typ och närhet innehålla mycket symbolik och existerar som ett stilistiskt val.

Trots att Vanitas målningar innehåller element av stilleben skiljer de sig mycket från varandra genom att de är mycket symboliska. Konstnärerna skapade inte målningar för att visa upp olika föremål eller för att demonstrera sin konstnärliga skicklighet, eftersom båda egenskaperna blev uppenbara ju mer målningen betraktades och observerades.

De målningar som skapades under den här tiden var en symbolisk skildring av världens osäkerhet och betonade tanken att ingenting kan stå emot förfall och död. Vanitas konstverk hade alltså ett allvarligt budskap, eftersom syftet var att predika genrens tankar och idéer till sina betraktare.

Förutom att Vanitas var populärt under hela sin tid har det fortsatt att påverka några av de konstverk som för närvarande ses i det postmoderna konstsamhället. Bland kända konstnärer som har experimenterat med Vanitas-stilen finns följande Andy Warhol och Damien Hirst, som använde sig av dödskallar i sina konstverk.

Liksom i de moderna skildringar av Vanitas som finns i dag är budskapet i genren detsamma: Detta är det enda liv vi får, så låt det inte passera förbi innan du kan njuta av det fullt ut.

Förstå definitionen av Vanitas Art

När vi söker en definition bör vi först förstå begreppets etymologi. Ordet vanitas är av latinskt ursprung och ansågs betyda "meningslöshet", "tomhet" och "värdelöshet". Dessutom var "vanitas" nära besläktat med det latinska talesättet memento mori Detta talesätt sades finnas som en konstnärlig eller allegorisk påminnelse om dödens visshet, vilket motiverade att man inkluderade dödskallar, döende blommor och timglas i de Vanitasmålningar som skapades.

En lämplig definition av Vanitas-konsten skulle således omfatta konstverk som talar om dödlighetens oundviklighet och det meningslösa i världsliga nöjen. Detta gjordes i huvudsak genom att inkludera olika symboliska föremål som var utformade för att påminna betraktaren om dessa idéer.

Vanitas påminner oss om fåfängligheter

Begreppet vanitas Man trodde att vanitas var tanken bakom Vanitasmålningarna, eftersom de skapades för att påminna människor om att deras skönhet och materiella ägodelar inte uteslöt dem från deras oundvikliga dödlighet.

Begreppet kommer ursprungligen från Bibeln i de inledande raderna i Predikaren 1:2, 12:8, som lyder: "Fåfänglighetens fåfänga, säger predikanten, fåfänglighetens fåfänga, allt är fåfänga." Men i King James-versionen har det hebreiska ordet Hevel har felaktigt översatts till att betyda "fåfänglighetens fåfänga", trots att det egentligen betyder "meningslös", "meningslös" och "obetydlig", Hevel innebar också begreppet förgänglighet, vilket var en viktig idé i Vanitas-målningarna.

Skull i en nisch (ca första hälften av 1500-talet) av Barthel Bruyn den äldre, där vi ser en anatomiskt korrekt skalle placerad i en nisch av sten. Pappersbladet kan översättas till "Utan någon sköld som kan rädda dig från döden, lev tills du dör"; Barthel Bruyn den äldre, Public domain, via Wikimedia Commons

Förhållandet mellan vanitas och religion

Vanitasmålningarna sågs inte bara som ett rent konstverk, utan de bar också på viktiga moraliska budskap som gjorde att de ansågs vara en slags religiös påminnelse. Målningarna var främst utformade för att påminna dem som betraktade dem om livets trivialitet och dess nöjen, eftersom ingenting kunde stå emot den beständighet som döden medförde.

På grund av ämnet är det tveksamt om Vanitasgenren skulle ha varit lika populär om det inte hade varit för motreformationen och kalvinismen, som satte den i rampljuset. Båda dessa rörelser, den ena katolsk och den andra protestantisk, uppträdde samtidigt som Vanitasmåleriet började öka i popularitet.

I dag anser kritiker att dessa rörelser var ytterligare en varning mot livets fåfängligheter, eftersom de betonade att ägodelar och triumf skulle minskas, vilket ytterligare betonade det som Vanitas-genren stod för.

Protestantismens inflytande

Den protestantiska reformationen som inträffade på 1500-talet orsakade en anmärkningsvärd förändring i det religiösa tänkandet i hela Europa. Kontinenten började delas upp mellan katolicism och protestantism, vilket skapade stor osäkerhet i många religiösa frågor. Detta ledde till att katolikerna förespråkade att heliga bilder skulle utrotas, medan protestanterna trodde att dessa bilder kunde varagynnar en individuell reflektion över Gud och andra heliga ämnen.

Den nederländska republiken, som frigjorde sig från sina katolska spanska härskare, blev en stolt protestantisk stat i början av 1600-talet. Den individualistiska känslan av medvetenhet som följde med protestantismen bidrog till att leda nederländska konstnärer till genren vanitas, eftersom de ville uttrycka sina religiösa känslor med hjälp av en lämplig konstform.

Vanitas-genren byggde alltså på protestantisk etik, vilket framgår av de idéer och teman som framträdde i de målningar som skapades. Vanitas påminde människor om att de världsliga sakerna, trots att de var tilltalande, förblev flyktiga och otillräckliga i förhållande till Gud. Målningarna betonade alltså den oundvikliga dödlighet som betraktaren stod inför, i ett försök att påminna betraktaren om att handla i enlighet medi enlighet med Gud.

Exitus Acta Probat ("Resultatet rättfärdigar handlingen", ca 1627-1678) av Cornelis Galle den yngre, som föreställer en allegori över döden. Under den står följande inskription Quid terra cinisque superbis Hora fugit, marcescit Honor, Mors imminet atra. Översatt betyder det: "Vad är askan stolt över? Tiden flyger, tvivelaktig heder, död och svart." Cornelis Galle den yngre, Public domain, via Wikimedia Commons

Vanitas och realism

Vanitaskonsten var otroligt realistisk, eftersom den var fast förankrad i jordiska begrepp som skilde sig mycket från den katolska konstens mystiska teknik. Därför var denna genre av Vanitaskonst viktig för att styra betraktarens tankar mot himlen genom att avbilda föremål som existerade på jorden.

Realismen är också märkbar i Vanitas målningar eftersom de var utomordentligt invecklade och specifika. En närmare granskning av konstverken avslöjade konstnärernas ökade skicklighet och hängivenhet, eftersom de lyfte fram föremål från betraktarens liv i ett försök att göra målningen så relevant och tillämpbar som möjligt.

Genom att använda sig av en realistisk stil kunde Vanitas-konstnären isolera och sedan betona konstverkens huvudbudskap, som kretsade kring de vardagliga tingens fåfänga. Realismen i dessa konstverk hjälpte betraktaren att förstå och därefter ordna sitt sinne i förhållande till livets flyktiga aspekter, vilket stod i stark kontrast till den faktiska målningens oordning.

Vanitas och stilleben

En av de viktigaste aspekterna av Vanitas-genren var att den betraktades som en undergenre till stillebenmålning Vanitasmålningar var alltså helt enkelt en variant av den traditionella stillebenformen. Typiska stillebenmålningar bestod av livlösa och vanliga föremål, som blommor, mat och vaser, och konstverkets uppmärksamhet riktades enbart mot dessa föremål.

I Vanitas-stillebenet används dock dessa föremål som traditionellt finns i ett stilleben för att framhäva en helt annan idé.

Vanitas-stillebenet sades lära betraktarna en viktig och moralisk läxa, eftersom konstnärerna satte vanliga fåfängligheter i kontrast till en individs eventuella död. Detta gjordes för att till en början tilltala betraktarna, innan de blev ödmjuka när de väl hade betraktat och förstått verket och tänkte på hur de skulle behandla andra och världen.

Nature morte de chasse ou Attirail d'oiseleur ("Stillleben av jakt" eller "Stillleben av fiskarutrustning", före 1675) av Cornelis Norbertus Gysbrechts; Cornelis Norbertus Gijsbrechts, Public domain, via Wikimedia Commons

Egenskaperna hos ett Vanitas-konstverk

I de Vanitas-målningar som skapades fanns vissa egenskaper som gjorde att de kunde räknas in i genren. Dessa egenskaper var centrerade kring de teman och motiv som utforskades i varje konstverk, vilka diskuteras nedan.

Teman

De teman som fanns i de Vanitas-målningar som producerades hade mycket gemensamt med medeltida minnesstunder för de döda. Före denna målargenre verkade denna besatthet av död och förruttnelse morbid. Men efter att ha överlappat med den latinska frasen memento mori Med tiden blev dessa teman i målningarna mer indirekta och därmed acceptabla.

I takt med att stillebengenren ökade i popularitet ökade också Vanitas-stilen. Dess teman, som fortfarande var chockerande och dystra för betraktarna, blev lättare att förstå, eftersom de endast användes för att påminna om livets och nöjenas tidsbundenhet och om dödens faktiska säkerhet.

Förutom sina grundprinciper presenterade Vanitaskonsten en moralisk motivering för att måla attraktiva föremål i makabra miljöer, eftersom det budskap som målningarna försökte förmedla var mycket viktigare än själva föremålen.

Blommor och små varelser - Vanitas (andra halvan av 1600-talet) av Abraham Mignon, där ett enda fågelskelett, knappt synligt i en livlig och farlig natur (ormar, giftiga svampar), är en symbol för fåfänga och livets korthet; Abraham Mignon, Public domain, via Wikimedia Commons

Motiv

Det finns flera motiv som var grundläggande för Vanitas-genren. Beroende på målningens geografiska läge, eftersom olika regioner föredrog olika motiv, betonade konstnärerna en mängd olika motiv.

Vanitas målningar innehåller många symboler, och samma typ av motiv används för varje kategori. Motiven som används för att beskriva rikedom är guld, plånböcker och smycken, medan de som används för att beskriva kunskap är böcker, kartor och pennor.

Motiven som användes för att skildra njutning tog formen av mat, vinbägare och tyger, och symbolerna för död och förfall representerades vanligen av skallar, ljus, rök, blommor, klockor och timglas.

Symbolik i Vanitas målningar

Den viktigaste symbolen som alltid var närvarande i de många Vanitas-målningarna var medvetenheten om människans dödlighet. Oavsett vilka andra föremål som inkluderades var hänvisningen till dödligheten alltid tydlig. Oftast skildrades detta genom att inkludera en skalle, men även andra föremål, som t.ex. vissnande blommor, brinnande ljus och såpbubblor, uppnådde samma effekt.

Vanitas stilleben med skalle, noter, violin, jordglob, ljus, timglas och spelkort på ett draperat bord. (1662) av Cornelis Norbertus Gijsbrechts; Cornelis Norbertus Gijsbrechts, Public domain, via Wikimedia Commons

Symboler som rörde begreppet tid ingick också, vilket vanligtvis framställdes med hjälp av en klocka eller ett timglas. Även om ruttnande blommor kan tala om döden, antyder de också att tiden går, vilket gör att de kan användas för båda begreppen. Det begrepp som Vanitasmålningar möjligen framkallar mest, förutom dödlighet, är dock den hårda sanningen.

I Vanitas stilleben som skapades utforskades hopplösheten i våra vardagliga sysselsättningar inför vår dödliga existens.

Berömda Vanitas-artister och deras konstverk

Vanitasmålningar började först som stilleben som målades på baksidan av porträtt som en direkt och tydlig varning till personen om livets förgänglighet och dödens oundviklighet. Så småningom utvecklades dessa varningar till en egen genre och blev framstående konstverk.

I början av rörelsen verkade konstverken mycket dystra och mörka, men i takt med att rörelsen ökade i popularitet började konstverken ljusna upp något mot slutet av perioden. Ett antal konstnärer blev kända för sina Vanitas-konstverk, som ses som ett kännetecken för den holländska konsten. I listan nedan kommer vi att utforska några av de mest kända och inflytelserika konstverken.från Vanitas-perioden.

Hans Holbein den yngre: Ambassadörerna (1533)

Målad av tysken Hans Holbein den yngre, Ambassadörerna I detta konstverk föreställer Holbein den franske ambassadören i England och biskopen av Lavaur, där de två männen lutar sig mot en hylla som är prydd med Vanitas-symboler.

Ambassadörerna (1533) av Hans Holbein den yngre; Hans Holbein, Public domain, via Wikimedia Commons

Bland dessa föremål finns ett solur, en världskarta, böcker och musikinstrument. Genom att betrakta dessa föremål i förhållande till de två männen får man veta att de är utbildade, har rest och därefter har fått ta del av världens läckerheter.

Dessa föremål tros symbolisera den kunskap som de har, som ansågs vara övergående i jämförelse med den permanenta kunskapen om att döden fortfarande var på väg.

Den mest påtagliga Vanitas-symbolen i den här målningen är skallen, som är placerad i förgrunden. Men skallen är förvrängd, vilket innebär att den bara kan ses korrekt från ett specifikt perspektiv. Denna deformation skapar ett stort mysterium kring idén om döden i det här konstverket, eftersom den kan ses från flera olika synvinklar. När man kan se skallen korrekt, existerar den somDen var en påminnelse om dödligheten och den förestående döden, men när den betraktades från en annan vinkel förbisåg betraktarna den ofta och var förvirrade över vad den var.

Pieter Claesz: Vanitas stilleben med violin och glaskula (c. 1628)

En av de största målarna under den holländska guldåldern var Pieter Claesz, som målade Vanitas Stilleben med violin och glaskula. Detta konstverk visade Claesz konstnärliga mästerskap när det gällde att skildra flera Vanitas-motiv.

Vanitas-Stillleben med självbild ("Vanitas stilleben med violin och glaskula", ca 1628) av Pieter Claesz; Pieter Claesz, Public domain, via Wikimedia Commons

I detta konstverk styrs betraktarens öga till de olika detaljerna av det efterföljande ljuset som avbildas. Det omkullvälta glaset, som är helt tomt, reflekterar ett fönster och kan också ses i reflektionen av glaskulan på den motsatta sidan av målningen. Det ansågs symbolisera de världsliga njutningarnas kortvarighet, vilket ytterligare betonades genom att inkludera ensläckt ljus, en klocka och en skalle.

Även om de först var slumpmässiga, valdes varje föremål noggrant ut i denna samling, eftersom de existerar som representationer av den latinska frasen memento mori för att påminna betraktaren om döden. Claesz var välkänd för de begränsade färgerna han använde i sina Vanitas-stilleben, och denna målning är inget undantag. målningen består av bruna och gröna nyanser, med undantag för det blåa bandet, som bidrar till konstverkets mörka och dystra stämning.

Antonio de Pereda: Allegori över fåfänga (1632 - 1636)

Mycket lite är känt om Spansk konstnär Antonio de Pereda, som målade ett av de mest välkända Vanitas-stilleben. Detta konstverk, med titeln Allegori över fåfänga , antyder på ett elegant sätt den meningslösa jakten på makt, vilket visas av ängeln som är omgiven av utsökta varor. Bredvid henne ligger pengar och fina smycken, men ängeln verkar vara omedveten om denna rikedom. Det är som om hon förstår den dolda innebörd som målningen försöker förmedla innan betraktaren kan räkna ut den.

Allegori över fåfänga (1632-1636) av Antonio de Pereda; Antonio de Pereda, Public domain, via Wikimedia Commons

Trots att dödens oundviklighet skildras av timglaset, ljusstaken och skallen kommunicerar målningen inte direkt teman som morbiditet och modlöshet till betraktaren. Detta kan bero på att ängeln verkar medveten om sin förgänglighet i den naturliga världen, eftersom hon vet att hennes närvaro kommer att vara evig i livet efter döden.

Maktens meningslöshet skildras återigen av ängeln som håller en cameo som föreställer Spaniens kung medan han pekar på jordklotet. Denna rörelse sägs hänvisa till det meningslösa i mänskliga strävanden, som till exempel strategin "söndra och härska", som ingick i ett försök att varna individer om hopplösheten i alla deras handlingar så att de skulle kunna sluta med dem.

Jan Miense Molenaer: Allegori över fåfänga (1633)

Allegorin om fåfänga, målad av Jan Miense Molenaer, sägs vara ett utmärkt exempel på Vanitaskonst. Konstverket föreställer tre personer som tros vara en kvinna, hennes son och hennes tjänare. Det finns flera symboler i målningen som anspelar på teman som lyx, extravagans och tillfredsställelse. Dessa idéer skildras av musikinstrumenten, ringen på hennes finger, kartan som hänger på väggen i den andra sidan avbakgrund, liksom kläderna som mamman och sonen bär.

Allegori över fåfänga (1633) av Jan Miense Molenaer; Jan Miense Molenaer, Public domain, via Wikimedia Commons

Trots allt detta överflöd visas en känsla av meningslöshet och obetydlighet genom kvinnan om hennes relation till sin son. Kvinnan sitter och stirrar allvarligt i fjärran medan hennes son försöker fånga hennes uppmärksamhet. Medan detta sker verkar hon hålla i en ring och en spegel, som är med som symboler för hennes fåfänga.

Det verkar som om pojken, hur mycket han än försöker fånga sin mors uppmärksamhet, inte kan rädda henne från hennes förslavning av livets meningslöshet. Livets meningslöshet understryks ytterligare av den skalle som hon vilar sina fötter på, eftersom den ingår som en påminnelse om den kommande döden och förfallet.

Willem Claesz: Stilleben med ostron (1635)

Den holländske målaren Willem Claesz var känd för sin innovation i sina stilleben, som han målade uteslutande under hela sin karriär. Stilleben med ostron Det är en ovanlig tolkning av Vanitas-målningar, eftersom inga uppenbara Vanitas-symboler eller -föremål finns med, utan Claesz avbildade helt enkelt rikedomar som ostron, vin och en tazza i silver.

Stilleben med ostron, en silvertazza och glas (1635) av Willem Claesz; Willem Claesz. Heda, Public domain, via Wikimedia Commons

Trots att dessa föremål är kända för sitt överflöd verkar de vara i fullständig oordning, eftersom tallrikarna har välts och maten har lämnats i förtid. Ett subtilt Vanitas-motiv representeras av en skalad citron som avslöjar det bittra inuti och som sägs vara en symbolisk skildring av människans girighet. Dessutom verkar ostronen vara tomma på både mat ochBåda föremålen sägs visa hur tiden går och hur livet ser ut, och den hoprullade pappersbiten är hämtad från en kalender.

Den färgpalett som Claesz valt i målningen är både mörk och begränsande, vilket var ett vanligt val i majoriteten av Vanitas-målningarna från den här tiden. Dessa färger valdes främst på grund av deras grubblande egenskaper och deras förmåga att skapa en dyster stämning. Den enda ljuskällan som ingår gjordes för att påminna betraktaren om den egna förestående döden.

Judith Leyster: Den sista droppen (Den homosexuella kavaljeren) (1639)

Den sista droppen, målad av Judith Leyster, är ett unikt exempel på Vanitas-målningar under denna tid. Två män, som utifrån konstverkets titel kan uppfattas som homosexuella, porträtteras som att de ger sig hän åt sina nöjen genom att dricka och dansa.

Den sista droppen (Den homosexuella kavaljeren) (1639) av Judith Leyster; Philadelphia Museum of Art, Public domain, via Wikimedia Commons

Bakom dessa män finns ett skelett i bakgrunden som fångar betraktarens uppmärksamhet. Skelettet håller ett timglas och en dödskalle i sina händer, vilket skapar en mycket makaber scen. Trots den ton som skelettet ger upphov till väcker det, tillsammans med de föremål det håller i handen, tankar om förgänglighet och dödens oundviklighet.

Figurernas glädje kontrasteras mot skelettets hemskhet och sänder ett starkt Vanitasbudskap till betraktaren. Budskapet uppmanar i grunden människor att leva i livets ögonblick medan de kan, eftersom tiden går så fort och innan de vet ordet av kommer döden att vara över dem.

Harmen van Steenwyck: Stilleben: en allegorisk beskrivning av det mänskliga livets fåfänga (1640)

Den nederländska målaren Harmen van Steenwyck var en av de ledande konstnärerna inom Vanitas-genren och blev en av sin tids bästa stillebenmålare. Stilleben: en allegorisk beskrivning av det mänskliga livets fåfänga är ett utmärkt exempel på vanitasmåleri, eftersom det i själva verket var ett religiöst verk förklätt till stilleben.

Stilleben: en allegorisk beskrivning av det mänskliga livets fåfänga (ca 1640) av Harmen van Steenwyck; Harmen Steenwijck, Public domain, via Wikimedia Commons

Skallen antyder att även de rikaste individerna inte kan undgå döden och den himmelska domen. Kronometern, som är en klocka, symboliserar hur tiden som går för oss närmare döden. En annan intressant symbol är skalden, som var ett sällsynt samlarobjekt på den tiden. Den ansågs symbolisera jordisk rikedom.och den meningslöshet som följde med sökandet efter dessa rikedomar, och detta visas ytterligare av tyget, böckerna och instrumenten.

Varje föremål i målningen valdes noggrant ut för att effektivt förmedla Vanitas budskap, som sammanfattas i Matteusevangeliet i Nya testamentet. Budskapet säger att betraktaren bör akta sig för att lägga för stor vikt vid rikedomar, materiella föremål och livets tillfredsställelser, eftersom dessa föremål kan bli hinder på vägen till frälsning.

Joris van Son: Allegori om människans liv (1658 - 1660)

Den flamländska konstnären Joris van Son, som målade Allegori om människans liv Vid första anblicken fångas man omedelbart av konstverkets skönhet, som avbildas av den rikliga mängden blommor och frukter. Färgerna som används i målningen ger värme, vilket gör att rosorna, druvorna, körsbären och persikorna ser ännu mer utsökta ut än vad de verkar vara.

Allegori om människans liv (ca 1658-1660) av Joris van Son; Joris van Son, Public domain, via Wikimedia Commons

Vid närmare granskning kan man dock se en dödskalle, ett timglas och ett brinnande ljus i bakgrunden. Dessa Vanitasföremål har placerats mitt i konstverket och ligger sedan vilande i skuggan av den livfulla kransen av vitalitet och liv.

En stor kontrast skapas mellan de sinnliga frukterna, de blommande blommorna och de mörka och vaga objekten som visar på tidlöshet.

Förutom det förfall av liv som skildras verkar den mogna frukten och de färgglada blommorna vara på väg att brista och inbjuder betraktaren att röra vid dem innan de oundvikligen förfaller. Införandet av två idéer som bildas kring det centrala temat förfall visar den andliga betydelse som finns i denna målning. Medan förfallet fortfarande hänvisar till mänskligt liv, inramar och kompletterar det ocksåVanitas objekt innan någon av dem dör ut. Människolivets korthet och människans förmåga att höja sig över döden är alltså ett starkt tema.

Edwaert Collier: Vanitas - Stilleben med böcker, handskrifter och en dödskalle (1663)

Den holländska guldåldersmålaren Edwaert Collier var mest känd för sina stilleben, vilket framgår av hans imponerande konstverk med titeln Vanitas - Stilleben med böcker, manuskript och en dödskalle. Collier var endast 21 år gammal när han målade detta verk, vilket visar på hans stora konstnärliga talang.

Vanitas - Stilleben med böcker, handskrifter och en dödskalle (1663) av Edwaert Collier; Evert Collier, Public domain, via Wikimedia Commons

I den här målningen kombinerade Collier många klassiska Vanitas-symboler, såsom skallen i mitten av konstverket, det öppna fickuret, böcker, ett musikinstrument, glasögon och ett timglas. Genom att inkludera dessa element kommunicerade Collier budskapet att livet, i alla dess härliga aspekter, i huvudsak var meningslöst på grund av dess flyktiga karaktär.Timglaset visade Collier att människor, musik och ord så småningom kommer att förtvina.

Efter att ha sett detta verk uppmanas publiken att ta tag i nuet och leva livet så vackert och njutbart som möjligt, för med tiden skulle inga nöjen vara möjliga. Colliers Vanitas-stilleben är en varning mot världens fåfänga och en uppmaning till betraktaren att njuta av livet innan det är för sent.

Pieter Boel: Allegori över världens fåfänga (1663)

Pieter Boel, en annan viktig flamländsk vanitaskonstnär, specialiserade sig under hela sin karriär på överdådiga stilleben. Allegori över världens fåfänga anses vara ett mästerverk inom Vanitas-genren på grund av sin detaljrikedom och ovanligt stora storlek.

Allegori över världens fåfänga (1663) av Pieter Boel; Pieter Boel, Public domain, via Wikimedia Commons

När betraktaren tittar på verket, ser han genast den barocka storhet som är närvarande, vilket representeras av det omfattande symboliska innehållet. Vid närmare granskning av denna storhet verkar den prakt som Boel avbildar vila på en sarkofag i en kyrka som gradvis faller sönder. Flera föremål, såsom en bröstplatta och ett pilköksrör, antyder att dendet militära nederlagets arroganta karaktär.

I kontrast till dessa föremål avbildas olika intellektuella Vanitas-objekt, bland annat böcker och dokument. Föremål av rikedom avbildas också av biskopens mitra, diademet, den krönta turbanen och den hermelinkantade sidenrocken. Även om dessa symboler för rikedom innebär politisk och religiös makt finns det en motsättning.

Ju mer man tar sig fram bland dessa föremål, desto mer är de en stark påminnelse om att döden segrar över allt, oavsett vad som händer.

Arvet från Vanitas-konsten

Mot slutet av den holländska guldåldern började konstgenren Vanitas att förlora sin popularitet hos allmänheten. Detta berodde på att innebörden av vad Vanitas stod för förlorade sin kraft, förutom att andan i den religiösa kampreformen förlorade sin styrka. Den utveckling som skedde inom stillebenmåleriet under denna tid skulle dock få stort inflytande på den holländska konstgenren Vanitas.kommande generationer av konstnärer.

Se även: "Dödens triumf" av Pieter Bruegel den äldre - konstanalys

Intressant nog sägs Vanitas ha uppstått ur en motsägelse i sig. Genom att måla och därefter skapa en vacker artefakt skapades en fåfänga som varnade betraktaren för farorna med andra fåfängligheter i livet. Vanitas förblev således en viktig konstgenre under 1600-talet, eftersom den styrde och fokuserade individers sinnen mot idéer som speglade döden.och den till synes värdelösa men ändå överdådiga handlingen att leva.

Det som fortsatte i Vanitas fotspår var tillägget av estetisk skönhet till konstverken. Efter att Vanitas hade upphört var stilleben förvånansvärt vackra i sin skildring tills de genomgick en ny förändring i betydelse mot slutet av 1800-talet. Detta leddes främst av konstnärer Paul Cézanne och Pablo Picasso, som började experimentera med de olika estetiska former som stillebenkompositionen hade att erbjuda.

När man tittar på de olika målningar som ingår i denna genre är det lätt att fråga sig: Vad är Vanitas? Vanitas-perioden inom konsten fokuserade på att skapa konstverk som betonade livets förgänglighet och dödens oundviklighet för betraktaren. Budskapet i Vanitas-målningarna var alltså att även om världen kan vara apatisk mot mänskligt liv kan dess skönhet ändå varaoch reflektera över dem innan dödens förfall äger rum.

Ta en titt på vår webbhistoria om Vanitas stilleben här!

John Williams

John Williams är en erfaren konstnär, författare och konstpedagog. Han tog sin Bachelor of Fine Arts-examen från Pratt Institute i New York City och tog senare sin Master of Fine Arts-examen vid Yale University. I över ett decennium har han undervisat konst till elever i alla åldrar i olika utbildningsmiljöer. Williams har ställt ut sina konstverk i gallerier över hela USA och har fått flera utmärkelser och anslag för sitt kreativa arbete. Förutom sina konstnärliga sysslor skriver Williams även om konstrelaterade ämnen och undervisar i workshops om konsthistoria och teori. Han brinner för att uppmuntra andra att uttrycka sig genom konst och tror att alla har förmågan till kreativitet.