Vivemos numa época em que a nossa cultura se está a tornar mais responsável e activa do ponto de vista social. As áreas criativas, incluindo a moda, a arquitectura e as artes visuais, estão a liderar as conversas em torno da sustentabilidade, do ambiente e da consciência social. Na arte, a sustentabilidade levou ao desenvolvimento de obras pioneiras que utilizam materiais e meios inovadores para transmitir mensagens poderosasEste artigo aborda questões como estas e outras, ao mesmo tempo que analisa exemplos de trabalhos de artistas da área da sustentabilidade.

O que significa sustentabilidade?

As ideias sobre sustentabilidade variam na literatura e ao longo do tempo, o que torna difícil estabelecer uma definição precisa. Na nossa era, conhecida como o Antropoceno, a sustentabilidade pode ser entendida, em termos gerais, como um objectivo social que se esforça por assegurar uma coexistência saudável dos seres humanos e de outras espécies no planeta Terra. A era do Antropoceno, derivada de antropo A mudança social no sentido de uma vida mais sustentável tem como objectivo reduzir o efeito negativo que os seres humanos têm no planeta, na esperança de viver em segurança na Terra.a terra com outras espécies em ecossistemas mais saudáveis para muitas gerações vindouras.

O que é a sustentabilidade na arte?

A arte sustentável pode ser definida de várias formas, tal como a maioria dos aspectos do mundo da arte. Alguns artistas preocupam-se principalmente em expressar questões ambientais, enquanto outros utilizam materiais e práticas de estúdio amigos do ambiente no seu trabalho. Além disso, a arte sustentável não se limita apenas às artes visuais; também prevalece na arquitectura e na moda, entre outros. Ao empregarCom as economias circulares e a moda de ciclo fechado, os designers e os fabricantes estão a encontrar formas de utilizar menos água no processo de fabrico, de usar corantes mais ecológicos e de prolongar o ciclo de vida do vestuário. Os músicos, escritores, artistas e cineastas estão também a mostrar cada vez mais interesse em abordar questões de sustentabilidade e de ambiente no seu trabalho.

Para melhor compreender a arte sustentável nas artes visuais, abordaremos brevemente a história do seu desenvolvimento na secção seguinte.

Uma breve história da arte sustentável

Embora o termo "arte sustentável" seja relativamente recente, as qualidades de sustentabilidade têm sido praticadas por muitos criativos de muitas culturas muito antes de ter sido inventado um termo para o efeito. Arte africana A África do Sul, por exemplo, tem uma longa história de arte e cultura feita com materiais naturais que respeitam a natureza, desde obras funcionais e escultóricas de barro e madeira que são transmitidas através de gerações, até à expressão criativa através da pintura corporal, moda e práticas de tecelagem, para citar apenas alguns exemplos.sobretudo na cultura japonesa. Kintsugi O upcycling, por exemplo, é a prática de celebrar a imperfeição e evitar o desperdício através da reparação de cerâmicas partidas e de olaria com vestígios de ouro. artistas contemporâneos actuais Os subtítulos que se seguem abordam brevemente a evolução da sustentabilidade na arte para os diferentes tipos de arte sustentável que se praticam actualmente.

Pinturas de paisagens

A mudança do mundo da arte ocidental para a sustentabilidade começou com a resistência dos artistas românticos do século XIX à industrialização e com a mudança de foco para a natureza nas suas pinturas. Embora estes artistas ainda não tivessem considerado a sustentabilidade em termos de materiais, introduziram uma mudança de pensamento na altura que honrava e glorificava o mundo natural no seu trabalho. Um exemplo desse trabalho incluipinturas de artistas como John Constable, Caspar David Friedrich e Thomas Cole.

Este mesmo enfoque na natureza continuou a inspirar muitas pinturas modernas, especialmente de artistas impressionistas como Claude Monet, que continuamente fez da natureza o seu tema.

Land Art

Desde então, sobretudo a partir da década de 1950, os artistas começaram a desenvolver o seu pensamento de modo a que a natureza deixasse de ser apenas o tema de pinturas e se tornasse o próprio material utilizado para criar obras. Foi também por esta altura que as preocupações dos cientistas com o aquecimento global começaram a crescer. Os primeiros avisos sobre as alterações climáticas, em meados do século XX, só se tornaram mais urgentes na década deO mundo está a tornar-se cada vez mais consciente da importância da crise climática, o que levou vários artistas a trabalharem com temas relacionados com a sustentabilidade na sua arte. A sustentabilidade é um tema central através do qual os artistas estão a destacar estas questões no seu trabalho e estão a ter um impacto real na consciência social através do seu trabalho.

Cais em espiral (1970) de Robert Smithson; Retis, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Na década de 1970, muitos artistas começaram a desafiar o modelo tradicional das galerias, criando obras específicas para cada local e utilizando a terra e o ambiente como meios. Estas obras foram designadas por Land Art, Earth art ou Earthworks. O exemplo mais famoso de Land art é, sem dúvida, a obra de Robert Smithson Cais em espiral (Smithson criou a obra na margem do Great Salt Lake, no Utah, formando uma espiral com mais de 6.000 toneladas de terra e rocha basáltica. A espiral maciça tinha 460 metros de comprimento e 4,6 metros de largura e o objectivo era que a obra interagisse com as condições variáveis da água, da terra e do vento na paisagem e, com o tempo, se desintegrasse e se tornasse parte da paisagem.

O lago enche-se por vezes com a água doce dos rios circundantes, mas não tem escoamento, tornando-se assim uma bacia densa em minerais, especialmente sal. A elevada densidade de minerais significa que muito pouca vida pode ser sustentada aqui.

A intervenção de Smithson na paisagem pode ser vista como uma espécie de trabalho escultórico que utiliza a própria natureza como meio. O ano em que o Cais em espiral A primeira edição do "Dia da Terra", em 1970, foi também o ano em que se realizou o primeiro "Dia da Terra" na América, assinalando o início do movimento de activismo ambiental. Levar a arte para fora do espaço da galeria, para a natureza, era ainda uma ideia relativamente nova na arte ocidental e o trabalho de Smithson inspirou muitos outros artistas a prosseguirem a Land art. Alguns outros artistas famosos por Land art Muitos artistas contemporâneos continuam a usar a Land art como um tipo de arte para lidar com questões relacionadas com o ambiente e a sustentabilidade.

Arte conceptual

Arte conceptual Na arte conceptual, a ideia por detrás da obra de arte é o aspecto mais importante do trabalho e é ainda mais significativa do que o produto final. À semelhança da land art, a arte conceptual é também muitas vezes específica de um local, embora não utilize necessariamente a terra como material. Os artistas conceptuais podem, no entanto, utilizar qualquer materialda sua escolha, desde que o material contribua para a ideia ou o significado da obra.

Dar vida à arte como nunca antes na Tate Modern (2011); "Bringing Art to Life as Never Before" na National Gallery, Trafalgar Square por pam fray, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons

Assim, pode haver muitas semelhanças entre a Arte Conceptual e a Land art, e alguma Land art pode ser considerada conceptual. Para distinguir entre as duas, podemos ver que a Land art pode ser vista como um artista que interage numa paisagem natural específica, o produto final é o mais importante e é predominantemente escultural e específico do local.Por este motivo, muitos projectos e instalações de arte da sustentabilidade podem ser incluídos na categoria de arte conceptual, uma vez que é a ideia de, por exemplo, crise climática, mudança social ou sustentabilidade que constitui o aspecto mais importante do trabalho.

Artistas importantes da sustentabilidade

A natureza conceptual da arte contemporânea significa que muitos artistas de hoje dão prioridade à ideia subjacente ao seu trabalho e tomam decisões conscientes sobre o significado subjacente aos materiais que utilizam, aos locais onde expõem e à forma como a experiência do seu trabalho pode inspirar mudanças. Muitos artistas contemporâneos de hoje lidam com questões relacionadas com as consequências do aquecimento global e com a conservação do ambiente.

Os cinco artistas que se seguem são exemplos excepcionais de artistas contemporâneos que se dedicam a estas questões através de projectos artísticos de sustentabilidade e das suas práticas artísticas.

Agnes Denes (1931-presente)

Entre os artistas ambientais mais conhecidos do mundo encontra-se Agnes Denes, uma artista húngara-americana e pioneira neste campo. Ao longo da sua carreira, tem-se dedicado às paisagens naturais, criando espaços prósperos a partir de espaços desolados. Com uma abordagem altamente colaborativa, Denes ultrapassa frequentemente os limites da arte e alarga o seu trabalho ao activismo. O seu trabalho é frequentemente específico de um local, utiliza a naturezaUma das suas obras mais famosas é o ambicioso Wheatfield - Um confronto Como resultado deste trabalho, Denes ganhou reconhecimento como uma figura de destaque na Arte Conceptual e na Land Art.

Montanha das árvores (2013) de Agnes Denes; Strata Suomi, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Em Wheatfield - Um confronto, Muitos colaboradores ajudaram durante três meses a preparar o solo, a plantar e a colher o trigo. Ao revitalizar um terreno baldio urbano em frente a um edifício que é um símbolo de poder, Denes parecia colocar questões importantes aos decisores políticos e a outras pessoas poderosasO terreno foi entretanto transformado no bairro de Battery Park City e o trabalho apenas se mantém nas fotografias e na memória das pessoas.

El Anatsui (1944 - Presente)

O artista internacionalmente aclamado El Anatsui tem vindo a transformar materiais simples encontrados em montagens deslumbrantes que cativam o seu público desde que começou a fazer arte. Anatsui nasceu no Gana e actualmente vive e trabalha na Nigéria. Embora termos como "reciclagem" e "desperdício zero" sejam bastante recentes nas nossas sociedades, Anatsui tem vindo a adoptar estas práticas ao longo da suaAs suas obras escultóricas, semelhantes a pinturas coladas, tornam-se grandes instalações que transcendem as categorias e incluem frequentemente materiais de desperdício, como tampas de garrafas descartadas, latas velhas, troncos de madeira, pregos, travessas de caminho-de-ferro e raladores de mandioca.

Fio de alumínio e cobre (2006) de El Anatsui; Cliff de Arlington, Virgínia, EUA, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

As obras de Anatsui estão repletas de significado. Não só está a transformar os resíduos em algo belo e impressionante, como também está a comentar a história colonial de África, o consumismo global e as práticas problemáticas de extracção e desperdício. Entre as suas obras mais famosas contam-se uma série de tapeçarias monumentais feitas de tampas, selos e latas recuperadas de destilarias de álcool nigerianas, queoriginado pelo comércio com a Europa.

Para criar estas obras, milhares de peças e tampas de metal são achatadas, dobradas e entrelaçadas com fio de cobre, resultando em obras maciças e intrincadas, repletas de histórias de trabalho, trocas económicas, exploração e desperdício.

Andy Goldsworthy (1956 - Presente)

Conhecido pelas suas esculturas específicas e Land art, Andy Goldsworthy Goldsworthy nasceu em Inglaterra e trabalhou em diferentes quintas desde os 13 anos de idade. A natureza repetitiva do trabalho agrícola inspira o seu processo escultórico, que se baseia fortemente na rotina e no ritmo. Disse uma vez que o seu processo artístico é "como apanhar batatas". Goldsworthy utiliza materiais naturais no seu trabalho, como pedra, barro, pétalas de flores e madeira, e afirmaGoldsworthy considera que o seu principal objectivo é promover uma ligação entre os seus espectadores e a natureza. Vendo a natureza como um colaborador no seu trabalho, Goldsworthy envolve-se com os ciclos naturais de criação e decadência. Através do seu trabalho, celebra frequentemente os padrões orgânicos da natureza e chama a atenção das pessoas para a beleza do mundo natural.

Exposição no West Yorkshire Sculpture Park (2007) de Andy Goldsworthy; Nicholas Smale de Stockport, Reino Unido, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Olafur Eliasson (1967 - Presente)

O trabalho do artista Olafur Eliasson exemplifica a forma como os artistas utilizam materiais sustentáveis para chamar a atenção para os perigos das alterações climáticas. Nascido na Dinamarca em 1967, Eliasson mudou-se para a Islândia aos quatro anos de idade, quando os seus pais se divorciaram. O seu pai era pintor de paisagens e fomentou a paixão de Eliasson pela arte e pela natureza desde tenra idade. Um ano depois de se formar na Academia Real Dinamarquesa de Belas Artes emEliasson estabeleceu o seu estúdio experimental, chamado Studio Olafur Eliasson, em Berlim, em 1995. O estúdio funciona como uma espécie de laboratório e é composto por uma equipa de colaboradores e cientistas de diferentes áreas que ajudam o artista a concretizar as suas ideias ambiciosas.

Bizitza Errealean no Museu Guggenheim (2020); Makeip, CC0, via Wikimedia Commons

Eliasson é mais conhecido pelas suas instalações escultóricas e imersivas de grande escala, que se relacionam com elementos naturais como a luz, a água e a temperatura. Em 2003, Eliasson tornou-se um nome conhecido quando representou a Dinamarca na Bienal de Veneza e, mais tarde nesse ano, instalou O Projecto Meteorológico, sem dúvida a sua obra mais famosa até à data , Na obra, Eliasson criou todo um sistema meteorológico de uma paisagem fictícia com um enorme sol iminente feito por milhares de lâmpadas com máquinas de neblina que formavam nuvens de nevoeiro. Outra obra seminal do artista é a sua Relógio de gelo (2014), onde o artista colocou 30 blocos maciços de gelo retirados dos glaciares em fusão da Islândia e os transportou para Londres.

Os blocos de gelo foram deixados a derreter em frente à Tate Modern e serviram de alerta para a gravidade das alterações climáticas. A obra suscitou uma rápida reacção do público.

Maya Lin (1959 - Presente)

Maya Lin é uma arquitecta paisagista americana e artista contemporânea. Quando tinha apenas 21 anos, Lin ganhou um concurso para desenhar o Memorial dos Veteranos do Vietname, em Washington. Embora o monumento continue a ser a obra mais conhecida de Lin, ela tem sido também uma activista ambiental ao longo da sua carreira, e esta ética há muito que permeia o seu trabalho.da obra de Maya Lin, que reflecte os sistemas da natureza e incentiva o seu público a contemplar a complexidade e a serenidade do mundo natural.

Floresta Fantasma (2021) de Maya Lin; oinonio de Nova Iorque, EUA, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons

Uma das instalações de grande escala de Lin, chamada Floresta Fantasma foi concretizada em Maio de 2021, quando o artista plantou 49 cedros maciços no Madison Square Park, em Manhattan. As árvores, no entanto, estavam mortas e o artista resgatou-as dos Pine Barrens de Nova Jersey. As árvores, como muitas outras em todo o mundo, estão a morrer devido à perda de biodiversidade causada por infestações de insectos e infiltrações de água salgada causadas pela subida do nível do mar. Plantadas na vegetação deNo parque, as árvores mortas servem para recordar os efeitos destrutivos das alterações climáticas.

Recomendações de livros

A arte ambiental e sustentável é um género artístico em rápido crescimento. Os artistas estão a encontrar formas inovadoras e estimulantes de inspirar a mudança e afectar as comunidades. Este artigo foi apenas um pequeno vislumbre do incrível trabalho que os artistas estão a fazer em resposta às ameaças que o futuro do nosso planeta enfrenta.notáveis projectos artísticos de sustentabilidade levados a cabo por vários artistas contemporâneos.

Excursão de Land Art em Đakovo (2020); Culture Network, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Land & Arte Ambiental (Temas e Movimentos) (1998) de Jeffery Kastner e Brian Wallis

Ilustrado com fotografias deslumbrantes, desenhos e notas de projecto, o livro inclui as obras de Ana Mendieta, Robert Smithson, Peter Fend e Mierle Laderman Ukes, entre outros. O livro inclui também documentação sobre as ideias dos artistas, o seu contexto cultural e as suas visões filosóficassobre a crise climática e a sustentabilidade.

• Documenta o movimento de land art dos anos 60
• Rastreia a arte ambiental na era mais moderna
• Terraplanagens, ambientes e actuações de artistas de renome

Para a vida! A arte ecológica em busca de um planeta sustentável (2012) de Linda Weinraub

Este livro é uma documentação do crescente movimento de arte ambiental de A a Z. Incluindo um vasto leque de artistas, o livro foi a primeira publicação internacional que explorou a forma como os artistas dos séculos XX e XXI respondem às preocupações ambientais. Estes artistas são todos pioneiros no domínio da arte sustentável e a publicação utiliza o seu trabalho como um guia para a forma como podemos integrar o activismo e aa consciência ambiental na nossa vida pessoal e profissional.

• Documentar a evolução do movimento de arte ecológica
• Apresenta um panorama das respostas artísticas às questões ambientais
• Artistas contemporâneos que exploram o nosso planeta em mudança através da arte

Undermining: A Wild Ride Through Land Use, Politics, and Art in the Changing West (Minar: um passeio selvagem pelo uso da terra, política e arte no Oeste em transformação) (2014) por Lucy R. Lippard

Incluindo mais de 200 belas ilustrações a cores, este livro oferece uma nova perspectiva sobre a forma como os artistas se relacionam com o nosso ambiente em rápida mutação. O livro é da autoria da premiada crítica e historiadora de arte Lucy R Lippard e é um livro obrigatório para os interessados em arte ambiental contemporânea. Neste livro, Lippard baseia-se no seu passado de vida numa aldeia do Novo México quandoaborda temas que envolvem a cultura, a indústria e a paisagem, centrando-se em aspectos como a land art, a exploração mineira, o fracking, as ruínas, os direitos dos índios à terra, a água, a fotografia e o Velho Oeste.

• Uma combinação de texto e imagens a cores de obras de arte
• Explorar a intersecção entre a arte, o ambiente e a política
• Reconsiderar a forma como tratamos o nosso mundo para a arte e a indústria

Com a sociedade a tornar-se mais consciente do seu impacto ambiental e do futuro ameaçador do nosso planeta, os artistas estão a adoptar práticas artísticas mais sustentáveis e a trabalhar com cientistas para ajudar a aumentar a sensibilização para a urgência da crise climática. Sustentabilidade significa estar consciente da forma como consumimos e fabricamos produtos e fazer escolhas que não prejudiquem o planeta.A empresa tem uma visão de um futuro melhor para todos e esforça-se continuamente por influenciar a mudança nas nossas sociedades através das suas práticas.

Veja a nossa história sobre sustentabilidade na arte aqui!

Perguntas mais frequentes

Porque é que a sustentabilidade na arte é importante?

A arte, ao longo dos tempos, tem sido uma força motriz da expressão humana que influencia a forma como a sociedade percepciona o mundo. Ao centrarem-se em temas como a sustentabilidade, os artistas estão a sensibilizar e a provocar mudanças na sociedade que podem ter efeitos reais no futuro do nosso planeta.

Qual é o objectivo da arte ambiental?

Arte ambiental não só sensibiliza para questões como a crise climática global, mas é também uma forma de os artistas expressarem as suas ideias com um impacto mínimo nos ecossistemas do planeta. Ao utilizarem materiais naturais e sustentáveis, os artistas podem também ser consumidores responsáveis e criativos na sua vida profissional. Os artistas que se concentram em temas de sustentabilidade e ambiente incentivamcomunicação e diálogo que podem resultar na participação das pessoas em projectos e ideias de conversação.

A Land Art é sustentável?

A Land art é considerada o primeiro movimento de arte sustentável. Ao utilizar materiais naturais, como a pedra, a madeira, a terra e a água, a Land art cria trabalhos centrados na natureza. No entanto, muitos artistas contemporâneos afastaram-se dos projectos de Land art que interferem demasiado com a paisagem e que, por sua vez, podem tornar-se mais perturbadores do que benéficos. A chave para a prática da Land arteticamente é que os artistas colaborem com cientistas e especialistas em ambiente para garantir que a interferência das suas obras de arte na paisagem sensibilizará o público sem causar danos, ou ajudará na reabilitação dos ecossistemas relevantes.