Jasper Johns - Expresie abstractă, Neo-Dada și artist pop

John Williams 29-07-2023
John Williams

Picturile pictorului expresionist abstract Jasper Johns sunt opere de artă jucăușe și provocatoare, care examinează abordările pe care le folosim pentru a vedea și înțelege lumea din jurul nostru. Operele lui Jasper Johns au evitat arta deconectată de viața obișnuită, făcând din reperele de bază, cum ar fi țintele și steagurile, punctul central al artei sale minimaliste. Din anii '50 până în prezent, picturile lui Jasper Johns au avut oimpact asupra practic tuturor tendințelor creative.

Biografia lui Jasper Johns

Naționalitate American
Data nașterii 15 mai 1930
Data decesului N/A
Locul nașterii Augusta, Georgia

Expunând stilurile contrastante ale Expresionismul abstract și Dada, renumitul pictor expresionist abstract a dezvoltat o estetică rafinată care aborda teme legate de individualitate, ludicitate și interacțiune intelectuală. Lucrările lui Jasper Johns au creat în mod eficient bazele pentru adoptarea Pop Art în societatea de consum, prin eliminarea barierelor obișnuite dintre arta plastică și viața obișnuită.

Distribuția expresivă a vopselelor din picturile lui Jasper Johns evocă majoritatea expresionismului abstract, însă el nu o umple cu complexitatea filosofică sau metafizică pe care au avut-o contemporanii săi.

Copilărie

Jasper Johns s-a născut pe 15 mai 1930 în Augusta, Georgia, și a crescut în regiunile rurale din Carolina de Sud, alături de bunicii săi, după ce părinții săi s-au despărțit când el era copil. Lucrările bunicii sale erau expuse în casa bunicului său, unde a stat până la vârsta de nouă ani, și au fost singura sa întâlnire cu arta în copilărie.

Johns a început să deseneze de la o vârstă fragedă, cu ideea vag definită de a deveni pictor, dar a explorat studiul formal al artei abia în facultate.

El a vorbit despre visul său din tinerețe de a fi pictor, spunând: "Nu aveam nicio idee despre ce însemna. Cred că am interpretat greșit acest lucru pentru a indica faptul că aș putea fi într-o circumstanță mai bună decât cea în care mă aflam." În adolescență, Johns s-a mutat la mătușa sa Gladys, care l-a îndrumat pe el și pe alți doi copii într-o clasă cu o singură cameră.

Mai târziu, Johns s-a împăcat cu mama sa și a absolvit liceul ca șef de promoție.

Formare timpurie

Începând din 1947, Johns a urmat cursurile Universității din Carolina de Sud, după ce a absolvit liceul. În 1948, a venit la New York la sfatul tutorilor săi și a absolvit un semestru la Parsons School of Design. Din păcate, Parsons nu a fost cea mai bună alegere pentru Johns, iar el a renunțat, devenind astfel disponibil pentru încorporarea în armată. A fost recrutat în armată în 1951 și a servit timp de douăani.

În 1953, când Johns s-a întors la New York după ce a fost eliberat onorabil din armată, l-a întâlnit pe tânărul pictor Robert Rauschenberg, care l-a introdus în lumea artei. Din 1954 până în 1961, cei doi artiști au avut o legătură romantică și creativă pasionantă.

"Am învățat ce sunt artiștii observându-l pe Rauschenberg", a spus Johns. Cei doi artiști s-au mutat în cele din urmă împreună, au împărțit spațiul de atelier și au fost unul pentru celălalt publicul spectator atunci când puțini alții erau entuziasmați de lucrările lor.

Fotografie cu artistul american Jasper Johns primind Medalia Libertății pe 15 februarie 2011; Videograful Casei Albe pentru Casa Albă Obama, Domeniu public, via Wikimedia Commons

Ei și-au influențat profund arta unul altuia, împărtășind concepte și abordări care se abăteau de la tendința predominantă la acea vreme a expresionismului abstract. Amândoi au fost implicați în facultate și au respins discursul psihologic și existențialist care înconjura Școala de artă din New York dominantă la acea vreme. În această perioadă, Johns a început să picteze tablourile sale cu steaguri americane și obiective pe pânzăcu ceară encaustică, folosind un procedeu care a amestecat bucăți de hârtie de ziar și resturi de materiale pe hârtie.

Aceste eforturi au îmbinat gesturile dadaiste cu elemente de artă minimalistă și artă conceptuală. Potrivit lui Johns, inspirația pentru "Flag" (1955) i-a venit într-o seară din 1954, în timp ce visa să creeze un steag american gigantic. A doua zi, a transformat visul în realitate, iar în cele din urmă a terminat mai multe pânze cu același subiect.

Johns era încântat de realizarea unor lucrări care puteau fi interpretate într-o varietate de moduri, declarând că "aceste picturi nu au mai mult de-a face cu un simbol decât loviturile de pensulă sau tangibilitatea vopselei." În 1958, Rauschenberg și Johns au zburat la Philadelphia pentru a examina expoziția Duchamp de la Muzeul din Philadelphia, unde readymadele seniorului creator Dada i-au impresionat enorm pe amândoi.

În 1959, Duchamp a vizitat atelierul lui Johns, stabilind o legătură directă între avangarda anterioară a secolului XX și valul actual de pictori americani. Tehnica creativă a lui Johns a crescut ca urmare a acestor întâlniri, pe măsură ce a integrat noi tehnici în propriile lucrări.

Perioada de maturitate

În ciuda faptului că și-a expus doar lucrările Ținta verde (1955) într-o expoziție colectivă la Muzeul Evreiesc în 1957, Johns a avut prima expoziție personală în 1958, când Rauschenberg l-a recomandat galeristului emergent și proeminent, Leo Castelli. Expoziția personală a inclus lucrarea fundamentală a lui Johns Steag (1955), precum și piese vizionate anterior din anii precedenți.

Expoziția de la Galeria Castelli i-a încântat pe unii vizitatori, cum ar fi artistul Allan Kaprow, dar i-a lăsat perplecși pe alții.

Deși suprafețele picturii au proprietățile de picurare ale Willem de Kooning's și pânzele gestuale ale lui Jackson Pollock, expresionismul emoțional al acelor lucrări lipsea. În ciuda îndoielilor inițiale, expoziția personală de debut a lui Johns a primit o atenție covârșitor de bună din partea criticii și l-a lansat în lumina reflectoarelor. Directorul Muzeului de Artă modernă a cumpărat trei lucrări pentru instituție, ceea ce era fără precedent pentru un artist tânăr și obscur.

Pe măsură ce Pop Art tendință a înflorit în jurul său, Johns a abandonat picturile sale vibrante de mișcări și motive recognoscibile în favoarea unei palete mai întunecate. Unii comentatori atribuie întoarcerea sa de la culori și spre negrul, griurile și albul care caracterizează multe dintre picturile sale de la începutul anilor 1960 încheierii tumultoase a parteneriatului său cu Rauschenberg. În ciuda faptului că nu au părăsitatelierele lor din New York până în 1961, legătura lor era deja deteriorată în 1959.

În același an, Rauschenberg a deschis un atelier în Florida, iar la scurt timp după aceea, Johns a deschis un atelier pe insula Edisto din Carolina de Sud.

Deși au petrecut ceva timp singuri la New York, s-au îndepărtat treptat. Încheierea unei legături atât de semnificative și influente a avut un mare efect psihologic asupra lui Johns, iar acesta s-a îngropat în arta sa. În 1963, el a declarat că "a avut impresia că a ajuns într-un loc în care nu mai exista spațiu pentru a rămâne." În ciuda acestor rezerve, a continuat să lărgească sfera de acțiune și să confundeinterpretări ale picturilor sale.

În această perioadă, a făcut parte din Merce Cunningham Dance Company, unde a ocupat funcția de director artistic din 1967 până în 1980.

Perioada târzie

După ce studioul său din Edisto Island a ars din temelii în 1968, Johns și-a petrecut timpul între St. Martin Island și Stony Point, New York; la începutul anilor '70, a cumpărat spații în două locații. În această perioadă, Johns a adoptat tema retușurilor în repertoriul său, iar această abordare i-a dominat producția până la începutul anilor '80.

Pe parcursul anilor 1980 și 1990, lucrările lui Johns au căpătat un ton mai contemplativ, pe măsură ce a adăugat mai mult material autoreferențial. Deși, așa cum Johns a remarcat cu inteligență, "există o fază în care am început să folosesc imagini din existența mea zilnică, dar orice folosești este din existența ta zilnică", ceea ce înseamnă că lucrările sale au inclus întotdeauna un aspect autobiografic.

În anii care au urmat despărțirii de Rauschenberg, Johns a rămas progresiv retras, nu a acordat aproape niciodată interviuri și a păstrat o prezență publică foarte modestă; cu toate acestea, a păstrat legături strânse cu un număr limitat de elite ale lumii artei. Johns a făcut din nou știri în 2013, când ajutorul său de atelier, James Meyer, a fost acuzat că a furat tablouri în valoare de 6,5 milioane de dolari dintr-un dosar de lucrări incompletepe care Johns a interzis să le vândă.

Vezi si: "Balloon Girl" de Banksy - Analizând fata cu balonul roșu

Meyer a furat 22 de piese din atelierul lui Johns din Sharon, Connecticut, și a încercat să le vândă prin intermediul unei galerii anonime din New York, spunând că erau cadouri de la Johns. Johns nu a făcut nicio remarcă în legătură cu furtul, deși l-a concediat pe Meyer la scurt timp după ce a descoperit opere de artă furate.

Operele lui Jasper Johns

Johns a estompat granița dintre arta plastică și cultura de masă, folosind materiale aruncate, bucăți de ziare și chiar produse de masă, ceea ce a dus arta contemporană spre scena de consum americană de la mijlocul secolului al XIX-lea, declanșând o serie de artiști Pop în anii 1960.

Utilizând teme cotidiene, cum ar fi ținte și steaguri, Johns a încercat să se implice atât în lucrări abstracte, cât și în cele abstracte. arta reprezentativă.

Atât țintele, cât și steagurile sunt plate în mod natural, prin urmare, atunci când sunt folosite ca subiect pentru pictura tehnică, ele scot în evidență caracterul plat al panoului de tablou. El nu înzestrează lucrarea cu aceeași profunzime cu care au făcut-o strămoșii săi.

Mai degrabă, el mimează în mod eficient tușa gestuală expresivă a pensulei, considerând semnul artistului ca fiind doar un alt semn sau dispozitiv care se adaugă la multitudinea de interpretări din lucrările sale.

Steag (1955)

Data finalizării 1955
Mediu Colaj și ulei pe placaj
Dimensiuni 107 cm x 154 cm
Locație Muzeul de Artă Modernă

Prin redarea unei imagini familiare și banale - steagul american - prima pictură semnificativă a lui Jasper Johns s-a îndepărtat de tradiția expresionistă abstractă a artei non-obiective. Mai mult, în loc să aplice vopseaua de ulei pe panou cu o pensulă, Johns a creat steagul folosind o suprafață foarte dinamică formată din ziare mărunțite îmbibate în encaustică, permițând ca fragmente de text să se vadăprin ceară.

Pe măsură ce ce ceara lichidă și colorată se solidifica, ea a fixat fragmentele de hârtie de ziar în marcaje care se disting din punct de vedere estetic și care amintesc de o mare parte din pensulațiile expresive ale expresionismului abstract. Fascinația lui Johns pentru semiotică, sau examinarea simbolurilor și a semnelor, a fost exprimată de picăturile și mișcările aparent înghețate.

În esență, Johns s-a referit la pensulațiile expresive ale Action Artists, transformându-le într-o metaforă a creativității artistice, în loc de un mod direct de exprimare. Acest experiment a lansat investigația sa de-a lungul carierei sale despre "de ce și cum percepem realitatea așa cum o percepem".

Până în ziua de azi, emblema steagului american are o multitudine de implicații și conotații care variază de la o persoană la alta, ceea ce îl face subiectul ideal pentru prima călătorie a lui Johns în examinarea grafică a "lucrurilor pe care mintea le știe deja".

Prin subiectele sale înșelător de banale, a erodat intenționat barierele dintre arta plastică și viața în general.

Steag a fost pictată de Johns în timpul luptei pentru drepturile civile. Unii observatori, atât atunci, cât și astăzi, pot citi sentimente patriotice sau libertate în această operă de artă, în timp ce alții vor percepe doar colonialism și tiranie. Johns a fost printre primii pictori care au confruntat spectatorii cu dualitățile inerente emblemei naționale.

Start fals (1959)

Data finalizării 1959
Mediu Ulei pe pânză
Dimensiuni 171 cm x 137 cm
Locație Colecție privată

Jasper Johns a folosit cuvinte pentru a implica spectatorii într-o conversație cu acest tablou. Cuvintele "portocaliu, roșu, galben și albastru" sunt scrijelite în mai multe poziții pe suprafața pânzei, printre zonele gestuale de culori. Schimbarea subiectului, de la indicatorii nonverbali ai țintelor și markerilor la comunicarea în sine, l-a împins pe Johns mai adânc în semiologie și în modul în care oamenii înțeleg și decodifică semneleși simboluri.

După cum a menționat: "Culorile de pe ținte și steaguri sunt aranjate după un anumit tipar. Am vrut să dezvolt o tehnică de aplicare a culorii în așa fel încât culoarea să fie aleasă prin alte mijloace." Johns a abstractizat fiecare nuanță și frazele care le descriu, concentrându-se asupra lor și eliminând conotațiile obișnuite care le însoțeau.

În loc să picteze de mână fiecare cuvânt, Johns a folosit un șablon cumpărat din magazin - un procedeu gata făcut pentru a crea o imagine fără a se vedea atingerea artistului. În timp ce lucra, el a imprimat frazele de culoare deasupra și dedesubtul numeroaselor straturi de vopsea.

Majoritatea cuvintelor au fost transformate în obiecte de către Johns prin pictarea lor în nuanțe fără legătură cu cea pe care o reprezintă din punct de vedere lingvistic; de exemplu, "ROȘU" apare realizat în portocaliu viu în mijlocul tabloului peste o zonă de galben. Contradicția dintre fraze și nuanțe a fost descoperită de Johns, transformând rolul acestora din identificare într-o simplă agregare de simboluri gata dereevaluare.

Johns folosea metodologia bazată pe gesturi de implementare a unor părți specifice de culoare în opera de artă în raport cu mișcările aleatorii ale brațului în locul unei plasări preexistente pentru fiecare lovitură de pensulă specifică, afectat de intriga lui John Cage în ceea ce privește rolul probabilității în procesul artistic, metodă pe care a numit-o "brush marking." Utilizarea sa de brush marking a produs explozii spectaculoase de culoare, ca și cumîntr-un spectacol pirotehnic, care a evidențiat și a ascuns în același timp frazele cu nuanțe neliniștitoare dispersate în jurul tabloului, producând un conflict semiotic.

Prin introducerea cuvintelor în vocabularul său vizual, Johns și-a lărgit comunicarea cu spectatorii pentru a include rolul semnalelor vizibile și vorbite. Astfel de investigații sunt precursori evidenți ai analizei cuvintelor și conceptelor din mișcarea de artă conceptuală de la sfârșitul anilor 1960.

Bronz vopsit (1960)

Data finalizării 1960
Mediu Bronz vopsit
Dimensiuni 34 cm x 20 cm
Locație Muzeul Ludwig, Köln

Johns estompează granița dintre obiectele descoperite și replicarea creativă în această sculptură din bronz. Se presupune că Willem de Kooning ar fi rânjit că galeristul Leo Castelli ar putea vinde orice, chiar și două cutii de bere, ceea ce l-a determinat să creeze lucrarea de artă. Johns a acceptat provocarea inerentă remarcii lui De Kooning, turnând și pictând manual în bronz două cutii de bere Ballantine Ale, pe care Leo Castellivândut instantaneu.

Deoarece bronzul reflectă nuanța naturală a dozelor de bere, Johns a obținut o impresie de trompe l'oeil; cu toate acestea, el a subminat ușor efectul lăsând urme de pensulă vizibile pe etichetele pictate, producând o imperfecțiune care poate fi observată doar cu o atenție deosebită.

Jasper Johns a creat o conservă cu capacul deschis și a pus pe ea emblema Ballantine și cuvântul Florida. Cealaltă conservă este sigilată, fără etichetă și complet inaccesibilă. Unii comentatori văd în contrastul dintre cutii o metaforă pentru legătura dintre Johns și Rauschenberg.

Cutia deschisă îl înfățișa pe Rauschenberg, celebru și expansiv, care a început să investească mult timp în atelierul său din Florida în 1959, în timp ce cutia sigilată îl simboliza pe Johns și fața sa publică tăcută și impermeabilă.

Alții pledează pentru o narațiune mai puțin personală, care descrie pur și simplu viața obișnuită, în care cutia închisă se referă la prealabil, la potențial, iar cutia deschisă se referă la efectul ulterior, la repercusiuni. Evident, Johns nu și-a declarat niciodată lectura preferată, lăsând loc de interpretare. În multe privințe, reprezentarea de către Johns a obiectelor produse în masă a prefigurat stilul Pop Art.

Periscope (1962)

Data finalizării 1962
Mediu Ulei pe pânză
Dimensiuni 137 cm x 101 cm
Locație Colecția artistului

În această lucrare, Johns a încorporat unele dintre modelele și simbolurile sale anterioare într-o paletă limitată de negru, gri și alb. Jumătate de cerc este reprezentată în marginea din dreapta sus a lucrării. În 1959, Johns a început să folosească o metodă prin care a lipit o lamă de lemn pe lucrare, în general o riglă sau un întinzător de pânză, pentru a forma un cerc trasat cu compasul. Gadgetul a tras prin vopsea, făcând o țintăCu toate acestea, aici a perturbat inelele concentrice ale țintei cu o impresie a mâinii sale întinse.

Amprenta mâinii sugerează că mâna artistului a fost înlocuită cu un instrument mecanic. Mâna artistului este o formă recurentă într-o secvență de lucrări realizate de Johns între 1962 și 1963, inclusiv "Periscope", care se concentrează asupra poetului Hart Crane, a cărui operă a avut o legătură puternică cu Johns.

Crane s-ar fi sinucis la vârsta de 32 de ani, în timp ce se întorcea de la tropice, sărind de pe o barcă în Golful Mexic. El și-a ridicat mâna deasupra apelor chiar înainte de a dispărea sub valuri.

Astfel, amprenta mâinii lui Johns poate fi văzută ca o legătură vizuală cu sinuciderea lui Crane. A fost executată la scurt timp după încheierea parteneriatului său cu Rauschenberg și reprezintă durerea personală a lui Johns în urma despărțirii lor. Periscopul din nume face aluzie și la opera lui Crane Capul Hatteras (1929), care a fost semnificativă pentru Johns din două puncte de vedere: în 1961, nu numai că s-a mutat într-un atelier lângă Cape Hatteras, dar versul poetic urmărește și modificările din amintirile cuiva odată cu trecerea timpului.

După despărțirea lor, Johns s-a asociat cel mai probabil cu conceptul de tranziție și pierdere, pe care l-a descris cu mâna care apucă, fraze în oglindă și pensulații ostentative care imitau valurile care se sparg în jurul unui om care se îneacă. În contradicție flagrantă cu aspectul rece și mecanic al Pop Art-ului, pe care a contribuit la crearea acestuia, Johns și-a umplut picturile de la începutul anilor '60 cu sentimente complexe de pierdere și deluptă psihologică.

Conform What (1964)

Data finalizării 1964
Mediu Ulei pe pânză
Dimensiuni 200 cm x 487 cm
Locație Colecție privată

Această operă de artă de dimensiuni amețitoare a fost realizată de Johns prin legarea mai multor pânze împreună și prin aplicarea de diferite obiecte găsite pe stratul de vopsea: un scaun, un mulaj de membre, o altă pânză extinsă cu o balama, litere de metal și un cârlig de haină.

El a folosit metode din lucrările anterioare, cum ar fi "marcarea cu pensula", denumiri de culori prin ștanțare, un capac cu balamale care poate fi sigilat și părți turnate ale corpului. De asemenea, și-a extins vocabularul vizual prin inserarea în centrul picturii a unor bucăți de pagini de știri serigrafiate care relatează despre Kremlin.

În timp ce Robert Rauschenberg și Andy Warhol Folosind serigrafia pentru a reproduce imagini din picturi fără a arăta mâna artistului, Johns a colorat febril în interiorul și în jurul titlurilor de pe ecran, subliniind conceptul de mână a artistului și gadgeturile pentru a face replici mecanice.

Numeroasele părți se combină pentru a oferi straturi de posibile interpretări, ca în multe dintre lucrările lui Jasper Johns. În timp ce multe dintre părți par să sugereze un mesaj ascuns, o aluzie evidentă amintește publicului de omagiul lui Johns față de maestrul său, Marcel Duchamp Pe panoul din extrema stângă se află o imagine indistinctă a lui Duchamp și monograma sa "MD".

"Duchamp a făcut o piesă care era un pătrat smuls", își amintește Johns. "Am trasat profilul, l-am atârnat de o frânghie și i-am proiectat umbra, făcând-o să devină deformată și să nu mai fie pătrată. Am modificat intenționat opera lui Duchamp pentru a crea un fel de parodie despre a cui era opera".

"According to What" exemplifică experimentul continuu al lui Johns cu proprietatea creativă și, ca de obicei, invită publicul să participe la crearea de sensuri, expunând diverse piese fără o hartă clară a relațiilor dintre ele.

Cadavrul și oglinda II (1974)

Data finalizării 1974
Mediu Petrol și nisip
Dimensiuni 146 cm x 191 cm
Locație Institutul de Artă din Chicago

În 1972, Johns a descoperit o nouă temă, hașura încrucișată, pe care avea să o urmărească în deceniul următor. Artiștii au folosit în mod tradițional hașura încrucișată, un sortiment de linii, pentru a produce gradații de umbră în desen și gravură; liniile mai apropiate creează umbre mai adânci, în timp ce aranjamentele mai rare creează umbre mai ușoare.

În stilul său caracteristic, Johns a abstractizat și a repetat tema pe pânză în nuanțe strălucitoare, pentru a crea o imagine abstractă și palpitantă.

"L-am observat doar pentru o secundă, dar am știut instantaneu că intenționam să îl folosesc", a spus Johns despre faptul că a văzut modelul pe un automobil în trecere. Are toate caracteristicile care îmi stârnesc interesul: literalitate, repetiție, un aspect intens, ordine cu nebunie și pericolul unei absențe totale de sens."

În timp ce modelul poate fi "prost" și lipsit de semnificație, titlul lui Johns Cadavrul și oglinda I Mulți oameni cred că titlul se referă atât la Surrealist activitatea Exquisite Corpse, un joc colaborativ format din acțiuni creative secvențiale, și opera iconică și misterioasă a lui Marcel Duchamp.

Genealogia și interesele estetice ale lui Johns sunt ușor sugerate prin legături cu suprarealismul și dadaismul.

În timp ce liniile picturilor sunt oarecum picturale, repetitivitatea lor implică răceală sau tehnicitate lipsită de sentimente, dar titlul, cu referințele sale la moarte și percepție, implică ceva mai macabru și mai intelectual, generând o tensiune între structură și subiect pe care Johns o exploatează în mod constant.

Catenară (1999)

Data finalizării 1999
Mediu Encaustic pe pânză
Dimensiuni 64 cm x 85 cm
Locație Colecția artistului

În urma unei noi retrospective la mijlocul anilor 1990, Johns a început o serie de studii asupra catenarelor - curbe generate de o lungime de fir sau lanț care se leagănă lejer de două locuri fixe. În Catenary, un fir de casă este atârnat între două bucăți de lemn în consolă, de o parte și de alta a pânzei. Umbrele sunt produse pe fundalul bogat de culoare gri-închis atât de fir cât și de fâșiile de lemn.

Trecând la encaustică, suprafața monocromatică a lui Johns păstrează trăsăturile expresive ale distribuției, producând un palimpsest gros de urme care este provocator și opac.

Designul curbat de bază amintește de poduri și de conexiunile pe care acestea le oferă, dar evocă și forme naturale, cum ar fi adânciturile și curburile corpului uman. Unii comentatori au văzut în reacția frânghiei la gravitație o metaforă pentru evoluția vieții cuiva sau pentru interconexiunile și restricțiile care apar odată cu înaintarea în vârstă. În afară de jucăria din lemn,

Scara lui Iacob se referă la relatarea biblică în care Iacob a visat o scară care leagă cerul de pământ. Aluziile abundă în întreaga lucrare, așa cum este tipic pentru lucrările lui Johns, dar toate se învârt în jurul conceptelor de conectare. Pictorul a imprimat la baza tabloului, în același gri ca și fundalul, un set de litere fără spații între ele, în același gri ca și fundalul, și se poate desluși numeleși anul operei de artă, dar numai cu efort.

În această decizie compozițională delicată, dar amuzantă, Johns revine la problemele care l-au preocupat timp de decenii: complexitatea semnificației și a interpretării, confuzia dintre figuri și sol, abstract și reprezentare, precum și intenția de a face spectatorul să participe dincolo de privirea pasivă.

Moștenirea lui Jasper Johns

În calitate de membru al mișcării Neo-Dada, Johns a traversat linia de demarcație stilistică dintre Pop Art și expresionismul abstract la sfârșitul anilor 1950, continuând să își extindă subiectele, materialele și tehnicile până în prezent.

Pictori pop precum James Rosenquist și Andy Warhol au beneficiat de trecerea lui Johns în sfera culturii, prezentând obiectele de zi cu zi și mărfurile produse în masă ca subiecte potrivite pentru arta înaltă.

Johns a pus bazele pentru Artă conceptuală în anii '60, cu cercetările sale despre semnificațiile în schimbare ale imaginilor și simbolismului. Activitatea creativă în expansiune a lui Johns a contribuit la anunțarea unor tendințe și organizații precum Body Art și Artă performativă În timp ce pictorii pop au absorbit imediat imaginea lui Johns despre lumea exterioară, stilul bricolaj al postmodernismului este moștenitor al preocupării sale pentru însușire, interpretări multiple și joc semiotic.

În cele din urmă, Johns și colegii săi din Neo-Dada au transformat avangarda americană, anticipând experimentul și implicarea publicului care vor defini arta în a doua jumătate a secolului XX.

Lecturi recomandate

Ți-a plăcut să înveți despre picturile pictorului expresionist abstract Jasper Johns? Poate că vrei să afli și mai multe despre biografia și arta lui Jasper Johns? Atunci nu trebuie decât să parcurgi lista noastră de cărți recomandate!

Jasper Johns: Minte/oglindă (2021) de Carlos Basualdo

Jasper Johns este adesea considerat cel mai important artist în viață. În ultimii 65 de ani, el a creat un corp de lucrări îndrăzneț și divers, care s-a distins printr-o reinventare continuă. Această carte, inspirată de preocuparea de lungă durată a artistului pentru oglindire și dubluri, oferă o perspectivă nouă și fascinantă asupra operei lui Johns și a semnificației sale continue. O colecție amplă de curatori,cercetători, artiști și scriitori oferă o serie de eseuri - dintre care multe sunt texte asociate - care examinează caracteristici ale operei artistului, cum ar fi motivele repetitive, cercetările asupra locului și utilizarea unei varietăți de medii în arta sa hibridă minimalistă.

Jasper Johns: Minte/oglindă
  • O privire retrospectivă asupra operei unui artist american emblematic
  • Volumul bogat ilustrat cuprinde lucrări rar publicate
  • Include conținut de arhivă inedit
Vezi pe Amazon

Jasper Johns (2017) de Jasper Johns

Această carte frumos concepută reunește pânze, sculpturi, gravuri și schițe ale lui Johns. Ea se concentrează pe mai multe perioade din cariera lui Johns și discută relevanța internațională a operei sale, de la progresele sale în sculptură până la utilizarea colajului în pictură. Această antologie, care include comentarii din partea mai multor cercetători, promite să aprofundeze amploarea și profunzimea producției lui Johns, carese întinde pe mai mult de o jumătate de secol.

Jasper Johns
  • Reunește picturile, sculpturile, gravurile și desenele lui Johns
  • Pune accentul pe diferite capitole din cariera lui Johns
  • Examinează semnificația internațională a operei sale
Vezi pe Amazon

Picturile abstracte ale pictorului expresionist Jasper Johns sunt lucrări pline de umor, provocatoare, care pun la îndoială modul în care percepem și înțelegem lumea din jurul nostru. Lucrările lui Jasper Johns au evitat arta care era despărțită de viața de zi cu zi, făcând din indicatoare simple, cum ar fi ținte și steaguri, punctul central al artei sale minimaliste. Din anii 1950 până în prezent, picturile lui Jasper Johns au influențataproape toate tendințele creative.

Întrebări frecvente

Cine a fost Jasper Johns?

Jasper Johns este considerat pe scară largă drept unul dintre cei mai importanți pictori ai secolului XX și a rămas vital pentru arta americană. Johns, împreună cu partenerul său de atunci, Robert Rauschenberg, a contribuit la stabilirea unei noi direcții definitive în lumea artei, care a fost supranumită la acea vreme Neo-Dada. Utilizarea remarcabilă a lui Johns a iconografiei comune, așa cum a formulat-o el, lucruri pe care mintea le cunoaște deja(steaguri, cifre, hărți), a transformat familiarul în neobișnuit și a avut o influență masivă în lumea artei, devenind o piatră de încercare pentru arta pop, minimalistă și conceptuală.

Ce fel de artă a produs Jasper Johns?

La mijlocul anilor '50, Jasper Johns a avut marea sa descoperire ca pictor când a început să integreze motive celebre și populare în picturile sale, o mișcare explozivă într-o perioadă în care se credea că pictura progresistă este exclusiv abstractă. Suprafețele luxuriante și picturale ale picturilor lui Johns de la mijlocul secolului trecut seamănă cu cele ale expresionismului abstract, dar Johns le-a realizat folosind proceduri laborioase și intenseDe-a lungul carierei sale de 60 de ani, Johns a experimentat cu o varietate de medii și tehnici, ceea ce i-a permis să investigheze interacțiunea dintre materiale, semnificație și reprezentare în artă.

Vezi si: Cele mai bune cărți de istorie a artei - Lista noastră de lectură recomandată

John Williams

John Williams este un artist experimentat, scriitor și educator de artă. Și-a obținut diploma de licență în Arte Frumoase de la Institutul Pratt din New York City și mai târziu și-a urmat diploma de Master în Arte Frumoase la Universitatea Yale. Timp de peste un deceniu, el a predat arta studenților de toate vârstele în diferite medii educaționale. Williams și-a expus opera de artă în galerii din Statele Unite și a primit mai multe premii și granturi pentru munca sa creativă. Pe lângă activitățile sale artistice, Williams scrie și despre subiecte legate de artă și predă ateliere despre istoria și teoria artei. Este pasionat de a-i încuraja pe ceilalți să se exprime prin artă și crede că toată lumea are capacitatea de creativitate.