O artista surrealista belga René Magritte é o mais célebre artista do seu país do século passado. Mas por que é que René Magritte é mais conhecido e como é que alcançou tal popularidade? As pinturas de René Magritte pertencem ao género de arte espacial surrealista, como a sua obra mais conhecida O Filho do Homem (Neste artigo, vamos explorar a biografia e a arte de René Magritte, desde as suas telas até à fotografia surrealista de Magritte, o artista.

Biografia e obras de arte de René Magritte

René Magritte foi amplamente apreciado pela sua contribuição única para o Surrealismo. Para se sustentar, trabalhou como designer profissional durante muitos anos, criando gráficos comerciais e de livros, o que certamente influenciou a sua arte, que frequentemente tem o efeito abreviado de um anúncio.

Enquanto outros surrealistas franceses viviam estilos de vida vistosos, Magritte preferia a calma obscuridade de um estilo de vida da classe média, como indicam os indivíduos de chapéu-coco que aparecem frequentemente na sua obra.

Em períodos posteriores, foi castigado pelos seus colegas por algumas das suas técnicas (como a sua propensão para fazer várias reproduções das suas fotografias), mas a sua popularidade só cresceu desde a sua morte. Os artistas teóricos adoraram a sua utilização de texto em imagens e os artistas dos anos 80 apreciaram alguns dos seus últimos trabalhos pela sua estética de confronto.

Início da vida de René Magritte

René Magritte nasceu em Lessines, na província de Hainaut, na Bélgica, em 1898. Era o mais velho de três irmãos nascidos numa família de classe média. Sabe-se que o seu pai trabalhava na indústria transformadora, enquanto a sua mãe era costureira antes do casamento. O crescimento de Magritte como artista foi inspirado por dois incidentes-chave na sua infância. O primeiro foi um contacto casual com um pintor que trabalhava numacemitério, que encontrou quando andava a explorar com um amigo.

"Descobri, no centro de alguns pilares de pedra fracturados e de folhagem amontoada, um artista que tinha vindo da cidade e que me parecia estar a praticar feitiçaria", contou Magritte mais tarde.

A sua mãe pôs termo à sua vida afogando-se a 12 de Março de 1912 no rio Sambre. Esta não foi a sua única tentativa de suicídio; ela tinha tentado outras ao longo dos anos, o que levou Léopold, o seu marido, a confiná-la ao seu quarto. Ela fugiu um dia e esteve ausente durante vários dias. Os seus restos mortais acabaram por ser localizados a cerca de um quilómetro e meio num rio vizinho.

De acordo com a tradição, o jovem Magritte estava presente quando os seus restos mortais foram recuperados do oceano, mas novas provas vieram desmentir esta história, que pode ter começado com o cuidador da família. Quando a sua mãe foi descoberta, a sua roupa estava alegadamente a esconder o seu rosto, uma visão que foi proposta como a inspiração para numerosas pinturas de Magritte, entre 1927 e 1928, de indivíduos comescondendo a cabeça, nomeadamente Os amantes (1928).

Carreira artística de René Magritte

Enquanto vários surrealistas franceses exploraram novos métodos, Magritte optou por um estilo seco e ilustrado que comunicava claramente o tema das suas imagens.

Magritte utilizou a recorrência como método para inspirar não só o seu tratamento de temas em quadros individuais, mas também para o encorajar a fazer muitas reproduções de algumas das suas melhores obras.

Período inicial

Magritte começou a pintar em 1915 e, no ano seguinte, foi aceite na Académie des Beaux-Arts de Bruxelas. No entanto, as aulas não o satisfaziam e, consequentemente, a sua participação diminuiu. Tornou-se amigo de um outro aluno, Victor Servranckx, que o expôs a Cubismo Futurismo e Purismo.

Magritte ficou particularmente cativado pela obra de Fernand Leger e Jean Metzinger, que tiveram ambos um efeito significativo nos estudos iniciais de Magritte, como se pode ver pelas suas tentativas com o cubismo, incluindo a sua pintura Banhista (As primeiras obras de Magritte, que datam de cerca de 1915, são de estilo impressionista. Gisbert Combaz, artista e designer gráfico, foi também seu professor na Académie Royale.

Período de maturação

Magritte cumpriu o seu dever militar obrigatório em 1921 e regressou a casa em 1922 para se casar com Georgette Berger, uma mulher que conhecia desde a adolescência. Começou também a trabalhar como desenhador numa empresa de papel de parede sob a direcção de Servranckx. Este cargo durou cerca de um ano, após o qual Magritte se tornou um desenhador freelancer de cartazes e publicidade. Conseguiu um contrato com a Galerie leCentaure, em Bruxelas, em 1926, e conseguiu ganhar a vida como artista plástico durante um curto período de tempo. A obra de Magritte sofreu alterações significativas ao longo deste período inicial.

Por volta de 1925, conheceu a obra de Giorgio de Chirico e começou a actuar mais claramente dentro do estilo surrealista.

Não só as pinturas de René Magritte de meados da década de 1920 evocavam os estados de espírito sombrios e enigmáticos estabelecidos pelas obras de Chirico, como o jovem artista chegou mesmo a transferir para as suas próprias pinturas vários dos objectos favoritos de Chirico, como orbes, locomotivas e figuras de gesso. A canção do amor (1914), de Giorgio de Chirico, levou Magritte às lágrimas, o que ele caracterizou como "uma das experiências mais comoventes da minha vida: os meus olhos contemplaram o pensamento pela primeira vez".

Magritte cria a sua primeira obra surrealista, O Jóquei Perdido Em 1926, realizou a sua primeira exposição individual em Bruxelas, no ano seguinte, a qual foi muito mal recebida pelos críticos. Frustrado com o seu fracasso, mudou-se para Paris, onde conheceu André Breton e se tornou activo no movimento Movimento surrealista .

O Surrealismo de Magritte tem um aspecto ilusionista e fantástico.

Magritte permaneceu em Paris de 1927 a 1930, onde se aproximou do grupo de surrealistas parisienses de André Breton, que também incluía pintores como Salvador Dali e Max Ernst Começou a introduzir formas orgânicas mais obscuras nas suas obras, bem como a trabalhar com temas tipicamente surrealistas, como a loucura e a insanidade. No entanto, Magritte ficou mais desencantado com os temas "obscuros" dos surrealistas seus contemporâneos. Talvez o mais importante seja o facto de ter sido em Paris que começou a explorar o emprego das palavras e da linguagem nas suas obras.

A assinatura do artista surrealista belga René Magritte; René Magritte, Domínio público, via Wikimedia Commons

O contrato de trabalho de Magritte terminou com o encerramento da Galerie Le Centaure no final de 1929. Magritte foi para Bruxelas em 1930, depois de ter causado pouca impressão em Paris, e continuou a trabalhar em marketing. Ele e o seu irmão, Paul, criaram uma organização que lhe proporcionava um salário decente. Magritte entrou para o Partido Comunista em 1932, do qual se demitiria e ao qual regressariavárias vezes ao longo dos próximos anos.

Os estudiosos discutem se Magritte aumentou os seus rendimentos durante este período fabricando falsificações de obras de artistas conhecidos e talvez dinheiro falso. No entanto, Magritte teve pouco tempo para se dedicar às suas próprias pinturas de 1930 a 1937.

A sua primeira exposição individual nos Estados Unidos foi em Nova Iorque, em 1936, na Julien Levy Gallery, a que se seguiu, em 1938, uma exposição na London Gallery. Durante os seus primeiros anos, Magritte pôde viver sem pagar renda na casa do apoiante surrealista inglês Edward James, em Londres, onde pesquisou a construção e produziu. James aparece em dois dos quadros de Magritte de 1937, La Reprodução Interdita e Le Príncipe do Prazer.

Período tardio

Durante a invasão alemã da Bélgica durante a Segunda Guerra Mundial, permaneceu em Bruxelas, o que resultou numa cisão com Breton. Como resposta às suas emoções de isolamento e deserção resultantes da residência na Bélgica ocupada pelos alemães, adoptou temporariamente uma técnica de pintura brilhante de 1943 a 1944, uma fase apelidada de "era Renoir".Em resposta à negatividade esmagadora, sugiro agora uma busca de prazer e de realização".

Em 1946, abandonando a brutalidade e o sombrio dos seus trabalhos anteriores, assinou a declaração "Surrealismo em plena luz do sol" com muitos outros artistas belgas.

Artistas belgas em casa de Victor Servranckx (Junho de 1922). Da esquerda para a direita: (CIMA) René Magritte, E.L.T. Mesens, Victor Servranckx, Pierre-Louis Flouquet e Pierre Bourgeois, (BAIXO) Georgette Berger, Pierre Broodcoorens e Henriette Flouquet; JoJan, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

Durante a sua "era Vache", de 1947 a 1948, Magritte trabalhou de forma confrontacional e vulgar, criando um estilo "bárbaro" deliberadamente ofensivo, conhecido como " vaca ", marcada por temas sujos e cores duras e é amplamente reconhecida como uma paródia dos fauves. Pinturas como Reuniões de alto nível (Les Grands Rendez-vous) e Filosofia no quarto As pinturas de Magritte neste estilo foram muito mal recebidas, tal como ele próprio tinha previsto.

Durante esta época, Magritte sustentou-se produzindo falsos Braques, Picassos e de Chiricos - um repertório enganador que mais tarde alargaria ao fabrico de notas falsas durante os anos sombrios do pós-guerra. Esta empresa foi realizada em colaboração com o seu irmão Paul e o colega surrealista e "filho substituto" Marcel Marin, a quem foi confiada a responsabilidade de comercializar as notas de banco.A falsificação tinha caído.

Magritte regressou à forma e aos temas da sua obra surrealista do pré-guerra por volta do final de 1948.

Magritte era um esquerdista político que continuou a simpatizar com o Partido Comunista, mesmo depois da guerra. No entanto, era céptico em relação à política formalista da esquerda comunista, argumentando que "a política de classe é tão essencial como o pão; mas não implica que os trabalhadores devam ficar confinados à água e ao pão e que desejar frango e vinho seja prejudicial".O trabalho de Magritte provocou um aumento de popularidade na década de 1960 e a sua iconografia teve impacto na pop, no minimalismo e no conceptualismo.

Vida pessoal do artista surrealista belga

Em Junho de 1922, Magritte casou-se com Georgette Berger. Georgette, filha de um talhante, conheceu Magritte quando ela tinha apenas 13 anos e ele cerca de 15. Voltaram a encontrar-se em Bruxelas sete anos mais tarde, em 1920, quando Georgette, que também se dedicava à pintura, se tornou a figura, a inspiração e, eventualmente, a esposa de Magritte.com uma artista feminina chamada Sheila Legge.

Magritte planeou que o seu conhecido, Paul Colinet, divertisse e distraísse Georgette, mas isso resultou num caso entre Georgette e Colinet. Magritte e a sua esposa só se reconciliaram em 1940. Magritte sucumbiu a um cancro no pâncreas a 15 de Agosto de 1967, com 68 anos, e foi sepultado no cemitério de Schaerbeek.

René Magritte fotografado por Lothar Wolleh; Lothar Wolleh, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

O legado de Magritte, o artista

A intrigante investigação de René Magritte sobre o capricho das imagens teve um efeito significativo nos artistas modernos: Ed Ruscha, John Baldessari, Andy Warhol, Jan Verdoodt, Jasper Johns Martin Kippenberger, Storm Thorgerson, Duane Michals e Luis Rey estão entre os artistas que foram afectados pelas pinturas de Magritte. Algumas das peças do artista têm ligações claras, enquanto outras oferecem perspectivas modernas sobre os seus fascínios abstractos.

A utilização de imagens visuais básicas e quotidianas por Magritte foi comparada à dos artistas pop. Embora o próprio Magritte tenha negado a ligação, o seu efeito na evolução da arte pop foi universalmente reconhecido.

Ele via as representações dos artistas pop do "universo tal como ele é" como "o seu erro" e comparava o seu foco no transitório com o seu interesse pelo "sentido do genuíno, na medida em que é duradouro". A década de 1960 assistiu a um aumento do interesse popular pela arte de Magritte. As suas pinturas foram regularmente reproduzidas ou pirateadas em anúncios, cartazes, capas de livros e afins devido à sua "sólida compreensão de como mostrarde uma forma simultaneamente provocadora e desafiante".

A heroína principal Hazel Grace Lancaster no romance fictício de John Green (2012) e no filme (2014) A Culpa é das Estrelas usa uma t-shirt com a imagem de Magritte A traição das imagens Pouco antes de deixar a mãe para se encontrar com o seu escritor favorito, Hazel fala do quadro à sua mãe perplexa e menciona que o trabalho do autor contém "muitas alusões a Magritte", esperando evidentemente que o autor aprecie a ligação.

As pinturas de René Magritte tiveram um efeito significativo numa variedade de tendências que surgiram após a sua morte, incluindo o Conceptualismo, a Pop e a pintura dos anos 80. A sua obra de arte, nomeadamente, foi considerada como um precursor da movimentos artísticos devido à sua concentração na ideia em detrimento da técnica, à sua estreita ligação com a arte comercial e à sua atenção às coisas comuns que eram frequentemente duplicadas no espaço pictórico.

É óbvio porque é que criadores como Martin Kippenberger, Andy Warhol e Robert Gober consideram Magritte uma grande influência.

O estilo de René Magritte, o artista

As obras de Magritte retratam geralmente um grupo de objectos do quotidiano num ambiente estranho, dando aos objectos reconhecíveis um novo significado. A utilização de objectos como algo diferente do que parecem ser é exemplificada no seu quadro A traição das imagens (Magritte escreveu por baixo do cachimbo: "Isto não é um cachimbo", o que parece ser um paradoxo, mas é realmente correcto: a obra de arte não é um cachimbo, mas sim uma impressão de um cachimbo. Não "gratifica emocionalmente" - quando questionado sobre esta imagem, Magritte disse: "Obviamente, não é um cachimbo, basta tentar enchê-locom tabaco".

Numa fotografia de uma maçã, A sala de escuta (1952), Magritte adoptou a mesma estratégia: retratou o objecto e depois utilizou uma legenda interior ou uma técnica de moldura para negar que o objecto fosse um fruto. Magritte enfatiza nestas peças "Ceci n'est pas" que, apesar da racionalidade com que descrevemos um objecto, nunca captamos a coisa em si. Entre as pinturas de Magritte encontram-se adaptações surrealistas de outras obras de renome, como Perspectiva I (1963) e Perspectiva II (1950), que é uma cópia da obra de Manet A varanda (1868), mas com seres humanos substituídos por túmulos.

Noutras ocasiões, Magritte confronta a questão da transmissão de significado através da obra de arte com a imagem repetida de um cavalete, como na sua Os passeios de Euclides (1955) ou A condição humana Sobre esta última obra, afirmou, em correspondência a André Breton, que não importava se a vista por detrás do cavalete mudava em relação ao que era mostrado nele, "mas a questão fundamental era erradicar a distinção entre uma perspectiva vista do exterior e do interior de uma sala".estas imagens têm cortinas grossas a emoldurar as janelas, o que implica um tema teatral.

As obras de arte do Surrealismo de Magritte são mais figurativas do que o modo "automático" de pintores como Joan Miró.

A utilização por Magritte de coisas do quotidiano em cenários invulgares está ligada ao seu objectivo de gerar imagens poéticas. Caracterizou o acto de criar da seguinte forma: "a habilidade de justapor cores de tal forma que a sua verdadeira característica é obscurecida, de modo a que objectos conhecidos - céu, seres humanos, plantas, colinas, mobiliário, constelações, construções sólidas, arte de rua - se fundam num único objecto artísticoimagem disciplinada A poesia desta imagem é desprovida de qualquer valor simbólico, antigo ou moderno".

A arte espacial surrealista de René Magritte foi definida como "visuais evidentes que não escondem nada; geram espanto e, certamente, quando se vê uma das minhas obras, pergunta-se: "O que é que isto significa realmente?" Não tem significado porque o enigma não tem significado, uma vez que é desconhecido".

A experiência contínua de Magritte com a verdade e a percepção tem sido atribuída à morte prematura da sua mãe. Psicólogos que estudaram crianças em luto afirmaram que o jogo de Magritte com factos e fantasias reflectia o seu "movimento contínuo entre o que ele deseja, ou seja, a sua mãe ainda viva e a sua mãe falecida".

Magritte pretendia demonstrar uma atitude livre dos impedimentos estéticos que distinguem grande parte da obra de arte modernista. Magritte optou por um tom sombrio e ilustrado que comunicava eficazmente o tema das suas imagens, enquanto vários surrealistas franceses experimentavam novos métodos. O seu interesse pelo conceito pode ter surgido em parte da psicanálise freudiana, que consideraa repetição é um sintoma de trauma.

No entanto, o seu emprego no mundo da pintura comercial pode tê-lo levado a desafiar o conceito modernista habitual da obra de arte única e original. Magritte utilizou a repetição como método para inspirar não só o tratamento de temas em pinturas individuais, mas também para o encorajar a fazer muitas cópias de algumas das suas melhores obras.

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A natureza pictórica das pinturas de Magritte resulta frequentemente numa tremenda dicotomia: imagens que são encantadoras na sua pureza e clareza, mas que podem provocar sentimentos perturbadores. Parecem proclamar que não escondem nenhum enigma, mas são também fantasticamente estranhas. Como o historiador de Magritte, David Sylvester, tão eloquentemente o disse, as suas obras evocam "o tipo de maravilha sentida durante um eclipse". Magritteestava interessado nas interconexões entre mensagens linguísticas e visuais, e algumas das suas pinturas mais famosas combinam as duas.

Embora essas imagens partilhem frequentemente a aura de mistério que define a maior parte da sua obra surrealista, parecem também ser inspiradas por um sentido de investigação intelectual - e de espanto - pelos erros que podem estar nas palavras.

Os homens com chapéus de coco, que aparecem frequentemente nas pinturas de Magritte, podem ser considerados auto-retratos. As caracterizações da esposa do artista, Georgette, e as vistas do humilde apartamento do casal em Bruxelas são também predominantes nas suas obras. Embora isto possa implicar material pessoal nas pinturas de Magritte, é mais provável que esteja relacionado com as origens quotidianas das suas inspirações. É como se ele sentisseque não precisávamos de ir longe para procurar o estranho, uma vez que ele se encontrava em todo o lado, mesmo nas vidas mais mundanas.

Exposições e colecções

O Museu Magritte de Bruxelas, aberto ao público a 30 de Maio de 2009, está instalado no Hotel Altenloh, de cinco andares, de estilo neoclássico, e expõe 200 pinturas, esboços e esculturas autênticas de Magritte, nomeadamente Scheherazade, O Regresso e O Império da Luz. Esta exposição multimodal contínua possui a maior colecção de Magritte do mundo, sendo a maioria das obras provenientes dedirectamente da viúva de Magritte, e sua principal mecenas, Irene Hamoir Scutenaire.

Os estudos de Magritte com a fotografia surrealista a partir de 1920, bem como as suas curtas-metragens surrealistas a partir de 1956, estão também expostos no museu.

Outro museu está instalado na anterior residência de Magritte, na Rue Esseghem, 135, em Bruxelas, onde viveu com a sua esposa de 1930 a 1954. Olímpia (1948), um retrato nu da mulher de Magritte, supostamente avaliado em mais de 1,1 milhões de dólares, foi levado desta instituição por dois homens armados a 24 de Setembro de 2009. Em Janeiro de 2012, foi entregue ao museu em troca de uma indemnização de 50.000 euros paga pelo seguro da instituição.da sua popularidade.

A Menil Collection, situada em Houston, Texas, alberga uma das mais importantes galerias de arte surrealista dos Estados Unidos, com dezenas de telas a óleo, guaches, esboços e esculturas de René Magritte.

O eterno óbvio (1930), O significado da noite (1927), A violação (1934), Golconda (1953), e A sala de escuta (1952) estão entre as principais pinturas a óleo da Colecção Menil, que são normalmente expostas uma mão-cheia de cada vez, segundo um calendário rotativo com outras peças surrealistas da selecção.

A arte de Magritte foi apresentada em muitas exposições retrospectivas em França, mais recentemente no Centro Georges Pompidou (de 2016 a 2017). A sua obra de arte foi incluída em três exposições retrospectivas nos Estados Unidos: no Metropolitan Museum of Art (2013), no Museu de Arte Moderna (1965), no Metropolitan Museum of Art (1992). Em 2018, o Museu de Arte Moderna de São Francisco teve uma exposiçãonomeado A Quinta Temporada que se concentrou na sua última carreira.

Obras de arte notáveis

René Magritte foi um artista bastante prolífico, tendo criado ao longo da sua vida um vasto conjunto de arte espacial surrealista e de fotografia surrealista.

• Paisagem (1920)
• Sexta Nocturna (1923)
• O Banhista (1925)
• O Jóquei Perdido (1926)
• A pose encantada (1927)
• A traição das imagens (1929)
• O Universo Desmascarado (1932)
• A condição humana (1933)
• A violação (1934)
• O futuro das estátuas (1937)
• A ruptura das nuvens (1941)
• Os bons presságios (1944)
• Valores pessoais (1952)
• A fonte da juventude (1957)
• A Lenda Dourada (1958)
• As memórias de um santo (1960)

Uma cópia do quadro A condição humana (1933) de René Magritte, situada na fachada exterior da nova escola secundária de Liebenau, no distrito de Freistadt; René Magritte, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Leitura recomendada

A biografia de René Magritte está repleta de pormenores interessantes que não cabem todos num único artigo. Se estiver interessado em saber mais sobre as obras de arte e a vida de Magritte, talvez queira ler um dos muitos livros maravilhosos escritos sobre Magritte, o artista.esse mesmo assunto.

René Magritte: A Quinta Estação (2018) por Caitlin Haskell

Entre 1926 e 1938, o artista cultivou um estilo surrealista distinto, mas depois começou a produzir pinturas que não se pareciam em nada com as suas obras anteriores. Começou com um estilo impressionista, copiando a paleta suave e sonhadora de Renoir, a que chamou "surrealismo iluminado pelo sol".iconografia, as cores berrantes de Fauvismo Depois, como se nada tivesse acontecido, Magritte regressou à sua forma original.

René Magritte: A Quinta Estação O livro examina a obra de Magritte durante e após as crises artísticas da década de 1940, ilustrando a sua mudança de visão sobre a arte. A era Renoir do criador, bem como as suas obras de arte dos géneros fauvista e expressionista, que não são reconhecidas pelo público americano, são investigadas neste livro, assim como as hipertrofia dos artefactos obras de arte, uma sequência que tenta jogar com a magnitude de objectos comuns, e o misterioso Domínio da Luz suite, obras de arte que indicam o encontro simultâneo da noite e do dia.

• A arte de Magritte em consequência das crises estilísticas dos anos 40
• Com placas a cores de várias pinturas a óleo e guaches
• Compreensão da posição de Magritte na história da arte do século XX

O artista surrealista belga René Magritte é o artista mais conhecido do seu país do século passado. As pinturas de René Magritte pertencem ao género de arte espacial surrealista, como a sua obra mais conhecida "O Filho do Homem" (1964). A arte de Magritte influenciou uma série de géneros que evoluíram após a sua morte,O seu trabalho artístico, em particular, foi reconhecido como um prenúncio das tendências artísticas vindouras devido à sua ênfase no conceito em detrimento da técnica, à sua relação próxima com a arte comercial e à atenção dada aos objectos do quotidiano que se repetiam frequentemente no espaço visual.

Perguntas mais frequentes

Por que é que René Magritte é mais conhecido?

René Magritte foi o pintor surrealista mais reconhecido mundialmente de todos os tempos, mas só quando estava na casa dos 50 anos é que conseguiu alcançar algum tipo de sucesso e reconhecimento pelo seu trabalho. René Magritte definiu as suas obras da seguinte forma: "Os meus quadros são imagens visuais que não escondem absolutamente nada; geram enigma, por isso, quando alguém encontra uma das minhas obras, pergunta-se apenas: 'O que é queNão tem significado porque o mistério não tem significado e é desconhecido".

Como descrever as obras de Magritte?

René Magritte criou arte espacial surrealista e fotografia surrealista. Tinha um sentido de humor divertido e irreverente, que funcionou em muitas das suas pinturas e se tornou em algumas das suas composições mais conhecidas ao longo da sua carreira. Desenvolveu uma série de pinturas de cachimbos como ilustração deste facto. Ao examinar a série completa como uma peça coesa, em vez de ver afotografias individualmente, vê-se claramente a sua preocupação com uma realidade contraditória.