Vanitas - Przypomnienie o ludzkiej śmiertelności poprzez obrazy Vanitas

John Williams 30-09-2023
John Williams

V anitas była formą sztuki, która rozpoczęła się w XVI i XVII wieku, która istniała jako symboliczny rodzaj dzieła sztuki, który pokazywał tymczasowość i marność życia i przyjemności. Najbardziej znanym gatunkiem, który wyszedł z tematu Vanitas była martwa natura, która była niezwykle popularna w Europie Północnej i Holandii. Dzieła sztuki Vanitas powstały w czasie wielkiej religijnejnapięcia w Europie, gdyż wyłonił się jako obrońca protestanckiej misji introspekcji.

Co to jest Vanitas?

Pochodząca z Holandii w XVI i XVII wieku Vanitas stała się bardzo rozpowszechnionym rodzajem Mistrzowskie malarstwo holenderskie W gatunku Vanitas wykorzystywano formę martwej natury, aby w tworzonych dziełach sztuki wyczarować przemijającą jakość życia i jego próżność.

W tym czasie w Europie panowało wielkie bogactwo handlowe i regularne konflikty zbrojne, co dostarczało malarzom ciekawych tematów i pomysłów do rozważań. Artyści zaczęli wyrażać zainteresowanie krótkością życia, bezsensownością ziemskich rozkoszy, a także bezsensownym poszukiwaniem władzy i chwały. Tematy te były następnie nadmiernie podkreślane w powstających obrazach izostały uznane za istotne cechy w kolejnych dziełach sztuki Vanitas.

Bardzo mroczna forma malarstwa martwej natury, której motyw Vanitas zaczął zyskiwać na popularności, ponieważ dzieła te miały na celu przypomnienie widzom o ich własnej nieuchronnej śmiertelności. Artyści Vanitas poświęcili się przekazywaniu zamożnej publiczności informacji, że takie rzeczy jak przyjemności, bogactwo, piękno i władza nie są nieprzemijającymi właściwościami.

Wszystko jest próżnością (1892) Charlesa Allana Gilberta, gdzie życie, śmierć i sens istnienia splatają się ze sobą. Na zdjęciu kobieta wpatrująca się w lustro buduarowe, które tworzy kształt czaszki; Charles Allan Gilbert, Public domain, via Wikimedia Commons

To ostre przypomnienie o nietrwałości zostało zademonstrowane w różnych obrazach Vanitas poprzez włączenie pewnych przedmiotów. Rzeczy, które stały się powszechne w tych obrazach były światowe przedmioty, takie jak książki i wino, które zostały umieszczone obok znaczących symboli, takich jak czaszki, usychające kwiaty i klepsydry. Te wszystkie przedmioty przekazywały temat przemijania czasu w obrazach, którejeszcze bardziej podkreślał wszechobecną rzeczywistość śmiertelności.

Ponieważ celem obrazów Vanitas było ukazanie zarówno daremności światowych dążeń, jak i pewności śmierci, istniały dwa rodzaje stylów malarskich. Do pierwszej kategorii należały obrazy, które koncentrowały się na śmierci poprzez włączenie takich obiektów jak czaszki, świece, wypalone lampy i więdnące kwiaty. Druga kategoria, próbując zasugerować nieuchronność śmierci, symbolizowałaulotny charakter ziemskich przyjemności z takimi przedmiotami jak pieniądze, książki i biżuteria.

Innym ważnym symbolem, który został użyty w obu kategoriach, było włączenie klepsydr, otwartych zegarków kieszonkowych i zegarów, które wskazywały na upływ czasu. Obiekty te sugerowały widzom zrozumienie, że czas jest cennym zasobem i subtelnie karciły tych, którzy zdawali się go marnować.

Tak więc wiele obrazów Vanitas łączyło obie kategorie, tworząc dzieła sztuki, które istniały jako symbole zarówno śmierci, jak i efemeryczności.

Sen rycerza (ok. 1650) Antonio de Pereda, gdzie siedemnastowieczny dżentelmen, ubrany w ówczesny strój, siedzi śpiąc, podczas gdy anioł pokazuje mu ulotną naturę przyjemności, bogactwa, honoru i chwały..; Antonio de Pereda, Public domain, via Wikimedia Commons

Na pierwszy rzut oka obrazy Vanitas rzucają się w oczy, ponieważ ich kompozycje są bardzo chaotyczne i nieuporządkowane. Płótno jest zwykle wypełnione przedmiotami, które na początku wydają się przypadkowe, ale po bliższym przyjrzeniu się, rodzaj i bliskość przedmiotów zawierają wiele symboli i istnieją jako wybór stylistyczny.

Obrazy wanitatywne, mimo że zawierają elementy martwej natury, różnią się od nich przede wszystkim tym, że są bardzo symboliczne. Artyści nie tworzyli obrazów w celu wyeksponowania różnych przedmiotów czy zademonstrowania swoich umiejętności artystycznych, gdyż obie te cechy uwidaczniały się w miarę jak obraz był analizowany i obserwowany.

Obrazy powstałe w tym czasie były symbolicznym przedstawieniem niepewności świata i podkreślały ideę, że nic nie jest w stanie przetrwać w obliczu rozkładu i śmierci. Dzieła Vanitas niosły więc ze sobą poważne przesłanie, ponieważ ich celem było głoszenie myśli i idei gatunku swoim odbiorcom.

Oprócz tego, że Vanitas był popularny w swoim czasie, nadal wpływa na niektóre dzieła sztuki, które są obecnie postrzegane w postmodernistycznym społeczeństwie artystycznym. Znani artyści, którzy eksperymentowali ze stylem Vanitas to m.in. Andy Warhol i Damien Hirst, którzy wykorzystali czaszki w swoich pracach.

Podobnie jak w przypadku współczesnych przedstawień dzieł sztuki Vanitas, które istnieją dzisiaj, przesłanie gatunku pozostaje takie samo: To jedyne życie, które jest nam dane, więc nie pozwól, aby przeszło przez ciebie, zanim będziesz w stanie cieszyć się nim w pełni.

Zrozumienie definicji sztuki Vanitas

Szukając definicji, powinniśmy najpierw zrozumieć etymologię tego terminu.Słowo vanitas jest pochodzenia łacińskiego i miało oznaczać "marność", "pustkę", "bezwartościowość". Dodatkowo "vanitas" było ściśle związane z łacińskim powiedzeniem memento mori Powiedzenie to miało istnieć jako artystyczne lub alegoryczne przypomnienie o pewności śmierci, co uzasadniało umieszczanie czaszek, umierających kwiatów i klepsydr w powstających obrazach Vanitas.

W związku z tym odpowiednia definicja sztuki Vanitas obejmowałaby dzieła sztuki, które mówią o nieuchronności śmiertelności i bezcelowości ziemskich przyjemności. Odbywało się to zasadniczo poprzez włączenie różnych symbolicznych obiektów, które miały przypominać widzom o tych ideach.

Vanitas przypomina nam o próżności

Termin vanitas Uważano, że próżność zawiera w sobie ideę obrazów Vanitas, ponieważ były one tworzone po to, by przypominać ludziom, że ich piękno i dobra materialne nie wykluczają ich nieuchronnej śmiertelności.

Termin ten pierwotnie pochodzi z Biblii w początkowych wersach Księgi Kaznodziei 1:2, 12:8, które brzmią: "Próżność próżności, mówi Kaznodzieja, próżność próżności, wszystko jest próżnością". Jednak w wersji Króla Jakuba, hebrajskie słowo hevel został błędnie przetłumaczony jako "próżność próżności", mimo że w rzeczywistości oznacza "bezcelowy", "daremny" i "nieistotny". Pomimo tego błędu, hevel implikuje również pojęcie przemijania, które było ważną ideą w obrazach Vanitas.

Czaszka w niszy (ok. pierwszej połowy XVI w.) autorstwa Barthel Bruyn Starszego, gdzie w kamiennej niszy umieszczono anatomicznie poprawną czaszkę, której treść można przetłumaczyć jako "Bez tarczy, która uchroni cię przed śmiercią, żyj aż umrzesz"; Barthel Bruyn Starszy, Public domain, via Wikimedia Commons

Związek Vanitas z religią

Obrazy wanitatywne były postrzegane nie tylko jako zwykłe dzieło sztuki, ale niosły również istotne przesłania moralne, przez co były traktowane jako rodzaj religijnego przypomnienia. Obrazy te miały przede wszystkim przypominać patrzącym na nie osobom o trywialności życia i jego przyjemnościach, ponieważ nic nie mogło wytrzymać trwałości, którą przynosiła śmierć.

Ze względu na tematykę, można się zastanawiać, czy gatunek Vanitas byłby tak popularny, gdyby nie kontrreformacja i kalwinizm, które sprawiły, że znalazł się w centrum uwagi. Oba te ruchy, jeden katolicki, drugi protestancki, pojawiły się w tym samym czasie, kiedy malarstwo Vanitas zaczęło zyskiwać na popularności.

Dziś krytycy przypisują pojawienie się tych ruchów jako dodatkowe przestrogi przed próżnością życia, ponieważ podkreślały one redukcję stanu posiadania i triumf, co jeszcze bardziej podkreślało to, co reprezentował gatunek Vanitas.

Wpływ protestantyzmu

Reformacja protestancka, która miała miejsce w XVI wieku, spowodowała niezwykłe zmiany w myśli religijnej w całej Europie.Kontynent zaczął się dzielić na katolicyzm i protestantyzm, co wprowadziło wiele niepewności w wielu kwestiach religijnych.Doprowadziło to do tego, że katolicy opowiadali się za likwidacją świętych obrazów, podczas gdy protestanci uważali, że obrazy te mogą byćkorzystne dla indywidualnej refleksji o Bogu i innych świętych przedmiotach.

Republika holenderska, która uwalniała się od swoich katolickich władców hiszpańskich, stała się na początku XVII wieku dumnym państwem protestanckim. Indywidualistyczne poczucie deliberacji, które towarzyszyło protestantyzmowi, pomogło skierować holenderskich artystów w stronę gatunku Vanitas, ponieważ chcieli oni wyrazić swoje uczucia religijne poprzez odpowiednią formę sztuki.

Gatunek Vanitas był więc zbudowany na etyce protestanckiej, o czym świadczą idee i tematy, które pojawiały się w tworzonych obrazach. Vanitas przypominały jednostkom, że mimo atrakcyjności rzeczy doczesnych, pozostają one ulotne i nieadekwatne w stosunku do Boga. Obrazy te podkreślały więc nieuchronną śmiertelność, z którą stykali się widzowie, próbując przypomnieć widzom, by działali wzgodnie z Bogiem.

Exitus Acta Probat ("Wynik usprawiedliwia czyn", ok. 1627-1678) autorstwa Cornelisa Galle Młodszego, przedstawiający alegorię śmierci. Poniżej napis o treści Quid terra cinisque superbis Hora fugit, marcescit Honor, Mors imminet atra. W tłumaczeniu oznacza to "Z czego dumne są prochy? Czas leci, wątpliwy honor, śmierć i czerń"; Cornelis Galle Młodszy, Public domain, via Wikimedia Commons

Vanitas i realizm

Sztuka wanitatywna była niezwykle realistyczna, ponieważ była mocno osadzona w ziemskich pojęciach, co znacznie różniło ją od mistycznej techniki sztuki katolickiej. Dlatego też ten gatunek sztuki wanitatywnej odgrywał kluczową rolę w kierowaniu uwagi widza w stronę nieba poprzez przedstawianie przedmiotów, które istniały na ziemi.

Realizm jest również zauważalny w obrazach Vanitas, ponieważ były one niezwykle misterne i specyficzne. Bliższa analiza dzieł sztuki ujawniła wysokie umiejętności i poświęcenie artystów, którzy podkreślali przedmioty z życia widza, starając się uczynić obraz tak istotnym i możliwym do zastosowania, jak to tylko możliwe.

Poprzez zastosowanie realistycznego stylu artysta Vanitas był w stanie wyodrębnić, a następnie podkreślić główny przekaz dzieła, który koncentrował się wokół próżności rzeczy prozaicznych. Realizm w tych dziełach sztuki pomógł widzom zrozumieć, a następnie uporządkować swoje umysły w odniesieniu do ulotnych aspektów życia, co znacznie kontrastowało z nieporządkiem rzeczywistego obrazu.

Vanitas i martwa natura

Jednym z najważniejszych aspektów gatunku Vanitas było to, że był on uważany za podgatunek malarstwo martwej natury W ten sposób obrazy Vanitas były po prostu odmianą tradycyjnej formy martwej natury. Typowe obrazy martwej natury składały się z nieożywionych i zwykłych przedmiotów, takich jak kwiaty, jedzenie i wazony, a uwaga dzieła sztuki była umieszczona tylko na tych obiektach.

Jednak martwa natura Vanitas wykorzystywała te tradycyjnie występujące w niej przedmioty do podkreślenia zupełnie innej idei.

Martwa natura Vanitas miała dać widzom ważną lekcję moralną, gdyż artyści przeciwstawiali zwykłą próżność ostatecznej śmierci jednostki. Miało to na celu początkowo przemówić do widzów, a po pełnym przemyśleniu i zrozumieniu dzieła upokorzyć ich w kwestii traktowania innych i świata.

Nature morte de chasse ou Attirail d'oiseleur ("Martwa natura myśliwska" lub "Martwa natura sprzętu do łowienia ryb", przed 1675) autorstwa Cornelisa Norbertusa Gysbrechtsa; Cornelis Norbertus Gijsbrechts, Public domain, via Wikimedia Commons

Cechy charakterystyczne dzieła sztuki Vanitas

W powstałych obrazach Vanitas pojawiły się pewne cechy, które umożliwiły zaliczenie ich do tego gatunku. Cechy te skupiały się wokół tematów i motywów eksplorowanych w każdym z dzieł, które zostały omówione poniżej.

Tematy

Tematyka obecna w powstających obrazach Vanitas miała wiele wspólnego ze średniowiecznymi upamiętnieniami zmarłych.Przed powstaniem tego gatunku malarstwa ta obsesja śmierci i rozkładu wydawała się chorobliwa.Jednak po nałożeniu się na łacińską frazę memento mori Tematy te w obrazach powoli stawały się bardziej pośrednie, a przez to akceptowalne.

Wraz ze wzrostem popularności gatunku martwej natury, wzrastała popularność stylu Vanitas. Jego tematyka, choć nadal szokująca i ponura dla widzów, stawała się łatwiejsza do zrozumienia, gdyż służyła jedynie przypomnieniu o tymczasowości życia i przyjemności, a także o faktycznej pewności śmierci.

Styl Vanitas oprócz swoich zasadniczych założeń przedstawiał moralne uzasadnienie dla malowania atrakcyjnych przedmiotów w makabrycznych sceneriach, ponieważ przesłanie, które obrazy próbowały przekazać, było znacznie ważniejsze niż same przedmioty.

Kwiaty i drobne stworzenia - Vanitas (druga połowa XVII wieku) Abrahama Mignona, gdzie ledwo widoczny wśród żywej i niebezpiecznej przyrody (węże, trujące grzyby), jedyny szkielet ptaka jest symbolem próżności i krótkości życia; Abraham Mignon, Public domain, via Wikimedia Commons

Motywy

Istnieje kilka motywów, które były fundamentalne dla gatunku Vanitas. W zależności od geograficznego położenia obrazu, ponieważ różne regiony wykazywały preferencje dla różnych motywów, artyści podkreślali różne odrębne motywy.

Na obrazach Vanitas reprezentowane były liczne symbole, przy czym dla każdej z kategorii stosowano ten sam typ motywów. Do motywów obrazujących bogactwo należało złoto, sakiewki i biżuteria, natomiast do motywów opisujących wiedzę - książki, mapy i pióra.

Motywy, które służyły do przedstawiania reprezentacji przyjemności, przybierały formę jedzenia, pucharów z winem i tkanin; a symbole śmierci i rozkładu były zwykle reprezentowane przez czaszki, świece, dym, kwiaty, zegarki i klepsydry.

Symbolizm w obrazach Vanitas

Najważniejszym symbolem, który był stale obecny na licznych obrazach Vanitas, była świadomość śmiertelności człowieka. Bez względu na to, jakie inne obiekty były dołączone, odniesienie do śmiertelności było zawsze wyraźne. Najczęściej było to przedstawione poprzez włączenie czaszki, ale inne obiekty, takie jak więdnące kwiaty, płonące świece i bańki mydlane, osiągnęły ten sam efekt.

Vanitas martwa natura z czaszką, nutami, skrzypcami, globusem, świecą, klepsydrą i kartami do gry, wszystko na udrapowanym stole (1662) przez Cornelisa Norbertusa Gijsbrechtsa; Cornelis Norbertus Gijsbrechts, Public domain, via Wikimedia Commons

Symbole związane z pojęciem czasu były również włączone, które były zwykle przedstawiane za pomocą zegarka lub klepsydry. Podczas gdy rozkładające się kwiaty mogą mówić o śmierci, sugerują również upływ czasu, co pozwala na wykorzystanie ich do obu pojęć. Jednak pojęciem, które obrazy Vanitas prawdopodobnie najbardziej przywołują, oprócz śmiertelności, jest surowa prawda.

W powstałych martwych naturach Vanitas badano beznadziejność naszych przyziemnych dążeń w obliczu naszej śmiertelnej egzystencji.

Sławni artyści Vanitas i ich dzieła

Początkowo obrazy wanitatywne były martwymi naturami, które malowano na odwrocie portretów jako bezpośrednie i wyraźne ostrzeżenie przed nietrwałością życia i nieuchronnością śmierci. W końcu te ostrzeżenia rozwinęły się w samodzielny gatunek i stały się charakterystycznymi dziełami sztuki.

Na początku ruchu dzieła wydawały się bardzo ponure i ciemne, jednak wraz ze wzrostem popularności ruchu, pod koniec okresu dzieła zaczęły się nieco rozjaśniać. Uważany za charakterystyczny styl artystyczny sztuki holenderskiej, wielu artystów stało się znanych dzięki swoim dziełom Vanitas. Na poniższej liście poznamy niektóre z najsłynniejszych i najbardziej wpływowych dzieł.z okresu Vanitas.

Hans Holbein Młodszy: Ambasadorzy (1533)

Namalowany przez Niemca Hansa Holbeina Młodszego, Ambasadorzy W tym dziele Holbein przedstawia ambasadora Francji w Anglii i biskupa Lavaur, którzy opierają się o półkę ozdobioną symbolami Vanitas.

Ambasadorzy (1533) autorstwa Hansa Holbeina Młodszego; Hans Holbein, Public domain, via Wikimedia Commons

Oglądając te przedmioty w odniesieniu do obu mężczyzn, dowiadujemy się, że są oni wykształceni, podróżują, a następnie poznają uroki świata.

Uważa się, że przedmioty te symbolizują posiadaną przez nich wiedzę, która była postrzegana jako przemijająca w porównaniu z trwałą wiedzą, że śmierć wciąż nadchodzi.

Najbardziej zauważalnym symbolem Vanitas w tym obrazie jest czaszka, która została umieszczona na pierwszym planie.Jednak ta czaszka jest zniekształcona, co oznacza, że można ją dokładnie zobaczyć tylko z jednej określonej perspektywy.Ta deformacja tworzy wielką tajemnicę wokół idei śmierci w tym dziele sztuki, ponieważ może być postrzegana z wielu punktów widzenia.Kiedy jesteśmy w stanie zobaczyć czaszkę prawidłowo, istnieje jakoprzypomnienie o śmiertelności i zbliżającej się śmierci, ale gdy patrzy się na nią pod innym kątem, widzowie często ją przeoczali i byli zdezorientowani, czym jest.

Pieter Claesz: Vanitas Martwa natura ze skrzypcami i szklaną kulą (c. 1628)

Jednym z największych malarzy Złotego Wieku Holandii był Pieter Claesz, który namalował Vanitas Martwa natura Dzieło to było wyrazem artystycznego mistrzostwa Claesza w przedstawieniu kilku motywów Vanitas.

Vanitas-Stillleben mit Selbstbildnis ("Martwa natura Vanitas ze skrzypcami i szklaną kulą", ok. 1628) autorstwa Pietera Claesza; Pieter Claesz, Public domain, via Wikimedia Commons

Zobacz też: Jak narysować motyla monarchę - samouczek rysowania realistycznego

W tym dziele oko widza jest prowadzone do różnych szczegółów przez kolejne światło, które jest przedstawione. Przewrócona szklanka, która jest całkowicie pusta, odbija okno i jest również widoczna w odbiciu szklanej kuli po przeciwnej stronie obrazu. Pomyślano, że symbolizuje ona krótkotrwałość światowych przyjemności, co zostało dodatkowo podkreślone przez włączeniezgaszona świeca, zegarek i czaszka.

Choć początkowo przypadkowe, każdy obiekt został starannie wybrany do tej kolekcji, ponieważ istniały one jako reprezentacje łacińskiej frazy memento mori Claesz był znany z ograniczonej kolorystyki swoich martwych natur Vanitas, a ten obraz nie jest wyjątkiem. Cały obraz składa się z brązu i odcieni zieleni, z wyjątkiem niebieskiej wstążki, która dodaje mrocznego i ponurego nastroju dziełu sztuki.

Antonio de Pereda: Alegoria próżności (1632 - 1636)

Bardzo mało wiadomo o Hiszpański artysta Antonio de Pereda, który namalował jedną z najbardziej znanych martwych natur Vanitas. Dzieło to, zatytułowane Alegoria próżności W elegancki sposób wskazuje na bezsensowne dążenie do władzy, czego dowodem jest anioł otoczony wytwornymi dobrami. Obok niego leżą pieniądze i piękna biżuteria, ale anioł wydaje się nie zwracać uwagi na to bogactwo. Jakby rozumiał ukryte znaczenie, które obraz próbuje przekazać, zanim widzowie zdążą się zorientować.

Alegoria próżności (1632-1636) autorstwa Antonio de Peredy; Antonio de Pereda, Public domain, via Wikimedia Commons

Pomimo nieuchronności śmierci przedstawionej przez klepsydrę, świecznik i czaszkę, obraz ten nie komunikuje bezpośrednio widzowi tematów chorobliwości i przygnębienia. Wynika to prawdopodobnie z faktu, że anioł wydaje się świadomy swojej przemijalności w świecie przyrody, ponieważ wie, że jego obecność będzie wieczna w życiu pozagrobowym.

Bezsensowność władzy jest ponownie przedstawiona przez anioła, który trzyma kameę, która przedstawia króla Hiszpanii, wskazując na kulę ziemską. Ten ruch został powiedział, aby odnieść się do daremności ludzkich dążeń, takich jak strategia divide-and-conquer, która została zawarta w próbie ostrzeżenia jednostek o beznadziejności we wszystkich ich działaniach, aby mogli je zatrzymać.

Jan Miense Molenaer: Alegoria próżności (1633)

Alegoria próżności, Obraz namalowany przez Jana Miense Molenaera jest uważany za doskonały przykład sztuki Vanitas. Dzieło to przedstawia trzy osoby, które uważa się za kobietę, jej syna i służącego. W obrazie tym istnieje wiele symboli, które nawiązują do tematów luksusu, ekstrawagancji i zadowolenia. Idee te są przedstawione przez instrumenty muzyczne, pierścień na jej palcu, mapę wiszącą na ścianie wtło, a także ubrania, w które ubrani są matka i syn.

Alegoria próżności (1633) autorstwa Jana Miense Molenaera; Jan Miense Molenaer, Public domain, via Wikimedia Commons

Pomimo całego tego bogactwa, poczucie bezcelowości i nieistotności jest pokazane poprzez kobietę o jej relacji z synem. Kobieta siedzi i poważnie wpatruje się w dal, podczas gdy jej syn próbuje przykuć jej uwagę. Podczas gdy to się dzieje, wydaje się, że trzyma pierścień i lustro, które są włączone jako symbole jej próżności.

Wydaje się, że bez względu na to, jak bardzo chłopiec starał się zwrócić na siebie uwagę matki, nie jest w stanie uratować jej z niewoli bezsensu jej życia. Ten bezsens życia jest dodatkowo podkreślony przez czaszkę, na której opiera swoje stopy, ponieważ została ona włączona jako przypomnienie o nadchodzącej śmierci i rozkładzie.

Willem Claesz: Martwa natura z ostrygami (1635)

Holenderski malarz Willem Claesz znany był z innowacyjności w przedstawianiu martwych natur, które malował wyłącznie w trakcie swojej kariery. Martwa natura z ostrygami Powodem tego jest brak oczywistych symboli i przedmiotów związanych z Vanitas, a jedynie przedstawienie przedmiotów związanych z bogactwem, takich jak ostrygi, wino i srebrna tazza.

Martwa natura z ostrygami, srebrną tazą i szklankami (1635) autorstwa Willema Claesza; Willem Claesz, Heda, Public domain, via Wikimedia Commons

Obiekty te, mimo że słyną z dostatku, wydają się być w kompletnym nieładzie, ponieważ naczynia zostały przewrócone, a jedzenie przedwcześnie opuszczone. Subtelny motyw Vanitas jest reprezentowany poprzez włączenie obranej cytryny, ujawniającej gorycz w środku, i mówi się, że istnieje jako symboliczne przedstawienie ludzkiej chciwości. Ponadto ostrygi wydają się być puste zarówno w jedzeniu, jak i w wodzie.i życia, a zwinięta kartka papieru pochodzi z kalendarza. O obu przedmiotach mówi się, że obrazują upływ czasu.

Paleta kolorów wybrana przez Claesza w tym obrazie jest zarówno ciemna, jak i ograniczająca, co było częstym wyborem w większości obrazów Vanitas tego okresu. Kolory te zostały wybrane głównie ze względu na ich ponure właściwości i zdolność do tworzenia ponurego nastroju. Pojedyncze źródło światła, które zostało włączone, zostało zrobione w celu przypomnienia widzom o ich własnej nadchodzącej śmierci.

Judith Leyster: The Last Drop (The Gay Cavalier) (1639)

The Last Drop, Obraz Judith Leyster stanowi unikalny przykład malarstwa wanitatywnego tego okresu. Dwaj mężczyźni, których z tytułu dzieła można uznać za gejów, zostali przedstawieni jako oddający się przyjemnościom poprzez picie i taniec.

The Last Drop (The Gay Cavalier) (1639) przez Judytę Leyster; Philadelphia Museum of Art, Public domain, via Wikimedia Commons

Zobacz też: Kontrast w sztuce - Czym jest kontrast w sztuce?

W tle, za tymi mężczyznami, przedstawiony jest szkielet, który przyciąga uwagę widzów. Szkielet jest pokazany jako trzymający w rękach klepsydrę i czaszkę, co tworzy bardzo makabryczną scenę. Pomimo tego tonu nadanego przez szkielet, jego włączenie, wraz z przedmiotami, które trzyma, przywołuje idee o efemeryczności i nieuchronności śmierci.

Radość postaci skontrastowana z grozą szkieletu jest silnym przesłaniem Vanitas dla widzów. Przesłanie to w gruncie rzeczy nakłania jednostki do korzystania z chwil życia, póki mogą, ponieważ czas płynie tak szybko i zanim się zorientują, śmierć ich dopadnie.

Harmen van Steenwyck: Martwa natura: Alegoria próżności ludzkiego życia (1640)

Holenderski malarz Harmen van Steenwyck należał do czołowych twórców gatunku Vanitas i stał się jednym z najlepszych malarzy martwej natury swoich czasów. Martwa natura: Alegoria próżności ludzkiego życia istnieje jako doskonały przykład malarstwa wanitatywnego, gdyż w rzeczywistości było to dzieło religijne w przebraniu martwej natury.

Martwa natura: Alegoria próżności ludzkiego życia (ok. 1640) przez Harmena van Steenwycka; Harmen Steenwijck, Public domain, via Wikimedia Commons

Włączenie czaszki sugeruje, że nawet dla najbogatszych jednostek, nie ma sposobu, aby uciec od nieuchronności śmierci i niebiańskiego sądu.Chronometr, który jest czasomierzem, symbolizuje, jak upływ czasu przybliża nas do śmierci.Innym ciekawym symbolem jest dodanie muszli, która była rzadkim przedmiotem kolekcjonerskim w czasie.Uważano, że symbolizuje ziemskie bogactwoi marność, która towarzyszyła poszukiwaniom tych bogactw, a świadczą o tym dodatkowo tkaniny, księgi i instrumenty.

Każdy z obiektów na obrazie został starannie dobrany tak, aby skutecznie przekazać przesłanie Vanitas, które zostało streszczone w Ewangelii Mateusza z Nowego Testamentu. Przesłanie to mówiło o tym, że widzowie powinni wystrzegać się przywiązywania zbyt dużej wagi do bogactwa, przedmiotów materialnych i gratyfikacji życiowych, ponieważ mogą one stać się przeszkodą na drodze do zbawienia.

Joris van Son: Alegoria na temat życia ludzkiego (1658 - 1660)

Flamandzki artysta Joris van Son, który namalował Alegoria na temat życia ludzkiego Już na pierwszy rzut oka widać, że dzieło to ujmuje nas swoim pięknem, co widać po obfitości kwiatów i owoców. Kolory użyte w tym obrazie dodają ciepła, dzięki czemu róże, winogrona, wiśnie i brzoskwinie wyglądają jeszcze bardziej wykwintnie niż się wydają.

Alegoria na temat życia ludzkiego (ok. 1658-1660) autorstwa Jorisa van Sona; Joris van Son, Public domain, via Wikimedia Commons

Jednak po bliższym przyjrzeniu się, w tle widać czaszkę, klepsydrę i płonącą świecę. Te przedmioty Vanitas zostały umieszczone w środku dzieła i leżą bezczynnie w cieniu wibrującego wieńca witalności i życia.

Wielki kontrast powstaje między zmysłowymi owocami, kwitnącymi kwiatami, a ciemnymi i mglistymi obiektami demonstrującymi tymczasowość.

Oprócz przedstawionego rozpadu życia, dojrzałe owoce i kolorowe kwiaty wydają się być w punkcie rozerwania i zapraszają widzów do dotknięcia ich przed nieuchronnym rozpadem. Włączenie dwóch idei tworzących się wokół centralnego tematu rozpadu ukazuje duchowe znaczenie, które istnieje w tym obrazie. Podczas gdy rozpad wciąż odnosi się do ludzkiego życia, również obramowuje i uzupełniaPrzedmioty Vanitas, zanim któryś z nich umrze, a więc krótkość ludzkiego życia i zdolność człowieka do wzniesienia się ponad śmierć, pojawia się jako silny motyw.

Edwaert Collier: Vanitas - Martwa natura z książkami, rękopisami i czaszką (1663)

Holenderski malarz Złotego Wieku Edwaert Collier znany był głównie z martwych natur, czego dowodem jest jego imponujące dzieło zatytułowane Vanitas - Martwa natura z książkami i manuskryptem oraz czaszką. Co znamienne, Collier miał zaledwie 21 lat, gdy namalował to dzieło, co świadczy o jego wielkim talencie artystycznym.

Vanitas - Martwa natura z książkami, rękopisami i czaszką (1663) przez Edwaerta Colliera; Evert Collier, Public domain, via Wikimedia Commons

W tym obrazie Collier połączył wiele klasycznych symboli Vanitas, takich jak czaszka w centrum dzieła, otwarty zegarek kieszonkowy, książki, instrument muzyczny, okulary i klepsydra. Poprzez włączenie tych elementów Collier przekazał wiadomość, że życie, we wszystkich swoich wspaniałych aspektach, jest zasadniczo bez znaczenia ze względu na jego efemeryczną naturę. Podobnie jak piasek wCollier wykazał, że ludzie, muzyka i słowa w końcu zwiędną.

Po obejrzeniu tego dzieła widzowie są zachęcani do uchwycenia chwili obecnej i przeżywania życia tak rozkosznie i przyjemnie, jak to tylko możliwe, ponieważ z czasem żadne przyjemności nie będą możliwe. Martwa natura Colliera Vanitas jest ostrzeżeniem przed próżnością świata, a także przestrogą dla widzów, aby korzystali z życia, zanim będzie za późno.

Pieter Boel: Alegoria próżności świata (1663)

Pieter Boel, kolejny ważny flamandzki twórca wanitatywny, przez cały okres swojej kariery specjalizował się w wystawnych martwych naturach. Alegoria próżności świata uważany jest za arcydzieło gatunku Vanitas, ze względu na dbałość o szczegóły i niezwykle duże rozmiary.

Alegoria próżności świata (1663) autorstwa Pietera Boela; Pieter Boel, Public domain, via Wikimedia Commons

Patrząc na dzieło, oko widza od razu zwraca uwagę na barokową wspaniałość, która jest obecna, reprezentowana przez obszerną symbolikę. Przy bliższym przyjrzeniu się tej wspaniałości, splendor przedstawiony przez Boela wydaje się spoczywać na szczycie sarkofagu znajdującego się w stopniowo rozpadającym się kościele. Kilka przedmiotów, takich jak napierśnik i kołczan strzał, sugeruje, żearogancki charakter militarnej porażki.

W kontraście do tych przedmiotów przedstawione są różne intelektualne przedmioty Vanitas, w tym książki i dokumenty. Przedmioty bogactwa przedstawiają także biskupia mitra, tiara, turban z koroną, jedwabna szata obszyta gronostajami. Choć te symbole bogactwa oznaczają władzę polityczną i religijną, to jednak istnieje pewna sprzeczność.

Im bardziej człowiek zagłębia się w te obiekty, tym bardziej te obiekty istnieją jako wyraźne przypomnienie, że śmierć zwycięża wszystko, bez względu na wszystko.

Dziedzictwo sztuki Vanitas

Pod koniec holenderskiego Złotego Wieku gatunek sztuki Vanitas zaczął tracić na popularności, co wynikało z faktu, że znaczenie Vanitas straciło na sile, a duch religijnej reformy walki stracił na sile. Jednak rozwój, jaki nastąpił w tym czasie w malarstwie martwych natur, miał ogromny wpływ nakolejne pokolenia artystów.

Co ciekawe, mówiło się, że Vanitas zrodziło się z samej sprzeczności. Poprzez akt malowania, a następnie tworzenia pięknego artefaktu, stworzono próżność, która ostrzegała widzów przed niebezpieczeństwem innych próżności w życiu. Vanitas pozostało więc ważnym gatunkiem sztuki w XVII wieku, ponieważ kierowało i skupiało umysły jednostek w kierunku idei, które odzwierciedlały śmierći pozornie bezwartościowy, a jednak wybujały akt życia.

Kontynuacją Vanitas było dodanie estetycznego piękna do dzieł sztuki. Po zakończeniu Vanitas martwe natury były zdumiewająco piękne w swoim obrazowaniu, aż do momentu, gdy pod koniec XIX w. przeszły kolejną zmianę znaczenia. Doprowadziły do tego przede wszystkim artyści Paul Cézanne i Pablo Picasso, którzy zaczęli eksperymentować z różnymi estetykami, jakie miała do zaoferowania kompozycja martwej natury.

Rozważając różne obrazy tworzące ten gatunek, łatwo wciąż zastanawiać się: czym jest Vanitas? W swej istocie okres Vanitas w sztuce skupiał się na tworzeniu dzieł sztuki, które podkreślały przemijalność życia i nieuchronność śmierci dla widzów. Tak więc, przesłanie obrazów Vanitas było takie, że chociaż świat może być apatyczny wobec ludzkiego życia, jego piękno może być nadalcieszyć się i rozmyślać, zanim nastąpi ostateczny rozkład śmierci.

Zajrzyj do naszej historii sztuki martwej natury Vanitas tutaj!

John Williams

John Williams jest doświadczonym artystą, pisarzem i pedagogiem artystycznym. Uzyskał tytuł Bachelor of Fine Arts w Pratt Institute w Nowym Jorku, a następnie uzyskał tytuł Master of Fine Arts na Uniwersytecie Yale. Od ponad dekady uczy sztuki uczniów w każdym wieku w różnych placówkach edukacyjnych. Williams wystawiał swoje prace w galeriach w całych Stanach Zjednoczonych i otrzymał kilka nagród i stypendiów za swoją twórczość. Oprócz zajęć artystycznych Williams pisze również na tematy związane ze sztuką i prowadzi warsztaty z historii i teorii sztuki. Pasjonuje go zachęcanie innych do wyrażania siebie poprzez sztukę i wierzy, że każdy ma zdolność do kreatywności.