O movimento impressionista teve início durante o século XIX, em Paris, quando um grupo de artistas independentes decidiu organizar a sua própria exposição para as suas pinturas que eram habitualmente excluídas do Salão. Atingindo o seu auge durante as décadas de 1870 e 1880, o impressionismo quebrou todas as regras convencionais associadas à pintura académica tradicional, uma vez que incentivou os artistas a captarem as imagens do quotidiano.A influência deste período acabou por conduzir ao aparecimento do Neo-Impressionismo, do Pós-Impressionismo, do Fauvismo e do Cubismo.

O que representou o movimento impressionista?

Iniciada por um grupo de artistas na Europa do século XIX, Impressionismo Cansado das exposições e dos salões arcaicos, em que apenas as obras de arte aprovadas pelo governo podiam ser expostas, este grupo de livres-pensadores estabeleceu o Impressionismo como uma nova forma de arte. movimento de vanguarda .

Artistas impressionistas começaram a escolher paisagens, actividades comuns e objectos como temas principais, o que diferia muito da arte habitual da época.

A vida quotidiana e as cenas ao ar livre tornaram-se rapidamente os principais temas dos artistas durante o período impressionista, uma vez que estes foram encorajados a experimentar uma nova técnica chamada en ar puro Esta técnica exigia que os artistas se sentassem fisicamente na natureza e pintassem exactamente o que viam, o que lhes permitia captar com precisão a natureza fugaz da luz solar e da atmosfera.

La Grenouillère ("The Frog Pond", 1869) de Pierre-Auguste Renoir, um local popular para banhos e recreação entre os trabalhadores e a classe média de Paris; Pierre-Auguste Renoir, Domínio público, via Wikimedia Commons

Devido a esta nova abordagem, as pinturas impressionistas caracterizavam-se por pinceladas pequenas, mas discerníveis, que colocavam grande ênfase na captação da qualidade em constante mudança da luz e do tema comum. Foi criado um tipo de composição mais aberto, que exprimia o sentido mais rico de movimento que os artistas encontravam quando pintavam ao ar livre As cenas da vida moderna eram frequentemente não planeadas, o que acrescentava um elemento mais realista às pinturas e se opunha directamente às pinturas mais académicas que eram anteriormente realizadas em estúdios.

O impressionismo, enquanto estilo, permitiu que as cores livres e ligeiramente pinceladas tivessem prioridade sobre as linhas e os contornos, uma vez que os artistas privilegiaram as representações soltas em detrimento dos pormenores concretos.

As pinceladas e as cores nas pinturas impressionistas tornaram-se mais claras, de modo a transmitir com precisão o assunto comum que estava a ser observado. Além disso, as várias camadas de tinta passaram a ajudar a enfatizar a representação precisa da luz nas suas diferentes qualidades e ângulos visuais não convencionais.

Para além das pinceladas únicas e do tema comum, outras características importantes do Impressionismo incluíam a utilização de cores vibrantes, poses e composições honestas e uma ênfase na representação exacta da luz temporária. Assim, as pinturas produzidas durante este período eram incrivelmente subjectivas, uma vez que se baseavam na forma como o artista percepcionava o ambiente que o rodeava.

Mulher com um guarda-sol - Madame Monet e o seu filho (1875) de Claude Monet; Claude Monet, domínio público, via Wikimedia Commons

Na sua essência, o Impressional movimento artístico O Impressionismo foi um movimento que se limitou a criar uma "impressão" de uma cena ao ar livre, que se centrava na forma como a luz interagia com o mundo circundante, sendo as pinturas caracterizadas por pinceladas mais soltas e leves.literatura.

Visto como um passo significativo no mundo da pintura francesa, o impressionismo é considerado um dos movimentos artísticos mais importantes que já existiram, uma vez que foi visto como o primeiro verdadeiro surgimento da arte moderna. Os artistas abandonaram as cenas históricas e os retratos reais em favor de pintar simplesmente o que viam no mundo à sua volta, o que tornou a arte mais autêntica.

Os nossos 15 quadros impressionistas mais famosos de todos os tempos

Ao investigar o período do Impressionismo, muitas pinturas destacam-se devido às técnicas novas e experimentais que os artistas utilizavam na altura. No entanto, algumas obras de arte do Impressionismo captaram a essência do movimento melhor do que outras e são, por isso, consideradas as pinturas impressionistas mais notáveis que existem. Embora a nossa lista abaixo não seja certamente exaustiva, abrange 15 dasos quadros impressionistas mais famosos de todo o movimento.

O almoço na relva (Le Déjeuner sur l'herbe) - Édouard Manet (1863)

Pintado por Artista francês Édouard Manet em 1863, O almoço na relva (Le Déjeuner sur l'herbe) O quadro de Manet retrata uma mulher banhista, vestida com pouca roupa, que parece estar a fazer um piquenique com dois homens completamente vestidos, algures numa floresta.

Apesar de esta obra de arte ter suscitado a indignação do público devido à nudez que apresenta, o ambiente que se sente quando se vê esta obra é incrivelmente calmo e tranquilo.

Considerado o quadro mais polémico do século XIX, Manet apresentou O almoço na relva para ser exposto no Salon des Beaux-Art, mas o quadro foi rejeitado pelo júri, que considerou que a imagem de uma mulher despida na companhia de dois homens vestidos era um insulto ao comportamento e à moral da época.

O jantar no campo ("Almoço na relva", 1863) de Édouard Manet; Édouard Manet, Domínio público, via Wikimedia Commons

Depois de lhe ter sido negada a entrada na exposição, Manet decidiu expor o seu quadro no Salon des Refuses, conhecido como a "exposição dos recusados", o que chocou profundamente a sociedade burguesa francesa. O quadro impressionista passou a ser visitado por inúmeras pessoas que assistiam ao Salon, no entanto, isso foi feito apenas para gozar e ridicularizar a obra, uma vez que a sociedade desprezou completamente o potencial queera evidente na pintura de Manet.

Influenciado pelo período renascentista, Manet transformou o seu nu feminino no ponto central desta pintura, mas foi a forma como ele permanece completamente não idealizado, apesar da sua falta de roupa, que deixou o público mais perplexo.

O seu olhar, que se fixa directamente fora do quadro, confronta o espectador de uma forma quase sensual, convidando-o a continuar a admirar o quadro. Após uma observação mais atenta, a segunda figura a banhar-se ao fundo dá-se a conhecer, o que levanta a questão de saber por que razão a mulher em primeiro plano parece ser a mais impressionante.Os espectadores entram na composição, mas quanto mais se considera este quadro, mais se pergunta porque é que Manet retratou os homens completamente vestidos.

Um pormenor do quadro de Édouard Manet de 1863, O almoço no campo ("Almoço na relva"); Édouard Manet, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

Ao extrair o nu feminino dos contextos justificados da mitologia e do orientalismo, e ao permitir que o seu tema feminino desafiasse com confiança os espectadores através do seu olhar, Manet foi capaz de chocar a sociedade da classe alta através do descaramento desta pintura. Através dos seus contornos mais nítidos e contrastes de cor exagerados, Manet introduziu um tipo de pintura que a sociedade nunca tinha encontradoantes, pois ignorou todas as técnicas tradicionais num esforço para representar uma cena incrivelmente indecente, mas contemporânea.

Apesar de alguns críticos terem classificado este quadro impressionista como uma "brincadeira de jovens", a obra de Manet lançou assim a introdução da vanguarda na arte, desafiando as convenções da época e acabando por lhe granjear a fama e o patrocínio que procurava.

Embora este quadro seja frequentemente considerado como a origem do impressionismo, a sociedade francesa levaria mais duas ou três décadas até que este fosse plenamente apreciado e compreendido.

Olímpia - Édouard Manet (1863)

Outro de Os quadros impressionistas influentes de Édouard Manet são a sua obra de arte intitulada Olímpia No entanto, após a reacção negativa que recebeu ao expor O almoço na relva (1863) no Salon des Refuses, Manet sabia que o seu novo quadro seria igualmente controverso e, para evitar mais contestações, escondeu-o no seu atelier durante cerca de 18 meses, antes de decidir expô-lo no Salão de 1865.

Dentro de Olímpia Com base no título da pintura, presume-se que a mulher seja uma prostituta, uma vez que o nome "Olympia" era comummente associado à indústria do sexo na época, e que as flores sejam um presente enviado por um cliente satisfeito.tenta cobrir-se de uma forma modesta, ao mesmo tempo que transmite uma sensação deliberadamente sensual e gratificante.

Olímpia (1863) de Édouard Manet; Édouard Manet, Domínio público, via Wikimedia Commons

A atmosfera sentida neste quadro está repleta de referências sensuais, pois os brincos de pérolas, a fita preta e as orquídeas que a figura usa eram considerados objectos muito provocantes na época. Além disso, a inclusão do gato preto na composição, com a cauda levantada, foi considerada mais um reconhecimento da indústria do sexo na época desta obra de arte impressionista.

Ao representar uma prostituta da classe baixa, o quadro de Manet pretendia chocar o público burguês com a realidade oculta, mas ainda muito conhecida, da prostituição em França.

Caracterizado pelas suas pinceladas largas, muitos criticaram a obra de Manet por ser pouco hábil e infantil devido ao seu tema ridículo. Através do olhar de confronto com que Manet pintou a figura, é-lhe dado um rosto e uma identidade, o que veio humanizar a profissão de prostituta, apesar de a sociedade a ver como algo vulgar.

Uma gravura da obra de Édouard Manet Olímpia ; Édouard Manet, CC0, via Wikimedia Commons

Considerada uma obra de arte provocadora, Olímpia Com a figura a causar um grande alvoroço devido ao seu olhar descarado e sem remorsos, muitos críticos afirmaram que a única motivação de Manet para uma pintura tão indecente era atrair a atenção a qualquer preço.

Apesar dos protestos de que Olímpia No entanto, a pintura foi surpreendentemente aceite pelo júri do Salão para ser exposta em 1865, o que levou Manet a viajar para Espanha durante algum tempo para escapar à agitação que tinha causado.

Pela sexualidade exacerbada presente, este quadro de uma mulher claramente sem vergonha do seu corpo é considerado um dos quadros mais polémicos do movimento impressionista.

Estúdio de Bazille (L'atelier de Bazille) - Frédéric Bazille (1870)

O artista francês Frédéric Bazille é considerado um artista notável do Impressionismo devido ao tipo de pinturas que produziu durante o movimento artístico. A sua pintura de 1870, intitulada Estúdio de Bazille (L'atelier de Bazille) Infelizmente, como morreu jovem, Bazille não chegou a produzir muitas obras de arte, razão pela qual Estúdio de Bazille é considerada a sua obra-prima.

Na obra de arte, Bazille retratou muitas figuras icónicas do Impressionismo a passear no seu estúdio, incluindo Claude Monet, Édouard Manet, Pierre-Auguste Renoir, Emile Zola e Edmond Maître. Embora Bazille tenha pintado cenas semelhantes em três dos seus outros estúdios de arte, esta obra de arte do Impressionismo é considerada a melhor do trio, apesar de parecer mais realista do que impressionista em termos deO que torna este quadro tão único é o facto de Bazille ter incluído na obra um retrato seu, pintado por Manet.

L'atelier de Bazille ("Bazille's Studio", 1870) de Frédéric Bazille; Frédéric Bazille, Domínio público, via Wikimedia Commons

O próprio Bazille torna-se também o principal ponto focal desta pintura, uma vez que se apresenta como a figura central inclinada para o cavalete. Mostra-se a segurar uma paleta de pintor na mão, o que o identifica como o proprietário do atelier do artista, enquanto conversa com uma figura que se suspeita ser Manet sobre a pintura em curso.a identificação correcta das outras figuras do quadro de Bazille, que se diz representarem os seus amigos artistas, mas nunca saberemos a sua verdadeira identidade.

Por cima da figura de Bazille, está representado um quadro de natureza-morta de Monet, que se diz representar a ajuda financeira que Bazille oferecia aos seus contemporâneos, uma vez que provinha de uma família abastada e podia oferecer apoio quando as exposições recusavam as suas pinturas. Os outros quadros da parede são constituídos por obras que também foram rejeitadas pelo Salão em 1870, entre as quaisaqui dita ser uma crítica mal escondida à academia, que consideraram ser incrivelmente inconsistente.

Esta obra de arte impressionista representa o estilo distinto que Bazille incluiu nas suas obras, com uma atenção cuidadosa aos pormenores, o que é demonstrado pelas expressões faciais realistas que incluiu nas figuras.

Um pormenor do quadro de Renoir Paisagem com duas pessoas tal como aparece em Estúdio de Bazille ; Frédéric Bazille, Domínio público, via Wikimedia Commons

A justaposição de cores criada entre o sofá cor-de-rosa, a madeira vermelha da cadeira e a cor clara das molduras ajudam a iluminar os tons cinzentos presentes nesta sala grande, que é ainda mais iluminada pela janela alta ao fundo.

A disposição do Estúdio de Bazille cria uma atmosfera muito informal, uma vez que a grande extensão de chão aberto separa efectivamente os espectadores do grupo de homens que estão reunidos na extremidade do estúdio. Ao fazê-lo, Bazille dá aos espectadores uma visão do mundo excitante destes artistas revolucionários, mas consegue manter o público separado. Isto implica que, embora os espectadores tenham sido tecnicamente autorizados a entrar no estúdio, elesficar sempre do lado de fora a olhar para dentro.

Impressão, nascer do sol - Claude Monet (1872)

Considerado o quadro que deu nome ao movimento impressionista e, por conseguinte, o mais importante de todo o período, é o quadro de Claude Monet Impressão, nascer do sol Apesar de já existirem outros artistas a trabalhar no estilo impressionista nesta altura, diz-se que a pintura de Monet deu verdadeiramente origem ao movimento e ajudou a impulsioná-lo.

Ao classificar este quadro como uma "impressão" e não como um esboço acabado, o crítico de arte Louis Leroy utilizou este comentário depreciativo para ridicularizar o trabalho produzido por Monet e outros, depois de ter analisado a Primeira Exposição Impressionista, que teve lugar em 1874. No entanto, o termo rapidamente deu origem ao surgimento do movimento impressionista, com este novo grupo de pintores a decidir lutar contra ocríticas que receberam e passaram a adoptar este termo insultuoso com orgulho e revolta.

Impressão, nascer do sol (1872) de Claude Monet; Claude Monet, domínio público, via Wikimedia Commons

Pintado após uma visita ao Havre, Monet criou um equilíbrio impressionante mas harmonioso entre as cores utilizadas para representar o mar, a terra e o céu. Com laranjas suaves, azuis e verdes a serem utilizados como cores principais para retratar o nascer do sol, toda a composição parece estar banhada por uma luz pastel, o que contribui para o nevoeiro associado ao nascer do sol de manhã cedo.

Embora o título se centre no nascer do sol, os espectadores acabam por perceber que a ênfase é colocada no calor e na cor da luz solar circundante, em oposição à acção que tem lugar no porto.

Utilizando pinceladas bruscas e soltas e cores não misturadas, Monet conseguiu realçar o nevoeiro espesso e o seu reflexo na água. Em vez de definirem a obra, estas pinceladas soltas oferecem uma mera sugestão do que Monet viu quando pintou esta obra de arte. No meio da pintura, os olhos do espectador são atraídos para os dois pequenos barcos a remos em frente ao sol vermelho que se aproxima do céu.Esta obra de arte Impression é estruturada através das chaminés e dos mastros de navios que se vêem ao fundo.

A sensação de solidão é evidente nesta pintura, uma vez que Monet conseguiu captar um momento de completa quietude e calma antes de o sol nascer para começar mais um dia. Suspeita-se que tenha sido realizada numa única sessão, de modo a captar rapidamente as qualidades variáveis da luz, Monet terá sido influenciado pelo nevoeiro penetrante visto nas obras recentes de J.M.W Turner.

Nesta pintura, Monet cria uma "impressão" simples do que o rodeia num determinado momento, com a sua representação da luz efémera demonstrada através das várias cores utilizadas para a captar com precisão tal como a viu.

Assim, este quadro foi considerado como a marca registada do novo estilo impressionista, uma vez que o interesse de Monet pelos efeitos específicos do tempo que a luz tinha nas composições ao ar livre está claramente representado nesta composição enevoada e indistinta.

Trata-se de um dos quadros impressionistas mais procurados e célebres de sempre, Impressão, nascer do sol Como deu nome ao movimento, o quadro de Monet é hoje considerado o símbolo por excelência do Impressionismo, uma vez que tipifica na perfeição o novo estilo artístico que estava a surgir.

A aula de dança - Edgar Degas (1874)

Outro artista francês importante que ajudou a impulsionar o movimento impressionista foi Edgar Degas. A sua obra de arte de 1874, intitulada A aula de dança A sua obra, que demonstra o seu fascínio pela dança e pelo movimento, é a pintura mais complexa que realizou entre as suas outras obras com temática de dança e é considerada a sua pintura mais ambiciosa, A aula de dança explora a ideia de elegância e delicadeza que estava associada ao ballet.

Esta obra de arte é considerada tão complexa que Degas incluiu mais de vinte figuras nesta composição, o que permitiu que muitas áreas diferentes atraíssem a atenção dos espectadores.

No entanto, foi estabelecido que o maestro de dança, retratado na extrema direita, é visto como o foco principal da pintura, uma vez que consegue destacar-se ao ser colocado fora da acção principal que está a decorrer. O maestro era o famoso mestre de ballet Jules Perrot, tendo Degas criado esta composição com base numa cena numa sala de ensaios da Ópera de Paris.

A aula de dança ("A aula de dança", 1874) de Edgar Degas; Edgar Degas, Domínio público, via Wikimedia Commons

Visto como um arte clássica impressionista peça, A aula de dança foi uma obra de arte importante que não foi pintada ao ar livre, uma vez que Degas se recusou a adoptar a ao ar livre Além disso, o tema que Degas escolheu para retratar foi motivado por necessidades financeiras, uma vez que as pinturas de bailarinos vendiam bem na época e ele precisava do dinheiro para ajudar a gerir o negócio da família.

Rejeitando a ideia de ser chamado de "Impressionista", Degas pintou A aula de dança Apesar de fornecer uma interpretação realista do que viu, este quadro continua a ser considerado uma obra de arte notável, pois parecia preencher todos os requisitos que identificavam as obras de arte como impressionistas na época. A composição retratava uma cena moderna que utilizava cores vivas, o que contribuía para a sensação de movimento que Degas tentou captar.

Outro quadro de Edgar Degas, também intitulado A aula de dança (1873); Edgar Degas, Domínio público, via Wikimedia Commons

No entanto, os bailarinos parecem desprovidos de qualquer sentimento e personalidade, característica distintiva da maioria dos quadros de Degas, o que se pensa dever-se ao facto de os indivíduos deste quadro não serem filhos da rica elite francesa, mas sim filhos da classe pobre e baixa que tentavam ganhar a vida como bailarinos. Estes bailarinos eramobrigados a treinar durante longas horas sob a orientação severa do seu mestre de dança, o que criou uma percepção completamente diferente do ballet.

A aula de dança foi encomendado pelo cantor Jean-Baptiste Faure, o que exigiu a Degas a preparação de inúmeros estudos de bailarinas antes de concluir a obra final. Tendo sido inicialmente treinado nas técnicas da arte académica, Degas trouxe para esta pintura uma compreensão refinada do corpo humano, o que ficou demonstrado pela forma como conseguiu captar a elegância das bailarinas de uma forma tãode forma bela e precisa.

Considerada a sua obra mais famosa, esta pintura de Degas é fundamental para compreender o movimento impressionista.

Nevoeiro, Voisins - Alfred Sisley (1874)

O artista francês Alfred Sisley foi outro importante contribuinte para o movimento impressionista e produziu algumas obras de arte notáveis durante a sua carreira. Uma das suas obras de arte impressionistas mais conhecidas foi Nevoeiro, Voisins Como artista, Sisley aderiu plenamente à técnica impressionista e pintou constantemente ao ar livre O que se pode ver nas muitas composições de paisagens que criou.

Depois de se ter instalado numa aldeia em Voisins, Sisley pintou esta bela cena pastoral que retrata um forte nevoeiro que se instalou. Algumas estruturas podem ser vistas através da névoa, como o contorno da cerca e os ramos retorcidos de uma árvore no fundo da pintura. Apesar de parecer nebuloso, o tema central é dito ser a mulher agachada a cuidar do seu jardim ouapanhar flores.

O tom cinzento-azulado utilizado para representar a mulher ajuda a distingui-la do resto da cena, uma vez que parece mais escura do que a névoa que Sisley estava a tentar captar.

Além disso, a combinação destas cores cria um brilho prateado à sua volta, o que contribui para a atmosfera ligeiramente misteriosa criada pelo isolamento da mulher. A paleta de cores suaves utilizada por Sisley transmite uma cena expressiva e, ao mesmo tempo, completamente tranquila, o que realça a qualidade relaxante da paisagem.

Le Brouillard, Voisins (' Fog, Voisins', 1874) de Alfred Sisley; Alfred Sisley, Domínio público, via Wikimedia Commons

Através da criação de uma composição quase completamente desprovida de outras figuras humanas, Sisley conseguiu realçar a paz avassaladora que pode ser encontrada em espaços exteriores onde os humanos não interferem. Apesar de incluir a mulher solitária a cuidar do seu jardim, o nevoeiro que Sisley pintou obscurece-a quase por completo, bem como o prado, o que contribui para o anonimato sentido. O seu corpo parece misturar-se sem esforçopara o mundo exterior à sua volta, o que se diz representar um comentário feito por Sisley sobre o mundo natural em geral.

Como a cor predominante utilizada é o cinzento, Sisley conseguiu criar uma cena muito sombria, em que a mulher solitária parece emergir do nevoeiro como uma espécie de figura espectral. Apesar de Sisley representar uma paisagem no seu Nevoeiro, Voisins Devido à rapidez com que a névoa se altera, Sisley teria de construir este quadro a partir de alguns esboços preliminares que teria efectuado ao longo de um certo período de tempo, Nevoeiro, Voisins não é composto pelas pinceladas curtas e soltas que caracterizavam outras pinturas impressionistas da época.

No entanto, esta pintura continua a ter uma natureza inconfundivelmente impressionista, uma vez que Sisley experimentou a qualidade transitória da luz e da sombra através das cores que escolheu.

O berço - Berthe Morisot (1872)

Um importante artista feminina no movimento impressionista foi Berthe Morisot, que produziu algumas obras incrivelmente notáveis durante o período. O seu quadro de 1872, intitulado O berço é a sua obra mais conhecida devido às técnicas impressionistas que utilizou.

Nesta pintura, Morisot retratou a sua irmã, Edma, a olhar para a sua filha a dormir num berço parcialmente escondido por um véu transparente. Sendo uma das primeiras obras da sua carreira, Morisot conseguiu captar o complicado tema da maternidade de uma perspectiva madura, o que se pode sentir ao olhar para esta pintura.

A maternidade viria a tornar-se um tema recorrente nas suas muitas pinturas, uma vez que Morisot explorou profundamente as questões relacionadas com as limitações sociais das mulheres durante esse período.

Apesar de ter sido geralmente admirada pela crítica aquando da sua primeira exposição em 1874, O berço As técnicas utilizadas por Morisot para pintar a irmã, combinadas com o tema polémico que explora a posição social das mulheres, fizeram desta obra de arte uma pintura incrivelmente controversa na época.

O Berceau ("O berço", 1872) de Berthe Morisot; Berthe Morisot, Domínio público, via Wikimedia Commons

Morisot cria uma composição equilibrada através da posição do corpo de Edma em relação ao véu, o que implica a harmonia subconsciente que se diz estar presente entre um pai e um filho. Ao pintar um véu translúcido sobre a criança, Morisot consegue proteger a sua identidade dos espectadores, ao mesmo tempo que sublinha a relação privada que uma mãe tem com o seu filho.

O movimento também é visível nesta pintura através da linha diagonal criada entre o braço dobrado de Edma e a linha da cortina, um aspecto que muitos impressionistas experimentaram. Esta linha diagonal enfatiza ainda mais a ligação sentida entre Edma e o seu bebé, uma vez que Morisot cria uma cena muito íntima que os espectadores puderam observar.

Essencialmente, O Berço retrata uma cena cheia de intimidade e protecção, com Morisot a sugerir que o amor de uma mãe pode proteger os outros do mal.

Como os traços faciais de Edma não são muito pormenorizados, o espectador não tem a certeza dos seus pensamentos e sentimentos, o que se diz ser um traço típico de Morisot nas suas pinturas, pois representa o mistério associado às mulheres que tinham de esconder constantemente aspectos de si próprias durante esta época, O berço não suscitou grande interesse na exposição impressionista de 1874 devido à sua temática, o que obrigou Morisot a retirar a exposição.

Dançar no Moulin de la Galette - Pierre-Auguste Renoir (1876)

O artista francês Pierre-Auguste Renoir foi outra figura notável do Impressionismo, tendo criado inúmeros quadros emblemáticos durante o movimento. Um dos seus quadros mais conhecidos, criado em 1876, é o Dançar no Moulin de la Galette , que foi um dos primeiros quadros que Renoir expôs em 1877.

Considerado um retrato da vida típica parisiense, este quadro é um excelente exemplo do estilo impressionista. Descrito como o "mais belo quadro do século XIX", a obra de Renoir retratava uma parte da vida quotidiana no bairro francês de Montmartre. Nessa altura, o pátio do Moulin de la Galette, que ainda hoje funciona, era um ponto de encontro dea classe trabalhadora para ir beber, comer e dançar depois de um longo dia de trabalho.

Bal du moulin de la Galette (' Dance at Le Moulin de la Galette', 1876) de Pierre-Auguste Renoir; Pierre-Auguste Renoir, Domínio público, via Wikimedia Commons

Apesar de se dizer que muitos dos amigos de Renoir e outros artistas notáveis estavam presentes na pintura, o foco da obra de arte recai sobre a atmosfera alegre sentida neste jardim em Montmartre. Apesar da grande quantidade de pessoas nesta pintura, Renoir ainda foi capaz de capturar uma grande quantidade de detalhes nesta cena incrivelmente movimentada.

São fornecidos vários pontos de vista e ângulos para os espectadores considerarem, o que demonstra que existem muitos elementos focais possíveis nesta pintura.

O maior elemento que Renoir explorou em Dançar no Moulin de la Galette O elemento mais importante para Renoir foi a luz do sol, uma vez que toda a sua composição parece estar banhada pela luz natural que vem de cima das árvores. Como a luz do sol parece estar a cintilar, o movimento também está representado nesta obra de arte, o que enfatizou ainda mais a agitação presente neste pátio. Ao utilizar uma tela maior do que o normal para a sua pintura, Renoir deu a si próprio espaço suficiente paraexplorar a actividade que sentiu ao olhar para esta cena.

Um pormenor da obra de Renoir Dançar no Moulin de la Galette pintura; Pierre-Auguste Renoir, Domínio público, via Wikimedia Commons

Outros elementos do Impressionismo são vistos através das pinceladas coloridas que Renoir usou para representar a felicidade que viu. Além disso, estes tons contrastantes de cor continuam a enfatizar a distinção entre a luz e a sombra vista da copa das árvores por cima das figuras. Através desta representação da luz, Renoir oferece aos espectadores uma representação quase desfocada da multidão, uma vez que o foco daAs obras de arte centram-se na celebração que está a ter lugar e não em quem são essas pessoas.

Embora esta obra de arte seja hoje celebrada, foi inicialmente recebida com críticas negativas por parte dos críticos de arte e do público da época. Nesta pintura, Renoir conseguiu demonstrar o seu verdadeiro talento para a pintura, uma vez que combinou sem esforço elementos de retratos, naturezas mortas e paisagens em Dançar no Moulin de la Galette .

Devido à sua dimensão, esta obra de arte Impression revelou-se um desafio ambicioso para a época, uma vez que nenhum artista antes de Renoir tinha tentado uma pintura desta magnitude.

Rua Paris, dia de chuva - Gustave Caillebotte (1877)

Outra influência importante no movimento impressionista foi o artista francês Gustave Caillebotte. Apesar de pintar de forma mais realista, Caillebotte continua a ser considerado o autor de pinturas impressionistas icónicas durante o auge do período. A sua pintura de 1877, intitulada Rua Paris, dia de chuva é uma das suas obras de arte mais conhecidas.

Considerada uma pintura bastante invulgar, uma vez que retratava um dia de chuva sem mostrar chuva real, a pintura de Caillebotte alcançou grande sucesso. Apesar da inclusão de guarda-chuvas e pedras brilhantes, que parecem estar molhadas quando se olha para a pintura pela primeira vez, estes elementos apenas implicam a possibilidade de chuva sem que esta seja vista pelos espectadores.A luz e as sombras ajudam a criar a impressão de água na rua, facilitando a relação dos espectadores com o título da obra.

Rua de Paris, tempo de chuva ("Rua de Paris, dia de chuva", 1877) de Gustave Caillebotte; Gustave Caillebotte, Domínio público, via Wikimedia Commons

Rua Paris, dia de chuva retrata uma série de pessoas que passam umas pelas outras com um ar de distanciamento numa zona que se pensa ser a Place de Dublin, no 8º arrondissement de Paris. É considerado um grande quadro que capta a vida urbana do século XIX, pois a precisão demonstrada por Caillebotte nesta pintura dá à obra um aspecto quase fotográfico. Esta é essencialmente uma das principais razõesque a obra de arte foi considerada mais realista do que impressionista em termos das suas características.

Caillebotte incorporou nesta pintura elementos associados à fotografia, como a representação de figuras que parecem estar "desfocadas", o que deu origem a muitas críticas, uma vez que uma representação tão moderna do homem numa composição aparentemente isolada era completamente desconhecida na altura.

A precisão com que Caillebotte pintou esta obra de arte demonstra a sua dependência do realismo e da linha, em vez das pinceladas largas e soltas das obras de arte típicas do Impressionismo.

Assim, após uma análise mais atenta, torna-se bastante claro que Caillebotte tinha um grande interesse pela fotografia, uma vez que muitos elementos da Rua Paris, dia de chuva O fotorrealismo é particularmente evidente nesta pintura, com Caillebotte a distorcer ainda mais o equilíbrio da sua obra de arte, recortando o homem na extrema direita do quadro e representando o casal em primeiro plano com uma luz muito mais proeminente do que as outras figuras.

Pormenor da obra de Caillebotte Rua Paris, dia de chuva ; Gustave Caillebotte, Domínio público, via Wikimedia Commons

Ao retratar pessoas comuns a dar um passeio casual, Caillebotte conseguiu transferir a ênfase da pintura para a alienação dos indivíduos na recém-reformada capital parisiense. Além disso, não é dada qualquer identidade a nenhum dosdas figuras, o que contribui para o total anonimato sentido neste quadro e na cidade.

O foco da pintura acaba por recair sobre o olhar indiferente do homem que segura o guarda-chuva em primeiro plano, que parece não se incomodar com o ambiente que o rodeia. A inclusão desta figura foi dita representar a sociedade francesa da época, em constante mudança, o que fez com que Rua Paris, dia de chuva uma das melhores representações da Paris do século XIX.

No Loge - Mary Cassatt (1878)

Sendo o único artista americano Mary Cassatt foi uma adição valiosa para o movimento impressionista. O seu quadro de 1878, intitulado No Loge é uma conhecida obra de arte da Impression, feita com tintas a óleo em vez de pastéis, que muitas vezes preferia utilizar nas suas obras.

Esta pintura a óleo provou ser uma peça impressionista significativa, uma vez que Cassatt demonstrou uma variedade de técnicas associadas ao movimento nesta pintura.

Dentro de No Loge Cassatt retratou um passatempo popular entre as pessoas mais ricas da Paris do século XIX, uma vez que ir à ópera era um acontecimento comum na altura. A ópera era um lugar para ver e ser visto, o que significava que as pessoas se vestiam de forma extravagante. As mulheres, em particular, usavam muitas jóias e mostravam apenas uma quantidade adequada de pele quando estavam em público, enquanto os homens se vestiam de pretofatos de modo a desaparecerem sem problemas nos seus camarotes de ópera sem serem vistos.

Nesta composição, Cassatt retrata uma mulher elegantemente vestida que assiste a um espectáculo diurno na Comedie-Francaise, um teatro emblemático de Paris na época. Os espectadores só conseguem ver o perfil da mulher, que parece estar totalmente absorvida pela acção que está a decorrer no palco. Dando à figura um papel mais activo, Cassatt retratou a mulher a olhar através da óperaóculos para algo que não pode ser visto pelo público, enquanto um homem ao fundo parece ter a sua atenção especificamente voltada para ela.

No Loge (1878) de Mary Cassatt; Mary Cassatt, Domínio público, via Wikimedia Commons

Como tanto a mulher como o homem no canto superior esquerdo se destacam para os espectadores, cria-se uma cadeia de atenção. O público tem dois pontos focais para se concentrar, mas, apesar disso, a ênfase da pintura recai repetidamente sobre a mulher anónima. Assim, No Loge explora o mero acto de observar, uma vez que Cassatt rompe as fronteiras que existem entre observadores e observados, bem como entre espectadores e artistas.

Ao pintar a figura com um vestido preto, Cassatt recusa-se a oferecer o seu corpo como um espectáculo a ser olhado, o que lhe permite misturar-se no seu ambiente. A forma defensiva como segura o leque sugere aos espectadores que ela quer simplesmente ver a ópera em paz, criando um ar de rigidez nesta obra. No entanto, a vista de um camarote de ópera não era muitas vezes muito boa,que explica a utilização dos óculos.

Este facto representa também o comentário que Cassatt estava a tentar fazer sobre a sociedade de classe alta da época, uma vez que o acesso a certos espaços era proibido às mulheres, razão pela qual a Ópera se revelou um tema tão recorrente para as artistas femininas, uma vez que lhes era concedido acesso a este espaço com relutância, por oposição a outras áreas públicas.

In the Loge revelou-se assim um contributo importante para o movimento impressionista, uma vez que Cassatt se tornou uma das três únicas mulheres, bem como a única americana, a integrar o grupo impressionista.

Chá da tarde - Marie Bracquemond (1880)

Outra artista feminina importante no movimento impressionista foi Marie Bracquemond, que muitas vezes passou despercebida em comparação com as suas contemporâneas. Embora os seus quadros possam não ser tão conhecidos como outros, algumas das suas obras destacam-se. Um importante quadro seu, realizado em 1880, é Chá da tarde.

Nesta pintura, Bracquemond retratou a sua irmã, Louise, que estava a ler um livro no jardim. Pintando de uma forma muito caprichosa, Bracquemond utilizou cores suaves e cores pastel em Chá da tarde Com o branco como cor principal, Louise é pintada de uma forma muito recatada, o que é ainda mais realçado pelo seu olhar, que é dirigido para longe dos espectadores. Ao olhar para a sua expressão facial, o público fica com a sensação de que Louise está insatisfeita com alguma coisa.

O goûter ("Chá da tarde", c. 1880) de Marie Bracquemond; Marie Bracquemond, Domínio público, via Wikimedia Commons

Ao incluir um livro, Bracquemond dá à irmã algo para fazer na composição, mas ela parece estar fascinada por outra coisa completamente diferente. Apesar de os seus olhos estarem desviados do livro que tem nas mãos, os críticos afirmam que ela parece estar completamente absorvida pelo que está a ler, o que pode explicar a sua falta de concentração.

Chá da tarde A pintura é um bom exemplo de uma obra de arte impressionista, uma vez que Bracquemond utilizou muitas das características associadas ao movimento. Podem ver-se pinceladas soltas, juntamente com uma paleta de cores de luz que foi experimentada para criar uma atmosfera de leveza nesta pintura.

Ao representar a sua irmã numa superfície banhada de luz, Bracquemond começou a criar o estilo pelo qual ficou conhecida.

Almoço da Festa do Barco - Pierre-Auguste Renoir (1881)

Outro quadro icónico de Pierre-Auguste Renoir é a sua obra de arte de 1881, intitulada Almoço da Festa dos Barcos. Apresentado na sétima exposição impressionista, este quadro recebeu alguns elogios de alguns críticos incrivelmente agressivos, o que denota a sua importância no movimento.

Ao retratar uma cena de almoço num restaurante com vista para o rio Sena, onde as pessoas conversam, riem e partilham comida e vinho, Renoir conseguiu captar uma atmosfera de júbilo total numa tarde de domingo. Diz-se que Renoir se incluiu a si próprio e a alguns dos seus amigosnesta composição, pois queria sublinhar a importância de relaxar e de se divertir com os outros no fim-de-semana.

Sublinhou que esta pintura não era acompanhada de nenhuma mensagem moral subjacente, uma vez que a capacidade de se deixar ir e de se descontrair era uma mensagem tão importante como qualquer outra.

Uma vez que os espectadores não eram obrigados a procurar uma mensagem específica para compreender plenamente a pintura, foi dada mais atenção aos temas que Renoir combinou ao criar esta obra de arte. Almoço da Festa do Barco Renoir criou uma pintura impressionante que incorpora uma variedade de géneros.

O jantar dos canoístas ("Almoço do grupo de barqueiros", 1880-1881) de Pierre-Auguste Renoir; Pierre-Auguste Renoir, Domínio público, via Wikimedia Commons

No entanto, a característica mais importante presente nesta obra é o facto de parecer ter sido pintada ao ar livre Além disso, foi utilizada uma paleta de cores requintada, juntamente com as pinceladas fluidas de Renoir e a manipulação suave da luz. Apesar do tema caótico, a luz parece ser a característica central desta pintura.

Ao retratar feixes de luz suaves e salpicados que entram pelas árvores e pela copa das árvores, Renoir cria uma atmosfera incrivelmente relaxada e suave.

O corrimão que se vê no canto superior esquerdo funciona como um ponto final na composição, o que cria uma quebra na acção caótica sentida através da inclusão de tantas figuras. No entanto, uma atitude muito feliz e alegre está implícita em todos estes indivíduos, que parecem estar a desfrutar plenamente da sua tarde de domingo junto ao rio.

Celebrado pela sua delicadeza, Almoço da Festa do Barco Nesta altura, os restaurantes tornaram-se subitamente muito acolhedores para indivíduos de muitas classes sociais diferentes, com o típico estilo brilhante de Renoir a captar o prazer e o deleite sentidos durante esta época de mudança.

Um bar no Folies-Berg è re - Édouard Manet (1882)

Outra obra significativa pintada por Édouard Manet foi Um bar no Folies-Bergère Apesar de mostrar relutância em ser rotulado de "impressionista", esta obra de arte existe como uma das suas pinturas impressionistas mais icónicas, que o cimentou firmemente no movimento. Esta foi também a última grande obra de arte produzida por Manet, o que contribuiu para o seu estatuto.

Destaca-se pelos seus pormenores intrincados, Um bar no Folies-Bergère Apesar de o tema parecer simples, Manet encheu esta tela com muitos pormenores para ver e considerar, o que a tornou numa composição muito movimentada. O foco da obra de arte recai sobre a mulher no centro, que tem uma expressão muito distante e desinteressada no rosto.

Um bar no Folies-Bergère (1882) de Édouard Manet; Édouard Manet, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Pensando estar a servir um cliente pela forma como o seu corpo está virado para o balcão, a empregada de bar parece estar a ouvir atentamente o que se passa à sua volta. No entanto, a sua expressão facial denuncia-a, uma vez que o seu olhar pensativo não corresponde à sua linguagem corporal. Nesta pintura, Manet demonstra dois lados da experiência de uma mulher nesta época. No reflexo do espelho na parte superiorNo canto direito, mostra-se a servir meticulosamente um cliente, enquanto os espectadores são brindados com a sua expressão honesta de como realmente se sente.

Os pormenores ricos que Manet fornece ajudam os espectadores a compor a atmosfera geral sentida neste quadro, com estes pormenores a servirem de pistas sobre a classe social e o ambiente da época.

Apesar de todos os objectos de distracção à volta da empregada de bar, que dão a impressão de um momento jovial, torna-se evidente uma cena cheia de vazio e apatia. Na época, Manet associava a prostituição à inclusão de laranjas nos seus quadros. Assim, com base no prato de laranjas ao lado da empregada de bar, subentendia-se que ela era também uma prostituta.

A dualidade do papel da empregada de bar torna-se mais clara através das laranjas, pois é sugerido que ela também existe como algo que pode ser comprado, tal como as bebidas que vende. Com base neste pressuposto, para além do facto de a sua última grande obra ter retratado uma cena dentro de um clube nocturno, Um bar no Folies-Bergère tem sido objecto de grande debate ao longo da história da arte.

Boulevard Montmartre - Camille Pissarro (1897)

Artista francês Camille Pissarro foi outro importante impressionista, que criou muitas pinturas impressionistas bem conhecidas. Algumas das suas pinturas mais notáveis provêm de uma série de obras que se centraram no bairro de Montmartre em Paris. A sua pintura de 1897, intitulada Boulevard Montmartre é uma das suas obras mais notáveis neste domínio.

Durante os meses de Fevereiro e Abril de 1897, Pissarro ocupou um quarto no Hotel de Russie, em Paris, e criou uma série de mais de 14 pinturas que se centravam especificamente no Boulevard Montmartre em diferentes alturas do dia e do ano. Pissarro capturou o boulevard entre o Inverno e a Primavera, bem como durante o sol, a chuva, o nevoeiro, a névoa e o pôr-do-sol, o que lhe deixou uma extensa colecção depinturas que se centravam no mesmo tema, o que permitiu a Pissarro apreciar verdadeiramente a cena que estava a representar repetidamente.

Boulevard Montmartre, Primavera (1897) de Camille Pissarro; Camille Pissarro, Domínio público, via Wikimedia Commons

Esta excelente cena urbana que Pissarro criou de Paris dentro de Boulevard Montmartre Pissarro pintou num estilo nitidamente impressionista e deu poucos detalhes definidores às figuras e aos blocos de apartamentos que ladeavam a avenida, mas os espectadores continuam a ter a impressão de que estão familiarizados com esta cena quando olham para ela. A paleta de cores que Pissarro escolheutambém foi silenciado, pois concentrou-se em castanhos , laranjas escuros, azuis e pretos.

Como estava a sofrer de problemas de visão no final da sua vida, Pissarro pintou Boulevard Montmartre Pissarro concentrou-se no jogo de luzes que se encontra neste quadro, em oposição à estrutura da rua e dos edifícios, razão pela qual criou tantas versões do mesmo quadro.

A sua série provou ser muito popular, com uma das obras do Boulevard Montmartre a ser vendida por 19,1 milhões de libras em 2014.

A lagoa dos nenúfares - Claude Monet (1899)

A última obra de arte incluída na nossa lista das 15 melhores pinturas impressionistas é A lagoa dos nenúfares, pintada por Claude Monet Mais conhecido pelas suas numerosas representações de nenúfares, Monet produziu mais de 250 quadros de uma série dedicada a estes animais. A lagoa dos nenúfares A lagoa de nenúfares, com o seu lago de nenúfares, é uma das pinturas mais significativas dessa série. Ponte japonesa O desenho foi feito pelo próprio Monet, embora ele só o tenha conseguido captar em cerca de três quadros.

Depois de se ter mudado para Giverny, uma pequena cidade nos arredores de Paris, Monet começou a renovar uma grande quinta e o jardim que a acompanhava, tendo depois criado um intrincado jardim aquático, que se tornou a inspiração para A lagoa dos nenúfares e os outros quadros da sua série icónica.

Esta composição foi considerada notável a muitos níveis, uma vez que nenhum artista antes de Monet tinha utilizado a cor, a luz e o reflexo de uma forma tão hábil.

O elemento mais marcante da A lagoa dos nenúfares Com uma impressão de luz solar salpicada que Monet criou através das sombras dentro e entre as árvores, a luz provou ser uma característica importante nesta representação do seu jardim. A combinação de cor, tom e textura foi feita de tal forma que uma atmosfera verdadeiramente pacífica e suave é transmitida aos espectadores, como ao jardim torna-se um local sereno e quase celestial.

A lagoa dos nenúfares (1899) de Claude Monet; Claude Monet, domínio público, via Wikimedia Commons

A representação da luz através das pinceladas curtas e rápidas utilizadas exemplifica a abordagem de Monet à ao ar livre Diz-se que Monet visitava o seu jardim até três vezes por dia para estudar e captar com precisão as mudanças de luz, o que o levou a criar tantas composições com o mesmo tema. No entanto, o ponto focal desta pintura são os subtis lírios que flutuam no lago, identificados através das ténues pinceladas de tinta que Monet adicionou à água.

Dentro de A lagoa dos nenúfares A série de nenúfares de Monet, assim como as outras representações de nenúfares que Monet pintou em Giverny, transmite uma incrível sensação de harmonia e equilíbrio quando se olha para as suas obras. Admitindo que era obcecado pelo seu jardim aquático, Monet continuou a representar nenúfares até à sua morte.série de pinturas realizadas por ele.

O movimento impressionista provou ser um movimento incrivelmente influente na história da arte. Embora apenas 15 pinturas impressionistas famosas tenham sido exploradas acima, muitas outras pinturas icónicas podem ainda ser adicionadas à lista. A maioria dos artistas conhecidos produziu uma variedade de obras de arte impressionistas que são consideradas vitais para o desenvolvimento do movimento. Se gostou destaencorajamo-lo a explorar outros quadros do Impressionismo.

Veja aqui a nossa história de pinturas impressionistas famosas!