As obras de arte do Expressionismo são veneradas na história da arte, principalmente devido aos indivíduos misteriosos que surgiram do movimento no início do século XX. As pinturas expressionistas são representações intensamente íntimas e pessoais do que o criador observa no mundo que o rodeia. A arte expressionista distingue-se por pinceladas arrebatadoras, explosões de cores vibrantes eEm vez de retratar a realidade efectiva, procurava transmiti-la de forma expressiva.

Uma introdução às obras de arte famosas do expressionismo

As novas tecnologias e os grandes esforços de modernização mudaram as visões do mundo das pessoas e os artistas representaram o efeito cognitivo dessas mudanças, afastando-se de uma representação literal do que observavam e aproximando-se mais de uma representação psicológica e emocionalinterpretação da forma como o ambiente os afectou através das suas obras de arte expressivas.

A palavra "Expressionismo" terá tido origem em Antonin Matejcek, um historiador de arte, que criou o termo para indicar o inverso completo do Impressionismo.

Embora o Impressionistas Os artistas das pinturas expressionistas, de acordo com as palavras de Matejcek, usavam a pintura para transmitir apenas a vida interior, frequentemente através da representação de temas brutais e duros. É de salientar, no entanto, que nem Die Brücke nem os sub-movimentos relacionados se identificaram alguma vez como criadores de pinturas expressionistas, e que o termofoi amplamente utilizado na primeira parte do século para descrever uma série de géneros, até mesmo o pós-impressionismo.

Cartaz de Ernst Ludwig Kirchner para a exposição do grupo de artistas "Die Brücke" na Galeria Arnold, Dresden, 1910; Ernst Ludwig Kirchner , Domínio público, via Wikimedia Commons

Pinturas famosas do Expressionismo

Arte expressiva O Expressionismo pode ser extremamente vasto e difícil de definir, pois engloba várias nações, técnicas, ideologias e períodos de tempo. As obras de arte do Expressionismo caracterizavam-se, portanto, mais como um meio de comunicação e de reflexão sociológica do que como um sistema de ideais estilísticos. Seguem-se dez pinturas famosas do Expressionismo que exemplificam o carácter expressivo e vivo do período.

O grito (1893) de Edvard Munch

O grito é essencialmente uma obra de arte pessoal e expressiva, baseada no encontro real de Munch com um grito penetrante que cortava o ambiente durante um passeio, depois de os seus dois amigos, mostrados ao longe, se terem afastado dele.

Munch representa o ruído de uma forma que, quando levada a excessos, pode destruir o carácter pessoal, reflectindo a realidade de que o ruído deve ter sido experimentado num momento em que a sua psique se encontrava num estado instável.

As curvas amplas simbolizam uma fusão lógica subjectiva imposta à natureza, na qual a variedade de especificidades se funde num todo de inspiração orgânica com tons femininos. No entanto, o homem é uma componente do mundo natural e a sua incorporação numa tal totalidade aniquila a individualidade.

O grito (1910) de Edvard Munch; Edvard Munch, Domínio público, via Wikimedia Commons

A partir deste período, Munch começou a incluir estes temas em várias das suas pinturas, embora apenas de forma restrita ou modificada. No entanto, ao mostrar as suas próprias experiências horríveis, deixou que a personagem principal fosse distorcida pela sua visão subjectiva do fluir da natureza; O grito pode ser entendido como o reflexo da miséria deste factor unificador que oblitera a identidade humana.

É importante notar que, apesar do facto de o protagonista se basear em Munch, não mostra qualquer semelhança com ele ou com qualquer outra pessoa.

Vários factores demonstram que Munch estava bem ciente dos perigos deste tipo de trabalho para artistas perturbados como ele, tendo rapidamente abandonado esta abordagem e raramente, ou nunca, voltou a expor uma figura frontal a uma deformação tão extrema e metódica.

Hans Tietze e Erica Tietze-Conrat (1909) de Oskar Kokoschka

Hans e Erica Tietze, estudiosos de arte vienenses, encomendaram a Kokoschka, de 23 anos, um quadro conjugal para o seu manto em 1909. A Sra. Tietze notou que ela e o seu cônjuge eram feitos separadamente, como demonstram as suas atitudes e olhares distintos. Kokoschka utilizou camadas finas de cor para gerar o ambiente nebuloso que envolvia os amantes, depois riscou a cor com a ponta dos dedos paraOs Tietze venderam este quadro ao Museu em 1939, apenas um ano depois de se terem mudado para Nova Iorque. Os Tietze eram historiadores de arte bem conhecidos.

O foco de Kokoschka nas suas mãos ansiosas e delicadas sugere as personagens dos dois, que o pintor definiu como "personas fechadas tão cheias de tensões".

Os Tietze podem ter sido historiadores de arte sociais e proeminentes no seu tempo, mas Kokoschka contorna as suas personalidades públicas para descobrir uma sensibilidade subtil na sua ligação privada. Erica olha-nos fixamente; Hans olha para a sua mão e gesticula em direcção a ela sem a alcançar, formando uma curva com as suas mãos e com o braço dela que é interrompida no seu ápice por um espaço fino, uma metafísicadescarga de energia.

A dupla emerge de uma base brilhante de castanho-avermelhado e azul-escuro, onde os seus contornos parecem fundir-se em manchas. Os riscos no óleo mais fino, produzidos com as unhas da designer, criam um padrão de meias marcas etéreas em torno das personagens, uma aura ténue de intensidade cintilante.

Kokoschka, juntamente com o seu colega vienense Egon Schiele, tentou ultrapassar as convenções escolásticas com a arte do imediatismo físico e emocional - "representar a imagem de seres humanos a viver".

Cavalos azuis grandes (1911) de Franz Marc

Esta obra de arte expressionista, que representa três corcéis azuis de cores vivas a olhar para um cenário de colinas ondulantes de cor vermelha, distingue-se pela utilização de cores primárias As formas altamente simples e curvas dos cavalos repetem-se nos padrões do terreno circundante, combinando as criaturas e formando um todo dinâmico, forte e apelativo. As linhas curvas utilizadas para ilustrar o tema devem exprimir "uma sensação de harmonia, tranquilidade e simetria" num mundo de vida selvagem espiritualmente puro, e queA observação permite aos seres humanos partilhar esta relação harmoniosa.

Marc atribuía às cores que utilizava na sua arte um significado ou uma intenção psicológica ou emocional: o azul simbolizava o masculino e a divindade, o amarelo o prazer feminino e o vermelho o ruído da brutalidade.

Cavalos azuis grandes (1911) de Franz Marc; Franz Marc, Domínio público, via Wikimedia Commons

Marc utilizou o azul para simbolizar o misticismo ao longo da sua profissão, e a sua escolha da tonalidade brilhante é considerada como um esforço para rejeitar o mundo físico, a fim de conjurar um núcleo metafísico ou transcendente. Esta é uma das primeiras grandes obras do artista representando animais, e é a mais notável da sua colecção de retratos de cavalos em tons variados. Jean Bloé Niestlé, um suíçopintor, levou Marc a "encapsular a alma da criatura".

A sensação criada pelo tema, segundo Franz Marc, é mais importante do que a correcção zoológica.

Casas à noite (1912) de Karl Schmidt-Rottluff

Schmidt-Rottluff veio para Berlim depois de ter sido co-fundador do Die Brücke, sediado em Dresden, onde criou este retrato abstracto de uma fila de casas. As estruturas balançam em ângulos estranhos sobre uma rua assombrosamente deserta, simbolizando o isolamento da sociedade metropolitana moderna. Apesar de Schmidt-Rottluff ter criado Houses at Night, o impacto da xilogravura é óbvio; o abstracto,As formas minimalistas têm um aspecto nítido e visual comparável ao das muitas peças impressas do criador.

As cores brilhantes complementam os contornos toscos da tela, impregnando a imagem de uma sensação subjacente de desconforto e estranheza.

Para os expressionistas, o mal-estar constante constituía o núcleo do universo metropolitano moderno. O ponto de vista vanguardista do criador sobre a cena de rua foi realçado pelo uso de formas nítidas e esquemas de cores brilhantes e acidificadas. Os padrões angulares salientes neste quadro fazem lembrar o conjunto desconcertantedesenhos para O Gabinete do Dr. Caligari , um filme expressionista de renome criado oito anos mais tarde.

Robert Wiene, o realizador do filme, utilizou o ponto de vista distorcido da arte expressionista para retratar o medo de uma aldeia atormentada por um assassino.

Rua, Berlim (1913) de Ernst Ludwig Kirchner

Kirchner apresenta uma cena citadina movimentada com homens e pessoas a passear pela rua. Kirchner retrata duas senhoras na frente, e as suas formas ocupam uma secção substancial da obra, tornando-as o foco central da pintura. A senhora à esquerda está vestida com um vestido violeta, um contraste brilhante com o traje maioritariamente preto dos homens que rodeiam o duo. Os homens no fundo não têmcaracterísticas distintivas e parecem ser cópias de carbono umas das outras.

As suas roupas misturam-se umas com as outras e as características não distintivas dos seus rostos atraem-nos, uma vez que são os únicos com um sentimento de individualidade.

Kirchner utilizou algumas cores não naturalistas nesta pintura, como a carne das personagens, que muda entre o laranja e o cor-de-rosa, e também os tons rosa e azul do ambiente. As qualidades não naturalistas são predominantes na Expressionismo alemão As pinceladas de Kirchner são livres e transparentes.

Rua, Berlim (1913) de Ernst Ludwig Kirchner ; Ernst Ludwig Kirchner, Domínio público, via Wikimedia Commons

As pinceladas dão uma sensação de movimento, acrescentando uma sensação de ocupação à paisagem da rua. A inclinação descendente da perspectiva e as linhas diagonais contrastantes das pinceladas produzem deformação e uma sensação de movimento. O observador é abordado pelos indivíduos na estrada como se estes fossem sair do quadro e entrar no seu ambiente. Esta decisão artística tambémaproxima-o das senhoras, afastando-o das personagens masculinas sem rosto à distância.

Os princípios expressionistas da pintura alemã remontam a Grünewald e Kandinsky, e Kirchner expande a noção de pinceladas dramáticas e de movimento nas suas próprias obras.

O ciclista (1913) de Natalia Goncharova

O motociclista acelera, o seu boné de operário pontiagudo transforma a sua testa numa forma circular como as pedras da rua. O seu boné humilde contrasta com o chapéu-coco preto brilhante, o maior sinal da aristocracia na moda, e as letras na mesma secção final jogam comlíngua.

A cartola reflecte a curva de e serve como uma das letras da palavra "chapéu" em russo.

O ciclista (1913) de Natalia Goncharova; Natalia Goncharova, Domínio público, via Wikimedia Commons

O pintor duplicou as pernas, os pés e o tronco do motociclista, bem como o chassis e os pneus da bicicleta, para representar não só a velocidade para a frente, mas também as oscilações ascendentes e descendentes dos pneus nas ruas de calçada. Os símbolos russos que soletram "seda", "chapéu" e "fio" podem aludir ao design conceptual do criador e à sua experiência em tecidos.

Para além disso, o "Я" solitário e bem visível, que é "eu" em russo, é uma forma de assinatura do criador.

Mulher sentada com as pernas esticadas para cima (1917) de Egon Schiele

A utilização de tons de laranja e verde cria uma justaposição apelativa, dando a esta obra de arte uma força considerável. O pano de fundo desta imagem é bastante calmo e íntimo do artista, dando-nos um vislumbre dos seus assuntos privados. Edith está sentada no chão, preguiçosamente relaxada. Durante este período, Egon criou uma série de retratos em posturas confortáveis.

Durante a sua vida, Schiele criou uma infinidade de arte sensual, mas neste caso, optou por vestir completamente a sua esposa.

É terrível que qualquer pintor seja prejudicado desta forma, mas Schiele não melhorou a sua situação associando-se a mulheres que estavam frequentemente na adolescência, o que alimentou definitivamente os rumores sobre a sua vida pessoal.

Mulher sentada com os joelhos dobrados (Adele Herms) (1917) de Egon Schiele ; Egon Schiele, Domínio público, via Wikimedia Commons

Schiele era um excelente desenhador que começava por desenhar as formas dos seus retratados antes de adicionar cor para terminar o quadro. Neste exemplo, opta por uma paleta mais variada do que o habitual, incluindo uma tonalidade preta, bem como azuis, verdes e laranjas. A sua mulher está sentada no chão, com a cabeça apoiada no joelho, e olha para ele com um olhar destemido.figuras em todo o tipo de posições estranhas, e raramente usava configurações de retrato mais comuns.

Este foi um exemplo de como o seu trabalho era completamente moderno e inspirou muitos outros na primeira parte do século XX.

Retrato de um homem (c. 1918) por Erich Heckel

Heckel foi um dos artistas fundadores do movimento artístico conhecido como Die Brücke, que começou em Dresden em 1905. Os pintores desta escola opuseram-se ao estilo convencional dominante em vez de uma nova afirmação estética que serviria de ponte entre o antigo e o novo. A impressão em bloco de madeira tem uma rica tradição na Alemanha, que remonta ao século XV; Heckel e os seus colaboradores em Die Brückeressuscitou o método, criando uma enorme quantidade de imagens em xilogravura.

Heckel trabalhou extensivamente com a impressão em xilogravura e foi atraído para o método em primeiro lugar pelo seu puro emocionalismo e aparência austera, bem como pelo seu pedigree histórico alemão.

Retrato de um homem (c. 1918) por Erich Heckel; Clark Art Institute, domínio público, via Wikimedia Commons

Enquanto muitas das obras de Heckel retratam o nudismo e as paisagens urbanas, este triste auto-retrato de 1919 assume um tema mais contemplativo. O rosto abatido do modelo, o maxilar deformado e os olhos cansados, que parecem olhar apaticamente para o horizonte, enfatizam a exaustão mental, emocional e corporal da pessoa. Em vez de criar um auto-retrato realista, Heckel expressa a atitude geral do seu períodobem como o cansaço social da sua época, ambos temas predominantes em pinturas famosas do Expressionismo.

Erich Heckel instancia o seu próprio rosto torturado com as tragédias do período de guerra e a incerteza do pós-guerra.

Mulher louca (1920) de Chaim Soutine

Independentemente da ideia de que as composições figurativas de Soutine, tal como as suas representações de outros temas, são marcadas por pinceladas muito distorcidas e agressivas e por um forte contraste de cores, são extraordinariamente hábeis na representação da singularidade e da individualidade das suas personagens. Os seus retratos incluem um adolescente frágil, o rosto queimado pelo sol da mulher de um agricultor, uma senhora altiva da aristocracia eO olhar arregalado, o rosto apertado, os braços e ombros desajeitadamente cerrados e o penteado loucamente despenteado em Mad Woman contribuem para a estranha atmosfera da peça.

O vestido carmesim da mulher e as pinceladas grosseiras contribuem para a imagem global.

Em comparação com Chagall, que também tinha sido educado num bairro judeu, e com a saudade que Chagall sentia da sua raça e da sua pátria, Soutine estava sempre zangado na sua representação da crueldade explosiva do planeta, provavelmente devido a uma mentalidade perseguida formada pelo empobrecimento e pela tirania da sua infância. As suas composições figurativas prefiguram as de Francis Bacon, que representava "a Humanidade na miséria daas suas próprias condições".

A distorção dos elementos por Soutine até se tornarem eles próprios o tema serviu de modelo a Jean Fautrier, o famoso artista informalista.

Harold Rosenberg (1956) de Elaine de Kooning

Harold Rosenberg (1906-1978), crítico de arte e escritor de poesia, era mais conhecido pela sua dissertação O Pintores de acção americanos (1952), em que defende a arte abstracta, especialmente a de Willem de Kooning.

Concordou com a paleta do artista "em vez de ser um lugar para replicar, redesenhar, avaliar ou 'comunicar' um objecto real ou percebido. O que devia ser pintado no quadro não era uma representação, mas sim uma experiência".

Rosenberg e a sua mulher, Mary Tabak, eram amigos dos de Koonings desde os anos 40, e Elaine tinha-o retratado e ilustrado várias vezes. Esta é a maior e mais complicada obra de arte, representando o revisor esparramado na sua oficina, cobrindo o quadro com uma bebida numa mão e um charuto na outra. Elaine criou um equilíbrio entre a semelhança humana e a puraabstracção, combinando esboços fluidos com cores escuras e secções arrojadas de pigmentos brilhantes.

As famosas pinturas do Expressionismo apareceram em numerosas cidades da Alemanha, ao mesmo tempo que reagiam à angústia generalizada sobre a ligação progressivamente dissonante da humanidade com a terra, bem como às emoções perdidas associadas à integridade e à alma. O aparecimento das obras de arte do Expressionismo assinalou o estabelecimento de novas normas na produção e avaliação da arte.O critério de avaliação do valor de uma obra de arte passou a ser a natureza das emoções do criador, em vez de uma análise do arranjo.

Veja aqui a nossa história dos quadros expressionistas!

Perguntas frequentes

Qual é a origem do termo "obra de arte expressionista"?

Antonin Matejcek é considerado o criador do termo "Expressionismo". Foi um historiador de arte que cunhou a palavra para descrever o oposto polar do Impressionismo. Embora os impressionistas usassem a pintura para representar a grandeza da criação e do corpo físico, os pintores das pinturas expressionistas, segundo Matejcek, utilizavam a pintura para transmitir apenas a vida interior, geralmente através da representação deviolência e coisas duras.

O que é que a arte do famoso Expressionismo tinha de único?

Ao contrário dos cenários bucólicos do Impressionismo e O neoclassicismo Com esboços eruditos, os pintores do Die Brücke utilizavam formas deformadas e cores artificiais e discordantes para provocar a reacção emocional do público. Uma estética minimalista e primordial também unia o grupo. Era um renascimento de meios antigos e da arte europeia medieval, com métodos visuais como a impressão em bloco de madeira utilizados para produzir formas ásperas e irregulares.

O que foi o "Der Blaue Reiter"?

O grupo de pintores que formou o "Der Blaue Reiter" preferia a abstracção, a figuração e as conotações espirituais. Tentavam retratar os aspectos mentais da existência através de representações simbólicas e de cores vibrantes. O seu nome foi inspirado na representação de um corcel e de um cavaleiro de um dos Obras de Wassily Kandinsky .