B Os pintores a preto e branco utilizam a ausência de cor para maximizar o impacto. O forte contraste entre o preto e o branco tem-se revelado eficaz para enfatizar as realidades e os ideais contrastantes do nosso mundo em várias representações artísticas ao longo da história. Muitos de nós estão familiarizados com o sentimento de que o branco simboliza a pureza, enquanto o preto significa algo de natureza mais sombria. Bem, estes artistas queContinue a ler para descobrir a nossa lista das 10 pinturas a preto e branco mais famosas!

A nossa lista de pinturas famosas a preto e branco

No sentido mais estrito, o branco é a ausência de cor, mas também é verdade que o preto e o branco existem no mesmo espectro. No espectro neutro cor cinzenta No espectro, o preto e o branco encontram-se nos extremos opostos, o que significa que restringir as cores de um quadro às do preto e do branco torna-o monocromático. Assim, na realidade, o preto e o branco também podem existir como um só, em harmonia, em vez de indicarem sempre uma diferença distinta.

Vamos explorar a forma como estes vários artistas orquestraram com perícia magníficas obras de arte a preto e branco.

Odalisca em Grisaille (c. 1824 - 1834) de Jean-Auguste-Dominique Ingres

A magnífica pintura de Jean-Auguste-Dominique Ingres, Odalisca em Grisaille, é uma repetição incompleta da sua aclamada Grande Odalisca (1814), a obra de arte que foi fundamental para a sua abstracção da beleza ideal. As pinturas executadas em tons de cinzento foram normalmente criadas como um guia para os gravadores identificarem as distinções de tom para as suas réplicas a preto e branco. Odalisca em Grisaille permanece desconhecido, uma vez que não foi oficialmente associado a Grande Odalisca.

Odalisca em Grisaille (c. 1824-1834) de Jean-Auguste-Dominique Ingres; Jean Auguste Dominique Ingres, CC0, via Wikimedia Commons

A cuidadosa reformulação de Ingres tem uma composição simplificada em comparação com a sua Grande Odalisca Ingres colocou a figura em frente a um fundo preto liso, o que incita o espectador a prestar mais atenção à própria figura. O motivo de uma mulher reclinada é popular desde o Renascimento. As linhas sinuosas que Ingres utilizou para representar a mulher realçam as curvas delicadas do seu corpo.

A curva rítmica que acompanha todo o corpo da mulher demonstra as escolhas artísticas de Ingres para estilizar a sua figura, uma vez que o seu corpo é distorcido de forma ilusória.

Ingres mantém um plano liso na sua representação para que a sua figura permaneça decorativa. Odalisca em Grisaille revela a mestria de Ingres no seu ofício, pois demonstra a sua perícia ao nível da abstracção. A pintura existe como uma imagem pura. A liberdade de Ingres com a forma humana incitou outros artistas a experimentar e o seu legado estabeleceu-o como um precursor instrumental da arte moderna .

Quadrado preto (1915) de Kazimir Malevich

A pintura inspiradora Quadrado preto pela vanguarda russa artista Kazimir Malevich Malevich trabalhava frequentemente com conceitos extraordinariamente simples. A sua famosa arte abstracta a preto e branco é a representação de um quadrado preto de grandes dimensões que domina o linho sobre o qual é pintado. Quadrado preto Malevich expôs a peça pela primeira vez em Petrogrado, na exposição 0.10, em 1915. Quadrado preto é considerado por artistas, curadores, historiadores, e aquilo a que Malevich se referia, como o "ponto zero" da arte.

Quadrado Negro (Quadrado Negro Supremático) (1915) de Kazimir Malevich; Kazimir Malevich, Domínio público, via Wikimedia Commons

Malevich indicou que o seu trabalho fazia parte da Movimento suprematista O único elemento pictórico na composição é o próprio quadrado, mas subtilezas como as impressões digitais visíveis, as pinceladas e as cores que espreitam através das fendas por baixo da tinta, contribuem para a magnificência desta pintura.

Só o peso da tinta preta sobre o linho branco dá uma sensação de peso visual e reforça a importância do próprio quadrado contra o fundo liso e os sentimentos que evoca.

Quadrado preto A peça, aparentemente despretensiosa, era relativamente pequena, mas quando foi exposta gerou um alvoroço. Quadrado preto Tornou-se a derradeira declaração de reducionismo, uma vez que eliminou toda a figuração, imagens naturais e narração de histórias; e demonstrou que o conteúdo não é importante, que o sentimento é primordial.

Crânio de cavalo com rosa branca (1931) de Georgia O'Keeffe

Georgia O'Keeffe's Crânio de cavalo com rosa branca Esta pintura espectacular reflecte as suas experiências no Novo México e o seu fascínio pelo deserto, juntamente com os ossos branqueados que aí encontrou, uma vez que a artista estava a passar menos tempo em Nova Iorque.

O crânio do cavalo tornou-se uma nova exploração para o seu trabalho, mas o motivo da flor era um motivo que lhe era familiar e que revisitou no seu trabalho. O'Keeffe retrata a morte com um toque de vida a preto e branco.

A noção de contraste é ainda mais explorada pela sua representação de uma caveira, um pormenor familiar da morte, com uma rosa branca, um símbolo da vida, enquanto joga com uma paleta monocromática. O trabalho de O'Keeffe explora as diferentes percepções que utilizamos para informar a perspectiva, uma vez que une os dois objectos num estilo distinto. A utilização do preto e branco por O'Keeffe parece sugerir ainda mais a fragilidade da vidapor si só.

Crânio de cavalo com rosa branca A obra de O'Keeffe é uma das maiores obras de arte monocromática da era moderna. O trabalho de O'Keeffe foi um componente instrumental para o progresso do modernismo americano e sua relação com a Movimentos de vanguarda O'Keeffe captou o poder e a emoção dos objectos, tornando o mundo natural abstracto.

Foi reconhecida como a primeira mulher modernista americana e a sua obra de arte passou a informar a iconografia e a mitologia da paisagem artística na América.

Guernica (1937) de Pablo Picasso

Um nome que a maioria de nós já ouviu antes, Pablo Picasso , criou a sua obra-prima Guernica Esta famosa pintura a preto e branco é uma das suas mais poderosas declarações políticas, tendo sido imediatamente criada como reacção à devastadora campanha de bombardeamento nazi lançada sobre Guernica, no País Basco, em Espanha, durante a Guerra Civil Espanhola. Picasso utilizou Guernica para demonstrar o horror e a destruição da guerra e o trauma que esta impõe a pessoas inocentes.

Funcionários do Museu Stedelijk colocam o quadro Guernica (1937) de Picasso na parede, 1956; Herbert Behrens / Anefo, CC0, via Wikimedia Commons

A escolha de Picasso do preto e branco para a sua pintura intensificou o seu dramatismo, dando à pintura uma qualidade de imagem, como se fizesse parte de um registo fotográfico, e realça a essência do mal da guerra, reduzindo a vida à sua volta a compostos dicotómicos de bem e mal. Guernica Picasso retrata os destroços de pessoas e da paisagem urbana, reduzidos a escombros devido à queda das bombas alemãs, e mostra uma mãe a chorar sobre o corpo do seu filho, ao mesmo tempo que inclui a angústia de um cavalo que foi apanhado na cena horrenda.

As pinturas de Picasso foram reconhecidas como símbolos de obras alegóricas distintas.

Guernica A guerra assumiu um significado monumental, actuando como uma recordação permanente da calamidade da guerra. Guernica Quando a pintura foi concluída, foi exposta em todo o mundo numa breve digressão, o que a levou a ser aclamada pela crítica.

Zebra (1937) de Victor Vasarely

A arte abstracta a preto e branco de Victor Vasarely foi pioneira do movimento da Arte Óptica no século XX. Vasarely retratou duas zebras entrelaçadas, com membros sobrepostos, sobre um fundo preto. As riscas brancas que compõem a sua forma são o que as define e dão a impressão de volume, uma vez que não há contornos ou limites em torno das figuras. Os membros sobrepostos imitam o padrão de umaque proporciona uma sensação de profundidade espacial, para além de gerar uma sensação de energia.

Vasarely, um dos mais notáveis artistas a preto e branco, concentrou-se em dominar a utilização de linhas e a interacção entre luz e sombra para criar perspectiva nas suas pinturas.

O contraste entre as riscas brancas e o fundo preto dá origem a uma relação complexa entre o real e o abstracto. Vemos duas zebras, mas, no mesmo momento, elas desaparecem uma na outra e partem em configurações abstractas. O uso de truques ópticos por Vasarely cria uma obra-prima cheia de movimento feroz e poder.

Considerado o "Avô da Arte Óptica", a obra de Vasarely Zebra Vasarely não pretendia que a sua arte abstracta a preto e branco fosse significativa ou transmitisse uma mensagem emocional, mas procurava jogar com a percepção do espectador.

Vasarely continuou a utilizar as zebras como motivos visuais nas suas obras posteriores e, nomeadamente, criou uma escultura baseada nesta pintura em 1965.

Mahoning (1956) de Franz Kline

Franz Kline foi um artista associado ao movimento Expressionista Abstracto durante as décadas de 1940 e 1950. Embora algumas das suas pinturas contivessem cor, foi um dos proeminentes pintores a preto e branco que fizeram parte da Escola de Nova Iorque. Embora tenha explorado vias artísticas semelhantes às dos outros artistas que compunham este grupo, conseguiu distinguir-se com a suaestilo de pintura de Kline, com o qual foi aclamado pela crítica. Mahoning é uma obra de arte monumental com pinceladas de esmalte preto sobre um fundo branco.

Esta pintura apresenta uma pincelada grosseira e traços de pigmento para demonstrar o movimento livre do pincel de Kline através da tela.

Embora a aparência da pintura pareça sugerir imediatismo, os movimentos de Kline foram intencionalmente planeados. Mahoning Nesta pintura, Kline incluiu componentes de colagem que poderiam ser uma referência ao seu desenho original, uma vez que fixou pedaços de papel na tela, pintando-os por cima com camadas de tinta preta.

A poderosa estrutura interna da composição joga com a moldura da tela, com fortes diagonais que parecem cortar as bordas da pintura.

O trabalho de Kline era deliberado e distinto, destacando-se dos outros artistas da sua geração. O seu objectivo era gerar um envolvimento palpável com o espectador, que deveria sentir a presença e a estrutura das suas pinturas. As obras de arte imponentes de Kline encontram-se em colecções de todo o mundo, incluindo o Museu de Arte Moderna de Nova Iorque e a Tate Gallery de Londres, entre outras.

O casamento da razão com a miséria, II (1959) de Frank Stella

O casamento da razão com a miséria, II faziam parte das famosas pinturas a preto e branco sobre tela de Frank Stella, o Pinturas negras A pintura de Stella apresenta grossas faixas pretas que formam tiras em forma de U invertido, paralelas entre si e às margens da tela. As faixas pretas estão separadas por finas tiras brancas de tela não pintada, que servem de intervalos entre a tinta. As faixas pretas têm a mesma espessura que o pincel utilizado por Stella e são uniformes na sua largura.

Stella optou por não utilizar pinceladas expressivas em O casamento da razão com a miséria, II O artista queria que a sua pintura tivesse uma estrutura organizada que fosse reconhecida como uma superfície plana e tridimensional. O casamento da razão com a miséria, II representa o acto de pintar e o resultado que ele traz, onde o que o espectador vê diante de si é o que existe. É uma superfície coberta de tinta, não um retrato de outra coisa. Nas palavras da própria Stella, "o que se vê é o que se vê".

Stella não deixa espaço para o gesto; a sua obra foi despojada de conteúdo emocional ou temático.

O padrão geométrico alternado em O casamento da razão com a miséria, II Stella demonstrou que uma pintura é apenas isso, uma tela com tinta. Usou um pincel de pintor doméstico, esmalte industrial e um esticador extra grosso para enfatizar este facto. Stella adoptou uma abordagem excepcionalmente literal às suas pinturas, e é reconhecido e elogiado pelo seu trabalho na área da Abstracção Pós-Pintura e do Minimalismo.

Movimento em Quadrados (1961) de Bridget Riley

Movimento em Quadrados As famosas obras de arte a preto e branco de Riley encorajam o espectador a contemplar os sentimentos que a obra de arte evoca. As suas pinturas foram o epítome do movimento Optical Art, que utilizou ilusões ópticas para pintar movimento em superfícies bidimensionais.

Riley explora as unidades estruturais de formas familiares como riscas, ovais e, neste caso, quadrados, utilizando-as depois em diversas configurações para examinar as reacções psicológicas e físicas que temos.

A ideia subjacente à monumental arte abstracta a preto e branco de Riley era a de que toda a gente estava familiarizada com o quadrado, a sua forma, os seus ângulos e o seu tamanho, o que produz uma imagem estável e simétrica. Movimento em Quadrados É seguro dizer que desenterrou algo incrível! Completou a sua famosa arte a preto e branco numa só sessão, criando contraste ao pintar cada quadrado alternadamente de preto, criando assim uma imagem em movimento.

Riley definiu o quadrado como o componente principal da pintura, que se modula em todo o quadro.

A altura do quadrado mantém-se ao longo de todo o quadro, mas a largura de cada quadrado diminui à medida que se aproximam do centro, de ambos os lados do quadro, e é assim que Riley imita o movimento, criando uma imagem brilhante de duas superfícies que se dobram uma na outra. Movimento em Quadrados A experimentação de Riley encoraja-nos a desafiar a estabilidade e a certeza.

Sem título (Preto sobre cinzento) (1969) de Mark Rothko

Mark Rothko Rothko foi um dos artistas mais proeminentes da sua geração. Rothko utilizou muitos estilos artísticos diferentes até desenvolver os seus campos de tinta suaves e rectangulares, ao notar o potencial expressivo dos blocos de cor empilhados. Rothko foi fortemente influenciado por Friedrich Nietzsche e pela sua herança judaico-russa. A sua obra de arte abstracta centrava-se na profundidade, no equilíbrio e na escala.conteúdo que ele queria que os espectadores experimentassem a um nível inconsciente. Sem título (Preto sobre cinzento) é uma das suas mais famosas pinturas a preto e branco sobre tela.

Para criar variações subtis de cor, textura e tom, Rothko aplicou muitas camadas e alterou a sua pincelada para desenvolver modulações fortes ou delicadas.

A acumulação de camadas de várias tonalidades de preto cria um bloco de preto luminoso e consumidor. A distinção clara entre o cinzento que parece desvanecer-se à medida que se aproxima do preto realça o sentido enigmático da pintura. A pintura é surpreendentemente ambígua com imagens vazias e desoladas que contribuem para a rica experiência visual.

Rothko utilizou imagens abstractas e cores para articular os seus sentimentos em relação à condição humana, revelando que Sem título (Preto sobre cinzento) A sua capacidade de reposicionar as emoções nas suas telas tornou-o um artista muito popular, elevando o estatuto da pintura abstracta.

As cores claras e escuras contrastantes de Rothko eram tentativas observáveis de demonstrar as suas percepções das dificuldades e conflitos da vida moderna e insinuavam emoções humanas universais.

Apocalypse Now (1988) de Christopher Wool

As famosas pinturas a preto e branco de Christopher Wool revelam influências de várias formas de arte. Apocalypse Now No filme de Francis Ford Coppola de 1979, a última carta do tenente Richard M. Colby à sua mulher diz: "Sell the House. Sell the Car. Sell the Kids." A obra de arte de Wool questiona implicitamente o conceito de "expressão pura" ou "arte elevada", demonstrando que a arte abstracta também pode ser informada e inspirada pela vida que a rodeiae pelos meios de comunicação social.

Wool utiliza letras a negrito, que de outra forma seriam familiares, de uma forma que as faz parecer estranhas e irreconhecíveis, posicionando-as num sistema de grelha.

Wool consegue perturbar a capacidade de leitura com facilidade, o que leva o espectador a questionar a sua capacidade de deduzir um significado da obra. Wool incita o espectador a ver as letras como formas abstractas e como algo que comunica um significado, o que incentiva o espectador a examinar as suas observações estéticas e a sua forma de perceber o mundo que o rodeia.

As pinturas subversivas e experimentais de Wool levaram-no a ser aclamado pela crítica, mas também considerado superficial por outros. No entanto, não deixou de fazer o seu nome no mundo da arte. Apocalypse Now A casa de leilões Christie's descreveu o quadro como sendo intemporal, afectante, imponente e uma peça que continua a manter a sua relevância nos dias de hoje. Wool estabeleceu o seu lugar como um "artista obrigatório" com a sua arte inovadora.

Durante séculos, os artistas restringiram as suas paletas e apostaram no preto e branco como forma de tornar a sua arte mais complexa e matizada. Estas famosas pinturas a preto e branco da nossa lista demonstram o quanto se pode conseguir com a ausência de cor. Se gostou deste artigo, deve consultar o resto do nosso sítio Web!o vosso interesse!

Veja aqui a nossa história web de pinturas a preto e branco!

Perguntas frequentes

Como se chamam os quadros a preto e branco?

No espectro de cores cinzentas neutras, o preto e o branco encontram-se nos extremos opostos, o que significa que restringir as cores de uma pintura às do preto e do branco torna-a monocromática.

Porque é que a arte é a preto e branco?

A ausência de cor pode encorajá-lo a prestar atenção aos vários elementos da pintura, tais como o valor, a iluminação, a composição e a forma. Os pintores a preto e branco utilizam a ausência de cor para maximizar o impacto. O forte contraste entre o preto e o branco provou ser eficaz para enfatizar o contrasterealidades e ideais do nosso mundo em várias representações artísticas ao longo da história.