Pinturas de retratos famosos - Os retratos artísticos mais famosos

John Williams 26-05-2023
John Williams

A pintura de retratos continua a ser um género de pintura incrivelmente popular há muitos séculos. A maioria dos artistas experimentou alguma forma de pintura de retratos ao longo das suas carreiras, com vários artistas a criarem as mais famosas pinturas de retratos alguma vez conhecidas. Apesar de ser tão admirada, a pintura de retratos é um dos géneros mais difíceis de dominar no mundo da arte.Abaixo, vamos dar uma vista de olhos a 15 dos mais famosos retratistas que já existiram, juntamente com as suas obras de arte icónicas e ainda hoje reverenciadas.

O que são pinturas de retratos?

Considerado o género mais prevalecente na pintura, o retrato foi tentado pela maioria dos artistas em algum momento. Descrito como um estilo de pintura destinado a representar um determinado sujeito humano, o termo "pintura de retrato" desenvolveu-se para classificar com precisão tanto o indivíduo retratado como a própria pintura.e uma vasta colecção de retratos artísticos famosos foi reunida ao longo dos anos, com vários pintores influentes a juntarem-se ao grupo.

O retrato é considerado a forma de pintura mais desafiadora que existe, uma vez que requer uma grande nitidez para retratar a forma humana com o máximo nível de detalhe. Geralmente, os artistas que criam pinturas de retrato trabalham para capturar uma representação precisa do seu sujeito, enfatizando as suas características físicas, mentais e até espirituais de uma forma admirável.

Como os retratos tendem a evocar grandes emoções tanto do artista como dos espectadores, o foco colocado no rosto, na expressão e na personalidade do indivíduo é muito influente.

Jacob Cornelisz. van Oostsanen pintando um retrato de sua esposa (1550) de Dirck Jacobsz; Dirck Jacobsz, Domínio público, via Wikimedia Commons

Muitos dos melhores artistas Muitas vezes, estes artistas estudaram a anatomia humana em grande detalhe, de modo a serem capazes de compreender meticulosamente as subtilezas de cada pequena mudança de expressão e a retratá-las nas suas obras de arte,os artistas tendem a ser universalmente conhecidos, ao passo que o tema real da obra permanece menos óbvio.

Para além de existirem retratos bem conhecidos, muitos artistas que viveram foram conhecidos apenas por pintar retratos ao longo das suas carreiras.

Estes famosos retratistas tinham tendência a criar obras de arte com base em encomendas para grupos públicos e privados, funcionando as pinturas como uma recordação dos ricos e influentes. Ao considerar as pinturas de retratos mais famosas que foram produzidas ao longo dos anos, incluindo tanto retratos de grupo como auto-retratos, é evidente o grande impacto que esta forma especializada de pintura teveteve no mundo da arte.

As 15 pinturas de retratos mais famosas de sempre

Ao longo da história, os retratos artísticos e os artistas famosos dominaram o mundo da arte, devido ao nível preciso de perícia necessário para produzir retratos, bem como ao grande impacto que certos artistas tiveram no público. Quando se comparam retratos específicos, alguns destacam-se mais do que outros, puramente devido ao tema escolhido, à forma como a obra foi pintada, ou mesmo devido ao artistaeles próprios.

Embora a lista que se segue não seja exaustiva, reunimos as nossas 15 melhores escolhas das pinturas de retratos mais famosas de todos os tempos.

Mona Lisa (1503 - 1506) de Leonardo da Vinci

Artista Leonardo da Vinci
Data 1503 - 1506
Médio Óleo sobre painel de choupo
Dimensões 77 cm x 53 cm
Onde está actualmente alojado Louvre, Paris

Provavelmente o retrato mais famoso da história da arte alguma vez pintado, bem como a obra de arte mais reconhecida instantaneamente, é o Mona Lisa Tanto os aspectos técnicos da pintura como o tema em si fascinaram os espectadores durante séculos e suscitaram um grande interesse.

Também conhecido como "Retrato de Lisa Gherardini", da Vinci recorreu a pormenores extremos para captar com precisão a expressão curiosa do seu rosto e dos seus olhos, que se diz seguirem-no onde quer que esteja.

Retrato de Mona Lisa del Giocondo (1503-1506) de Leonardo da Vinci; Leonardo da Vinci, Domínio público, via Wikimedia Commons

Ao analisar a composição do Mona Lisa Embora esta pose fosse conhecida por ser popular na altura, a forma subtil como da Vinci a capturou ajudou a concentrar toda a atenção no seu interessante rosto.

Olhando confiantemente para os espectadores com um sorriso suave no rosto, os seus olhos vagueantes e o seu sorriso malicioso têm sido o tema central do debate desde a estreia da obra de arte, porque se diz que o seu "sorriso enigmático" diz demasiado e não o suficiente ao mesmo tempo.

Apesar de ser rotulada como a maior obra de arte de sempre, alguns historiadores de arte consideram que a Mona Lisa "Isto deve-se principalmente ao seu pequeno tamanho, havendo quem acredite que da Vinci deixou a obra incompleta devido à falta de sobrancelhas. Só ganhou fama mundial em 1911, depois de ter sido roubada, a Mona Lisa Acabou por se tornar a obra de arte mais visitada, escrita e parodiada do mundo. Em 2016, bateu o recorde mundial do Guinness por ter um seguro de 100 milhões de dólares e, em 2021, a Mona Lisa vale mais de 870 milhões de dólares.

Vertumno (1591) de Giuseppe Arcimboldo

Artista Giuseppe Arcimboldo
Data 1591
Médio Óleo sobre madeira
Dimensões 68 cm x 56 cm
Onde está actualmente alojado Castelo de Skokloster, Suécia

O estilo de pintura de Giuseppe Arcimboldo é impossível de não reconhecer, dado o facto de o artista renascentista ser famoso por criar os seus retratos apenas a partir de frutos, legumes e plantas. Conhecido pelos seus retratos caprichosos, Arcimboldo conseguia retratar com alguma precisão os seus sujeitos através da utilização de uma variedade de objectos. Vertumno foi feita para representar o Sacro Imperador Romano Rudolf II, que era o deus romano das metamorfoses da natureza e da vida.

Cada objecto utilizado na pintura estava directamente relacionado com o Imperador de alguma forma.

Vertumno ou Rodolfo II de Hamsburgo (1590) de Giuseppe Arcimboldo ; Giuseppe Arcimboldo, Domínio público, via Wikimedia Commons

Apesar da abordagem lúdica de Arcimboldo ao retrato, Vertumno é incrivelmente preciso na sua criação, uma vez que cada detalhe do rosto expressivo do Imperador é representado por um pedaço diferente de alimento ou planta. Embora o famoso retrato possa parecer tolo à primeira vista, é possível ver o grande esforço que Arcimboldo colocou no seu trabalho, uma vez que até os dentes individuais são visíveis.

Ao ver a sua pintura icónica, a imaginação e a atenção aos detalhes que Arcimboldo teve de usar para criar um retrato perfeito tornam-se óbvias para o público.

Embora Vertumno Embora possa ter escolhido feijões verdes, frutos vermelhos e maçãs para representar características proeminentes, Arcimboldo ainda seguiu a maioria dos princípios para o retrato típico da época. Embora o fundo preto silenciado estivesse de acordo com os padrões para retratos, ele também escolheu cuidadosamente os objectos a utilizar.

Ao representar flores e frutos de todas as estações, Arcimboldo simbolizou subtilmente a abundância e a harmonia do reinado do Imperador Rodolfo. Como não era um governante popular, podemos apenas supor que Arcimboldo escolheu pintar um quadro estranhamente lisonjeiro dele. Uma possível razão para isto foi pensada porque o Imperador Rodolfo era um grande apoiante da arte de Arcimboldo.

A ama de leite (c. 1658) de Johannes Vermeer

Artista Johannes Vermeer
Data ca. 1658
Médio Óleo sobre tela
Dimensões 45,5 cm x 41 cm
Onde está actualmente alojado Rijksmuseum, Amesterdão

Por vezes chamada "A empregada de cozinha", A ama de leite A obra é da autoria do artista holandês Johannes Vermeer, um dos grandes mestres do Século de Ouro holandês, e retrata uma cena doméstica e vulgar de uma empregada de cozinha a tirar leite de um jarro, A ama de leite A obra de Vermeer é muito diferente das outras obras de Vermeer, pois é a primeira vez que ele escolhe como tema uma mulher idosa, simples e robusta, ao contrário das jovens ricas e elegantes que normalmente pintava.

Situado no Rijksmuseum, este quadro é, sem dúvida, considerado uma das suas melhores e mais populares atracções.

A ama de leite (c. 1660) de Johannes Vermeer; Johannes Vermeer Domínio público, via Wikimedia Commons

A ama de leite é considerada uma das obras mais notáveis de Vermeer, pois a sua capacidade de captar uma cena mundana da vida quotidiana com tanta honestidade era muito admirada. O que torna A ama de leite Um retrato tão interessante de se ver é a completa quietude que Vermeer conseguiu alcançar. Para além do derramamento do leite, que capta toda a atenção da senhora, nada mais se move na composição.

Vermeer foi muito elogiado pela sua capacidade de pegar numa actividade tão banal e fazer dela o tema de uma pintura incrivelmente impressionante.

A leiteira, de pé como uma estátua numa sala bem iluminada, comanda a nossa atenção para a sua simples tarefa. Ao pintar a sua figura com uma perspectiva ligeiramente rebaixada, Vermeer deu aos espectadores uma personagem muito monumental para olhar e considerar. Através do seu manuseamento da perspectiva e da luz, Vermeer criou uma cozinha de aspecto realista que parecia vazia, excepto pela actividade daleiteira.

Auto-retrato (1660) de Rembrandt van Rijn

Artista Rembrandt
Data 1660
Médio Óleo sobre tela
Dimensões 80,3 cm x 67,3 cm
Onde está actualmente alojado Museu Metropolitano de Arte, Nova Iorque

Outro dos famosos quadros de retratos da nossa lista, criado por um artista notável, é Auto-retrato , que foi pintado pelo icónico Rembrandt van Rijn Conhecido como um pintor da luz, Rembrandt explicou que a sua paleta de cores era composta apenas por cores escuras porque acreditava que a luz devia ser o tema principal de uma pintura. Durante a sua carreira, Rembrandt pintou mais de 40 auto-retratos diferentes e criou Auto-retrato Esta pintura foi especialmente notada pela sua testa enrugada e expressão preocupada.

Quando se olha para este quadro, o ponto focal da obra reside no olhar incrivelmente perturbado no rosto de Rembrandt, que se diz exprimir o estado angustiado da sua mente.

Auto-retrato (1660) de Rembrandt; Rembrandt, Domínio público, via Wikimedia Commons

Neste retrato, Rembrandt não foi meticuloso na sua representação de si próprio, uma vez que reconheceu claramente os sinais do seu envelhecimento através da forma como pintou o seu rosto sulcado. Para além das rugas na testa, Rembrandt incluiu bolsas pesadas debaixo dos olhos, que sugeriam fadiga extrema, bem como um queixo duplo.

Na altura em que Auto-retrato O retrato ainda não tinha desenvolvido o carácter de grande descoberta pessoal, o que só veio a acontecer mais tarde, durante o Romantismo, o que fez com que a obra de Rembrandt Auto-retrato A pintura de Rembrandt foi apenas uma forma de documentar quem ele era durante o século XVII. Auto-retrato Na altura, perdeu a mulher, um dos filhos e evitou por pouco a falência, vendendo a maior parte dos seus quadros.

Tudo isto pode explicar a exaustão e a falta de esperança que se vê no seu rosto.

Rapariga com brinco de pérola (c. 1665) de Johannes Vermeer

Artista Johannes Vermeer
Data c. 1665
Médio Óleo sobre tela
Dimensões 44,5 cm x 39 cm
Onde está actualmente alojado Mauritshuis, Haia

A obra de arte mais importante jamais criada por Johannes Vermeer O seu maior trabalho é a "Rapariga com brinco de pérola", que foi originalmente chamada "Rapariga com turbante", Rapariga com brinco de pérola A pintura de Maria Vermeer é considerada uma obra significativa da arte ocidental e é muitas vezes apelidada de "Mona Lisa do Norte". Muito se especulou em torno da identidade da jovem mulher no retrato, com a teoria mais comum a sugerir que se tratava de uma pintura de Maria Vermeer, que era a filha mais velha do pintor.

Um facto controverso de Rapariga com brinco de pérola O facto de ser considerado um dos retratos mais significativos de sempre é que não se trata de um verdadeiro retrato no sentido técnico, mas sim de uma "tronie", um tipo de pintura popular durante o Século de Ouro holandês, que consistia no estudo de uma pessoa não identificada que se tornava o tema da obra de arte.

Estes indivíduos também vestiam peças de vestuário luxuosas e estavam colocados num fundo simples e claro, o que realçava ainda mais o seu carácter anónimo.

Rapariga com brinco de pérola (c. 1665) de Johannes Vermeer; Johannes Vermeer, domínio público, via Wikimedia Commons

A rapariga, que olha firmemente para o observador, foi retratada com uma expressão cativante que suscitou a curiosidade do público ao olhar para a obra. Vermeer foi elogiado pelo seu incrível nível de realismo, bem como pela sua capacidade de captar as mudanças discretas entre a luz e a escuridão. Usando um turbante azul eléctrico que contrasta lindamente com o seu vestido amarelo e a peça deO tecido por detrás do seu ombro cria uma imagem dramática, o que ajuda a chamar a atenção para o elemento principal da obra, que é o brinco de pérola brilhante que se vê.

Arranjo em cinzento e preto n.º 1 (1871) de James McNeill Whistler

Artista James McNeill Whistler
Data 1871
Médio Óleo sobre tela
Dimensões 144,3 cm x 162,4 cm
Onde está actualmente alojado Museu d'Orsay, Paris

O artista americano James McNeill Whistler também produziu um dos retratos mais famosos da história com a sua criação de Arranjo em Gra18y e Black No. 1 Mais vulgarmente conhecido por A mãe de Whistler Whistler criou este conhecido retrato da sua mãe, Anna McNeill Whistler, depois de a sua modelo não ter podido comparecer ao encontro e Whistler ter pedido à sua mãe que substituísse o seu objecto de estudo. Inicialmente, Whistler imaginou a sua modelo de pé para este retrato, mas a mãe de Whistler sentia-se demasiado desconfortável para ficar de pé durante longos períodos de tempo, pelo que Whistler alterou a sua ideia inicial.

Embora este retrato exista como uma famosa obra de arte americana, Whistler não tinha a intenção de criar um retrato.

Arranjo em cinzento e preto n.º 1 ou A mãe de Whistler (1871) de James McNeill Whistler; James McNeill Whistler, Domínio público, via Wikimedia Commons

Na altura, encontrou muitas semelhanças entre a música e a pintura, o que o levou a chamar a muitas das suas obras de arte o nome de "harmonia" e outras palavras musicais. Como intitulou esta obra Arranjo em cinzento e preto n.º 1 O objectivo de Whistler era dar prioridade ao valor tonal na sua obra acima de todas as outras interpretações.

No entanto, a sua mãe tornou-se rapidamente o ponto central da obra, o que levou a que o quadro fosse visto como um retrato.

Whistler conseguiu captar a sua mãe, na altura com 67 anos, em estado de luto, vestida apenas com roupa preta e com uma expressão muito triste no seu rosto idoso, o que valeu a Whistler muitos elogios pela sua capacidade de retratar emoções tão profundas utilizando apenas o perfil lateral do seu objecto.A pintura apresenta tons claros e escuros, o que lhe confere um elevado grau de realismo, raramente observado em obras tão sombrias e tristes.

Retrato de Madame X (1884) de John Singer Sargent

Artista John Singer Sargent
Data 1884
Médio Óleo sobre tela
Dimensões 234,9 cm x 109,8 cm
Onde está actualmente alojado Museu Metropolitano de Arte, Nova Iorque

Outro artista americano que faz parte da nossa lista de retratistas famosos é John Singer Sargent, que criou Retrato de Madame X O retrato de Sargent arrebatou os corações dos amantes da arte de todo o mundo quando a sua obra foi revelada pela primeira vez, com os espectadores a concentrarem-se na beleza delicada que ele conseguiu retratar. No entanto, muitos críticos e funcionários tiveram uma opinião diferente sobre esta obra de arte e afirmaram que era demasiado provocadora para ser tão venerada como era em França na altura.

O objecto da pintura é Virginie Amélie Avegno Gautreau, uma jovem socialite que era esposa do bem sucedido banqueiro francês Pierre Gautreau.

Retrato de Madame X (Madame Pierre Gautreau) (1883-1884) de John Singer Sargent; Metropolitan Museum of Art, domínio público, via Wikimedia Commons

Retrato de Madame X Sargent pintou o seu objecto com um vestido de cetim preto com alças de jóias, que simultaneamente revelava e escondia aspectos do seu corpo. O tom pálido da sua carne criava um belo contraste com a cor escura do vestido e do fundo.

Quando Sargent apresentou a sua obra no Salão de Paris, em 1884, foi alvo de uma enorme agitação por parte dos membros conservadores da sociedade francesa. Esta reacção obrigou-o a abandonar o país e a mudar-se para Londres. Embora Sargent tenha tentado ocultar o nome de Madame Gautreau através do título anónimo da obra, a sua tentativa revelou-se inútil.

Os jornais publicaram inúmeras caricaturas e poesias satíricas que troçavam tanto dela como de Sargent, sem que estes críticos conseguissem ver o incrível nível de realismo da sua pintura.

Retrato de uma jovem mulher (c. 1885) de Edgar Degas

Artista Edgar Degas
Data c. 1885
Médio Óleo sobre tela
Dimensões 27,3 cm x 22,2 cm
Onde está actualmente alojado Museu Metropolitano de Arte, Nova Iorque

O icónico artista Edgar Degas fez algumas experiências com o retrato durante a sua carreira e criou Retrato de uma jovem mulher Como pintor impressionista de renome, Degas era mais conhecido pela sua representação de bailarinas e pela influência que a fotografia teve nas suas pinturas.

No seu retrato, que parece ter sido concluído rapidamente, Degas retratou uma jovem mulher com uma expressão pouco clara no rosto, que foi ainda mais enfatizada pelo facto de o seu olhar não encontrar os olhos dos espectadores.

Retrato de uma jovem mulher (c. 1885) de Edgar Degas; Edgar Degas, CC0, via Wikimedia Commons

Como se podem ver marcas de pincel ásperas tanto no fundo da obra como na roupa da mulher, a pintura tem um toque muito apressado. Degas, que estava bem adaptado a reconhecer as subtilezas do gesto e da expressão, concentrou-se em captar a expressão e o olhar pensativo da mulher.demonstra como o fundo e o vestuário são de importância secundária quando comparados com o olhar curioso no rosto da mulher.

Auto-retrato com um chapéu de palha (1887) de Vincent van Gogh

Artista Vincent van Gogh
Data 1887
Médio Óleo sobre tela
Dimensões 40,6 cm x 31,8 cm
Onde está actualmente alojado Museu Metropolitano de Arte, Nova Iorque

Um artista que não se coibiu de fazer experiências com o retrato foi o mundialmente conhecido Vincent van Gogh, que ficou conhecido por ter pintado mais de 35 retratos seus. Apesar de se envolver tanto com o estilo de pintura, apenas um retrato seu foi pintado por outro artista. Um dos seus retratos famosos é Auto-retrato com um chapéu de palha , que pintou em cinco versões diferentes durante o ano de 1887.

Van Gogh gostava de ser o seu próprio modelo para praticar as suas técnicas de retrato e comprou um espelho suficientemente bom especificamente para esse efeito.

Auto-retrato com chapéu de palha (1887/1888) de Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Domínio público, via Wikimedia Commons

Van Gogh demonstrou um grande interesse pelo rosto humano, o que se reflecte nos múltiplos auto-retratos que produziu. Auto-retrato com um chapéu de palha entre 1886 e 1888, enquanto vivia com o seu irmão em Paris, numa tentativa de retratar com precisão as emoções que sentia na altura.

Neste quadro em particular, van Gogh revelou a sua saúde mental e física em declínio através da boca apertada que pintou e das cores e sombras profundas que escolheu, com o fundo selvagem a realçar ainda mais o seu declínio.

No seu retrato, van Gogh apresenta-se vestido com um chapéu de palha amarelo e um casaco de trabalho azul, habitualmente usado pelos trabalhadores camponeses. Tudo isto foi escolhido propositadamente, o que levou van Gogh a usar este traje específico várias vezes, à medida que continuava a pintar diferentes versões de Auto-retrato com um chapéu de palha Diz-se que o vestuário se enquadrava na imagem que van Gogh tinha de si próprio como artista operário, exprimindo a imagem que ele tentava transmitir.

Mulher com um chapéu (1905) de Henri Matisse

Artista Henri Matisse
Data 1905
Médio Óleo sobre tela
Dimensões 80,6 cm x 59,6 cm
Onde está actualmente alojado Museu de Arte Moderna de São Francisco, São Francisco

No início do século XX, Henri Matisse tornou-se mais um artista a acrescentar à nossa lista de retratistas famosos quando criou Mulher com um chapéu Matisse fez um retrato multicolorido da sua mulher, Amélie, que se destacou no Salão de Paris desse ano pelo seu brilho de cores. Matisse adoptou uma abordagem muito diferente à pintura de retratos porque, em vez de tentar tornar a sua representação o mais realista possível, injectou o máximo de cor possível para expressar adequadamente as emoções que sentia nas suas obras.

O tom lúdico utilizado por Matisse ao olhar para "Mulher com Chapéu" foi feito para demonstrar aos espectadores o quanto ele amava a sua mulher, para além de apontar alegremente a sua verdadeira ocupação como proprietária de uma loja de chapéus.

e a sua mulher estiveram casados durante mais de 40 anos, acabando por se separar porque ele lhe disse que "amaria sempre mais a pintura". Mulher com um chapéu existe então como comemoração do seu longo casamento.

A combinação arrojada e sem precedentes de cores em Mulher com um chapéu irritou muito o público quando foi exposta no Salão de 1905, com o público a fazer comentários maioritariamente negativos sobre a obra. Isto deveu-se em parte ao estilo de Fauvismo que Matisse acabara de introduzir através das suas obras anteriores, diferia muito do estilo a que o público já estava habituado.

Este quadro cimentou ainda mais o estilo do fauvismo, pois demonstrou a rápida mudança que estava a ocorrer na arte e que enfureceu significativamente o público.

Retrato de Adele Bloch Bauer I (1907) de Gustav Klimt

Artista Gustav Klimt
Data 1907
Médio Óleo, prata e ouro sobre tela
Dimensões 138 cm x 138 cm
Onde está actualmente alojado Neue Galerie, Nova Iorque

Uma das pinturas de retrato mais reconhecidas e famosas é Retrato de Adele Bloch Bauer I Também chamado "A Dama de Ouro" e "A Mulher de Ouro", o retrato de Klimt era de Adele Bloch-Bauer, uma judia rica de Viena, encomendado a Klimt pelo seu marido, o banqueiro judeu e produtor de açúcar Ferdinand Bloch-Bauer. Nesta altura, Klimt tinha consolidado a sua identidade como pintor de mulheres atraentesna sociedade judaica vienense.

Este retrato é a obra mais representativa de Klimt, criada durante a sua fase áurea.

Retrato de Adele Bloch-Bauer I (1907) de Gustav Klimt; Gustav Klimt, Domínio público, via Wikimedia Commons

Com a utilização de prata e ouro, para além da tinta sobre a tela, Klimt conseguiu criar uma representação verdadeiramente etérea de Adele Bloch Bauer, que foi ainda mais realçada pelo forte enfoque que colocou na feminilidade nesta obra. O ouro que rodeava a Sra. Bloch Bauer iluminava a sua figura e os seus traços faciais bem definidos.

Sendo uma apoiante muito admirada das artes, esta iluminação tornou ainda mais evidente o quanto ela era amada no mundo da arte.

Retrato de Adele Bloch Bauer I foi supostamente pintado como presente de aniversário para os sogros de Ferdinand, tendo o quadro permanecido na família e sido emprestado a museus e galerias para exposição. No entanto, quando a Sra. Bloch Bauer morreu em 1925, pediu que a obra fosse doada à Galeria Estatal Austríaca em Viena. A sua família discordou, tendo o quadro acabado por ser capturado pelos nazis em 1941. Depois da guerra,o quadro só foi devolvido à família Bloch-Bauer em 2006, que o vendeu por 135 milhões de dólares meses depois.

Gótico americano (1930) de Grant Wood

Artista Grant Wood
Data 1930
Médio Óleo sobre tábua de castor
Dimensões 78 cm x 65,3 cm
Onde está actualmente alojado Instituto de Arte de Chicago, Chicago

Outro quadro americano que está na lista dos retratos artísticos mais famosos é Gótico americano Wood criou este retrato depois de ter visto a Casa Dibble em Eldon, Iowa, e de se ter inspirado na arquitectura do século XIX da quinta. Para criar o cenário neo-gótico que pretendia, Wood incluiu retratos do tipo de pessoas que achava que deviam viver naquela casa.

Começou por desenhar a casa no verso de um envelope e, depois de obter autorização dos proprietários, começou a pintar.

Gótico americano (1930) de Grant Wood; Grant Wood, domínio público, via Wikimedia Commons

Embora muitas pessoas pensassem que o casal melancólico se baseava num casal de agricultores, Wood optou por pintar a sua irmã mais nova, Nan Wood Graham, e o dentista, Dr. Bryon McKeeby. Pretendia retratar os indivíduos como pai e filha, mas estava aberto às interpretações dos espectadores, uma vez que se tornou claro que outros os viam como um casal casado.

Afirmou que a sua relação não tinha grande significado, uma vez que o elemento mais importante da obra era o facto de os seus rostos serem ou não fiéis e revelarem aspectos da vida americana.

As duas figuras sepulcrais, que se encontram em frente à sua modesta casa de campo, eram um testemunho claro das dificuldades que os cidadãos americanos enfrentavam durante a Grande Depressão da década de 1920. A pintura de Wood reflectia o espírito trabalhador americano de que os cidadãos se orgulhavam e tornou-se uma obra clássica e muito parodiada da cultura americana. Wood apresentou Gótico americano na exposição anual do Instituto de Arte de Chicago em 1930, onde ganhou uma medalha de bronze. O museu adquiriu o quadro, onde ainda hoje se encontra.

A Réve (1932) de Pablo Picasso

Artista Pablo Picasso
Data 1932
Médio Óleo sobre tela
Dimensões 130 cm x 97 cm
Onde está actualmente alojado Colecção particular

Pablo Picasso é, sem dúvida, um dos maiores pintores de todos os tempos, com A Réve Ao contrário da outra amante de Picasso, Dora Maar, que ele retratava regularmente como angustiada ou ameaçadora, ele optou por retratar Marie-Thérèse como uma figura alegre e brilhante, com um lindo cabelo louro, que parecia ser muito acolhedora e calorosa.

A utilização de linhas demasiado simplificadas e de cores contrastantes contribuiu para o realce do retrato de Picasso, uma vez que se assemelhava ao estilo cubista e fauvista da década de 1910.

A Réve pertenceu ao período das representações distorcidas de Picasso, uma vez que o seu retrato contorcido de Marie-Thérèse tornou extremamente difícil para os espectadores identificarem automaticamente a figura. Picasso criou muitas obras com elementos óbvios de erotismo, com A Réve enfureceu os críticos e os espectadores quando foi exibido pela primeira vez com as secções incrivelmente sensuais e lascivas que podiam ser vistas.

A cor utilizada nessa secção da obra de arte também contribuiu para a ideia de que estava de facto representado um pénis, uma vez que Picasso escolheu um tom muito neutro e cor de carne para essa metade específica do rosto.

Em 2013, "Le Réve" entrou para a história como o quinto quadro mais exorbitante alguma vez vendido na altura, com 155 milhões de dólares. Em 2017, este preço continuava a ser o segundo mais elevado alguma vez pago para obter um quadro de Picasso.

As duas Fridas (1939) de Frida Kahlo

Artista Frida Kahlo
Data 1939
Médio Óleo sobre tela
Dimensões 173,5 cm x 173 cm
Onde está actualmente alojado Museo de Arte Moderno, Cidade do México

A artista que foi classificada como uma das mais famosas retratistas de sempre foi Frida Kahlo que pintou muitos auto-retratos icónicos ao longo da sua carreira. The Two Fridas existe como uma representação muito estranha, mas instigante, da natureza dupla da vida da artista na altura, uma vez que Kahlo pintou este retrato na altura do seu divórcio com o seu colega artista Diego Rivera Eram conhecidos por terem uma relação muito explosiva e imprevisível, casando frequentemente, divorciando-se e voltando a casar.

Em As duas Fridas , A versão da esquerda usa um vestido elegante de design europeu, popular entre os mexicanos mais ricos, pois simbolizava riqueza. A versão da direita é vista usando um vestido mexicano mais tradicional, feito de muitas cores.

Estas duas mulheres demonstraram claramente a forte influência que a Europa exercia na própria essência da herança mexicana da época.

Possivelmente, o maior ponto de foco em As duas Fridas A versão mais europeia de Kahlo é mostrada com o coração partido, mas os espectadores podem ver claramente onde estava o coração de Kahlo, já que a Frida tradicional da direita tem um coração vivo e saudável.

Esta pintura, assim como a maioria dos outros auto-retratos de Kahlo, existe como um retrato simbólico profundo dos traumas físicos e psicológicos que ela estava a enfrentar naquele momento, com este retrato a representar a profunda perda que ela sentiu.

Díptico de Marilyn (1967) de Andy Warhol

Artista Andy Warhol
Data 1962
Médio Tinta serigráfica e tinta acrílica sobre tela
Dimensões 205,4 cm x 289,5 cm
Onde está actualmente alojado Tate, Londres

O último artista e obra de arte na nossa lista de pinturas de retratos famosos é O díptico de Marilyn de Andy Warhol Este monumental projecto, criado em 1962, é Arte pop Esta pintura serigráfica retrata a icónica actriz americana Marilyn Monroe e é conhecida por ser a obra mais conhecida de Warhol que apresenta a actriz. Warhol considerava Monroe uma fonte inesgotável de inspiração e propôs-se multiplicar o seu retrato numa série de impressões coloridas. Este retrato foi feito pouco depois de a actriz ter morrido de uma overdose de drogas em 1962.

O díptico contém uma fotografia de Monroe que foi multiplicada várias vezes, tanto a cores como a preto e branco.

Warhol utilizou uma fotografia publicitária do seu filme de 1953 intitulado Niagara A fotografia original foi tirada em monocromático e mostrava Monroe com o seu sorriso icónico congelado no lugar. Nos retratos coloridos que Warhol criou, utilizou cores vibrantes para o seu rosto, intensificando a maquilhagem em grande medida.

Devido ao excesso de cor que Warhol utilizou, Díptico de Marilyn pode parecer uma representação real de Monroe em certos momentos. Noutros momentos, este díptico pode assumir completamente outras representações, uma vez que as cores incrivelmente vibrantes dos múltiplos rostos de Monroe são extremamente duras para os olhos dos espectadores. A utilização de telas contrastantes sugeriu o choque entre o eu público e o eu privado de Monroe e foi a forma estranha de Warhol elogiar a sua brilhante presença em Hollywood durante aAnos 50 e 60, pois era uma das mulheres mais famosas da altura.

No mundo da arte em desenvolvimento, a pintura de retratos é um dos poucos géneros de arte antigos que ainda hoje são utilizados. Embora só tenhamos abordado 15 dos mais famosos retratos artísticos alguma vez feitos, muitos outros retratos vitais e igualmente famosos podem ser acrescentados à nossa lista.Se gostou deste artigo, encorajamo-lo vivamente a descobrir estas outras obras de arte.

Veja a história dos nossos retratos famosos aqui!

Perguntas frequentes

Um retrato deve incluir apenas uma pessoa?

Vários retratistas famosos Os retratos de grupo eram, e ainda são, incrivelmente populares para retratos de família, sendo os exemplos mais conhecidos encomendados para famílias reais. Actualmente, os retratos de família podem ainda ser captados através demas a invenção moderna da fotografia permitiu aos indivíduos criarem os seus próprios retratos sem necessitarem de um artista.

Qual é o retrato mais famoso que existe?

Se tivéssemos de reduzir a lista de retratos famosos a uma única pintura, o retrato mais icónico seria sem dúvida o de Leonardo da Vinci Mona Lisa Como o mundo pintura mais cara A Mona Lisa é considerada a melhor obra de arte jamais produzida, independentemente do seu género. Museu do Louvre em Paris, Mona Lisa A obra de arte atrai mais de 10 milhões de visitantes por ano e acolhe entre 30 000 e 50 000 pessoas por dia, sendo que 80% dos visitantes do museu vêm apenas para ver o quadro de Da Vinci.

John Williams

John Williams é um artista experiente, escritor e educador de arte. Ele obteve seu diploma de bacharel em Belas Artes pelo Pratt Institute na cidade de Nova York e, mais tarde, fez seu mestrado em Belas Artes na Universidade de Yale. Por mais de uma década, ele ensinou arte para alunos de todas as idades em vários ambientes educacionais. Williams exibiu suas obras de arte em galerias nos Estados Unidos e recebeu vários prêmios e bolsas por seu trabalho criativo. Além de suas atividades artísticas, Williams também escreve sobre temas relacionados à arte e ministra workshops sobre história e teoria da arte. Ele é apaixonado por encorajar os outros a se expressarem através da arte e acredita que todos têm capacidade para a criatividade.