Pinturas de Albrecht Dürer - Explorando as pinturas mais famosas de Dürer

John Williams 08-02-2024
John Williams

As pinturas de Albrecht Dürer são consideradas como algumas das melhores obras de arte do período do Renascimento do Norte na Alemanha. As obras de arte de Albrecht Dürer mostram as suas capacidades multi-talentosas; sendo adepto da gravura, da pintura a aguarela, da pintura a óleo, bem como da produção de desenhos a tinta. Mãos que rezam pode ser a sua obra mais conhecida, mas há muitas outras obras suas que podem ser exploradas e apreciadas.

Uma introdução a Albrecht Dürer

É seguro argumentar que a impressão, tal como a reconhecemos na história da arte e na arte moderna, não teria existido se não fosse Albrecht Dürer Apesar de ter vivido há quase 500 anos, continua a ser reconhecido como um dos mais célebres e influentes gravadores da história da arte, sobretudo por ter introduzido as gravuras em xilogravura de grande tiragem na esfera da artes plásticas A popularidade de Albrecht Dürer baseava-se sobretudo nas suas gravuras e na sua estética visual, mas o seu apoio monetário era garantido por contratos de pinturas de temas teológicos e de retratos, que ainda hoje são muito apreciados pelo seu desenho e aplicação de cores.

Foi e continua a ser o maior artista da Renascença do Norte, tendo combinado eficazmente uma maneira de ser do Norte, amplamente desenvolvida, com os valores de equilíbrio, unidade e majestade da Renascença italiana.

Uma gravura de 1818 a partir de um auto-retrato de Albrecht Dürer, 1500; Carl Georg Enslen, domínio público, via Wikimedia Commons

Até ao início do século XVI, a arte italiana renascentista (centrada na proporcionalidade, nas perspectivas e nas representações da humanidade no seu meio envolvente) estava quase totalmente separada da arte da Idade Média no norte da Europa, centrada em interpretações naturalistas. As obras de Albrecht Dürer uniram estas duas formas de expressão artística e foram as primeiras obras de arte não italianas a incluir aconceitos filosóficos, científicos e religiosos.

Pinturas e gravuras famosas de Albrecht Dürer

Apesar da sua clara Interesses renascentistas pelo Humanismo e aritmética, Dürer começou a realizar estudos incrivelmente abrangentes sobre o ambiente natural, especialmente sobre a fauna - quer se trate de animais recentemente encontrados na Europa, como o rinoceronte, ou de animais locais comuns, como o coelho de Albrecht Dürer, conhecido como Lebre jovem Os auto-retratos de Dürer eram notoriamente auto-engrandecedores, e ele aparecia frequentemente como uma figura nas suas encomendas pintadas.

Foi um dos primeiros artistas-celebridade, com imitadores, admiradores e seguidores, num paradigma que se mantém até aos dias de hoje.

Os quatro cavaleiros do Apocalipse (1498)

Data de conclusão 1498
Médio Xilogravura
Dimensões 39 cm x 28 cm
Actualmente localizado Museu Metropolitano de Arte, Nova Iorque

Os quatro cavaleiros apocalípticos profetizados no Antigo Testamento são representados nesta obra de arte. A peste, a guerra, a fome e a morte montam os seus corcéis e pisam um grupo de humanos infelizes. Um anjo vigia a paisagem, que é emoldurada por nuvens majestosas e feixes de luz. Os três cavaleiros são reconhecidos nas Escrituras principalmente pelas cores dos seus cavalos.

Dürer, forçado a trabalhar em escala de cinzentos devido às limitações da técnica da xilogravura, retrata claramente o seu armamento - tridente, espada, um conjunto de escamas e um arco - como características definidoras. A morte é também identificada como uma figura velha e cansada, com barba, montada num garanhão mal nutrido.

Os quatro indivíduos estão a galopar perto uns dos outros, mas as suas colocações estão um pouco sobrepostas, indicando a sua sequência de apresentação no texto.

Os quatro cavaleiros do Apocalipse (entre c. 1496 e c. 1498) de Albrecht Dürer; Albrecht Dürer, Domínio público, via Wikimedia Commons

Como última personagem a entrar em cena, a Morte transporta consigo o Hades, mostrado como uma criatura de boca aberta que engole uma pessoa que usa colarinho e chapéu de padre. Os padres e os nobres, tal como a maioria da população, são dizimados pelo Apocalipse. Os seus trajes modernos permitem ao observador do século XVI visualizar facilmente a sua própria miséria. Ao cobrir praticamente todo o painel comO padrão diagonal feito pelos motociclistas, colocado em cima das linhas horizontais finas que compõem o fundo preto, dá à imagem uma sensação de avanço.

Esta peça, bem como as imagens que a acompanham nesta série, demonstra a capacidade inigualável do artista para produzir a mesma fluidez requintada e a mesma intensidade de emoção num suporte de xilogravura geralmente áspero e pesado que numa pintura.

Auto-retrato com manto de pele (1500)

Data de conclusão 1500
Médio Técnica mista sobre painel
Dimensões 67 cm x 48 cm
Actualmente localizado Alte Pinakothek, Munique

O auto-retrato de Dürer como Cristo pode ser visto como uma blasfémia, mas é muito mais provável que seja uma declaração de devoção combinada com a convicção na capacidade do artista como criador. Retrata Albrecht Dürer, o criador, com os seus dons concedidos pelo Pai Celestial. O artista dirige-se directamente ao público e está colocado num cenário simples. A sua mão direita está levantada para o coração, com dois dedosOs seus cabelos ondulados caem-lhe sobre os ombros e a sua insígnia é claramente visível à sua direita.

À sua esquerda, um texto em latim que diz: "Assim, eu, Albrecht Dürer de Nuremberga, retratei-me com tons duradouros aos 28 anos de idade".

Auto-retrato (1500) de Albrecht Dürer; Albrecht Dürer, Domínio público, via Wikimedia Commons

A tradição do retrato em toda a Período da Renascença Dürer invoca as imagens devocionais medievais, particularmente as representações religiosas de Cristo Pantokrator, utilizando um aspecto frontal e um fundo genérico escuro. O pintor representa-se definitivamente como Cristo nesta pintura, com o seu movimento de bênção, o seu longo cabelo castanho escuro (Dürer erana verdade, um louro escuro), e características idealistas.

Considerando o ano apocalíptico da peça, a obra de arte teria sido considerada uma representação poderosa da identidade do criador como um crente fervoroso.

Lebre jovem (1502)

Data de conclusão 1502
Médio Aguarela e guache sobre papel
Dimensões 25 cm x 23 cm
Actualmente localizado Albertina, Viena

A surpreendente profundidade e atenção deste exame de uma pequena criatura selvagem é precursora das meticulosas imagens científicas que inspirou e continua a ser uma imagem excepcionalmente precisa e simpática de uma das espécies mais omnipresentes da natureza. Representa uma perspectiva a três quartos de uma lebre, com as patas traseiras enroladas por baixo do corpo e as patas dianteiras ligeiramente esticadas para a frente.

Apesar de a obra de arte do coelho de Albert Dürer ser comummente intitulada Lebre jovem As pinturas de Dürer sobre a natureza são notáveis pela sua atenção ao pormenor. A lebre jovem, por outro lado, é mais do que um simples exame académico de uma criatura.

A justaposição entre o tema e a sua representação cria um drama inerente à peça: a lebre é um animal tipicamente hiperactivo, que foge quando é inspeccionado demasiado de perto.

Lebre jovem (1502) de Albrecht Dürer; Albrecht Dürer, Domínio público, via Wikimedia Commons

A lebre foi apanhada num breve momento de calma pelo artista. A pequena inclinação da orelha e a fixação no espectador, por outro lado, mostram que a criatura nos observou. As suas patas traseiras estão flexionadas e prontas para saltar. Não se sabe se desenhou uma lebre no deserto e terminou o quadro com uma amostra morta, ou se manteve uma lebre viva no seu atelier. O olho esquerdo parece espelhar umajanela.

Este facto foi interpretado como um indício de que Dürer conservou e pintou a lebre no seu interior.

A colocação de uma barra transversal na pupila de um olho é uma característica frequente das obras de Albrecht Dürer, e pode ser apenas um meio prático de criar vivacidade no olho. Pode também ser uma prova da grande consideração de Dürer pelos pormenores, uma vez que captou o reflexo da vidraça do seu estúdio na pupila do seu sujeito.

Adão e Eva (a queda do homem) (1504)

Data de conclusão 1504
Médio Gravação
Dimensões 24 cm x 19 cm
Actualmente localizado Museu de Arte de Boston

A representação de Dürer da "descida", o momento na doutrina cristã em que as duas primeiras pessoas, Adão e Eva, desafiaram Deus e começaram a comer da Árvore do Conhecimento, é notável pela sua forte representação da humanidade e da terra. Esta gravura foi criada pouco depois de o jovem Dürer ter regressado de Itália e reflecte a sua paixão pessoal pelo Renascimento, bem como a suapatriotismo no seu próprio país, em vez do conto da história das Origens.

As personagens desta pintura têm como modelo a nudez tradicional, bem como as proporções físicas e posições idealizadas fornecidas pelos pintores e construtores greco-romanos da época.

Adão e Eva (1504) de Albrecht Dürer; Albrecht Dürer, Domínio público, via Wikimedia Commons

A vegetação selvagem por detrás do casal faz lembrar os bosques alemães, que o artista conhecia, e, por isso, insere os indivíduos italianos no seu ambiente local. Cada animal, com excepção da serpente, que é na realidade satanás segundo as Escrituras, tem o seu próprio significado. Três dos quatro humores são representados pela lebre, pelo gato, pelo alce e pelo boi.

De acordo com os antigos médicos e intelectuais romanos e gregos, cada indivíduo tem quatro líquidos fisiológicos diferentes, e uma superabundância ou escassez de qualquer um destes "humores" está directamente relacionada com o carácter e a condição.

A festa do Rosário (1506)

Data de conclusão 1506
Médio Óleo sobre painel
Dimensões 161 cm x 192 cm
Actualmente localizado Galeria Nacional, Praga

A viagem de Dürer a Veneza em 1506 resultou na produção de uma das suas mais notáveis telas em grande escala, A festa do Rosário Representa a Virgem Maria acompanhada por um enxame de personagens masculinas e putti. Dois seres angélicos adornam Maria com uma grinalda de flores, enquanto ela segura o Menino Jesus ao colo.

Esta pintura é um dos resultados mais marcantes dos intercâmbios artísticos que tiveram lugar entre a Veneza do século XVI e os centros de criação a norte dos Alpes.

Nesta pintura, Dürer utilizou cores exclusivamente venezianas, incluindo uma grande quantidade de lápis-lazúli. A azurite era muito mais abundante a norte dos Alpes, e Dürer nunca utilizou lápis-lazúli em nenhuma das suas pinturas de Nuremberga. Ele atravessa eficazmente a divisão entre os estilos de pintura italiano e setentrional, misturando materiais, métodos e componentes visuais das escolas italiana e setentrionalde arte, unindo a fixação veneziana pela luz e pela cor com as tradições alemãs de um retábulo sagrado.

Festa do Rosário (1506) de Albrecht Dürer; Albrecht Dürer, Domínio público, via Wikimedia Commons

A inclusão de elementos venezianos numa peça de fabrico alemão ganha relevância na medida em que permite ao cliente demonstrar a sua devoção à cidade de Veneza e, ao mesmo tempo, o seu nacionalismo. O desejo de Dürer de superar os seus homólogos venezianos, adoptando as suas técnicas, capacidades e características e elevando-as a um grau superior, teve, sem dúvida, uma parte importante.

Sendo um pintor conhecido no seu país natal, mas sem a mesma reputação em Itália, trabalhou arduamente para demonstrar o seu valor ao mercado italiano.

Mãos que rezam (1508)

Data de conclusão 1508
Médio Tinta e lápis sobre papel
Dimensões 29 cm x 19 cm
Actualmente localizado Museu Kunsthistorisches, Viena

A obra de Albrecht Dürer Mãos que rezam é, sem dúvida, uma das fotografias mais reimpressas do mundo, tendo permanecido um emblema universal da devoção e do cristianismo até aos dias de hoje. A imagem aparece em livros religiosos, t-shirts, bordados e até A obra de Andy Warhol grave, graças às capacidades de impressão que Dürer nunca poderia ter imaginado quando criou este desenho há mais de 500 anos.

Este esboço foi realizado com tinta e lápis sobre papel azul fabricado pelo artista e não se destinava a ser uma peça autónoma, mas sim um desenho preparatório para um retábulo encomendado em 1507 por Jacob Heller.

Mãos que rezam (1508) de Albrecht Dürer; Albrecht Dürer, Domínio público, via Wikimedia Commons

Por volta dos anos 30, surgiu um mito sobre as mãos desta imagem, especulando que seriam as mãos do irmão do criador, desgastadas pelo trabalho árduo e preservadas nesta imagem. No entanto, é muito mais provável que o pintor tenha baseado a imagem nas suas próprias mãos, uma vez que se podem observar mãos comparáveis em toda a sua obra.

Estas mãos à deriva e a rezar são incrivelmente essenciais na história da iconografia cristã e continuam a ser apelativas porque podem pertencer a praticamente qualquer pessoa - com as mangas ásperas das camisas a implicarem um trabalhador ou um homem comum, em vez de um eminente clérigo ou académico.

São Jerónimo no seu gabinete (1514)

Data de conclusão 1519
Médio Gravação
Dimensões 25 cm x 19 cm
Actualmente localizado Museu Britânico

A mesa, com um crucifixo num canto, é característica do período renascentista. Como se quisesse justapor a morte com o Arrebatamento, uma linha imaginada a partir da cabeça de Jerónimo atravessaria a cruz e pararia na caveira no parapeito da janela.

O leão em primeiro plano faz parte do imaginário convencional de São Jerónimo e, ao seu lado, está um cão em repouso, uma criatura que aparece frequentemente nas obras de Dürer e que representa a fidelidade.

Ambos os seres aparecem na obra de Jerónimo Lenda dourada (Embora o arranjo seja pessoal, o espectador tem dificuldade em situar-se em relação ao espaço da imagem.

São Jerónimo no seu gabinete (1514) de Albrecht Dürer; Albrecht Dürer, Domínio público, via Wikimedia Commons

Embora o cenário esteja bastante próximo do observador, Thomas Puttfarken considera que Dürer não pretendia que o observador se sentisse visível:

"A proximidade não é nossa, mas do santo, que está absorto nos estudos e na contemplação."

A colocação da ligeira junção, muito descentrada, reforça a percepção de uma representação calculada não pela lei imparcial do desenho, mas pelo ponto de vista subjectivo do espectador que acaba de entrar - uma representação que deve uma parte significativa do seu efeito distintivamente "pessoal" exactamente a esta configuração do ponto de vista.

Melencolia I (1514)

Data de conclusão 1514
Médio Gravação
Dimensões 24 cm x 18 cm
Actualmente localizado Museu Metropolitano de Arte, Nova Iorque

Esta pintura é uma imagem muito antiga de tristeza ou melancolia, e é uma imagem importante no desenvolvimento da mitologia do "artista sofredor", bem como na história das representações dos artistas da sua própria saúde psicológica e agonia.

A "Melencolia I" é uma das três placas conhecidas como Meisterstiche de 1514.

Nesta obra de arte, uma forma feminina alada está imersa em pensamentos, segurando distraidamente um compasso com a mão direita. Usa uma coroa de flores e está ladeada por várias coisas, cada uma das quais com um significado simbólico específico. Um putto de aspecto deprimido está sentado atrás dela e um cão subnutrido está a seus pés.

Melencolia I (1514) de Albrecht Dürer; Albrecht Dürer, Domínio público, via Wikimedia Commons

A melancolia também foi vista como estando intimamente ligada ao brilhantismo artístico durante todo o Renascimento. As numerosas coisas representadas na gravura apoiam a ideia de que Dürer as utilizou para reflectir o seu próprio estado mental criativo. As ferramentas espalhadas ao acaso e descartadas representam a geometria, uma das artes liberais e muito provavelmente a mais importante para Dürer como gravador, e a sua incapacidade de serA ampulheta, uma metáfora popular da impermanência da vida, a escada sem início nem fim óbvios e as balanças vazias representam a indiferença e a falta de objectivo.

O poliedro parece confundir a conhecida ideia criativa renascentista da perspectiva linear.

O Rinoceronte (1515)

Data de conclusão 1515
Médio Xilogravura
Dimensões 23 cm x 29 cm
Actualmente localizado Galeria Nacional de Arte, Washington D.C.

A obra de Dürer O Rinoceronte A xilogravura retrata a representação do artista de um rinoceronte indiano de pé sobre um pequeno pedaço de terra de lado. O rinoceronte representado na arte foi oferecido ao administrador da Índia Portuguesa pelo sultão Muzafar II. O governador ofereceu-o depois ao rei D. Manuel I de Portugal, queque, por sua vez, o entregou ao Papa Leão X de Roma.

O rinoceronte foi transportado a bordo de um navio, mas após uma breve paragem em Marselha para ser visto pelo rei Francisco I de França, o navio afundou-se numa tempestade e o rinoceronte afogou-se. Dürer nunca conseguiu ver o animal pessoalmente.

A sua imagem só lhe era conhecida através de contos escritos, pelo que não é de estranhar que a pintura de Dürer não represente um rinoceronte genuíno. A criatura é mostrada com placas grossas que parecem uma armadura. Um padrão de marcas circulares cobre a superfície.

Veja também: Ticiano "Vénus de Urbino" - Análise da famosa "Vénus de Urbino"

O Rinoceronte (1515) de Albrecht Dürer; Galeria Nacional de Arte, CC0, via Wikimedia Commons

Para além do chifre no focinho, tem um segundo chifre entre os ombros do rinoceronte. Tem patas escamosas, um pouco semelhantes às do crocodilo. Sendo o primeiro rinoceronte a surgir na Europa, vivo desde o século III d.C., o aparecimento deste animal quase mitológico foi entendido, no âmbito do Renascimento, como emblemático de uma redescoberta da Antiguidade e suscitou uma enorme atenção.A imagem da criatura na xilogravura tornou-se célebre em toda a Europa.

A selecção do processo de xilogravura em vez da abordagem de gravação em cobre, mais demorada e dispendiosa, resultou numa reprodução mais rápida e simples.

Retrato do Imperador Maximiliano I (1519)

Data de conclusão 1519
Médio Óleo sobre painel
Dimensões 74 cm x 62 cm
Actualmente localizado Museu Kunsthistorisches, Viena

Nesta pintura a óleo de 1519, o imperador Maximiliano I é visto em perspectiva a meio comprimento e a três quartos sobre um fundo verde. Está virado para a direita e tem na mão esquerda uma romã, sinal de prosperidade e do seu reino, com as sementes a simbolizar o seu povo. O imperador está vestido com uma túnica de peles sobre uma veste preta. O seu chapéu preto tem uma aba grande e um broche.a dinastia dos Habsburgos, bem como o emblema da Ordem do Tosão de Ouro, figuram no canto superior esquerdo da obra de arte.

Por cima do monarca, um texto em caracteres maiúsculos conta as suas honras e realizações.

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Retrato do Imperador Maximiliano I (1519) de Albrecht Dürer; Albrecht Dürer, Domínio público, via Wikimedia Commons

Maximiliano não escondeu o facto de ter explorado projectos artísticos para se promover a si próprio. Preocupava-se com a sua reputação como rei, bem como com o memorial da sua vida e dos seus feitos. O monarca é retratado em trajes sumptuosos na pintura de Dürer, com a enorme gola de pele do seu traje a ocupar uma grande parte da imagem.

Os seus cabelos grisalhos indicam a sua antiguidade e experiência, enquanto a romã na palma da mão recorda ao observador as suas responsabilidades como monarca, com uma expressão dura e resoluta no rosto. Mais tarde, Dürer transformou o quadro numa xilogravura, que foi amplamente divulgada e finalmente reconhecida como a representação mais conhecida do imperador.

Como aprendemos hoje, Albrecht Dürer é considerado um dos artistas mais dotados da Alemanha, bem como um dos principais protagonistas do Renascimento do Norte. Tal como muitos dos seus colegas em Itália, era um artista multifacetado, com aptidões não só para óleos e aguarelas, mas também para pintura a tinta, gravuras e escrita sobre temas como a matemática, a construção e a tecnologia.

Perguntas mais frequentes

Quais são alguns exemplos famosos das pinturas de Albrecht Dürer?

A pintura de coelho de Albrecht Dürer conhecida como Lebre jovem é uma obra de arte bastante famosa, apreciada pelo seu estudo realista de animais. O auto-retrato de Dürer intitulado Auto-retrato com manto de pele é um exemplo do seu retrato auto-engrandecedor. As obras de arte de Albrecht Dürer eram conhecidas por abraçarem tanto o estilo do Norte como o italiano.

Qual é a obra de arte mais famosa de Albrecht Dürer?

A obra de arte de Albrecht Dürer que foi mais vista é a obra de Albrecht Dürer Mãos que rezam. As pinturas de Albrecht Dürer ajudaram a difundir a doutrina religiosa do cristianismo, bem como a alcançar o sucesso pelas suas interpretações realistas da natureza.

John Williams

John Williams é um artista experiente, escritor e educador de arte. Ele obteve seu diploma de bacharel em Belas Artes pelo Pratt Institute na cidade de Nova York e, mais tarde, fez seu mestrado em Belas Artes na Universidade de Yale. Por mais de uma década, ele ensinou arte para alunos de todas as idades em vários ambientes educacionais. Williams exibiu suas obras de arte em galerias nos Estados Unidos e recebeu vários prêmios e bolsas por seu trabalho criativo. Além de suas atividades artísticas, Williams também escreve sobre temas relacionados à arte e ministra workshops sobre história e teoria da arte. Ele é apaixonado por encorajar os outros a se expressarem através da arte e acredita que todos têm capacidade para a criatividade.