Os primeiros clássicos da arte americana baseavam-se principalmente no estilo inglês de pintura. Embora vários artistas americanos famosos tenham surgido durante o século XIX, só no século XX é que os grandes pintores americanos começaram a ser reconhecidos internacionalmente. Hoje vamos descobrir os mais importantes pintores americanos famosos que deixaram a sua marca no mundo da arte.

Uma introdução à arte na América

O que distingue os grandes pintores americanos, nascidos nos Estados Unidos ou noutro país? Sem dúvida, alguém capaz de representar a vastidão do país, seja na sua paisagem ou na sua abundância de produtos de consumo. No entanto, durante a maior parte da história dos Estados Unidos, os artistas americanos famosos tiveram de ficar em segundo plano em relação aos seus homólogos europeus,particularmente os artistas franceses que contribuíram para fazer de Paris o centro criativo do século XIX.

Tudo isto mudou após a Segunda Guerra Mundial, quando o estilo nova-iorquino substituiu a arte parisiense, devido ao facto de a América ter saído da guerra sem danos, enquanto o resto do continente estava devastado.

Desde então, surgiu uma série de novos estilos de arte nos Estados Unidos, a maioria dos quais pode ser vagamente classificada sob os guarda-chuvas do Moderno e do Arte pós-moderna Enquanto a influência do país nesta forma de arte cultural continua a crescer, os países com novos fundos, incluindo a China, a Rússia e muitas nações árabes, também procuram participar em licitações de alto nível. Com a maioria da arte histórica já protegida, é cada vez mais raro que algo digno de nota esteja disponível para venda, aumentando ainda mais os preços realizados.

O famoso quadro Gótico americano (1930) de Grant Wood; Grant Wood, domínio público, via Wikimedia Commons

O realismo, que representava questões sociais reais e a vida das pessoas comuns, foi a primeira tendência artística significativa nos Estados Unidos. Expressionismo abstracto foi a primeira tendência nitidamente americana a ser aclamada internacionalmente, tendo salientado o uso da abstracção para comunicar um forte significado emocional ou expressivo. Foi sucedida pela Arte pop Os Estados Unidos foram também influentes no neo-expressionismo e na arte de rua.

O potencial da arte americana é promissor, com segmentos da civilização até agora inexplorados, como os grupos étnicos minoritários e as artistas femininas, a receberem, pela primeira vez, atenção e publicidade significativas.

A nossa lista de pintores americanos famosos

Como já aprendemos, a arte americana foi inicialmente muito inspirada pela arte inglesa. No entanto, os artistas americanos depressa desenvolveram os seus próprios estilos regionais que reflectiam a vida na América. A seguir, vamos analisar os melhores artistas americanos famosos que levaram os seus estilos para o nível seguinte e alcançaram reconhecimento nacional e internacional.

Gilbert Stuart (1755 - 1828)

Gilbert Stuart, o mais prolífico e inventivo pintor a óleo do início da era nacional americana, possuía uma abundância de habilidades naturais que dedicou à representação da semelhança e da personalidade humanas, tendo trazido seu humor e impetuosidade para exercer em cada uma de suas criações, como seus astutos retratos de George Washington. As partes aparentemente conflitantes da vida de Stuartcaracterizam a sua reputação e o seu legado.

Apesar dos episódios de melancolia que o mantinham acamado durante semanas a fio, era extremamente criativo, tendo realizado mais de 1100 retratos.

Auto-retrato (c. 1778) de Gilbert Stuart; Gilbert Stuart, Domínio público, via Wikimedia Commons

Reconhecido pelas suas obras-primas, tal como outros artistas da sua qualidade, apesar de um historial de não conseguir concluir ou de concluir obras que o aborreciam, exigia honorários elevados, mas estava sempre à beira da falência. Muitos dos clientes que gostavam da sua companhia e esperavam um bom retrato ficavam frustrados com os hábitos de trabalho lentos e atrasados do artista.

"O Sr. Stuart sente que é um privilégio do génio desprezar a execução dos seus compromissos", disse John Adams, que se sentou para o artista inúmeras vezes. Era versado nas tradições do retrato, retratava facilmente as qualidades da gentileza e do luxo e destacava-se sempre por criar quadros que satisfaziam as necessidades e os objectivos dos seus clientes em termos visuais.

No entanto, afirmava que a sua popularidade se devia mais aos seus próprios talentos criativos do que à personalidade ou aos feitos dos seus intérpretes.

Alguns dos mais notáveis clássicos da arte americana deste artista incluem:

• George Washington (1796)
• O Patinador (1782)
• John Adams (1824)

O Patinador (Retrato de William Grant) (1782) de Gilbert Stuart; Galeria Nacional de Arte, CC0, via Wikimedia Commons

Frederic Church (1826 - 1900)

Como contra-movimento à racionalidade da Era do Iluminismo, o Romantismo foi popular em França e na Grã-Bretanha no século XIX. Os artistas românticos representavam frequentemente paisagens em cenários românticos que enfatizavam a riqueza e a majestade da criação, muitas vezes com destaque para a sua vasta escala.O foco na natureza é auxiliado por linhas horizontais baixas e pelo uso intenso de céus.

As pinceladas de Church eram geralmente "escondidas", de modo que a área pintada era plana e o "carácter" do artista era presumivelmente inexistente.

Um retrato de Frederic Edwin Church, entre 1855 e 1865; Mathew Benjamin Brady, Domínio público, via Wikimedia Commons

Frederic Church foi um membro da segunda vaga da Hudson River School, um estilo de pintura americana iniciado pelo seu mestre, Thomas Cole. Church e Cole eram ambos protestantes fervorosos, e as opiniões de Church influenciaram as suas obras, particularmente as primeiras. As obras de arte da Hudson River School distinguiram-se pela sua ênfase em locais pastoris clássicos, bem como pelas suas características românticas.

Procuravam transmitir a realidade crua de uma América instável que estava a desaparecer rapidamente, bem como o respeito pelas características naturais.

As suas paisagens da fronteira americana reflectem a "expansão colonial e a perspectiva esperançosa dos Estados Unidos em meados do século XIX". Os temas artísticos de Church variavam dos de Cole, na medida em que este preferia cenários naturalistas e frequentemente magníficos à propensão de Cole para a alusão. A arte de Church tem sido progressivamente reexaminada à luz dos motivos e implicações.

Algumas das obras de arte mais notáveis deste artista incluem:

• O coração dos Andes (1859)
• Os Icebergs (1861)
• Aurora Boreal (1865)

Aurora Boreal (1865) de Frederic Edwin Church ; Frederic Edwin Church, Domínio público, via Wikimedia Commons

James Abbott Mcneill Whistler (1834 - 1903)

James McNeill Whistler participou na agitação criativa de Londres e Paris do final do século XIX, concebeu uma estética única a partir de referências variadas e emergiu com uma variante do pós-impressionismo em meados da década de 1860, quando a maioria dos seus pares de vanguarda ainda estava a descobrir Impressionismo e Realismo.

Whistler nasceu em Lowell, Massachusetts, mas passou parte da sua infância em São Petersburgo, Rússia, onde o seu pai prestou consultoria no desenvolvimento do caminho-de-ferro para Moscovo e Whistler frequentou aulas de arte na Academia Imperial de Ciências. Whistler regressou a casa e inscreveu-se na Academia Militar dos EUA em West Point.

Dedicou-se à pintura com Robert W. Weir, mas tinha menos aptidões noutras áreas, incluindo a química, o que levou à sua expulsão da escola em 1854.

Ouro e castanho: Auto-retrato (c. 1896/1898) de James McNeill Whistler ; James McNeill Whistler, Domínio público, via Wikimedia Commons

Whistler - que já dominava o francês desde os seus primeiros anos na Rússia - decidiu seguir uma vocação de pintor, formando-se em Paris, depois de ter trabalhado no departamento de desenhos do Serviço Costeiro e Geodésico dos Estados Unidos, onde obteve a sua primeira formação em gravura.

Whistler criou uma assinatura com monograma - uma borboleta fantasiosa modelada nas suas letras iniciais - e utilizou-a como um elemento de composição e não apenas como assinatura do fabricante.

O seu compromisso com a unidade total estendeu-se ao design de interiores, ao mobiliário e à criação de quadros e até de exposições completas. Tornou-se uma personagem central na Movimento estético que valorizava os ideais estéticos, o gosto refinado e o experimentalismo criativo na concepção e fabrico de mobiliário, metalurgia, cerâmica e vidro, tecidos e papéis de parede e outros artigos.

Algumas das obras de arte mais notáveis deste artista incluem:

• A mãe de Whistler (1871)
• O Quarto do Pavão (1877)
• Nocturno em preto e dourado (1877)

Nocturno em preto e dourado: O foguete que cai (1875) de James McNeill Whistler; James McNeill Whistler, Domínio público, via Wikimedia Commons

Mary Cassatt (1844 - 1926)

Mary Cassatt Quando se mudou para Paris, onde passou o resto da sua vida, tornou-se amiga de Edgar Degas. A sua visão progressivamente má pôs termo à sua actividade artística profissional a partir de 1910, tendo falecido em 1926.

Apesar de, na altura, as mulheres estarem proibidas de exercer uma carreira, Cassatt estudou na Academia de Belas Artes da Pensilvânia quando tinha apenas 16 anos.

Sem surpresa, descobriu que os professores e os seus colegas eram condescendentes e hostis à sua presença. Cassatt estava também insatisfeita com o ritmo lento do currículo e com as opções limitadas do programa. Optou por abandonar a escola e ir para a Europa, onde poderia explorar por si própria as pinturas dos Velhos Mestres.

Maria Cassatt sentada numa cadeira com um guarda-chuva. No verso pode ler-se "A única fotografia para a qual posou, cortesia de Durand-Ruel", 1913; Durand-Ruel, Domínio público, via Wikimedia Commons

Em 1872 e 1874, o Salão de Paris aceitou as suas obras para exposição, estabelecendo-a como uma artista reconhecida. Estudou e pintou em Espanha, na Bélgica e em Roma antes de se mudar definitivamente para Paris. Apesar da sua gratidão ao Salão por ter ajudado a sua carreira, Cassatt começou a sentir-se mais limitada pelos seus padrões rígidos. Começou a fazer experiências criativas, já não se preocupando com o que era popular oucomercializável.

A sua nova arte foi criticada pelas suas cores vivas e pela representação dura do seu povo.

Durante este período, inspirou-se nos pastéis de pintor Edgar Degas Cassatt tornou-se conhecida pelos seus retratos, interessando-se particularmente por mulheres envolvidas em cenas domésticas quotidianas, em especial mães com crianças. Os retratos de Cassatt, ao contrário das obras-primas e do Renascimento, eram invulgares pelo seu carácter directo e honesto.

Algumas das obras de arte mais notáveis deste artista incluem:

• O banho da criança (1893)
• A chávena de chá (1879)
• A festa dos barcos (1893)

A festa dos barcos (1893-1894) de Mary Cassatt; Mary Cassatt, Domínio público, via Wikimedia Commons

John Singer Sargent (1856 - 1925)

Em 1856, John Singer Sargent filho de um médico americano, nasceu em Florença, aprendeu arte em França e em Itália e a sua imagem de Madame Gautreau causou sensação no Salão de Paris de 1884. Senhora X A controvérsia obrigou Sargent a mudar-se para a Grã-Bretanha, onde rapidamente se posicionou como o principal pintor de retratos da região. Sargent produziu uma pintura de Carolus-Duran em 1879; a tentativa virtuosa recebeu elogios populares e sinalizou o caminho que a sua arte madura seguiria. A sua exposição no Salão de Paris serviu tanto como um memorial ao seu mestre como um lançamentopara trabalhos de retrato.

Henry James referiu-se às primeiras obras de Sargent como "a visão "enervante" de um génio no limiar da sua profissão, com pouco mais para dominar".

Auto-retrato (1906) de John Singer Sargent; John Singer Sargent, Domínio público, via Wikimedia Commons

Os melhores retratos de Sargent reflectem a singularidade e o carácter das pessoas; os seus fãs mais fervorosos acreditam que ele só é igualado neste aspecto por Velázquez, que foi uma grande influência para Sargent. Sargent abandonou o retrato em 1907 e concentrou-se em paisagens nos seus últimos anos; também criou esculturas mais tarde na vida.

O seu trabalho relata as suas viagens por todo o mundo, de Veneza a Corfu, Flórida e Montana, e cada local proporcionou riquezas visuais. Sargent parecia estar a produzir quase inteiramente para si próprio em várias das suas últimas peças. As suas aguarelas, que tipicamente retratavam paisagens das suas viagens, eram feitas com uma fluidez alegre.

Tanto em óleos como em aguarelas, retratou a sua família e amigos em trajes orientalistas, descansando em cenários bem iluminados que permitiam cores mais vibrantes e tratamento criativo do que os seus contratos.

Algumas das obras de arte mais notáveis deste artista incluem:

• Retrato de Madame X (1884)
• El Jaleo (1882)
• Cravo, Lírio, Lírio, Rosa (1886)

Cravo, Lírio, Lírio, Rosa (c. 1886) de John Singer Sargent; John Singer Sargent, Domínio público, via Wikimedia Commons

Edward Hopper (1882 - 1967)

Edward Hopper foi um pintor a óleo americano de grande renome, cujos retratos realistas de paisagens urbanas comuns levam o observador a reparar na estranheza do seu ambiente. Teve um efeito significativo na Pop art e nos artistas do Novo Realismo do final da década de 1960 e início da década de 1970. Hopper começou a sua carreira como artista de ilustração. De 1901 a 1906, aprendeu arte com Robert Henri, um dos fundadores daEscola de artistas Ashcan.

Hopper visitou a Europa em várias ocasiões, mas não foi afectado pelo trabalho exploratório que estava a florescer entre os franceses na altura e continuou a seguir o seu próprio caminho criativo ao longo da sua vida.

Fotografia do retrato de Edward Hopper, 1937; Harris & Ewing, fotógrafo, Domínio público, via Wikimedia Commons

Hopper, tal como os artistas da Escola de Ashcan, retratou as verdades intemporais da vida na cidade. No entanto, em contraste com as suas telas animadas e dispostas ao acaso, as suas obras de arte retratam pessoas imóveis e sem nome e formas geométricas austeras em arranjos semelhantes a fotografias instantâneas que transmitem uma sensação inevitável de isolamento.

O uso característico de Hopper da iluminação para isolar indivíduos e elementos no espaço, quer seja na luz ofuscante do amanhecer ou no brilho sinistro de um café nocturno, intensificou esta alienação das suas personagens.

Em meados da década de 1920, o estilo maduro de Hopper já tinha emergido. O seu crescimento posterior revelou um refinamento contínuo da sua visão. Obras tardias, como Luz solar no segundo andar (1960), são marcadas por ligações espaciais extremamente delicadas e por uma compreensão da iluminação ainda melhor do que na sua obra dos anos 1920.

Algumas das obras de arte mais notáveis deste artista incluem:

• Falcões da noite (1942)
• Domingo de manhã cedo (1930)
• Casa junto ao caminho-de-ferro (1925)

Luz solar no segundo andar (1960) de Edward Hopper; Edward Hopper, Domínio público, via Wikimedia Commons

Georgia O' Keeffe (1887 - 1986)

Com uma carreira de mais de 70 anos, Georgia O' Keeffe foi uma artista americana de renome. Apesar da evolução dos estilos artísticos, manteve-se fiel à sua própria estética, centrada na identificação das formas abstractas fundamentais da vida. Captou subtilezas delicadas de cor, forma e luz que dinamizaram as suas obras e atraiu um grande número de seguidores com as suas capacidades invulgares depercepção e notável destreza com um pincel.

Os seus principais temas foram paisagens, flora e ossos, que estudou em séries ao longo de muitos anos, senão décadas. As pinturas foram inspiradas nas suas experiências de vida e eram genéricas ou exclusivas dos locais que habitou. Entre 1911 e 1918 tornou-se professora de arte e leccionou em várias escolas primárias, médias e secundárias.

Durante este período, criou uma sequência espectacular de esboços a carvão que catapultaram a sua arte - e a sua carreira - para um novo território. Estas pinturas arrojadas utilizavam a linha, a forma e a tonalidade para criar composições abstractas.

Retrato de Georgia O'Keeffe, 1950; Carl Van Vechten, Domínio público, via Wikimedia Commons

Estes esboços levaram O'Keeffe ao conhecimento de Alfred Stieglitz Com o seu apoio e assistência financeira, O'Keeffe deixou de leccionar em Junho de 1918 e mudou-se para Nova Iorque para prosseguir a sua vocação de pintora. Os grandes planos de flores de O'Keeffe, que ela começou a pintar em 1924, mergulham o observador na cena. Expandir as pétalas mais pequenas para cobrir uma tela inteira de 30 × 40 polegadas acentuava as suas formas e linhas, tornando-asparecem abstractos, quando na realidade se baseiam nos seus estudos da natureza.

Estas composições arrojadas ajudaram a estabelecer a imagem de O'Keeffe como uma modernista com visão de futuro.

Algumas das obras de arte mais notáveis deste artista incluem:

• Reflexo do Lago George (1921-1922)
• Erva-do-diabo (1936)
• Íris negra (1926)

Reflexo do Lago George (c. 1921-1922) de Georgia O'Keeffe; Georgia O'Keeffe, Domínio público, via Wikimedia Commons

Norman Rockwell (1894 - 1978)

Aos 14 anos de idade, Norman Rockwell Quando Rockwell se apercebeu que aspirava a ser pintor, inscreveu-se nos estudos da The New School of Art. Com apenas 16 anos de idade, dedicou-se de tal forma ao seu ofício que abandonou a escola e entrou para a National Academy of Design. Rockwell conseguiu um emprego imediato como artista para a revista Boys' Life após a sua graduação. Casou-se com Mary Barstow, uma professora, em 1930, e tiveram três filhos. Em 1939, a RockwellA família mudou-se para Vermont, e o ambiente fresco que acolheu o artista proporcionou-lhe muito material para trabalhar.

A popularidade de Rockwell deveu-se, em grande parte, à sua sensibilidade para os cenários americanos comuns, em particular o encanto do estilo de vida das pequenas cidades.

Uma fotografia de Norman Rockwell; Bain News Service, editor, domínio público, via Wikimedia Commons

Alguns críticos consideraram-no desprovido de uma qualidade artística genuína, mas as motivações de Rockwell para retratar o que pintava estavam enraizadas na realidade que o rodeava.

"Talvez à medida que fui envelhecendo e descobrindo que a Terra não era o paraíso perfeito que eu imaginava, concluí instintivamente que, se não era um ambiente ideal, deveria ser, e por isso retratei apenas os seus elementos ideais", afirmou um dia. No entanto, Rockwell não ignorou totalmente as preocupações da época. Pintou o Quatro liberdades em 1943, inspirado pelo Presidente Franklin D. Roosevelt.

Algumas das obras de arte mais notáveis deste artista incluem:

• Liberdade da necessidade (1943)
• Liberdade do medo (1943)
• Liberdade de expressão (1943)

Cartaz ilustrado por quatro pinturas de Norman Rockwell para a campanha "Our to Fight For - Freedom of Speech, Freedom of Worship, Freedom from Want, Freedom from Fear" (A nossa luta - Liberdade de expressão, liberdade de culto, liberdade de não querer, liberdade de não ter medo). The Saturday Evening Post da revista "Four Freedoms", 1943; Gabinete de Informação de Guerra, Domínio público, via Wikimedia Commons

Jackson Pollock (1912 - 1956)

Jackson Pollock Pollock nasceu em 1912, em Cody, Wyoming, e começou a estudar arte ainda no liceu. Aos 18 anos, Pollock mudou-se para Nova Iorque para frequentar a Art Students League sob a orientação de Thomas Hart Benton, que o inspiraria e apoiaria durante a década seguinte. Durante a Grande Depressão, Pollock trabalhou para a WPA, uma organização governamental que lhe forneceu uma fonte de dinheiro e lhe permitiudedicar o seu tempo ao crescimento criativo.

Algumas das obras WPA de Pollock perderam-se, mas as que sobreviveram mostram a formação constante de uma linguagem visual profundamente pessoal que incorporava referências a símbolos, mitologia, cerimónias e visões dos nativos americanos.

Retrato de Jackson Pollock, 1928; Smithsonian American Art Museum, Domínio público, via Wikimedia Commons

Pollock não era um artista tradicional americano, mas foi pioneiro de um novo método de produção. Pollock derramou, salpicou e derramou tintas e esmalte sobre a tela não preparada que estava deitada no chão de madeira da sua oficina em Long Island, utilizando todo o seu corpo no esforço. Esta técnica reimaginou os métodos e equipamentos da arte convencional de cavalete e ficou conhecida como pintura de acção,uma técnica que exigia o envolvimento corporal completo do artista.

A abordagem de Pollock à pintura a toda a volta evitava quaisquer centros de foco, resultando em padrões complexos entrelaçados que reflectiam os movimentos de Pollock e se moviam à volta da tela.

Algumas das obras de arte mais notáveis deste artista incluem

• Mural (1943)
• Postes azuis (1952)
• Ritmo de Outono (1950)

Roy Lichtenstein (1923 - 1997)

Roy Lichtenstein, uma personagem crucial da história do Pop movimento artístico A sua vocação tremendamente inovadora baseou-se na emulação, começando com imagens emprestadas de romances gráficos e anúncios no início dos anos 60 e, por fim, abraçando as de objectos comuns, formas de arte e as próprias artes plásticas. Richard Hamilton escreveu sobre o método normalizador de Lichtenstein dos tópicos que seleccionou para as suas pinturas: "reproduzir um Lichtenstein é como atirar um peixe de volta aoUtilizou modelos perfurados para imitar e frequentemente exagerar o padrão de pontos visto em imagens impressas.

Este padrão, conhecido como pontos Ben-Day, tornou-se um aspecto de marca registada do seu trabalho, incorporando a aparência de replicação mecânica nas obras de arte americanas.

Roy Lichtenstein em frente ao seu quadro Whaam ! (1963) numa exposição no Museu Stedelijk, 1967; Eric Koch, CC0, via Wikimedia Commons

A sua paleta de cores foi geralmente reduzida a primárias saturadas, os pormenores estranhos foram removidos, os contrastes foram aumentados e ele "enfatizou os clichés visuais e as regras visuais das imagens produzidas comercialmente". Imitou a marcação expressiva típica do Expressionismo Abstracto com reproduções gráficas fortes de pinceladas em gravuras.Lichtenstein transformou essa técnica em algo banal, comercializado e repetível.

"A pincelada visível numa obra de arte cria uma sensação de grande movimento; no entanto, nas minhas mãos, a pincelada torna-se uma representação de um movimento grandioso", explicou depois.

Algumas das obras de arte mais notáveis deste artista incluem:

• Uau! (1963)
• Rapariga que se afoga (1963)
• Olha o Mickey (1961)

Andy Warhol (1928 - 1987)

Andy Warhol O artista pop americano, ícone do pop, começou a sua carreira em Nova Iorque como artista corporativo e gráfico. Durante a sua curta e agitada vida, captou o espírito da sociedade americana como artista e cineasta, poeta e escritor, e católico devoto. Foi uma personalidade importante nas artes, mas também desafiou a tradição ao abraçar abertamente a sua homossexualidade.

Warhol foi um pioneiro da arte pop, um estilo artístico que tentava capitalizar imagens e padrões da cultura popular, em particular dos anúncios publicitários e dos principais meios de comunicação social.

Warhol tencionava concentrar-se na banda desenhada, mas pensava que esta área tinha sido ocupada por outro americano de renome artista pop Em alternativa, Warhol centrou-se em produtos comerciais como latas de sopa, caixas de cartão, sabonetes Brillo, pêssegos da Del Monte e ketchup.

Fotografia do artista americano Andy Warhol no Moderna Museet, Estocolmo, antes da inauguração da sua exposição retrospectiva, com caixas de Brillo em segundo plano, 1968; Lasse Olsson / Pressens bild, domínio público, via Wikimedia Commons

As latas de sopa são frequentemente exibidas numa mercearia, alinhadas como soldados numa série infinita. A comida, por outro lado, nem sempre era atractiva nas obras de Warhol. Warhol era fã de séries, como vacas, flores e notas de dólar.

Pouco depois do falecimento de Marilyn Monroe, Warhol produziu uma série de fotografias da estrela em tons psicadélicos incrivelmente vívidos que acentuavam o seu rosto. Warhol era conhecido como o "Pintor do Consumo Moderno". No entanto, a sua preocupação com espectáculos revela o medo da perda. Segundo a lenda, chamava Sam a todos os seus gatos machos, um padrão que pode ser visto como uma necessidade urgente de salvaguardar o presente contraa morrer.

No caso de Warhol, o futuro confirmou o seu lugar como uma das personalidades mais importantes da América, cujas técnicas criativas e gracejos humorísticos se tornaram uma componente do ambiente estético e cultural americano.

Algumas das obras de arte mais notáveis deste artista incluem:

• Latas de sopa Campbell's (1962)
• Marylins disparados (1964)
• Marylin Diptych (1962)

Jean-Michel Basquiat (1960 - 1988)

Jean-Michel Basquiat Basquiat e a sua mãe iam regularmente a numerosas exposições de museus em Nova Iorque. Como Basquiat afirmou: "Nunca frequentei aulas de arte. Chumbei nas aulas de arte que tive no liceu.E foi olhando para a arte que aprendi sobre ela".

A arte de Basquiat foi significativamente influenciada pelo movimento de graffiti da cidade de Nova Iorque dos anos 70. Basquiat era frequentemente indigente, dormindo em casas de amigos ou em bancos de madeira, e sustentava-se pedindo esmolas, distribuindo narcóticos e vendendo t-shirts e postais.

Começou a adquirir mais possibilidades de expor a sua arte como resultado da sua absorção na cena da baixa e tornou-se um actor proeminente na cena criativa emergente da baixa.

Uma fotografia recortada de Jean-Michel Basquiat em 1984; Galerie Bruno Bischofberger, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

No entanto, Basquiat era céptico em relação à escassez de pessoas de cor na cultura da baixa da cidade e começou a dedicar tempo à alta da cidade com artistas de rua no Harlem e no Bronx no final da década de 1970. A intensidade do método de Basquiat, com fatias de tinta e cortes rápidos de linhas, destinava-se a revelar o que ele considerava ser aEm vez de se centrarem no corpo idealizado do homem negro, estas obras realçavam a inteligência e a paixão dos seus protagonistas.

Algumas das obras de arte mais notáveis deste artista incluem:

• Guerreiro (1982)
• Cabeça (1981)
• Sem título (1982)

Graças a estes artistas, ainda hoje temos muitos clássicos da arte americana para apreciar e desfrutar. Quer se trate de um pintor a óleo dos primórdios da América ou de um artista de graffiti moderno, todos os artistas americanos famosos trouxeram algo de novo que os ajudou a destacarem-se dos seus pares.

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Perguntas mais frequentes

Em que estilo foram produzidos os clássicos da arte americana?

Pintores americanos famosos trabalharam numa grande variedade de estilos. Os artistas plásticos americanos abraçaram muitos movimentos ao longo dos anos. Dependendo da época, o estilo poderia ter sido pós-impressionista, pop art ou mesmo arte moderna.

Quem é o pintor a óleo mais famoso da arte americana?

Diz-se que Jackson Pollock é o pintor a óleo mais conhecido da América. O seu estilo era muito singular, pois utilizava o movimento de todo o corpo para criar as suas obras de arte. Outros artistas americanos famosos incluem Edward Hopper Norman Rockwell, Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Georgia O'Keeffe e Mary Cassatt.