P ablo Picasso é talvez a figura mais influente na história da arte do século XX. A gama variada das obras de Pablo Picasso não resultou de transformações drásticas no seu estilo ao longo da sua carreira, mas baseou-se antes no seu empenho em avaliar objectivamente a forma e o método mais adequados para alcançar o impacto desejado para cada obra de arte. As obras de arte de Picasso foram inquestionavelmentedestinados a serem entrelaçados na tapeçaria da humanidade como algumas das mais belas obras de arte de todos os tempos.

A vida e a arte de Pablo Picasso

Antes de chegar aos 50 anos, este célebre artista já se tinha afirmado como a figura mais conhecida da arte contemporânea, com a estética e o sentido de produção artística mais distintivos. Antes de Picasso, nenhum outro criador tinha exercido tanta influência na comunidade artística ou tinha uma reputação tão significativa entre admiradores e críticos.

Durante a sua longa carreira, os desenhos, pinturas e esculturas de Picasso totalizaram cerca de 20.000 peças, incluindo outros objectos, como fatos e cenários teatrais.

Pablo Picasso, 1962; Argentina, Revista Vea y Lea, Domínio público, via Wikimedia Commons

É considerado mundialmente como um dos Os pintores mais importantes e aclamados do século XX Como pioneiro artístico, é-lhe atribuído o mérito de ser membro fundador da Movimento cubista O cubismo foi um movimento cultural que alterou para sempre a paisagem da escultura e da pintura europeias, bem como os estilos arquitectónicos, a música e a escrita.

Temas e artefactos cubistas são desmontados e remontados de forma abstracta.

Quando Picasso e Braque criaram as bases do cubismo em França, entre 1910 e 1920, a sua influência foi tão grande que inspirou ramificações como o Dadaísmo, Futurismo Picasso é também reconhecido pela invenção da escultura construída e pela co-invenção da escultura de madeira. arte de colagem É também considerado um dos três pintores do século XX reconhecidos pelo desenvolvimento dos princípios das artes plásticas.

Retrato de Pablo Picasso (1912) de Juan Gris; Juan Gris, Domínio público, via Wikimedia Commons

Ao manipular activamente substâncias que nunca tinham sido cortadas ou esculpidas, esta forma de arte inovadora impulsionou a civilização para melhorias sociais na pintura, escultura, impressão e cerâmica. Estas substâncias não eram simplesmente plásticas; podiam ser moldadas de alguma forma, geralmente em três dimensões. O gesso, os metais e a madeira foram utilizados pelos artistas para produzir esculturas inovadorasobras de arte que o público nunca tinha experimentado antes.

Mas quando é que Picasso nasceu e quando é que morreu? Vejamos primeiro a biografia de Pablo Picasso antes de nos debruçarmos sobre o seu estilo e exemplos de pinturas famosas de Picasso.

Biografia de Pablo Picasso

A propensão de Picasso para criar obras numa vasta gama de géneros valeu-lhe um elevado nível de reconhecimento ao longo da sua vida. A sua importância como artista e influência sobre outros pintores só aumentou desde a sua morte em 1973. Para compreender como alcançou a fama, vejamos a sua infância, educação e períodos artísticos .

Início da vida

Filho de Don e Maria Picasso em Málaga, Espanha, o seu pai, artista e professor de arte, ficou impressionado com o talento do rapaz para a pintura desde muito cedo. Picasso começou a receber formação académica do seu pai aos sete anos.

Ruiz considerou que o ensino consistia na reprodução de obras-primas e no esboço da figura humana a partir de objectos vivos e de moldes de gesso, devido à sua formação académica convencional.

Pablo Picasso com a sua irmã Lola, 1889; Anónimo Autor desconhecido, Domínio público, via Wikimedia Commons

Quando Picasso tinha dez anos, a sua família mudou-se para a Corunha, onde a Escola de Belas Artes empregava o seu pai como professor. Permaneceram durante quatro anos, período durante o qual Ruiz pensou que o seu filho o tinha ultrapassado como pintor aos 13 anos e resolveu deixar de pintar.A família de Pablo Picasso ficou chocada quando a sua irmã mais nova faleceu em 1895 de difteria.

Formação inicial

Mudaram-se para Barcelona, onde o pai de Pablo Picasso começou a trabalhar na Escola de Belas Artes. Convenceu os administradores a permitirem que o seu filho fizesse um teste de admissão para uma classe de especialistas, e Picasso foi inscrito aos 13 anos de idade. Aos 16 anos, foi admitido na Real Academia de San Fernando, a escola de arte mais prestigiada de Espanha. Picasso desprezava o ambiente formalPassava os seus dias no Prado, em Madrid, onde se encontravam obras de El Greco e Goya.

O corpus da obra de Picasso é extenso e estende-se desde os primeiros anos da sua infância até à sua morte, oferecendo um registo mais completo do seu progresso do que possivelmente qualquer outro artista.

Cartaz de uma exposição de arte retrospectiva sobre Pablo Picasso e as suas obras no Instituto de Arte de Chicago, entre 1936 e 1940; Colecção de cartazes da Administração de Projectos de Trabalho, domínio público, via Wikimedia Commons

Estudando os arquivos dos seus estudos iniciais, é relatado um momento de transição em que o aspecto infantil dos seus desenhos se desvanece, indicando o início formal da sua profissão. Esse ano é alegadamente 1894, quando o jovem Pablo Picasso teria apenas 13 anos de idade. Produziu o Retrato da tia Pepa aos 14 anos, um quadro notável que tem sido considerado um dos maiores retratos da história de Espanha. Picasso também produziu o seu premiado Ciência e Caridade O seu método realista, que lhe tinha sido incutido pelo pai e pela educação inicial, expandiu-se com a sua exposição às ideias simbolistas.

Este facto inspirou Picasso a criar a sua própria interpretação da modernidade e a empreender a sua primeira viagem a Paris.

Picasso aprendeu francês com um conhecido parisiense, o poeta Max Jacob. Viveram num apartamento onde aprenderam o que era ser um "artista em dificuldades". Eram friorentos e pobres, e tinham de queimar as suas próprias obras para manter o apartamento quente. Apesar de ter começado a desenvolver escultura durante esta fase, os críticos referem-se a ela como o seu Período Azul, nomeado a partir da paleta de cores azulque caracterizava as suas telas.

O tom da obra era também inconfundivelmente melancólico.

A angústia do artista perante o suicídio de Carlos Casegemas, um amigo que conheceu em Barcelona, pode ser vista como a origem desta obra, enquanto os temas da maioria das obras do Período Azul derivam dos sem-abrigo e das prostitutas que conheceu nas ruas da cidade O velho guitarrista (1903) é uma excelente ilustração do tema e da estética deste período. As cores de Pablo Picasso começaram a clarear em 1904, e ele trabalhou de uma forma conhecida como o seu Período Rosa durante um ano ou mais. Concentrou-se em artistas e pessoas do circo, mudando a sua paleta para rosas e vermelhos mais alegres.

E, pouco depois de conhecer o artista Georges Braque, em 1906, a sua paleta aprofundou-se, as suas figuras tornaram-se mais densas e concretas, e começou a aproximar-se do cubismo.

Período de maturação

Anteriormente, os comentadores traçaram as origens do Cubismo aos seus primeiros trabalhos As Demoiselles d'Avignon (1907), obra hoje considerada intermédia (não tem as aberrações dramáticas dos seus trabalhos posteriores), mas que foi, sem dúvida, fundamental no seu crescimento, devido à forte influência das esculturas africanas e da antiga arte ibérica.

Diz-se que motivou Braque a criar a sua primeira série de obras de arte e, nos anos que se seguiram, os dois embarcariam num dos mais extraordinários esforços de colaboração na arte contemporânea, ocasionalmente aprendendo com entusiasmo um com o outro, ocasionalmente tentando ultrapassar-se um ao outro na sua rápida e agressiva competição para avançar.

Durante o desenvolvimento desta abordagem radical, Braque e Picasso encontraram-se regularmente, e Picasso caracterizou-se a si próprio e a Braque como "dois alpinistas unidos". Múltiplos pontos de vista sobre um objecto são mostrados simultaneamente na sua visão comum, sendo divididos e reorganizados em formas fragmentadas. A forma e o espaço eram os aspectos mais importantes e, como resultado, ambos os pintores limitaram as suasAs paletas de cores dos Fauves eram neutras, em contradição com as cores brilhantes utilizadas pelos Fauves antes deles.

Picasso colaborava sempre com um indivíduo ou com um colectivo, mas, como afirmou o historiador de Braque, Alex Danchev, a "fase Braque" de Picasso foi "a mais intensa e produtiva de toda a sua carreira".

Picasso detestava o título "Cubismo", sobretudo quando os críticos começaram a distinguir entre os dois principais métodos que alegadamente seguia - Sintético e Analítico. Considerava a sua obra como um todo. No entanto, não há dúvida de que o seu trabalho mudou depois de 1912. Tornou-se menos preocupado com a representação da disposição dos objectos no espaço e mais interessado em utilizar formas e motivos como pistaspara insinuar a sua existência de uma forma caprichosa.

Fotografia de retrato de Pablo Picasso em frente ao seu quadro O Aficionado (Kunstmuseum Basel) na Villa les Clochettes, Sorgues, França, Verão de 1912; Anónimo Autor desconhecido, Domínio público, via Wikimedia Commons

Inventou o método da colagem e aprendeu com Braque o método da colagem. papéis colados Devido à sua dependência de diferentes referências a um objecto para construir a descrição do mesmo, esta fase veio mais tarde a ser considerada como a fase "Sintética" do Cubismo.

Picasso utilizou esta abordagem para produzir arranjos mais decorativos e humorísticos, e a sua versatilidade inspirou-o a continuar a utilizá-la durante a década de 1920.

No entanto, o interesse crescente do artista pela dança fez com que, por volta de 1916, o seu trabalho se deslocasse para novas áreas, o que foi motivado, em parte, pelo encontro com o escritor, pintor e cineasta Jean Cocteau, que lhe permitiu conhecer Sergei Diaghilev e desenhar vários cenários para os Ballets Russes. Picasso já andava a experimentar temas clássicos há alguns anos, antes de permitir a sua plena execução no início da década de 1920.As suas personagens tornaram-se muito maiores e mais imponentes, e muitas vezes retratou-as no contexto de uma Idade de Ouro mediterrânica.

Fotografia da família de Picasso junto a um avião com membros da companhia Ballets Russe; sem data, sem fotógrafo, domínio público, via Wikimedia Commons

Há muito que estão ligados às tendências conservadoras mais amplas dos chamados rappel a l'ordre Em meados da década de 1920, foi influenciado pelo Surrealismo, o que o levou a repensar a sua carreira. A sua arte evoluiu para algo mais expressivo, frequentemente agressivo ou provocador. Este momento da sua carreira corresponde ao período da sua vida privada em que a sua relação com a bailarina Olga Khokhlova começou a desmoronar-se e ele iniciou umanovo caso com Marie-Therese Walter.

Sem dúvida, os críticos notaram frequentemente como as modificações no estilo de pintura de Pablo Picasso coincidem muitas vezes com mudanças nas suas relações íntimas; a sua relação com Khokhlova estendeu-se pelos anos do seu envolvimento na dança, e o seu momento subsequente com Jacqueline Roque está associado à sua fase tardia, em que se fixou no seu lugar na história ao lado dos AntigosNo final dos anos 20, começou a trabalhar com o escultor Julio González.

Esta foi a sua maior colaboração criativa desde o trabalho com Braque, e resultou em obras de arte em metal soldado que foram depois imensamente influentes.

Uma peça de metalurgia de Pablo Picasso intitulada Uma amizade de ferro , apresentada numa exposição de Julio González; DeuxPlusQuatre, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

As questões políticas começaram a distorcer a visão de Picasso à medida que a década de 1930 avançava, e continuaram a fazê-lo durante algum tempo. Em 1937, inspirou-se no bombardeamento de pessoas na aldeia basca de Guernica Durante a Segunda Guerra Mundial, residiu em Paris e os oficiais alemães deixaram-no em paz o tempo suficiente para que pudesse retomar o seu trabalho.

No entanto, a guerra teve uma influência significativa em Picasso, uma vez que os nazis levaram a sua colecção de arte de Paris e assassinaram alguns dos seus mais queridos amigos judeus.

Picasso criou obras em sua homenagem, incluindo esculturas feitas de materiais duros e rígidos como o metal em A Casa Charnel , um sucessor particularmente horrível de Guernica (Depois da guerra, tornou-se profundamente activo no Partido Comunista, e numerosos grandes filmes desta época, como Guerra na Coreia (1951), demonstram a sua nova dedicação.

Anos tardios e morte

Durante as décadas de 1950 e 1960, Pablo Picasso concentrou-se nas suas próprias réplicas de grandes obras de artistas como Diego Velázquez, Nicolas Poussin e El Greco. Picasso procurou refúgio do seu estrelato nos seus últimos anos, casando com Jacqueline Rogue em 1961.

As suas obras posteriores são sobretudo retratos, com paletas de cores quase berrantes.

Os críticos consideraram-nas inferiores ao seu trabalho anterior, mas nas últimas décadas tiveram uma recepção mais positiva. Durante esta última fase, produziu também um grande número de esculturas em cerâmica e metal. Em 1973, morreu de ataque cardíaco no sul de França.

Gaivota de mergulho (1969) de Pablo Picasso, uma escultura do artista em Kungshamra; Gumisza, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Os vários períodos da obra de Picasso

Picasso passou a maior parte da sua vida profissional adulta em França. A sua obra foi vagamente dividida em períodos de tempo durante os quais desenvolveu completamente temas e sentimentos complicados, a fim de construir um corpo de trabalho unificado. O primeiro período foi conhecido como o Período Azul.

O período azul (1901-1904)

A fase melancólica de Picasso, durante a qual experimentou directamente as dificuldades e os efeitos da privação nas pessoas que o rodeavam, é marcada por obras basicamente monocromáticas em tons de azul e azul-esverdeado, apenas por vezes iluminadas por outras cores. As pinturas de Picasso deste período retratam a fome, a prostituição e retratos do amigo Carlos Casagemas após a sua morte, culminandono sombrio quadro alegórico A vida (1903). A vida retratou a angústia interior do seu amigo face a uma namorada que ele tentou assassinar.

Ao considerar Picasso e o seu Período Azul, o jornalista e escritor Charles Morice fez a famosa observação: "Não estará este jovem alarmantemente precoce destinado a conferir a santidade de uma obra-prima à sensação desagradável da existência, a doença de que parece sofrer mais do que qualquer outra pessoa?"

O período da Rosa (1904-1906)

De acordo com o termo, Picasso teve uma época mais alegre, incorporando o cor-de-rosa e cores laranja e os mundos animados dos artistas de circo e dos arlequins, depois de ter alcançado algum progresso e superado algum desespero. O artista conheceu então Fernande Olivier, uma pintora boémia que se tornaria também sua amante. Ela aparece mais tarde em algumas dessas obras mais positivas. Pablo Picasso foi extremamente bem recebido pelos coleccionadores de arte Gertrude e Leo Stein. Eles não eram apenas os seusmas Gertrude foi também incluída num dos seus quadros mais famosos, Retrato de Gertrude Stein .

Influências africanas (1907-1909)

O Paul Cezanne Embora Picasso já conhecesse Cézanne antes da retrospectiva, foi só na exposição que Picasso se apercebeu de todo o seu brilhantismo criativo. Picasso descobriu um modelo para destilar os fundamentos da realidade de modo a gerar uma superfície coerenteque transmitia a perspectiva distinta do artista nas obras de Cézanne.

Por volta da mesma época, as qualidades da escultura indígena africana começaram a ter um forte efeito nos pintores europeus.

A primeira obra-prima de Picasso foi As Demoiselles d'Avignon Cinco mulheres nuas são retratadas no quadro, com corpos compostos por superfícies planas e fracturadas e rostos influenciados por máscaras africanas. Um corte de melão em ângulo vicioso na natureza-morta de fruta na parte inferior do quadro paira sobre um tampo de mesa anormalmente elevado; o espaço confinado que as personagens habitam parece avançar em fragmentos agudos.

Nesta obra, Picasso afasta-se da arte europeia convencional ao incorporar o Primitivismo e ao abandonar a perspectiva em vez de um plano de imagem bidimensional e plano. As Demoiselles d'Avignon A forma e a apresentação tal como as conhecíamos foram completamente descartadas. Como resultado, foi apelidada de "a pintura mais inventiva da história da arte moderna".

Picasso descobriu a liberdade de expressão para além das influências francesas contemporâneas e tradicionais com as novas tácticas de pintura que utilizou, e foi capaz de abrir o seu próprio caminho. Os princípios formais produzidos durante este período abriram caminho para o período cubista que se seguiu.

Cubismo (1909-1912)

Por volta de 1907, Picasso foi levado a dar mais gravidade e forma às suas figuras por uma convergência de influências que vão desde Vincent van Gogh E acabaram por conduzi-lo ao cubismo, no qual demoliu os padrões de perspectiva que tinham caracterizado a pintura renascentista. Durante este período, o estilo estabelecido por Picasso e Braques utilizava sobretudo tons neutros e centrava-se em "separar" objectos e "avaliá-los" em termos das suas formas.

O cubismo, particularmente a segunda variante conhecida como cubismo sintético, teve um impacto significativo na evolução do mundo da arte ocidental.

As obras desta fase sublinham a integração, ou síntese, das formas na imagem. A cor torna-se cada vez mais significativa nas formas dos objectos, à medida que estes se tornam maiores e mais bonitos. Coisas não pintadas, como jornais ou invólucros de cigarros, são regularmente coladas na tela ao lado de regiões pintadas - a inclusão de uma vasta gama de materiais supérfluos está especialmente ligada àEsta abordagem de colagem realça os contrastes de textura e levanta a questão do que constitui a verdade e a ilusão na pintura.

Picasso influenciou o curso da arte para as gerações futuras através da sua utilização da cor, da forma e das figuras matemáticas, bem como do seu método único de representação de temas.

Neoclassicismo (final da década de 1910-início da década de 1920) e Surrealismo (meados da década de 1920)

Picasso fez a sua primeira viagem a Itália em 1917, com um domínio inigualável da técnica e do talento, e iniciou imediatamente uma fase de homenagem ao estilo neoclássico. Rompendo com o modernismo severo, criou desenhos e pinturas evocativas de Ingres e Rafael. Este foi apenas um prólogo para que Picasso aparecesse combinando perfeitamente os seus pensamentos modernistas com as suas capacidades no surrealismoobras-primas como Guernica (1937), uma mistura frenética e poderosa de estilos que retrata a desolação da guerra.

"Guernica" é frequentemente considerada como a mensagem anti-guerra mais devastadora da arte moderna.

Colocar o quadro de Picasso Guernica (1937) no Museu Stedelijk, 1956; Herbert Behrens / Anefo, CC0, via Wikimedia Commons

Picasso optou por não representar a tragédia de Guernica em termos realistas ou românticos desde o início. Personagens-chave, como uma senhora com os braços estendidos, um touro e um cavalo agonizante, são polidos em desenhos após esboços antes de serem transferidos para a pintura expansiva, que ele tambémO esquema de cores sombrio e o tema monocromático foram utilizados para retratar os tempos difíceis e a tristeza que se fazia sentir. Guernica questiona a natureza heróica da batalha e mostra-a como um acto horrível de autodestruição.

A obra não era apenas um relatório funcional ou uma pintura, mas continua a ser uma imagem política potente na arte moderna, ultrapassada apenas por alguns frescos do artista mexicano Diego Rivera.

Quadros famosos de Picasso

O envolvimento de Pablo Picasso no cubismo resultou no crescimento da colagem, na qual ele rejeitou o conceito de imagem como uma janela para as coisas do mundo e começou a pensar nela apenas como um conjunto de sinais que empregavam várias técnicas, muitas vezes metafóricas, para se relacionar com essas coisas.

Picasso tinha uma atitude diversificada em relação à forma e, embora o seu trabalho fosse tipicamente definido por uma única abordagem dominante num dado momento, movia-se frequentemente de forma alternada entre vários estilos - ocasionalmente até dentro da mesma peça.

A sua experiência com o Surrealismo influenciou não só as formas delicadas e a sensualidade suave dos retratos da sua namorada Marie-Therese Walter, mas também a iconografia nitidamente recortada de Guernica (1937), a obra de arte anti-guerra mais reconhecida do século. Picasso sempre quis entrar para a história, e algumas das suas obras mais famosas, como As Demoiselles d'Avignon (1907), aludem a uma infinidade de antecedentes anteriores - mesmo quando os subvertem.

À medida que envelhecia, preocupava-se cada vez mais em assegurar o seu legado, e a sua obra posterior distingue-se por uma discussão franca com os Velhos Mestres.

A sopa (1903)

A sopa exemplifica a tristeza sombria do Período Azul de Picasso, e foi criada ao mesmo tempo que uma sucessão de outras pinturas dedicadas a temas de privação, envelhecimento e deficiência. A obra de arte expressa a preocupação de Picasso com as situações deploráveis que viveu enquanto crescia em Espanha, e foi indubitavelmente inspirada nas obras de arte religiosas com que cresceu, particularmente El Greco. No entanto, aA obra de arte representa a tendência simbolista mais alargada da época.

Picasso acabou por considerar as suas obras do Período Azul como "nada mais do que sentimento"; os críticos geralmente concordam com ele, apesar do facto de muitas destas imagens serem clássicas e, claro, bastante caras.

de Gertrude Stein (1905)

Gertrude Stein foi autora, amiga pessoal e até mecenas de Picasso, tendo sido essencial para o seu desenvolvimento como artista. Este quadro, em que Stein está vestida com o seu adorado casaco de veludo castanho, foi concluído apenas um ano antes de As Demoiselles d'Avignon e representa um passo significativo na maturação do seu estilo.

Em comparação com o aspeto plano de várias pinturas do período Azul e Rosa, as formas deste retrato parecem quase esculpidas e foram inspiradas no estudo que o criador fez da escultura ibérica antiga.

O grande interesse de Picasso em representar um rosto humano como uma sequência de planos planos é praticamente palpável. Stein disse que se sentou para Picasso 90 vezes e, embora isto possa ser uma hipérbole, Picasso debateu-se indubitavelmente durante muito tempo com a representação da sua cabeça. Depois de tentar fazê-lo de várias formas e falhar, um dia pintou-a completamente, afirmando: "Já não consigo perceber-te quandolook", e acabou por abandonar a imagem.

Só terminou a cabeça muito mais tarde, mas sem o objecto à sua frente.

As Demoiselles d'Avignon (1907)

O tema das mulheres nuas não era invulgar, mas o facto de Picasso retratar as raparigas como prostitutas, em atitudes claramente sexuais, foi uma novidade. O fascínio de Picasso pela arte ibérica e indígena é especialmente evidente nos rostos em forma de máscara de três das mulheres, sugerindo que a sua sexualidadenão é apenas violento, mas também primitivo.

Pablo Picasso também levou as suas explorações espaciais um passo mais além, descartando a impressão renascentista de tridimensionalidade em favor da apresentação de um plano de imagem dramaticamente achatado, dividido em fragmentos geométricos, uma técnica que Picasso adoptou parcialmente da pincelada de Paul Cézanne.

Por exemplo, a perna da senhora à esquerda é pintada como se fosse vista de várias perspectivas ao mesmo tempo; é difícil distinguir a perna do espaço negativo que a rodeia, dando a impressão de que as duas estão em primeiro plano.

Quando o filme foi finalmente apresentado em público, em 1916, foi considerado imoral.

Braque foi um dos poucos pintores que a estudou a fundo em 1907, o que o levou directamente às suas parcerias cubistas com Picasso. Porque As Demoiselas A obra é considerada como proto- ou pré-cubismo.

Natureza morta com cana de cadeira (1912)

Este obras de arte famosas Picasso já tinha anexado anteriormente objectos pré-existentes às suas pinturas, mas esta é a primeira vez que o faz com um objectivo tão humorístico e dramático. A cana da cadeira na imagem é feita de oleado impresso e não de cana de cadeira genuína, como o título indica.

A corda enrolada à volta da tela, por outro lado, é extremamente genuína e ajuda a imitar o rebordo esculpido de uma mesa de café.

Além disso, o espectador pode pensar na tela como uma mesa de vidro e na cana da cadeira como o assento real da cadeira, tal como é percepcionado através da mesa. Como resultado, a imagem não só contrasta significativamente o espaço visual, como é característico da experimentação de Picasso, mas também distorce a nossa percepção do que estamos a ver.

Taça de fruta, violino e garrafa (1914)

Esta peça é representativa do seu Cubismo Sintético, no qual emprega numerosas técnicas para aludir às coisas retratadas, tais como pontos pintados, sombras e grãos de areia. Esta combinação de tinta e meios mistos é um exemplo de como Picasso "sintetizou" a textura e a cor - inventando o todo depois de dissecar cognitivamente os objectos à mão.

Picasso reprimiu a cor durante o seu período cubista analítico para se concentrar mais nas formas e dimensões dos objectos, e esta lógica informou certamente a sua predilecção pela natureza-morta durante todo este período.

A vida do café resumia, sem dúvida, a vida parisiense moderna para os pintores - ele passava muito tempo a conversar com outros pintores - mas o conjunto básico de coisas também garantia que as preocupações com a metáfora e a referência pudessem ser mantidas sob controlo.

Ma Jolie (1912)

Nesta pintura, Picasso explora a fronteira entre a arte erudita e a cultura comum, levando a sua experimentação a novas áreas. Picasso avança para a abstracção, diminuindo a cor e aumentando a ilusão de escultura em baixo-relevo, expandindo os contornos geométricos de As Demoiselles d'Avignon .

Picasso, por outro lado, incorporou texto pintado na tela.

A frase "ma Jolie" na capa não só condensa mais o espaço, como também associa a obra de arte a um outdoor, devido à utilização de um tipo de letra publicitário. É a primeira vez que um pintor utiliza publicamente elementos da cultura popular na criação de arte de qualidade.

"Ma Jolie" era também o título de uma canção popular na altura, bem como a alcunha de Picasso para a sua namorada, ligando ainda mais o quadro à cultura popular.

Os três músicos (1921)

Houve duas versões das pinturas de Pablo Picasso sobre os músicos. A versão um pouco mais pequena está exposta no Museu de Arte de Filadélfia, embora ambas sejam excepcionalmente enormes para a fase cubista de Picasso, que poderá ter decidido criar em tão grande escala para comemorar o fim do seu Cubismo Sintético, que o tinha preocupado durante mais de uma década.

Alguns consideraram as imagens como reminiscências nostálgicas dos primeiros tempos de Picasso; Picasso está sentado no meio, como sempre, o Arlequim, com velhos conhecidos Guillaume Apollinaire e Max Jacob, de quem se tinha afastado, de cada lado.

Três mulheres na Primavera (1921)

Picasso efectuou uma pesquisa exaustiva para pintar esta, que é a sua representação mais elaborada de um tema clássico antigo. Presta homenagem a obras mais antigas de Poussin e Ingres, dois titãs da pintura clássica, mas também se inspira em Escultura grega O peso enorme das figuras é bastante escultural.

Os críticos dizem que o tema o atraiu devido ao nascimento do seu primeiro filho. O comportamento solene das figuras pode ser entendido pela actual obsessão da França em recordar os mortos da Primeira Guerra Mundial.

Guernica (1937)

Picasso pintou este quadro em resposta ao bombardeamento de Guernica, uma aldeia basca, em 26 de Abril de 1937, em plena Guerra Civil Espanhola. Foi terminado num mês e funcionou como ponto focal do pavilhão espanhol na Feira Mundial de 1937, em Paris.

Embora tenha causado grande comoção durante a exposição, foi posteriormente impedida de ser exibida em Espanha até à deposição do tirano militarista Francisco Franco, em 1975.

O minotauro pode referir-se às touradas, um passatempo nacional popular em Espanha, mas tem também um profundo significado pessoal para o artista.

Embora "Guernica" seja, sem dúvida, a reacção mais emblemática da arte moderna ao conflito, os críticos têm-se dividido quanto ao impacto do quadro.

Leitura recomendada

A biografia de Pablo Picasso é uma viagem longa e pormenorizada. Nem sempre é possível incluir todas as informações num artigo. Talvez esteja interessado em explorar ainda mais os desenhos e pinturas de Picasso no seu tempo livre. Aqui pode encontrar mais informações sobre as pinturas e a vida de Pablo Picasso.

A vida com Picasso (2019) por Francois Gilot

O livro honesto de Françoise Gilot é o retrato mais completo de Picasso alguma vez publicado, proporcionando uma visão intrigante das vidas emocionais e criativas de dois artistas modernos. Em 1943, Françoise Gilot tinha 20 e poucos anos quando conheceu Pablo Picasso, que tinha 61 anos na altura. Nascida numa família de classe média alta que esperava que ela se tornasse advogada, a jovemFoi uma das musas de Picasso, mas era muito mais do que isso, tendo-se tornado a extraordinária pintora que acabou por se tornar.

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Picasso: a pintura do período azul (2021) por Kenneth Brummel

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A propensão de Picasso para criar obras numa variedade de géneros valeu-lhe uma aclamação generalizada ao longo da sua carreira. Concluamos este artigo com mais algumas citações famosas de Picasso para que possamos vislumbrar o interior da mente deste artista peculiar e criativo: "Todos os jovens têm o potencial para serem artistas. A questão é como continuar a ser um artista à medida que envelhecem." e "Estou sempre a fazer o que não consigo fazer para quepode descobrir como o fazer".

Perguntas mais frequentes

Quando é que Picasso nasceu e quando é que Picasso morreu?

Pablo Picasso nasceu no seio de uma família criativa, a 25 de Outubro de 1881, em Espanha, na cidade de Málaga. Em 1973, morreu de ataque cardíaco no sul de França.

Quem foi Pablo Picasso?

Picasso passou a maior parte da sua vida profissional adulta em França. A sua obra foi dividida, grosso modo, em períodos de tempo em que desenvolveria totalmente ideias e sentimentos complexos para criar um corpo de trabalho coerente. A primeira fase foi designada por Período Azul. O espectro diversificado das obras de Pablo Picasso não foi o produto de mudanças significativas no seu estilo durante a sua carreira, masem vez da sua dedicação em avaliar objectivamente a forma e a abordagem mais adequadas para alcançar o efeito pretendido para cada obra de arte.