A tonalidade na arte é um aspecto importante a considerar e iremos explorar a forma como a tonalidade é utilizada para realçar e criar dimensão nas pinturas.

O que é um tom na arte?

O termo "tom" na arte refere-se ao valor ou carácter da cor, sendo determinado pelo facto de uma tonalidade ser vista como quente ou fria, brilhante ou baça, clara ou escura.

A gama de tons numa obra de arte pode ter uma série de impactos, desde a definição do ambiente até ao realce de determinados elementos.

Provavelmente já ouviu a expressão "tonificar": no mundo da arte, refere-se a tornar uma cor menos vibrante. Tonificar, por outro lado, pode implicar fazer com que as cores irrompam de uma obra de arte, por vezes com um efeito impressionante. A tonalidade na arte, no entanto, vai muito além desta definição básica.

Falcões da noite de Edward Hopper (1942) é uma aula magistral sobre a utilização do tom para criar um ambiente e sugerir uma narrativa; Edward Hopper, Domínio público, via Wikimedia Commons

Cada cor tem um número quase ilimitado de tons. Considere as variações quase infinitas entre o azul da meia-noite e o azul bebé. O tom é actualmente um conceito importante na teoria da cor e uma ferramenta necessária para todos os pintores - uma pintura pode parecer plana e sem vida se lhe faltar o tom.

O domínio do valor tonal, por outro lado, permite ao artista produzir composições poderosas que suscitam emoções fortes.

O conceito ganhou popularidade no século XIX, quando os artistas começaram a centrar-se no mundo natural e a reproduzir os numerosos tons observados nas paisagens.

A Igreja de Marissel, perto de Beauvais de Jean-Baptiste Camille Corot (1866) mostra a utilização da cor tonal como utilizada pelo grupo Barbizon; Jean-Baptiste Camille Corot, Domínio público, via Wikimedia Commons

Tom e valor

O tom é outro nome para o valor, que é um dos aspectos mais importantes da arte. O termo valor tonal é frequentemente utilizado; no entanto, a tonalidade também pode ser utilizada. Seja qual for o nome, refere-se à escuridão ou ao brilho de uma determinada cor. Tudo o que nos rodeia tem uma gama de tons. Por exemplo, o céu não é um tom uniforme de azul. É antes uma série de tons azuis que criam umaMesmo um objecto de cor sólida, como um sofá de couro castanho, terá tons quando pintado ou fotografado.

Os tons neste cenário são formados pela forma como a luz incide sobre o motivo. Apesar de ser uma tonalidade uniforme, na realidade, as luzes e as sombras dão-lhe carácter.

Tom local e global

Uma paisagem alegre, por exemplo, pode ter um tom global dinâmico, enquanto uma paisagem mais triste pode ter um tom global mais escuro.

Esta gama tonal pode definir o tom emocional da obra, bem como transmitir uma mensagem abrangente ao público.

É uma das técnicas que os artistas utilizam para nos comunicarem as suas intenções quando admiramos as suas obras de arte. Do mesmo modo, os pintores utilizam um "tom local", ou seja, um tom que abrange uma determinada secção de uma obra de arte. Por exemplo, podemos deparar-nos com uma pintura de um porto numa noite de tempestade. O tom geral pode ser sombrio, mas o pintor pode optar por acrescentar luz na região de um veleiro comoEsta secção apresentaria um tom brilhante localizado e poderia dar uma atmosfera romântica à obra.

Nocturno, azul e prateado, Chelsea por James Abbott McNeill Whistler (1871) Como sugere o título com o seu jogo de "nocturno", Whistler foi um dos pintores que explorou equivalências entre tonalidades musicais e visuais; Sailko, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

Ver o tom das cores

Considere vários tons de cinzento enquanto tenta visualizar uma mudança de tom. À medida que se desloca ao longo da escala de cinzentos, a intensidade pode ser alterada do preto mais escuro para o branco mais claro. Por exemplo, uma imagem a preto e branco consiste apenas numa colecção de tons; os melhores contêm um amplo espectro, o que aumenta a atracção visual. A imagem parece sem vida e "lamacenta" sem os contrastesentre brancos e pretos, com tons de cinzento variados algures no meio.

Um exercício semelhante pode ser feito quando pensamos em termos de cor. O número infinito de tons que podem existir para qualquer tonalidade pode ser difícil de discernir, uma vez que a própria cor desvia a nossa atenção

Collioure em Agosto de Henri Matisse (c. 1911). Matisse explorou a utilização das cores pelos seus tons inerentes para obter diferentes valores; Henri Matisse, domínio público, via Wikimedia Commons

Antes dos computadores, a remoção de cor de materiais como pigmentos de tinta exigia a utilização de vários filtros monocromáticos. Mas hoje, tudo é muito mais fácil: basta tirar uma fotografia de qualquer coisa que tenha apenas uma cor, como uma folha verde.

Utilize um filtro a preto e branco ou dessaturar a imagem em qualquer software de edição de imagens. Pode ver a vasta gama de tons possíveis nessa cor na imagem final. Até o número de tons que nota em algo que pensava ser tonalmente plano pode surpreendê-lo.

Tons contrastantes

O tom pode ser utilizado para criar contraste numa obra de arte, estabelecendo uma sensação de tensão entre elementos distintos ou chamando a atenção para determinadas partes da composição. A utilização de contraste na arte pode ser rastreada até ao Renascimento, quando se tornou mais popular nos círculos criativos de Itália.

Este método era conhecido como claro-escuro e implicava a combinação de tinta preta para os tons mais escuros e guache branco para os tons mais claros, com tons médios criados em papel azul, que era popular no Norte de Itália durante o Renascimento.

Estes métodos continuam a inspirar arte moderna Um baixo contraste entre os tons mais escuros e os mais claros proporcionará uma imagem mais suave ou tranquila. Quanto maior for o contraste entre os tons, mais dramático será o ambiente.

Tom e emoção

As emoções representam uma das partes mais importantes da criação e apreciação da arte, e o tom pode ter um impacto significativo sobre isso. Embora o tema, o estilo, o meio e muitos outros factores influenciem o sentimento geral de uma composição, poucos têm uma influência tão directa como o tom.

Detectamos o tom de uma peça de forma bastante intuitiva; um tom global escuro pode ser rapidamente entendido como um ambiente deprimente ou opressivo, ao passo que um tom global brilhante dá um impacto edificante e agradável.

A maioria das cores na natureza tem um valor de cinzento, pelo que os artistas que sabem como combinar adequadamente sombras, matizes ou tons precisos podem ajudar o artista a retratar com precisão os vários realces e sombras do objecto que estão a retratar.

A vocação de São Mateus Caravaggio utilizou nesta obra contrastes tonais acentuados, combinados com a luz como elemento metafórico, para conseguir uma sensação de emoção acrescida; Caravaggio, Domínio público, via Wikimedia Commons

Os três tipos de tom

A luz direccional pode ser dividida em três tipos de tons na sua forma mais básica: as luzes, as sombras e os meios-tons. Como é que isto pode ser aplicado na arte? Podemos ver como reduzir um tema dividindo-o simplesmente em luzes e sombras num esboço de mapeamento de sombras. Agora podemos acrescentar outra camada de nuances incorporando um meio-tom. Desenvolvemos o nosso meio-tom no desenho esboçando com um lápise pressionando-o contra o papel do cartucho.

Mas agora podemos começar a experimentar utilizando o papel tonal como meio-tom. Depois, utilizando giz branco para os destaques e carvão para as secções mais escuras, podemos começar a desenvolver um desenho enquanto continuamos a olhar para os tipos de três tons, mas utilizando o meio-tom do papel tonal de carvão.

Annette preta de Alberto Giacometti (1962) foi criada através da aplicação de vários tons; Comunicação Giacometti, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Criar profundidade com o tom

Numa obra de arte, a mudança de tom pode ser utilizada para indicar distância e profundidade. O tom progressivo é uma técnica de transição gradual de um tom mais claro em primeiro plano para um tom mais escuro em segundo plano ou vice-versa. Isto implica que a quantidade de luz que atinge as coisas varia com a sua distância do espectador.

Em A janela aberta (1921), por exemplo, Juan Gris utilizou o preto e as cores sombrias para realçar as zonas do espaço que se encontram na sombra. Em primeiro plano, os tons suaves são utilizados para representar a luz do sol a incidir sobre a mesa e uma folha de papel.

A janela aberta de Juan Gris (1921). Embora o tom seja normalmente utilizado para criar uma sensação de profundidade, como Gris mostra aqui, os valores tonais são também elementos formais que podem ser utilizados com grande efeito na arte abstracta; Juan Gris, Domínio público, via Wikimedia Commons

Caspar David Friedrich utilizou os seus tons mais escuros em O errante acima do mar de nevoeiro (Os valores mais extremos retratam o nevoeiro branco que gira por baixo da figura. As colinas e rochas, o nevoeiro e o céu tornam-se mais claros e brilhantes ao longe, à medida que os tons se tornam mais claros.

Monótono vs. Duótono

A tonalidade na arte não tem de ser aplicada de forma realista. Na comunicação gráfica e no design, podem ser criados gráficos estilizados restringindo o número de tons ou cores utilizados. Monótono refere-se à utilização de apenas uma cor. É especialmente utilizado para referir o preto e branco.

Muitos fotógrafos gostam de trabalhar a preto e branco. Sem cor, as imagens dependem inteiramente do tom para exprimir a forma, a luz e o formato. Devido ao grande contraste inerente ao preto e branco, as fotografias monótonas podem ser bastante apelativas.

O espectro de tons utilizados, por outro lado, determinará a força ou a delicadeza do trabalho final. Um duotone é comparável a um monotone, mas tem duas cores em vez de preto e branco. Um pintor ou designer pode utilizar a cor para fazer com que uma imagem pareça mais quente ou mais fria, agressiva ou subtil.

Navio numa tempestade de J. M. W. Turner (1823) mostra como o duotone pode ser eficaz nas mãos de um artista habilidoso; J. M. W. Turner, domínio público, via Wikimedia Commons

Utilizar a tonalidade para criar forma

As pinturas bidimensionais não podem representar formas verdadeiras. Para criar a aparência da forma, utilize tons variados que representam diferentes quantidades de luz que atingem os objectos apresentados.

Isto pode levar o olho a pensar que está a olhar para uma imagem tridimensional.

O Arco Negro de Georges Seurat (1882). As formas deste desenho são quase esculturais na sua modelação; Georges Seurat, Domínio público, via Wikimedia Commons

A figura no quadro de George Seurat O Arco Negro (c.1882) parece tridimensional. Os tons mais claros implicam destaques no braço e no ombro da mulher, bem como na parte da frente do seu chapéu. Os tons tornam-se mais escuros à medida que se move em torno da figura. Os tons mais profundos podem ser vistos na parte de trás. Estes implicam sombras na parte inferior do seu vestido, na parte inferior das suas costas e atrás da aba do seu chapéu. Estes tons variáveis dão a impressão de que a luz éque atinge uma forma genuína.

Estas tonalidades variáveis dão a impressão de que a luz está a incidir sobre uma forma genuína.

A mistura de tons

Numa composição monótona, o preto, o cinzento e o branco podem ser misturados para criar diferentes tons. Podem ser misturados com outras cores para criar sombras, matizes e tons. Albrecht Durer utilizou o preto, o castanho e o branco em Lebre jovem (1502), para representar cores distintas de pêlo e para indicar zonas dos olhos, das bochechas e do lado da cara da lebre.

As pinceladas brancas simples representam a luz que incide sobre determinados fios do dorso do animal. As sombras são criadas utilizando o preto, como por exemplo debaixo dos lábios e entre as patas dianteiras. A adição de quantidades variadas de água às obras de aguarela pode resultar em cores mais suaves e claras.

Lebre jovem de Albrecht Dürer (1502) mostra como o artista utilizou as suas capacidades de gravador para obter valores tonais nas suas pinturas; Albrecht Dürer, Domínio público, via Wikimedia Commons

Hachura e sombreamento de tons

Num desenho, o sombreado é utilizado para produzir tons distintos. A construção de tons pode ser realizada através de uma variedade de abordagens. A hachura é o processo de criação de tons com linhas.

O número e a espessura das linhas e a distância entre elas contribuem para a aparência da forma.

Hachura cruzada A hachura de contorno utiliza linhas curvas que imitam a forma de um objecto.

Tom na teoria da cor

Na teoria da cor, o termo "tom" tem um significado um pouco mais restrito do que na utilização geral. Neste caso, a escuridão e a luminosidade das cores situam-se em três espectros diferentes com base na forma como são misturadas.

Quando uma cor é aclarada pela adição de branco, é designada por matiz. Quando uma cor é escurecida pela adição de preto, é designada por sombra. Quando uma cor é tornada mais baça pela adição de cinzento, é descrita como um tom.

Curiosamente, embora as cores tornadas mais escuras pela adição de preto sejam designadas por sombras, um dos melhores métodos para representar sombras, mantendo a cor de um objecto, não é adicionar preto, mas criar uma versão cinzenta ou um tom mais escuro da cor principal, normalmente adicionando uma pequena quantidade da cor complementar da cor principal para criar esse tom mais escuro como um cinzento cromático.

Gráfico que mostra a diferença entre matizes, tons e tonalidades na teoria da cor; Imagem de stock

Assim, se estiver a pintar uma bola vermelha e quiser criar uma sensação de profundidade tornando partes dela mais escuras, evite o preto e, em vez disso, misture um pouco de verde com o vermelho para definir essas áreas menos iluminadas. Ao utilizar este cinzento cromático (colorido), produzirá uma mudança tonal da sua cor principal.

Como se pode ver na arte impressionista, esta técnica permite-lhe imitar muito mais eficazmente a ausência de vibração da cor que resulta da luz directa do que a simples adição de preto.

No teatro de Mary Cassatt (1879) mostra como os impressionistas criaram valores tonais com base na teoria da cor; Mary Cassatt, Domínio público, via Wikimedia Commons

Como aprendemos hoje, a tonalidade na arte é útil para muitos aspectos do processo de produção. Pode fazer com que as imagens se destaquem, acrescentando profundidade e dimensão, e pode criar um estado de espírito e um ambiente que afectam significativamente as emoções de uma pessoa. Os tons contrastantes podem acrescentar uma sensação de vida ou tensão às suas pinturas.

Perguntas mais frequentes

O que é um tom na produção artística?

O tom é a luminosidade ou escuridão relativa de uma cor numa pintura. Uma única cor pode ter um número quase infinito de tons. O tom também pode referir-se à cor propriamente dita. A palavra parece ter ganho popularidade com o aparecimento da pintura directamente da natureza no século XIX, quando os pintores se preocuparam em encontrar e reproduzir toda a gama de tons inerentes a uma determinadaIsto despertou o interesse pela cor pelas suas próprias qualidades, bem como pela teoria da cor.

Qual é a definição de tom na teoria da arte?

O tom é o brilho ou a escuridão que a cor aparenta ter. A importância de empregar as características tonais correctas numa pintura não pode ser exagerada. Se o fizer de forma errada, a sua obra de arte parecerá sem vida e sem inspiração; se o fizer correctamente, a sua obra de arte brilhará! O tom é vital para produzir a sensação de forma, espaço e profundidade em pinturas realistas; em obras mais abstractas, as mudanças tonais podemser utilizado de forma extremamente eficaz para conduzir o olhar à volta da peça, gerando movimento e energia.