Wat is hedendaagse kunst? - Een blik op de moderne hedendaagse kunst van vandaag

John Williams 25-09-2023
John Williams

Eigentijdse kunst is de kunst die vandaag wordt gemaakt. Maar deze term is plakkeriger dan dat, want de betekenis van de term Eigentijdse kunst is niet altijd hetzelfde als andere kunststromingen zoals we hebben gezien in het tijdperk van de Moderne Kunst. De term wordt gekenmerkt door een verandering in de manier waarop kunstenaars naar hun kunstproductie kijken, en we kunnen veel innovatie zien in termen van de media die ze gebruiken en de ideeën die ze presenteren. In dit artikel,zullen we het idee van hedendaagse kunst uitwerken - we kijken naar enkele thema's van hedendaagse kunst en naar voorbeelden van hedendaagse kunst.

Wat is hedendaagse kunst?

De definitie van hedendaagse kunst is de kunst die gemaakt is in de tweede helft van de 20e eeuw tot nu. Deze kunst reageert op de moderne tijd waarin we leven en richt zich op brede contextuele kaders - van politieke en culturele, identiteitsthema's en voortschrijdende technologie. Kunstenaars maken kunst op basis van concepten en reageren op het politieke en culturele leven in de wereld.

Hedendaagse kunst draait niet alleen om het esthetische plezier van het kijken naar een kunstwerk, maar is veel meer gericht op het delen van ideeën. Hedendaagse kunst wordt gekenmerkt door de diversiteit aan media en stijlen.

Kenmerken van hedendaagse kunst

Hoewel het belangrijkste kenmerk van hedendaagse kunst is dat er geen echte bepalende kenmerken van zijn, zijn er enkele gemeenschappelijke kenmerken die door de hedendaagse kunst als geheel worden gedeeld. Enkele van deze kenmerken zijn:

  • Hedendaagse kunstenaars zijn betrokken bij innovatie met nieuwe ideeën en nieuwe kunstvormen, waarbij ze alles gebruiken wat ze tot hun beschikking hebben, van videospelletjes tot techniek en plastische chirurgie. De kunstenaars gebruiken uiteenlopende media.
  • Kunstwerken worden gemaakt met een concept erachter, en elk kunstwerk zal een reden hebben die verder gaat dan het bestaan als puur esthetisch object.
  • Sommige hedendaagse kunstenaars werken in groepen maar er zijn geen grote bewegingen zoals in het moderne kunsttijdperk.
  • De media maken deel uit van het betekenisgevingsproces die kunstenaars voor zichzelf uitvinden.
  • Er is ook een beweging naar een minder eurocentrische kijk op kunst, en veel meer artiesten uit diverse delen van de wereld worden erkend en krijgen meer aandacht.

Is hedendaagse kunst hetzelfde als moderne kunst?

De woorden hedendaags en modern zijn technisch gezien synoniemen, maar deze twee fasen in de kunstgeschiedenis zijn zeer verschillend. De betekenis van hedendaagse kunst omvat veel meer context. Hedendaagse kunst wordt beschouwd als... postmodern wat betekent dat het na het Modernisme kwam.

Hedendaagse kunst verschilt van moderne kunststromingen zoals Pop-art of Surrealisme. Moderne kunst werd gekenmerkt door kunstenaars die zelfreferentieel waren (kunst maken over kunst).

Rose beeldhouwwerk van Isa Genzken, een voorbeeld van hedendaagse kunst; Christoph Müller, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Kunstenaars creëerden kunstbewegingen, met vergelijkbare ideeën en technische uitdagingen die de gedachten van veel verschillende kunstenaars bezighielden. In het tijdperk van de hedendaagse kunst creëren kunstenaars kunst die reageert op de unieke ervaring van het leven in de technologisch voortschrijdende wereld waarin we ons bevinden, elk verhaal uniek. Kunstenaars creëren kunstwerken op basis van hun unieke ervaringen. Er zijn geen overkoepelendeideeën en ideologieën, en kunstenaars creëren geen nieuwe "-ismen" zoals het surrealisme en het fauvisme.

Moderne kunstenaars creëerden kunstwerken die gericht waren op het kunstproces zelf - zoals wanneer Impressionisten Hedendaagse kunstenaars hebben niet allemaal een overkoepelend medium dat ze onderzoeken, en elke kunstenaar gebruikt het medium als een manier om grotere thema's en ideeën te verkennen.

Hedendaagse kunst reageert op ideeën van de moderne wereld op een manier die past bij dit moment in de geschiedenis en de tijd - waarbij elke kunstenaar zich richt op een levenslange reis van kunst maken over de fijne kneepjes van het leven in de wereld op hun eigen manier.

Voorbeelden van hedendaagse kunstwerken

We zullen nu kijken naar enkele van de beroemdste Modern Hedendaagse kunstwerken die tot nu toe zijn gemaakt, en beschrijven hoe deze kunstenaars innoveren en nieuwe spannende kunstwerken creëren. Deze kunstwerken zijn slechts een glimp van de uiteenlopende ideeën waarmee kunstenaars werken, maar geven een voorproefje van het geweldige werk dat wordt gemaakt en de spannende en belangrijke ideeën waarmee kunstenaars elke dag werken.

Gesneden stuk (1964) door Yoko Ono

Titel van het kunstwerk Gesneden stuk
Kunstenaar Yoko Ono
Jaar 1964
Medium Performance Art werk
Waar het werd gemaakt New York City, VS

Gesneden stuk (1964) is een vroeg voorbeeld van hedendaagse kunst. Het is een performance kunstwerk. In de jaren zestig werden kunstenaars als Yoko Ono bekend om het organiseren van evenementen genaamd Happenings, waarbij de kunstenaar kunstkijkers en deelnemers de macht gaf om zelf kunst te maken of een handje te helpen bij het maken van kunst.

De meeste van deze gebeurtenissen waren slechts tijdelijk en zouden pas later bestaan in foto's, of in een definitief kunstwerk dat minder betekenis zou hebben zonder de context van de performance.

Foto van kunstenares Yoko Ono in 2011; Earl McGehee - www.ejmnet.com, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Gesneden stuk is een van deze evenementen, waarbij de kunstenaar mensen vroeg om stukken uit haar kleding te knippen terwijl zij onbeweeglijk zat. Naarmate de kunstenaar meer en meer blootgesteld werd, werd het publiek stiller en meer geschokt, herinnerde de kunstenaar zich. Dit provocerende kunstwerk bracht de kunstenaar ook in verschillende niveaus van gevaar, aangezien zij haar vertrouwen stelde in het publiek dat zij alleen haar kleding zouden knippen en niet haar schaar zouden gebruiken voorandere doeleinden.

Oneindige spiegelkamer (1965) door Yayoi Kusama

Titel van het kunstwerk Oneindige spiegelkamer
Kunstenaar Yayoi Kusama
Jaar 1965
Medium Installatie Kunstwerk
Waar het werd gemaakt New York City, VS

Kusama's Infinity Mirror Kamers (1965), waarvan er veel verschillende varianten zijn, worden beschouwd als installatiekunstwerken. Met behulp van spiegels transformeerde de kunstenares de intense herhaling van haar vroege schilderijen in een driedimensionale ruimte en perceptuele ervaring. Er zijn minstens twintig verschillende Infinity Mirror Kamers Deze zalen creëren caleidoscopische visies met multimediale aspecten, die allemaal een vreemde illusie wekken dat de zaal oneindig is, en dat de toeschouwers ook oneindig zijn.

Een Infinity Room installatie van Yayoi Kusama; Pablo Trincado uit Santiago de Chile, Chili, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

De eerste van deze kamers Infinity Mirror Room: Phalli's Field toont een kamer gevuld met honderden gestippelde fallische vormen die elk oppervlak van de kamer bedekken. Het arbeidsintensieve werk deed de kunstenares nadenken over andere manieren om het effect te creëren van volledig omringd te zijn door deze lange, afgeronde objecten. De kunstenares is bekend om haar band met de stippen en met cirkels, en verklaarde dat het creëren van cirkels haar eindeloos troostte.

Dit kunstwerk maakte ook de toeschouwers tot onderwerp van het werk, en het bestaan van het lichaam in de ruimte verandert het en geeft het meer betekenis.

Spiraalvormige steiger (1970) door Robert Smithson

Titel van het kunstwerk Spiraalvormige steiger
Kunstenaar Robert Smithson
Jaar 1970
Medium Land Art
Waar het werd gemaakt Great Salt Lake, VS

Spiraalvormige steiger (1970) is een voorbeeld van een hedendaags landkunstwerk. Dit kunstwerk werd gebouwd op het Great Salt Lake in Utah en bestond uit modder, zout en basaltrotsen die in een 1500 voet lange spiraal werden gebouwd die tegen de klok in rondboog.

Deze spiraal kon van bovenaf worden bekeken, afhankelijk van het waterniveau van het meer. Dit betekende dat de aarde zelf de betekenis van het kunstwerk veranderde, want soms bestond het niet of was het verborgen, en op andere momenten liet de aarde ons er een glimp van opvangen.

Spiraalvormige steiger (1970) van Robert Smithson, gelegen op Rozel Point in het Great Salt Lake, Utah, Verenigde Staten; Beeldhouwwerk: Robert Smithson 1938-1973Image:Soren.harward at en.wikipedia, Public domain, via Wikimedia Commons

Dit kunstwerk is een van de beroemdste landkunstwerken. Landkunstenaars gebruiken gewoonlijk het land zelf als medium, en maken werk dat geïnspireerd is door en bestaat in de aarde, zonder afbreuk te doen aan de aarde. Dit soort kunst was ook nogal berucht omdat het niet kon verkopen - niemand kon een stuk van het meer kopen, en deze decommercialisering op de kunstmarkt was ook een nieuw aspect van de Moderne Hedendaagse kunst dat het onderscheidde van het Modernisme.

Ritme 0 (1974) door Marina Abramović

Titel van het kunstwerk Ritme 0
Kunstenaar Marina Abramović
Jaar 1974
Medium Performance Art
Waar het werd gemaakt New York City, VS

Marina Abramović creëerde in een soortgelijk kunstwerk van jaren geleden de Ritme 0 (1974). De kunstenaar gaf het publiek 72 objecten waarmee ze alles konden doen wat ze wilden. Deze objecten waren onder andere een schaar, een roos, schoenen, een stoel, leren touwtjes, een scalpel, een pistool, een veer, een kogel en chocoladecake.

Zie ook: Diego Rivera - Ontdek het leven en de nalatenschap van Diego Rivera's kunst

De kunstenaar stond zes uur lang stil, terwijl het publiek steeds gewelddadiger werd. Eén toeschouwer sneed de nek van de kunstenaar open, terwijl een ander het pistool tegen het hoofd van de kunstenaar hield.

Het publiek belandde in een gevecht over hoe ver bepaalde leden van het publiek bereid waren te gaan met hun gewelddadige acties. Aan het eind van de voorstelling liepen alle deelnemers weg om de confrontatie met hun deelname te vermijden. Dit kunstwerk werd een schokkend voorbeeld van de menselijke natuur, maar ook van hoe ver kunst verder kan gaan dan een traditioneel schilderij op een muur.

The Dinner Party (1974) door Judy Chicago

Titel van het kunstwerk The Dinner Party
Kunstenaar Judy Chicago
Jaar 1974
Medium Feministische kunst , Installatie Kunst
Waar het werd gemaakt New York City, VS

Het beroemde kunstwerk van Judy Chicago was een groot installatiekunstwerk. Het medium installatie verwijst naar een kunstwerk waarin het publiek volledig kan worden ondergedompeld, een kunstwerk waar je in kunt lopen. Deze grote installatie omvatte meerdere tafels die in een driehoekige vorm waren opgesteld.

Het kunstwerk bestaat uit honderden onderdelen, maar "The Dinner Party" (1974) zet een denkbeeldig banket op waar de kunstenaar 39 vrouwen uit de geschiedenis uitnodigt om letterlijk en figuurlijk "aan tafel te zitten".

Er zijn plaatsaanduidingen voor vrouwen uit de geschiedenis en de mythologie - van Sacajawea, Susan B. Anthony en Emily Dickinson tot de Oergodin. Deze plaatsaanduidingen tonen meestal gestileerde afbeeldingen van vrouwelijke anatomie, zoals vulva's. Dit kunstwerk veroorzaakte nogal een schok met de schaamteloze weergave van vrouwelijke anatomie en de omvang van alle honderden onderdelen waaruit het werk bestaat.

Dit kunstwerk staat bekend als een van de belangrijkste feministische kunstwerken uit de geschiedenis en wordt permanent tentoongesteld in het Brooklyn Museum in de Verenigde Staten.

Alma, Silueta en Fuego (1975) door Ana Mendieta

Titel van het kunstwerk Alma, Silueta en Fuego
Kunstenaar Ana Mendieta
Jaar 1975
Medium Fotografie, Land Art en Body Art
Waar het werd gemaakt USA

Ana Mendieta was een Land-artieste en noemde zichzelf ook een Body-artieste die fotografie gebruikte om haar werk vast te leggen. In het hedendaagse tijdperk zijn kunstenaars ook digitale en fotografische middelen gaan gebruiken om hun ideeën te creëren en weer te geven, en is het gebruik van video gemeengoed geworden.

"Alma, Silueta en Fuego" (1975) is slechts één kunstwerk uit een serie waarin de kunstenares haar eigen silhouet gebruikte, gecamoufleerd in een natuurlijke omgeving.

Ze trok vergelijkingen tussen de vrouwenfiguur en het landschap, en in dit specifieke kunstwerk wees de kunstenares op het geweld dat vrouwen en hun lichaam ervaren, en ook op het geweld van de aarde. Deze kunstwerken hebben een Feministisch thema, maar kunnen ook gezien worden als Ecologische kunst Gevraagd naar haar eigen werk verklaarde de kunstenares: "Door mijn aarde/lichaamssculpturen word ik één met de aarde ... ik word een verlengstuk van de natuur en de natuur wordt een verlengstuk van mijn lichaam."

Zelf (1991) door Marc Quinn

Titel van het kunstwerk Zelf
Kunstenaar Marc Quinn
Jaar 1991
Medium Bloed, roestvrij staal, perspex en koelapparatuur
Waar het werd gemaakt Londen, UK

Zelf is een zelfportret gemaakt door kunstenaar Marc Quinn in 1991. De kunstenaar gebruikte zijn eigen lichaamsmateriaal om deze sculptuur te maken - zijn eigen bloed. De kunstenaar goot zijn eigen hoofd met tien pinten van zijn eigen bloed verzameld over een paar maanden. Dit kunstwerk werd gemaakt tijdens een periode waarin de kunstenaar worstelde met afhankelijkheid, en dit heeft betrekking op de manier waarop de sculptuur elektriciteit nodig heeft om zijn vorm te behouden.

Ook de materialiteit van het kunstwerk is hier van groot belang - het zelfportret komt het dichtst bij zijn eigen lichaam dat de kunstenaar kon - door delen van zijn eigen lichaam te gebruiken.

Zo experimenteerde de kunstenaar met nieuwe materialen op een manier die het meest betekenisvol is. Dit is een mooi voorbeeld van hedendaagse kunst die het medium zinvol gebruikt. Dit is niet zomaar een buste van een hoofd gemaakt met een willekeurig materiaal, het medium wordt een deel van de boodschap.

Het laten vallen van een Han Dynastie Urn (1995) door Ai Weiwei

Titel van het kunstwerk Het laten vallen van een Han Dynastie Urn
Kunstenaar Ai Weiwei
Jaar 1995
Medium Performance Kunstwerk
Waar het werd gemaakt China

In 1995 maakte de Chinese kunstenaar en activist dit provocerende voorbeeld van hedendaagse kunst. De kunstenaar gebruikte wat hij noemde een "culturele ready-made" - een 2000 jaar oude urn uit de Han-dynastie. Zoals de titel suggereert, bestond het kunstwerk zelf uit het laten vallen en vernietigen van een belangrijk stuk Chinese geschiedenis. Toen de kunstenaar, bekend om zijn controversiëlekunstwerken met kritiek op de Chinese regering, citeerde hun leider Mao Zedong: "De enige manier om een nieuwe wereld op te bouwen is door de oude te vernietigen."

Na honderdduizenden dollars voor de urn te hebben betaald, was de vernietiging ervan niet alleen een verlies voor de cultuur, maar ook voor de kunstenaar zelf. Volgens sommigen was het zelfs onethisch om dit kunstwerk te maken. Er is ook enige discussie over de vraag of de kunstenaar een echt stuk uit de oudheid of een vervalsing heeft gebruikt, maar zijn stilzwijgen over de zaak blijft schandalig voor zijn publiek.

In dit kunstwerk kan men zien dat de kunstenaar het idee van de readymade heeft gebruikt, geïnspireerd door Marcel Duchamp's gebruik van kant-en-klare producten. gevonden objecten en gebruikt in het dagelijks leven die opnieuw worden gebruikt voor het maken van kunstwerken. In die zin is het schandalig om zo'n krachtig deel van de Chinese geschiedenis een ready-made te noemen. De vernietiging ervan is slechts één aspect van wat dit kunstwerk zo krachtig maakt.

Door de urn te laten vallen, laat de kunstenaar ook culturele waarden los in de hoop een betere toekomst te creëren.

De 99-serie (2014) door Aïda Muluneh

Titel van het kunstwerk De 99-serie
Kunstenaar Aïda Muluneh
Jaar 2014
Medium Fotografie
Waar het werd gemaakt Ethiopië

Aïda Muluneh is een hedendaagse kunstenares die ook fotografie gebruikt. Haar portretten in De 99-serie (2014) gaat over postkoloniaal Afrika. Ze gebruikt portretten, meestal van vrouwen uit haar woonplaats Addis Abeba, op een manier die de traditionele portretten uitdaagt. De 99-serie omvat vrouwen gekleed in theatrale kleding, met geschilderde gezichten.

De kunstenares gebruikt deze portretten en haar fotografie om de genderrollen en de identiteit van vrouwen in Ethiopië aan de orde te stellen. De foto's in deze serie zijn rustig, waarbij wit en rood symbolisch worden gebruikt.

Het witte gezicht wordt door de kunstenaar een masker genoemd, wat de manier samenvat waarop representatie wordt veranderd voor politieke voordelen. De meeste handen op deze foto's zijn rood, verwijzend naar het feit dat ze met bloed besmeurd zijn. Deze handen proberen het portret te beheersen door de gezichten van de vrouwen te bedekken - verwijzend naar de donkere geschiedenis van het kolonialisme en de manier waarop dit Afrikaanse naties heeft beïnvloed.

Uiteindelijk analyseert deze serie hoe het voor Muluneh is om een Afrikaanse vrouw te zijn, die overal waar ze komt altijd als buitenstaander wordt beschouwd.

Op deze manier wordt haar eigen persoonlijke verhaal universeel toepasbaar op vele vrouwen over de hele wereld en geeft het inzicht aan anderen die niet begrijpen hoe het is. Dit verhaal wordt door de kunstenares omschreven als: "een verhaal dat we allemaal meedragen, van verlies, van onderdrukkers, van slachtoffers, van ontkoppeling, van erbij horen, van verlangen dat je het paradijs ziet in de donkere afgrond van de eeuwigheid."

Meisje met ballon (versnipperd schilderij) (2018) door Banksy

Titel van het kunstwerk Meisje met ballon (versnipperd schilderij)
Kunstenaar Banksy
Jaar 2018
Medium Kunst op canvas met shredder in lijst
Waar het werd gemaakt Londen, UK

Banksy , bekend om zijn straatkunst, kwam in 2018 in het nieuws toen hij een kunstwerk liet veilen bij Sotheby's in Londen. Zodra het kunstwerk was verkocht en de veilingmeester zijn hamer dichtsloeg, begon het kunstwerk te piepen en werd het kunstwerk door zijn frame versnipperd.

De kunstenaar had in het geheim een shredder in de lijst gestopt. Zodra het verkocht was, werd een van zijn beroemdste kunstwerken onmiddellijk vernietigd.

In een Instagram-post zei de kunstenaar later: "De drang om te vernietigen is ook een creatieve drang." Banksy staat bekend om zijn krachtige en simplistische graffitikunstwerken en het grapachtige versnipperde kunstwerk laat zien dat humor ook een belangrijk onderdeel is van Moderne Hedendaagse kunst.

Hier hebt u geleerd over de verschillende kenmerken van hedendaagse kunst, en hebt u enkele voorbeelden gezien van de inspirerende en opwindende kunstwerken die in de afgelopen 60 jaar zijn gemaakt. De voorbeelden van hedendaagse kunst hier laten zien hoe verschillend en divers kunst maken kan zijn, en laten ons een glimp opvangen van de verhalen en het leven dat andere mensen van over de hele wereld leiden. Van Land art tot Performance totInstallaties, kunstenaars creëren elke dag indrukwekkende nieuwe dingen om een boodschap over te brengen - onze enige taak is te luisteren en te begrijpen!

Bekijk onze hedendaagse kunst webstory!

Vaak gestelde vragen

Wat is de definitie van hedendaagse kunst?

Hedendaagse kunst is de kunst die vandaag wordt gemaakt - gebaseerd op het leven in de technologisch geavanceerde wereld en al haar politieke en culturele verhalen.

Zie ook: Nefertiti Buste - Ontdek de Iconische Egyptische Buste van Nefertiti

Is hedendaagse kunst hetzelfde als moderne kunst?

Hedendaagse kunst en moderne kunst zijn niet hetzelfde - ook al zijn de twee woorden synoniemen. Moderne kunst beschrijft de periode in het kunstmaken voordat de hedendaagse kunst opkwam.

Wat zijn enkele kenmerken van hedendaagse kunst?

Hedendaagse kunst is divers in stijlen en technieken, en het belangrijkste kenmerk is dat elke kunstenaar op zijn eigen manier werk maakt over een aspect van het leven in de wereld van vandaag.

John Williams

John Williams is een ervaren kunstenaar, schrijver en kunstpedagoog. Hij behaalde zijn Bachelor of Fine Arts-graad aan het Pratt Institute in New York City en vervolgde later zijn Master of Fine Arts-graad aan de Yale University. Al meer dan tien jaar geeft hij kunstles aan studenten van alle leeftijden in verschillende onderwijsinstellingen. Williams heeft zijn kunstwerken tentoongesteld in galerieën in de Verenigde Staten en heeft verschillende prijzen en beurzen ontvangen voor zijn creatieve werk. Naast zijn artistieke bezigheden schrijft Williams ook over kunstgerelateerde onderwerpen en geeft hij workshops over kunstgeschiedenis en kunsttheorie. Hij is gepassioneerd om anderen aan te moedigen zich uit te drukken door middel van kunst en gelooft dat iedereen het vermogen tot creativiteit heeft.