Jasper Johns - Abstracte Expressie, Neo-Dada, en Pop Kunstenaar

John Williams 29-07-2023
John Williams

De schilderijen van de abstract expressionistische schilder Jasper Johns zijn speelse, provocerende kunstwerken die de benaderingen onderzoeken die we gebruiken om de wereld om ons heen te bekijken en te begrijpen. Jasper Johns' kunstwerken schuwden kunst die los stond van het gewone leven door basale markeringen, zoals schietschijven en vlaggen, centraal te stellen in zijn Minimalistische kunst. Vanaf de jaren 1950 tot heden hebben de schilderijen van Jasper Johns eeninvloed op praktisch elke creatieve trend.

Jasper Johns' Biografie

Nationaliteit Amerikaanse
Geboortedatum 15 mei 1930
Datum van overlijden N/A
Geboorteplaats Augusta, Georgia

Uitweidend over de contrasterende stijlen van Abstract Expressionisme en Dada, ontwikkelde de beroemde abstract expressionistische schilder een verfijnde esthetiek met thema's als individualiteit, speelsheid en intellectuele interactie. Jasper Johns' kunstwerken legden effectief de basis voor de overname van de Pop Art door de consumptiemaatschappij door de gebruikelijke barrières tussen beeldende kunst en het gewone leven af te breken.

De expressieve verdeling van verf in Jasper Johns' schilderijen doet denken aan het grootste deel van het Abstract Expressionisme, maar hij vult het niet met de filosofische of metafysische complexiteit die zijn tijdgenoten deden.

Zie ook: Een astronaut tekenen - Maak een realistische astronautentekening

Kinderjaren

Jasper Johns werd geboren op 15 mei 1930 in Augusta, Georgia, en groeide op in de landelijke gebieden van South Carolina bij zijn grootouders toen zijn ouders scheidden toen hij nog een baby was. De kunstwerken van zijn grootmoeder werden tentoongesteld in het huis van zijn grootvader, waar hij verbleef tot hij negen jaar oud was, en vormden zijn enige kennismaking met kunst tijdens zijn jongensjaren.

Johns begon op jonge leeftijd te schetsen met het vage idee schilder te worden, maar onderzocht de formele kunststudie pas op de universiteit.

Hij sprak over zijn jeugddroom om schilder te worden en zei: "Ik had geen idee wat het betekende. Ik geloof dat ik dat verkeerd interpreteerde om aan te geven dat ik in een betere omstandigheid zou kunnen verkeren dan die waarin ik verkeerde." In zijn tienerjaren verhuisde Johns naar zijn tante Gladys, die hem en twee andere kinderen bijles gaf in een eenkamerlokaal.

Johns verzoende zich later met zijn moeder en studeerde af als valedictorian van zijn middelbare school.

Vroege opleiding

Vanaf 1947 ging Johns na zijn middelbare school naar de Universiteit van South Carolina. In 1948 kwam hij op aanraden van zijn leraren naar New York en doorliep één semester aan de Parsons School of Design. Helaas was Parsons niet de beste match voor Johns, en hij stopte ermee, waardoor hij beschikbaar kwam voor de militaire dienst. Hij werd in 1951 gerekruteerd voor het leger en diende twee jaar.jaren.

In 1953, toen Johns na zijn eervol ontslag uit het leger terugkeerde naar New York, ontmoette hij de jonge schilder Robert Rauschenberg, die hem introduceerde in de kunstwereld. Van 1954 tot 1961 hadden de twee kunstenaars een hartstochtelijke romantische en creatieve band.

"Ik leerde wat kunstenaars waren door Rauschenberg te observeren," zei Johns. Het kunstenaarspaar trok uiteindelijk samen in, deelde atelierruimte en was elkaars kijkerspubliek toen weinig anderen enthousiast waren over hun kunstwerken.

Foto van de Amerikaanse kunstenaar Jasper Johns die op 15 februari 2011 de Medal of Freedom ontvangt; Videograaf voor het Witte Huis van Obama, Publiek domein, via Wikimedia Commons

Zij beïnvloedden elkaars kunst diepgaand door concepten en benaderingen te delen die afweken van de toen heersende trend van het Abstract Expressionisme. Beiden waren betrokken bij de universiteit en verwierpen het psychologische en existentialistische discours dat de toen heersende New Yorkse kunstschool omringde. In deze periode begon Johns zijn Amerikaanse vlagschilderingen en doelen op doek te schilderen.met encaustische was, waarbij snippers krantenpapier en resten van materiaal op papier worden gemengd.

Volgens Johns kwam de inspiratie voor "Flag" (1955) op een avond in 1954 bij hem op terwijl hij droomde over het maken van een reusachtige Amerikaanse vlag. De volgende dag zette hij de droom om in werkelijkheid, en uiteindelijk voltooide hij meerdere doeken met hetzelfde onderwerp.

Johns genoot ervan werken te maken die op verschillende manieren konden worden geïnterpreteerd, en verklaarde dat "deze schilderijen niet meer over een symbool gaan dan penseelstreken of de tastbaarheid van verf". In 1958 vlogen Rauschenberg en Johns naar Philadelphia om de tentoonstelling van Duchamp in het Philadelphia Museum te bekijken, waar de readymades van de oudere Dada-schepper een enorme indruk op hen beiden maakten.

In 1959 bracht Duchamp een bezoek aan het atelier van Johns, waarmee een directe link werd gelegd tussen de avant-garde van de vorige 20e eeuw en de huidige golf Amerikaanse schilders. Johns' creatieve techniek groeide als gevolg van deze ontmoetingen, toen hij nieuwe technieken in zijn eigen werk integreerde.

Rijpe periode

Ondanks het feit dat hij zijn werk alleen had getoond Groen doel (1955) in een collectieve tentoonstelling in het Joods Museum in 1957, had Johns zijn eerste solotentoonstelling in 1958, toen Rauschenberg hem aanbeval bij de opkomende, prominente galerist Leo Castelli. De solotentoonstelling omvatte Johns' baanbrekende werk Vlag (1955), evenals eerder bekeken stukken uit de voorgaande jaren.

De tentoonstelling in de Castelli Gallery charmeerde sommige bezoekers, zoals kunstenaar Allan Kaprow, maar verbaasde anderen.

Hoewel de oppervlakken van het schilderij de druppelachtige eigenschappen hebben van Willem de Kooning's en de gebaren doeken van Jackson Pollock, het emotionele expressionisme van die werken ontbrak. Ondanks de aanvankelijke twijfels kreeg Johns' solotentoonstelling overweldigend goede kritieken en lanceerde hem in de publieke schijnwerpers. De directeur van The Museum of Moderne Kunst kocht drie werken voor de instelling, wat ongekend was voor een jeugdige, obscure kunstenaar.

Als de Pop Art trend om hem heen bloeide, liet Johns zijn levendige schilderijen met herkenbare bewegingen en motieven varen ten gunste van een donkerder palet. Sommige commentatoren schrijven zijn wending weg van kleuren en naar de zwarten, grijzen en witten die kenmerkend zijn voor veel van zijn schilderijen sinds het begin van de jaren zestig toe aan de tumultueuze beëindiging van zijn partnerschap met Rauschenberg. Ondanks het feit dat ze niet uithun werkplaatsen in New York tot 1961, hun verbinding was al verslechterd in 1959.

Datzelfde jaar opende Rauschenberg een atelier in Florida, en kort daarna opende Johns een atelier op Edisto Island in South Carolina.

Hoewel ze enige tijd alleen in New York doorbrachten, gingen ze geleidelijk uit elkaar. De beëindiging van zo'n belangrijke en invloedrijke band had een groot psychologisch effect op Johns, en hij begroef zich in zijn kunst. Hij verklaarde in 1963 dat hij "de indruk had op een plaats te komen waar geen ruimte was om te blijven." Ondanks deze bedenkingen ging hij door met het verbreden van de reikwijdte en het verwarren vaninterpretaties van zijn schilderijen.

In deze periode maakte hij deel uit van de Merce Cunningham Dance Company, waar hij van 1967 tot 1980 als artistiek directeur fungeerde.

Late periode

Nadat zijn atelier op Edisto Island in 1968 tot de grond toe was afgebrand, verdeelde Johns zijn tijd tussen St. Martin Island en Stony Point, New York; begin jaren zeventig kocht hij faciliteiten op twee locaties. In deze periode nam Johns het thema van de kruisdruk in zijn repertoire op, en deze benadering domineerde zijn productie tot begin jaren tachtig.

Gedurende de jaren 1980 en 1990 kregen de werken van Johns een meer contemplatieve toon naarmate hij meer zelfverwijzend materiaal toevoegde. Hoewel, zoals Johns slim opmerkte, "er is een fase waarin ik beelden uit mijn dagelijks bestaan begon te gebruiken, maar wat je ook gebruikt is uit je dagelijks bestaan", wat impliceert dat zijn werken altijd een autobiografisch aspect hadden.

In de jaren na zijn scheiding van Rauschenberg bleef Johns steeds meer teruggetrokken, gaf hij bijna nooit interviews en bleef hij zeer bescheiden in het openbaar; toch onderhield hij nauwe contacten met een beperkt aantal elites van de kunstwereld. Johns kwam opnieuw in het nieuws in 2013, toen zijn werkplaatshulp James Meyer werd beschuldigd van het stelen van 6,5 miljoen dollar aan schilderijen uit een bestand van onvoltooide werken.die Johns had verboden te verkopen.

Meyer stal 22 stukken uit Johns' atelier in Sharon, Connecticut, en probeerde ze te verkopen via een anonieme galerie in New York, onder het voorwendsel dat het geschenken waren van Johns. Johns maakte geen opmerking over de diefstal, hoewel hij Meyer ontsloeg kort nadat hij de gestolen kunstwerken.

Jasper Johns' kunstwerken

Johns vervaagde de grens tussen beeldende kunst en mainstream cultuur door gebruik te maken van afgedankte materialen, krantenknipsels en zelfs massaproducten. Dit bracht de hedendaagse kunst in de richting van de Amerikaanse consumptiewereld uit het midden van de eeuw, wat in de jaren zestig een stroom Pop-kunstenaars op gang bracht.

Door alledaagse thema's te gebruiken, zoals schietschijven en vlaggen, beoefende Johns zowel abstracte als representatieve kunst.

Doelen en vlaggen zijn beide van nature plat, dus wanneer ze gebruikt worden als onderwerp voor technische schilderkunst, leggen ze de nadruk op de platheid van de ruit. Hij geeft het werk niet dezelfde diepgang als zijn voorvaderen deden.

Hij bootst veeleer de expressieve penseelstreek na, waarbij hij het teken van de kunstenaar slechts beschouwt als een ander teken of instrument dat wordt toegevoegd aan de veelheid van interpretaties binnen zijn werken.

Vlag (1955)

Datum voltooid 1955
Medium Collage en olieverf op multiplex
Afmetingen 107 cm x 154 cm
Locatie Museum voor Moderne Kunst

Met zijn weergave van een bekend alledaags beeld - de Amerikaanse vlag - week Jasper Johns' eerste belangrijke schilderij af van de abstract expressionistische traditie van niet-objectieve kunst. In plaats van olieverf met een penseel op het paneel aan te brengen, creëerde Johns de vlag met een zeer dynamisch oppervlak van in encaustiek gedrenkte krantenversnippers, waardoor stukjes tekst zichtbaar werden.door de was.

Terwijl de vloeibare, gekleurde was stolde, zette het de fragmenten van het krantenpapier in esthetisch te onderscheiden markeringen die deden denken aan het expressieve penseelwerk van veel abstract expressionisme. Johns fascinatie voor semiotiek, of het onderzoek naar symbolen en tekens, kwam tot uitdrukking in de schijnbaar bevroren druppels en bewegingen.

In wezen verwees Johns naar de expressieve penseelstreken van de Action Artists en zette ze om in een metafoor voor artistieke creativiteit in plaats van een directe manier van uitdrukken. Dit experiment was het begin van zijn carrière lang onderzoek naar "waarom en hoe we de werkelijkheid waarnemen zoals we dat doen".

Tot op de dag van vandaag heeft het embleem van de Amerikaanse vlag een overvloed aan implicaties en connotaties die van persoon tot persoon verschillen, waardoor het het ideale onderwerp is voor Johns' eerste reis naar het grafisch onderzoeken van de "dingen die de geest al weet".

Met zijn bedrieglijk banale onderwerpen hakte hij doelbewust de grenzen tussen beeldende kunst en het leven in het algemeen weg.

Vlag Johns schilderde het tijdens de burgerrechtenstrijd. Sommige toeschouwers, zowel toen als nu, kunnen in het kunstwerk patriottische gevoelens of vrijheid lezen, terwijl anderen alleen kolonialisme en tirannie zullen waarnemen. Johns behoorde tot de eerste schilders die toeschouwers confronteerden met de dualiteiten die inherent zijn aan het nationale embleem.

Valse start (1959)

Datum voltooid 1959
Medium Olieverf op doek
Afmetingen 171 cm x 137 cm
Locatie Privé collectie

Jasper Johns gebruikte woorden om de toeschouwers in een gesprek te betrekken met dit schilderij. De woorden "oranje, rood, geel en blauw" zijn op verschillende plaatsen op het doek gestencild tussen de gebaren van kleuren. De verschuiving van het onderwerp van non-verbale indicatoren van doelen en markeringen naar communicatie zelf, duwde Johns dieper in de semiologie en hoe mensen tekens begrijpen en decoderen.en symbolen.

Zoals hij zei: "De kleuren op de doelen en vlaggen zijn gerangschikt in een bepaald patroon. Ik wilde een techniek ontwikkelen om kleur op zo'n manier toe te passen dat de kleur op een andere manier werd gekozen." Johns abstraheerde elke tint en de zinnen die ze beschrijven door zich erop te concentreren en de gebruikelijke connotaties die ermee gepaard gaan te elimineren.

In plaats van elk woord met de hand te schilderen, gebruikte Johns een in de winkel gekocht stencil - een kant-en-klaar procédé om een beeld te creëren zonder de aanraking van de kunstenaar. Terwijl hij werkte, stencilde hij de kleurzinnen boven en onder de talrijke lagen verf.

De meeste woorden werden door Johns omgezet in objecten door ze te schilderen in tinten die geen verband houden met het woord dat ze taalkundig vertegenwoordigen; zo verschijnt "RED" in levendig oranje in het midden van het schilderij over een gebied van geel. De tegenstelling tussen de zinnen en de tinten werd door Johns blootgelegd, waardoor hun rol van identificatie veranderde in een eenvoudige samenvoeging van symbolen klaar voorherbeoordeling.

Johns gebruikte de op gebaren gebaseerde methode om specifieke delen van kleur in het kunstwerk aan te brengen met willekeurige armbewegingen in plaats van een vooraf bestaande plaatsing voor elke specifieke penseelstreek, beïnvloed door John Cage's intrige in de rol van waarschijnlijkheid in het artistieke proces, een methode die hij "penseelmarkering" noemde. Zijn gebruik van penseelmarkering leverde spectaculaire kleurexplosies op, alsofin een pyrotechnische show, die de verontrustend gekleurde zinnen op het schilderij zowel benadrukt als verduistert, waardoor een semiotisch conflict ontstaat.

Door woorden in zijn visuele vocabulaire op te nemen, verruimde Johns zijn communicatie met de kijkers tot de rol van zowel zichtbare als gesproken signalen. Dergelijke onderzoeken zijn duidelijke voorlopers van de analyse van woorden en concepten door de Conceptuele Kunstbeweging van eind jaren zestig.

Geschilderd Brons (1960)

Datum voltooid 1960
Medium Geschilderd Brons
Afmetingen 34 cm x 20 cm
Locatie Museum Ludwig, Keulen

Johns vervaagt de grens tussen ontdekte objecten en creatieve replicatie in deze bronzen sculptuur. Willem de Kooning zou hebben gesnauwd dat galeriehouder Leo Castelli alles kon verkopen, zelfs twee bierblikjes, wat hem aanzette tot het maken van het kunstwerk. Johns nam de uitdaging aan die inherent was aan De Kooning's opmerking, en goot en beschilderde met de hand twee blikjes Ballantine Ale in brons, die Leo Castellidirect verkocht.

Omdat het brons de natuurlijke tint van de bierblikjes weerspiegelt, bereikte Johns een trompe l'oeil indruk; niettemin ondermijnde hij het effect voorzichtig door zijn penseelstreken zichtbaar te laten in de geschilderde etiketten, waardoor een onvolkomenheid ontstond die alleen met zorgvuldige aandacht kon worden waargenomen.

Jasper Johns maakte één blikje met open deksel en plaatste daarop het Ballantine-embleem en het woord Florida. Het andere blikje is verzegeld, zonder etiket en volledig ontoegankelijk. Sommige commentatoren zien de contrasten tussen de blikjes als een metafoor voor de band tussen Johns en Rauschenberg.

Het open blik verbeeldde de uitgaande en beroemde Rauschenberg, die in 1959 veel van zijn tijd in zijn atelier in Florida begon door te brengen, terwijl het verzegelde blik Johns en zijn stille, ondoordringbare publieke gezicht symboliseerde.

Anderen pleiten voor een minder persoonlijke vertelling die simpelweg het gewone leven weergeeft, waarbij de gesloten kan verwijst naar het voorafgaande, naar het potentieel, en de open kan verwijst naar het na-effect, naar de repercussies. Uiteraard heeft Johns nooit zijn voorkeurslezing uitgesproken, wat ruimte laat voor interpretatie. In veel opzichten was Johns' weergave van massaproducten een voorbode van de Pop Art-stijl.

Periscope (1962)

Datum voltooid 1962
Medium Olieverf op doek
Afmetingen 137 cm x 101 cm
Locatie Collectie van de Kunstenaar

In dit werk verwerkte Johns enkele van zijn vroegere patronen en symbolen in een beperkt palet van zwart, grijs en wit. De helft van een cirkel is afgebeeld in de rechterbovenrand van het kunstwerk. In 1959 begon Johns een methode te gebruiken waarbij hij een houten lat op het werk lijmde, meestal een liniaal of een spieraam, om een met een kompas getekende cirkel te vormen. Het ding trok door de verf, waardoor een doelwitHij heeft echter de concentrische ringen van het doelwit verstoord met een afdruk van zijn uitgestoken hand.

De handafdruk wijst erop dat de hand van de kunstenaar is vervangen door een mechanisch instrument. De hand van de kunstenaar is een terugkerende vorm in een reeks werken van Johns uit 1962-1963, waaronder "Periscope", waarin de dichter Hart Crane centraal staat, wiens werk een sterke band had met Johns.

Crane pleegde naar verluidt op 32-jarige leeftijd zelfmoord toen hij terugkeerde uit de tropen door van een boot in de Golf van Mexico te springen. Hij stak zijn hand boven het water uit vlak voordat hij onder de golven verdween.

De handafdruk van Johns kan dus worden gezien als een visueel verband met de zelfmoord van Crane. Hij werd gemaakt kort na het einde van zijn partnerschap met Rauschenberg, en vertegenwoordigt Johns' persoonlijke verdriet in de nasleep van hun breuk. De periscoop in de naam verwijst ook naar het werk van Crane. Cape Hatteras (1929), dat voor Johns op twee niveaus belangrijk was. In 1961 verhuisde hij niet alleen naar een atelier in de buurt van Cape Hatteras, maar het poëtische vers volgt ook de veranderingen in iemands herinneringen met de tijd.

Na hun scheiding associeerde Johns zich waarschijnlijk met het concept van overgang en verlies, dat hij weergaf met de grijpende hand, spiegelende zinnen en opzichtig penseelwerk dat golven imiteerde die rond een drenkeling sloegen. In schril contrast met de koele mechanische uitstraling van de Pop Art, die hij hielp oprichten, vulde Johns zijn vroege jaren zestig schilderijen met complexe gevoelens van verlies enpsychologische strijd.

Volgens wat (1964)

Datum voltooid 1964
Medium Olieverf op doek
Afmetingen 200 cm x 487 cm
Locatie Privé collectie

Dit duizelingwekkend grote kunstwerk maakte Johns door vele doeken aan elkaar te koppelen en verschillende gevonden dingen op de verflaag aan te brengen: een stoel, een afgietsel van ledematen, een ander verlengd doek met een scharnier, metalen letters en een kapstok.

Hij gebruikte methoden uit eerdere werken, zoals "penseelmarkering", gestencilde kleuraanduidingen, een scharnierend deksel dat kan worden verzegeld, en gegoten delen van het lichaam. Hij breidde ook zijn visuele vocabulaire uit door in het midden van het schilderij stukken gezeefdrukte nieuwspagina's over het Kremlin in te voegen.

Terwijl Robert Rauschenberg en Andy Warhol Johns gebruikte zeefdruk om afbeeldingen in schilderijen te reproduceren zonder de hand van de kunstenaar te laten zien, en kleurde koortsachtig in en rond de schermtitels, waarbij hij het concept van de hand van de kunstenaar en de gadgets om mechanische replica's te maken benadrukte.

De vele onderdelen bieden samen lagen van mogelijke interpretaties, zoals in veel van Jasper Johns' kunstwerken. Terwijl veel van de onderdelen lijken te hinten op een verborgen boodschap, herinnert één openlijke toespeling het publiek aan Johns' eerbetoon aan zijn meester, Marcel Duchamp Een onduidelijke afbeelding van Duchamp en zijn monogram "MD" staan op het linkerpaneel.

"Duchamp maakte een stuk dat een gescheurd vierkant was," herinnerde Johns zich. "Ik trok het profiel na, hing het aan een touw en wierp zijn schaduw, waardoor het vervormde en niet langer vierkant was. Ik veranderde Duchamps werk doelbewust om een soort parodie te maken op wiens werk het was".

"According to What" is een voorbeeld van Johns' voortdurende experimenten met creatief eigendom, en zoals gewoonlijk nodigt hij het publiek uit om deel te nemen aan het maken van betekenis door verschillende stukken te tonen zonder een duidelijke kaart van hun relaties.

Lijk en Spiegel II (1974)

Datum voltooid 1974
Medium Olie en zand
Afmetingen 146 cm x 191 cm
Locatie Art Institute of Chicago

In 1972 ontdekte Johns een nieuw thema, de crosshatch, dat hij het volgende decennium zou voortzetten. Kunstenaars gebruiken de crosshatch, een verzameling lijnen, van oudsher om gradaties in schaduw te produceren in tekeningen en prenten; dichter bij elkaar geplaatste lijnen zorgen voor diepere schaduwen, terwijl minder dicht bij elkaar geplaatste lijnen zorgen voor lichtere schaduwen.

In zijn kenmerkende grillige stijl abstraheerde Johns het thema en herhaalde het over het doek in felle tinten om een kloppend, abstract beeld te creëren.

"Ik zag het maar even, maar ik wist meteen dat ik het wilde gebruiken," zei Johns over het zien van het patroon op een passerende auto. Het heeft alle kenmerken die mijn interesse wekken: letterlijkheid, herhaling, een intens aspect, orde met dwaasheid, en het gevaar van een volledige afwezigheid van betekenis."

Hoewel het patroon misschien "dom" en zonder betekenis is, is Johns' titel... Lijk en Spiegel I Ik hints dat er iets meer aan de hand is. Veel mensen geloven dat de titel betrekking heeft op zowel de Surrealistisch activiteit Exquisite Corpse, een samenwerkingsspel gevormd door opeenvolgende creatieve acties, en het iconische en mysterieuze werk van Marcel Duchamp.

Johns' genealogie en esthetische interesses worden voorzichtig gesuggereerd door connecties met het surrealisme en dadaïsme.

Hoewel de lijnen van de schilderijen enigszins schilderachtig zijn, impliceert hun repetitiviteit koelheid of techniek zonder gevoelens, maar de titel, met zijn verwijzingen naar de dood en de waarneming, impliceert iets grimmigers en intellectueels, waardoor een spanning ontstaat tussen structuur en onderwerp die Johns voortdurend uitbuit.

Bovenleiding (1999)

Datum voltooid 1999
Medium Encaustiek op canvas
Afmetingen 64 cm x 85 cm
Locatie Collectie van de Kunstenaar

Na een nieuwe retrospectieve in het midden van de jaren negentig begon Johns aan een serie waarin hij catenaries bestudeerde - krommingen die worden gegenereerd door een lengte draad of ketting die losjes aan twee vaste locaties slingert. In Catenary wordt een huishouddraad opgehangen tussen twee uitkragende stukken hout aan weerszijden van het doek. Op de rijke donkergrijze ondergrond worden schaduwen geproduceerd door zowel de draad als de houtstroken.

Door over te schakelen op encaustiek behoudt Johns' monochrome oppervlak de expressieve streken van de distributie, waardoor een dik palimpsest van sporen ontstaat dat provocerend en ondoorzichtig is.

Het elementaire gebogen ontwerp doet denken aan bruggen en de verbindingen die ze geven, maar het roept ook natuurlijke vormen op, zoals de dips en krommingen van het menselijk lichaam. Sommige commentatoren hebben de reactie van het touw op de zwaartekracht gezien als een metafoor voor de evolutie van iemands leven, of de onderlinge verbindingen en beperkingen die horen bij het ouder worden. Afgezien van het houten speelgoed,

Jakobs ladder verwijst naar het bijbelse verhaal waarin Jakob droomde van een ladder die hemel en aarde met elkaar verbond. Allusies zijn er in overvloed in het kunstwerk, zoals kenmerkend is voor het werk van Johns, maar ze draaien allemaal om concepten van verbondenheid. De schilder stencilde een reeks letters zonder tussenruimte onderaan het schilderij, in hetzelfde grijs als de achtergrond, en men kan de naam bedenkenen het jaar van het kunstwerk, maar alleen met moeite.

In deze delicate, maar leuke compositorische beslissing, keert Johns terug naar kwesties die hem al decennia bezighouden: de complexiteit van betekenis en interpretatie, het door elkaar halen van figuren en grond, abstract en afbeelding, en de intentie om de toeschouwer meer te laten deelnemen dan passief staren.

Erfenis van Jasper Johns

Als lid van de Neo-Dada-beweging overschreed Johns eind jaren vijftig de stijlkloof tussen Pop Art en Abstract Expressionisme en bleef hij zijn onderwerpen, materialen en technieken tot op de dag van vandaag verbreden.

Popschilders als James Rosenquist en Andy Warhol profiteerden van Johns baanbrekende overstap naar de cultuur, waarbij alledaagse voorwerpen en massaproducten werden gepresenteerd als geschikte onderwerpen voor hoge kunst.

Johns legde de basis voor Conceptuele kunst in de jaren zestig met zijn onderzoek naar de veranderende betekenissen van afbeeldingen en symboliek. Johns' groeiende creatieve werk hielp trends en organisaties als Body Art, en Performance Art Terwijl popschilders onmiddellijk Johns' beeld van de buitenwereld absorbeerden, is de bricolagestijl van het postmodernisme erfgenaam van zijn zorg voor toe-eigening, meervoudige interpretaties en semiotisch spel.

Zie ook: De Fibonacci-reeks in de kunst - De Fibonacci-theorie gebruiken in de kunst

Johns en zijn Neo-Dada-collega's tenslotte veranderden de Amerikaanse avant-garde en voorspelden het experiment en de betrokkenheid van het publiek die de kunst in de tweede helft van de 20e eeuw zouden gaan bepalen.

Aanbevolen lectuur

Vond je het leuk om te leren over de schilderijen van de abstract expressionistische schilder Jasper Johns? Misschien wil je nog meer leren over de biografie en de kunst van Jasper Johns? Bekijk dan gewoon onze lijst met aanbevolen boeken!

Jasper Johns: Geest/spiegel (2021) door Carlos Basualdo

Jasper Johns wordt vaak beschouwd als de belangrijkste levende kunstenaar. In de afgelopen 65 jaar heeft hij een gedurfd en divers oeuvre gecreëerd dat zich onderscheidt door voortdurende heruitvinding. Dit boek, geïnspireerd door de langdurige preoccupatie van de kunstenaar met spiegeling en dubbelgangers, biedt een frisse en fascinerende kijk op Johns' werk en de voortdurende betekenis ervan. Een brede verzameling curatoren,Wetenschappers, kunstenaars en schrijvers geven een reeks essays - waarvan vele gepaarde teksten - die kenmerken van het werk van de kunstenaar onderzoeken, zoals herhalende motieven, onderzoek naar plaats en het gebruik van verschillende media in zijn hybride minimalistische kunst.

Jasper Johns: Geest/spiegel
  • Een retrospectieve blik op het werk van een iconische Amerikaanse kunstenaar
  • Rijk geïllustreerd volume met zelden gepubliceerde werken
  • Inclusief nooit eerder gepubliceerde archiefinhoud.
Bekijk op Amazon

Jasper Johns (2017) door Jasper Johns

Dit prachtig vormgegeven boek verzamelt Johns' doeken, sculpturen, prenten en schetsen. Het richt zich op verschillende periodes van Johns' carrière en bespreekt de internationale relevantie van zijn werk, van zijn vooruitgang in de beeldhouwkunst tot zijn gebruik van collage in schilderijen. Deze bloemlezing, met commentaar van een verscheidenheid aan geleerden, belooft de breedte en diepte van Johns' productie, diebeslaat meer dan een halve eeuw.

Jasper Johns
  • Brengt Johns' schilderijen, beeldhouwwerken, prenten en tekeningen samen.
  • Geeft aandacht aan verschillende hoofdstukken van Johns' carrière
  • onderzoekt de internationale betekenis van zijn werk
Bekijk op Amazon

De abstracte schilderijen van de expressionistische schilder Jasper Johns zijn humoristische, provocerende werken die vragen stellen over hoe we de wereld om ons heen waarnemen en begrijpen. Jasper Johns' kunstwerken vermeden kunst die los stond van het dagelijks leven door eenvoudige indicatoren, zoals schietschijven en vlaggen, tot het middelpunt van zijn Minimalistische kunst te maken. Vanaf de jaren 1950 tot heden hebben de schilderijen van Jasper Johns invloed gehad opbijna elke creatieve trend.

Vaak gestelde vragen

Wie was Jasper Johns?

Jasper Johns wordt algemeen beschouwd als een van de belangrijkste schilders van de 20e eeuw, en hij is van vitaal belang gebleven voor de Amerikaanse kunst. Johns heeft, samen met zijn toenmalige partner Robert Rauschenberg, bijgedragen tot de instelling van een definitieve nieuwe richting in de kunstwereld, die destijds Neo-Dada werd genoemd. Johns' opmerkelijke gebruik van gewone iconografie, zoals hij het uitdrukte, dingen die de geest al kent(vlaggen, cijfers, kaarten), maakte het vertrouwde ongewoon en had een enorme invloed in de kunstwereld en werd een toetssteen voor Pop, minimalistische en conceptuele kunst.

Wat voor soort kunst maakte Jasper Johns?

In het midden van de jaren vijftig beleefde Jasper Johns zijn grote doorbraak als schilder toen hij beroemde, populaire motieven in zijn schilderijen begon te integreren, een explosieve zet in een tijd dat men dacht dat de progressieve schilderkunst uitsluitend abstract was. De weelderige, schilderachtige oppervlakken van Johns' schilderijen uit het midden van de eeuw lijken op die van het abstract expressionisme, maar Johns bereikte ze met behulp van bewerkelijke, arbeidsintensieve procedures...Gedurende zijn 60-jarige carrière heeft Johns geëxperimenteerd met verschillende media en technieken, waardoor hij de interactie tussen materialen, betekenis en representatie in de kunst kon onderzoeken.

John Williams

John Williams is een ervaren kunstenaar, schrijver en kunstpedagoog. Hij behaalde zijn Bachelor of Fine Arts-graad aan het Pratt Institute in New York City en vervolgde later zijn Master of Fine Arts-graad aan de Yale University. Al meer dan tien jaar geeft hij kunstles aan studenten van alle leeftijden in verschillende onderwijsinstellingen. Williams heeft zijn kunstwerken tentoongesteld in galerieën in de Verenigde Staten en heeft verschillende prijzen en beurzen ontvangen voor zijn creatieve werk. Naast zijn artistieke bezigheden schrijft Williams ook over kunstgerelateerde onderwerpen en geeft hij workshops over kunstgeschiedenis en kunsttheorie. Hij is gepassioneerd om anderen aan te moedigen zich uit te drukken door middel van kunst en gelooft dat iedereen het vermogen tot creativiteit heeft.