ຜົນງານສິລະປະຂອງ W assily Kandinsky ແມ່ນໜຶ່ງໃນກຸ່ມທີ່ມີອິດທິພົນທີ່ສຸດຂອງປະເພດສິລະປະທີ່ບໍ່ມີຕົວຕົນ. ສິນລະປະທີ່ບໍ່ມີຕົວຕົນຂອງ Kandinsky ສະທ້ອນເຖິງຄວາມເຊື່ອທີ່ວ່າ "ສິ່ງທີ່ເປັນອັນຕະລາຍຕໍ່ຮູບພາບ", ດັ່ງນັ້ນລາວໄດ້ທົດລອງຮູບຮ່າງແລະສີສັນເພື່ອດຶງດູດຄວາມລຶກລັບແລະຄວາມຮູ້ສຶກຂອງມະນຸດ. ຮູບແຕ້ມຂອງ Kandinsky ສື່ສານຄຳສັບທີ່ເປັນເອກະລັກຂອງເຂົາເຈົ້າທີ່ລື່ນກາຍຄວາມເປັນຈິງທາງດ້ານວັດຖຸເພື່ອພັນລະນາເຖິງສະພາບຂອງມະນຸດ. ຮູບແຕ້ມຮູບຂອງ Wassily Kandinsky ແລະຮູບແຕ້ມຮູບວົງມົນທີ່ມີຊື່ສຽງໄດ້ເຮັດໃຫ້ລາວກາຍເປັນຕົວລະຄອນທີ່ໂດດເດັ່ນທີ່ສຸດຂອງສິລະປະສະໄໝໃໝ່.

ບົດແນະນຳກ່ຽວກັບວຽກງານສິລະປະ ແລະຊີວິດຂອງ Wassily Kandinsky

Wassily Kandinsky , ຜູ້ບຸກເບີກຂອງສິນລະປະຮ່ວມສະໄຫມທີ່ບໍ່ມີຕົວຕົນ, ໄດ້ນໍາໃຊ້ການພົວພັນລະຫວ່າງສີແລະຮູບຮ່າງເພື່ອສ້າງຄວາມຮູ້ສຶກທີ່ສວຍງາມທີ່ດຶງດູດສາຍຕາ, ການໄດ້ຍິນ, ແລະຄວາມຮູ້ສຶກຂອງປະຊາຊົນ. ລາວຄິດວ່າການບໍ່ມີຕົວຕົນຢ່າງແທ້ຈິງອະນຸຍາດໃຫ້ມີຄວາມຫມາຍ, ຊັດເຈນ, ແລະການຮຽນແບບຈາກສະພາບແວດລ້ອມພຽງແຕ່ຂັດຂວາງວິທີການນີ້. ລາວໄດ້ປະດິດສ້າງຮູບພາບພາສາສັນຊາດທີ່ເຊື່ອມໂຍງພຽງແຕ່ຜິວໜັງກັບໂລກພາຍນອກແຕ່ໄດ້ຖ່າຍທອດຫຼາຍກ່ຽວກັບໂລກພາຍໃນຂອງຈິດຕະນາການ. ລາວໄດ້ຮັບການກະຕຸ້ນຢ່າງສູງໃນການຜະລິດຜົນງານທີ່ຖ່າຍທອດຄວາມຮູ້ສຶກທີ່ເປັນນໍ້າໜຶ່ງໃຈດຽວກັນ.

ພາສາທາງສາຍຕາຂອງ Kandinsky ພັດທະນາຜ່ານສາມຂັ້ນຕອນ, ເລີ່ມຕົ້ນດ້ວຍຮູບແຕ້ມອັນແທ້ຈິງຂອງລາວໃນຕອນຕົ້ນ ແລະ ຄວາມໝາຍຂອງສະຫວັນ, ກ້າວໄປສູ່ຄວາມມ່ວນຊື່ນ ແລະຕື່ນເຕັ້ນຂອງລາວ. ການສ້າງ, ແລະສຸດທ້າຍກັບທ້າຍຂອງລາວ,

ຮູບປະກອບມາຈາກຫຼາຍຮູບແບບເລຂາຄະນິດ, ສີ, ຊື່ ແລະ ເສັ້ນໂຄ້ງທີ່ວາງໄວ້ເທິງພື້ນຫຼັງສີຄີມທີ່ຜະສົມເປັນ ສີຟ້າ pastel ຢູ່ຈຸດຕ່າງໆ. ການຈ້າງງານຂອງວົງ, ສີ່ຫຼ່ຽມມົນ, ຮູບສີ່ຫລ່ຽມ, arcs, pyramids ແລະຮູບແບບເລຂາຄະນິດອື່ນໆໃນວຽກງານສະທ້ອນໃຫ້ເຫັນຄວາມເຊື່ອຫມັ້ນຂອງຈິດຕະນາການໃນລັກສະນະ metaphysical ຂອງຮູບແບບເລຂາຄະນິດ, ໃນຂະນະທີ່ສີໃນງານວາງສະແດງໄດ້ຖືກເລືອກສໍາລັບຜົນກະທົບທາງຈິດໃຈຂອງເຂົາເຈົ້າ.

ບົດປະພັນ VIII (1923) ໂດຍ Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, ສາທາລະນະ, ຜ່ານ Wikimedia Commons

Kandinsky ໄດ້ຍ້າຍຖິ່ນຖານຈາກສະຫະພາບໂຊວຽດມາສູ່ສາທາລະນະລັດ Weimar ໃນຕອນທີ່ຮູບໄດ້ຖືກສ້າງຂື້ນ, ໄລຍະເວລາທີ່ເອີ້ນວ່າ Bauhaus period. , ເນື່ອງຈາກການເພີ່ມຂຶ້ນຂໍ້ຈໍາກັດກ່ຽວກັບການສະແດງອອກທີ່ສ້າງສັນພາຍໃຕ້ລະບົບຂອງລັດຖະບານ Marxist-Leninist. ປີຜ່ານໄປໃນອາຍຸເກົ່າຈັກກະພັດລັດເຊຍແລະລັດທີ່ປະສົບຜົນສໍາເລັດ, ສ່ວນຫຼາຍແມ່ນໃຊ້ເວລາໃນການປັບປຸງຫໍພິພິທະພັນແລະສະຫນັບສະຫນູນທັດສະນະທີ່ສ້າງສັນຂອງລາວ, ບໍ່ໄດ້ເກີດຜົນໃນການສ້າງສັນສິລະປະ, ແຕ່ນັກຈິດຕະກອນຈະອອກຈາກໄລຍະນີ້ຂອງຊີວິດຂອງລາວຄືນໃຫມ່ແລະພ້ອມທີ່ຈະຜະລິດຄືນໃຫມ່.

ຊຸມປີ 1920 ເຢຍລະມັນ, ເຊິ່ງຮູບແຕ້ມນີ້ໄດ້ຖືກຜະລິດ, ເປັນໄລຍະເວລາທີ່ກ້າວຫນ້າທີ່ສຸດແລະສະຖານທີ່ໃນເອີຣົບ, ໄດ້ຫັນປ່ຽນຈາກຊັ້ນສູງໄປສູ່ປະຊາທິປະໄຕທີ່ແທ້ຈິງ, ແລະສະເຫນີບັນຍາກາດທີ່ມີສຸຂະພາບດີສໍາລັບການເຄື່ອນໄຫວ avant-garde. ສິ່ງນັ້ນໄດ້ກະຕຸ້ນ Kandinsky ໃນໄລຍະຕົ້ນປີຂອງລາວ.

ຮູບ​ນີ້​ແມ່ນ​ໄດ້​ວາງ​ສະ​ແດງ​ຢູ່​ໃນ​ພິ​ພິ​ທະ​ພັນ Guggenheim ໃນ​ນິວ​ຢອກ.

On White II (1923)

Kandinsky ໄດ້ນຳໃຊ້ຮູບແບບເລຂາຄະນິດທີ່ຫຼາກຫຼາຍ ແລະ ເສັ້ນສາຍໃນການນຳສະເໜີທີ່ທັນສະໄໝທີ່ມີສີສັນ ແລະ ວຸ້ນວາຍ, ເປັນແຮງບັນດານໃຈໃຫ້ນັກແຕ້ມຫຼາຍຄົນເຮັດຕາມ. ລາວ. ໃນສີຂາວ II ອາດຈະເຫັນຢູ່ໃນສູນ Georges Pompidou ໃນປາຣີ, ປະເທດຝຣັ່ງ. ສີຂາວຄອບງໍາຮູບນີ້, ລວມທັງພື້ນຫລັງ, ດັ່ງທີ່ຫົວຂໍ້ເວົ້າ. ສີຂາວຖືກໃຊ້ໂດຍ Kandinsky ເພື່ອສະແດງເຖິງຊີວິດ, ຄວາມສະຫງົບ, ແລະຄວາມງຽບສະຫງົບ.

ຄວາມກະຕືລືລົ້ນຂອງຈິດຕະນາການສໍາລັບການໄຫຼອອກໂດຍບໍ່ເສຍຄ່າຂອງຄວາມຮູ້ສຶກພາຍໃນແມ່ນສະທ້ອນໃຫ້ເຫັນຢູ່ໃນການອອກແບບເລຂາຄະນິດສ່ວນໃຫຍ່, ເຊິ່ງສະແດງຢູ່ໃນຫຼາຍສີ.

On White II (1923) ໂດຍ Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, ສາທາລະນະ, ຜ່ານ Wikimedia Commons

ກ້ານແຂງ, ໜາ, ໜາໃນສີດຳ ເຈາະຊ່ອງຫວ່າງຂອງຮູບແບບ ແລະສີສັນ, ແນະນຳການບໍ່ມີຢູ່ ແລະ ການຕາຍ. ຄວາມສະຫຼັບຊັບຊ້ອນຂອງການຈັດດົນຕີສາມາດຖືກປຽບທຽບກັບການສະແດງຮູບແບບ ແລະສີສັນທີ່ສັບສົນ ແລະບາງທີອາດເຮັດໃຫ້ປະທັບໃຈ. Kandinsky, ຫນຶ່ງໃນຜູ້ບຸກເບີກຂອງຮູບແຕ້ມແບບບໍ່ມີຕົວຕົນ, ປະຈຸບັນ, ໄດ້ໃຊ້ຄວາມກ່ຽວຂ້ອງກັນລະຫວ່າງສີ, ຮູບແບບ, ແລະຮູບຮ່າງເພື່ອກະຕຸ້ນສະຕິປັນຍາຂອງຜູ້ຊົມແລະເປີດປະຕູສູ່ການສະແດງອອກທາງວິນຍານທີ່ເລິກເຊິ່ງ.

ສິລະປະ, ອີງຕາມການ Kandinsky, ເປັນວິທີການສື່ສານຄວາມຮູ້ສຶກອັນເລິກເຊິ່ງຂອງຈິດວິນຍານ ແລະຄວາມຮູ້ສຶກຂອງມະນຸດຜ່ານການໃຊ້ຮູບຮ່າງທີ່ບໍ່ມີຕົວຕົນສູງທີ່ຂ້າມຂອບເຂດແບບດັ້ງເດີມທັງໝົດ.

Circles in a Circle (1923)

Synesthesia ໄດ້ຖືກຄິດວ່າພັດທະນາຢູ່ໃນ Kandinsky. ນີ້ສະແດງໃຫ້ເຫັນຕົວຂອງມັນເອງສໍາລັບລາວໂດຍຜ່ານການປະສົມປະສານຂອງການເບິ່ງເຫັນແລະການໄດ້ຍິນ. ລາວຍັງຖືກພິຈາລະນາວ່າເປັນຜູ້ທີ່ມີປັນຍາແລະນັກແຕ້ມຮູບທີ່ເລິກເຊິ່ງ, ໂດຍການເຮັດວຽກຂອງລາວມັກຈະຄົ້ນຫາຄວາມສົມດຸນຂອງ cosmos.ແລະແນວຄິດຂອງຈິດວິນຍານ.

ເຖິງວ່າຈະມີຄວາມຈິງທີ່ວ່າ Kandinsky ໄດ້ແຕ້ມຮູບວົງມົນທີ່ບໍ່ມີຕົວຕົນຈໍານວນຫລາຍ, ລາວໄດ້ໃຊ້ຮູບແບບຂອງສາມຫຼ່ຽມເພື່ອສະແດງເຖິງຄວາມສະຫວ່າງແລະການສະເດັດຂຶ້ນຂອງມະນຸດ.

Circles in a Circle (1923) ໂດຍ Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, ສາທາລະນະ, ຜ່ານ Wikimedia Commons

ສີສັນ ແລະຮູບແບບຂອງ ວົງມົນໃນວົງມົນ ສ້າງຄວາມປະທັບໃຈທີ່ບໍ່ສະບາຍໃຈ. ອົງປະກອບພາຍໃນປາກົດວ່າມີຊີວິດຊີວາຫຼືລອຍຢູ່ເທິງສຸດຂອງສະນຸກເກີທີ່ລຶກລັບ, ເພາະວ່າພວກມັນຖືກລ້ອມຮອບດ້ວຍວົງແຫວນດ້ານນອກສີດໍາຫນາ. ສິລະປະມີອົງປະກອບທໍາມະຊາດ – ບາງສິ່ງບາງຢ່າງເຊັ່ນ: ດາວຫຼືແສງຕາເວັນ – ແຕ່ຍັງມີຄວາມເຂັ້ມຂົ້ນຂອງສາຍຕາທີ່ມາຈາກປະສົບການຂອງລາວທີ່ບັນຍາຍຢູ່ທີ່ Bauhaus ຈາກ 1922 ຫາ 1933.

ຄົນອື່ນໆໄດ້ກວດເບິ່ງການຈັດລຽງທີ່ຊັບຊ້ອນນີ້ຈາກການປຽບທຽບ ຈຸດຢືນ, ເຈາະເລິກການຕີຄວາມໝາຍຂອງສີ ແລະຈຳນວນວົງມົນ ແລະເສັ້ນທີ່ຊັດເຈນ.

ຫຼາຍວົງ (1926)

Kandinsky ໄດ້ສ້າງຮູບແຕ້ມຮູບວົງມົນທີ່ບໍ່ມີຕົວຕົນນີ້ໃນອາຍຸຫົກສິບປີຂອງລາວ, ແລະມັນສະແດງໃຫ້ເຫັນເຖິງການສະແຫວງຫາຢ່າງຕໍ່ເນື່ອງຂອງລາວສໍາລັບການສະແດງອອກທີ່ດີທີ່ສຸດຂອງການສະແດງຄວາມຮູ້ສຶກໃນສິລະປະ. ວົງ​ການ​ທີ່​ມີ​ຊື່​ສຽງ​ນີ້​ສິລະປະ, ຜະລິດເປັນສ່ວນຫນຶ່ງຂອງການຂຸດຄົ້ນຂອງລາວດ້ວຍວິທີການແຕ້ມຮູບເສັ້ນ, ສະແດງໃຫ້ເຫັນຄວາມປະທັບໃຈຂອງລາວທີ່ມີຮູບຮ່າງຂອງວົງກົມ. ມັນປະສົມວົງກົມ ແລະ erratic ໃນຮູບຮ່າງດຽວທີ່ສົມດູນ. ມັນຈະແຈ້ງທີ່ສຸດໃນສາມຮູບຊົງໃຫຍ່ເພື່ອຊີ້ບອກເຖິງມິຕິທີສີ່.”

ຫຼາຍວົງ (1926) ໂດຍ Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, ສາທາລະນະ, ຜ່ານ Wikimedia Commons

ໃນສ່ວນນີ້, ລາວໄດ້ສຸມໃສ່ໂອກາດການຕີຄວາມຫຼາກຫຼາຍຂອງວົງການເພື່ອສ້າງຄວາມຮູ້ສຶກສົມດຸນທາງຈິດໃຈ ແລະທາງວິນຍານ. ແຕ່ລະວົງມົນທີ່ຫຼາກຫຼາຍຂະໜາດ ແລະສີສັນສົດໃສປາກົດຂຶ້ນຈາກຮູບແຕ້ມ ແລະຖືກຄວບຄຸມໂດຍຄວາມແຕກແຍກຂອງຂະໜາດ ແລະສີຂອງ Kandinsky.

ການເຄື່ອນໄຫວຂອງນ້ຳຂອງຮູບຊົງເປັນວົງມົນສະທ້ອນເຖິງຄວາມຮວມກັນຂອງພວກມັນ - ຈາກດາວເຄາະໃນກາລັກຊີໄປຫາຢອດດາວ. ຂອງນ້ໍາຕົກ; ວົງມົນເປັນຮູບຮ່າງທີ່ຈຳເປັນຕໍ່ການມີຢູ່. 2> 1939 ປານກາງ ນ້ຳມັນເທິງຜ້າໃບ ຂະໜາດ 130 cm x 195 cm ສະຖານທີ່ປັດຈຸບັນ Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf

Kandinsky ເຊື່ອ​ວ່າ​ນັກ​ສິ​ລະ​ປິນ​ທີ່​ແທ້​ຈິງ​ທີ່​ສ້າງ​ສິນ​ລະ​ປະ​ອອກ​ຈາກ "ຄວາມ​ຈໍາ​ເປັນ​ພາຍ​ໃນ" ອາ​ໃສ​ຢູ່​ເທິງ​ຂອງ pyramid ສູງ​ຊັນ​ຂຶ້ນ. pyramid ຂຶ້ນ​ມາ​ນີ້​ກໍາລັງສືບສວນແລະກ້າວໄປຂ້າງຫນ້າ. ສິ່ງທີ່ແປກປະຫລາດຫຼືຄິດບໍ່ອອກໃນມື້ວານນີ້ແມ່ນເປັນເລື່ອງທໍາມະດາ; ສິ່ງທີ່ເປັນ avant-garde ໃນປັດຈຸບັນ (ແລະພຽງແຕ່ເຂົ້າໃຈໄດ້ໂດຍຈໍານວນຫນ້ອຍທີ່ເລືອກ) ຈະເປັນຂໍ້ມູນທົ່ວໄປໃນມື້ຫນຶ່ງ. ນັກຈິດຕະກອນສະໄໝໃໝ່ຢືນຢູ່ໂດດດ່ຽວຢູ່ເທິງສຸດຂອງປິຣາມິດ, ຄົ້ນພົບຄວາມກ້າວໜ້າໃໝ່ໆ ແລະ ນຳມາສູ່ຄວາມເປັນຈິງຂອງອະນາຄົດ.

Kandinsky ໄດ້ຮັບຮູ້ເຖິງຄວາມກ້າວໜ້າທາງເທັກໂນໂລຢີໃນປະຈຸບັນ ພ້ອມກັບຄວາມກ້າວໜ້າຂອງນັກສິລະປິນຍຸກສະໄໝທີ່ມີ ເພີ່ມໃສ່ວິທີການໃໝ່ໆທີ່ເລິກເຊິ່ງໃນການເບິ່ງ ແລະການຮຽນຮູ້ກ່ຽວກັບໂລກ.

ອົງປະກອບ X ແລະຜົນງານຕໍ່ໄປແມ່ນເນັ້ນໃສ່ການສ້າງຄວາມສໍາພັນທາງວິນຍານໃນທັງຜູ້ສັງເກດການ ແລະຜູ້ສ້າງ. Kandinsky, ເຊັ່ນດຽວກັບຮູບພາບຂອງ Armageddon ໂດຍນ້ໍານີ້ ( ອົງປະກອບ X ), ເຮັດໃຫ້ຜູ້ສັງເກດການໃນທັດສະນະຂອງການປະເຊີນກັບເລື່ອງເລົ່າທີ່ຍິ່ງໃຫຍ່ເຫຼົ່ານີ້ໂດຍການຕີຄວາມຫມາຍໃຫ້ເຂົາເຈົ້າເຂົ້າໄປໃນຄໍາສັບທີ່ທັນສະໄຫມດ້ວຍຄວາມຮູ້ສຶກຂອງຄວາມເຈັບປວດ, ວຸ້ນວາຍ, ສັບສົນ, ແລະຄວາມຮີບດ່ວນ. .

ອົງປະກອບ X (1939) ໂດຍ Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, ສາທາລະນະ, ຜ່ານ Wikimedia Commons

ພາຍໃນຂອບເຂດຂອງ ຄໍາສັບຕ່າງໆແລະສາຍຕາ, ການເຊື່ອມຕໍ່ທາງວິນຍານຂອງນັກສັງເກດການ, ວຽກງານສິລະປະ, ແລະສາດສະດາອາດຈະຖືກກ່າວເຖິງ. Kandinsky ມັກຈະປຽບທຽບການແຕ້ມສີ ແລະຮູບພາບເທິງຜ້າໃບກັບການຈັດດົນຕີທີ່ປະເສີດ, ແລະດ້ວຍເຫດນີ້, ຜົນງານຂອງລາວຫຼາຍອັນຈຶ່ງຖືກຕັ້ງຊື່ເປັນຕົວແປຂອງ ການປະພັນ X .

ການປຽບທຽບຂອງສິລະປະຂອງລາວ. ເປັນຊິ້ນສ່ວນຂອງດົນຕີທີ່ຕັ້ງຢູ່ໃຈກາງຂອງແປ້ນພິມ, ດ້ວຍຕາເປັນຕົວແທນຂອງໄມ້ຄ້ອນ, ສີທີ່ເປັນຕົວແທນຂອງກະແຈ, ແລະຈິດວິນຍານເປັນຕົວແທນຂອງເຄື່ອງດົນຕີແລະສາຍ. ການປະພັນຂອງ Kandinsky, ຄືກັບດົນຕີ, ບໍ່ແມ່ນພຽງແຕ່ສຽງທີ່ສັບສົນ. ເຂົາເຈົ້າໄດ້ຖືກວາງໄວ້ໂດຍເຈດຕະນາໃນພາກສ່ວນດົນຕີທີ່ໄດ້ຖືກປັບທຽບຢ່າງແທ້ຈິງເພື່ອດຶງເອົາປະຕິກິລິຍາທາງດ້ານຄວາມງາມ ແລະທາງດ້ານຈິດໃຈອັນຍິ່ງໃຫຍ່ທີ່ສຸດຈາກຜູ້ຊົມ.

ຮູບແຕ້ມຂອງ Wassily Kandinsky ແມ່ນໜຶ່ງໃນບັນດາສິ່ງສຳຄັນທີ່ສຸດໃນຂະແໜງສິລະປະທີ່ບໍ່ມີຕົວຕົນ. ສິລະປະທີ່ບໍ່ມີຕົວຕົນຂອງ Kandinsky ສະທ້ອນໃຫ້ເຫັນຄວາມຄິດຂອງລາວທີ່ວ່າ "ວັດຖຸເຮັດໃຫ້ຮູບພາບເຈັບປວດ", ດັ່ງນັ້ນລາວໄດ້ທົດລອງຮູບແບບແລະສີສັນເພື່ອກະຕຸ້ນຄວາມລຶກລັບແລະຄວາມຮູ້ສຶກຂອງມະນຸດ. ຮູບແຕ້ມຂອງ Kandinsky ຖ່າຍທອດບົດບັນທຶກທາງດ້ານສາຍຕາຂອງຕົນເອງ, ເຊິ່ງໄດ້ຜ່ານຄວາມເປັນຈິງທາງດ້ານວັດຖຸເພື່ອສະແດງເຖິງຄວາມຫຍຸ້ງຍາກຂອງມະນຸດ. ຮູບແຕ້ມຮູບຄົນ ແລະຮູບແຕ້ມຮູບວົງມົນຂອງ Wassily Kandinsky ໄດ້ສ້າງໃຫ້ລາວເປັນໜຶ່ງໃນຮູບແຕ້ມທີ່ມີຄວາມສຳຄັນທີ່ສຸດຂອງສິລະປະສະໄໝໃໝ່.

ຄຳຖາມທີ່ມັກຖາມເລື້ອຍໆ

Wassily Kandinsky ຮູ້ຈັກຫຍັງ?

ໃນຕົ້ນສະຕະວັດທີ 20, Wassily Kandinsky ໄດ້ປະຕິວັດສິລະປະທີ່ບໍ່ມີຕົວຕົນ. ລາວໄດ້ຮັກສາວ່າຮູບຮ່າງເລຂາຄະນິດ, ເສັ້ນໂຄ້ງ, ແລະສີຕ່າງໆອາດຈະສະແດງເຖິງການມີຢູ່ພາຍໃນຂອງຈິດຕະນາການ. ວິທີການນີ້ແມ່ນເຫັນໄດ້ຊັດເຈນໃນວຽກງານລະຄອນຂອງລາວ, ເຊິ່ງມັກຈະໄດ້ຮັບອິດທິພົນຈາກດົນຕີ. ຜົນງານຂອງ Kandinsky ຕອນນີ້ໄດ້ເງິນຫຼາຍສິບລ້ານໂດລາໃນການປະມູນ ແລະຖືກບັນຈຸຢູ່ໃນຫໍພິພິທະພັນຫຼາຍແຫ່ງທົ່ວໂລກ.

ສິນລະປະທີ່ບໍ່ມີຕົວຕົນແມ່ນຫຍັງ?

ສິລະປະແບບບໍ່ມີຕົວຕົນໃຊ້ຄຳສັບທາງ optical ຂອງຮູບແບບ, ຮູບຮ່າງ, ສີເທົາ, ແລະຮູບຊົງເພື່ອຜະລິດສິ່ງປະດິດທີ່ສາມາດມີຢູ່ໄດ້ຢ່າງເປັນອິດສະຫຼະຈາກຕົວຊີ້ບອກພາບໃນສະພາບແວດລ້ອມ. ຈາກ Renaissance ຜ່ານສະຕະວັດທີ 19, ສິລະປະຕາເວັນຕົກແມ່ນອີງໃສ່ຫຼັກການຂອງທັດສະນະແລະຄວາມພະຍາຍາມທີ່ຈະເຮັດຊ້ໍາຄວາມປະທັບໃຈຂອງຄວາມເປັນຈິງທີ່ປາກົດຂື້ນ. ໃນສະຕະວັດທີ 19, ນັກແຕ້ມຫຼາຍຄົນຮູ້ສຶກວ່າຖືກບັງຄັບໃຫ້ຜະລິດ ປະເພດສິລະປະ ໃໝ່ ທີ່ຈະສະທ້ອນເຖິງການປ່ຽນແປງອັນເລິກເຊິ່ງທີ່ເກີດຂຶ້ນໃນອຸດສາຫະກໍາ, ຟີຊິກ ແລະຄວາມຄິດ.

ຮູບຄົນຂອງ Wassily Kandinsky; 未知上傳者, ສາທາລະນະ, ຜ່ານ Wikimedia Commons

ຮູບແຕ້ມ ແລະຄວາມເຊື່ອຂອງ Kandinsky ໄດ້ມີອິດທິພົນຫຼາຍສິບປີຂອງນັກແຕ້ມ, ຈາກນັກຮຽນ Bauhaus ຂອງລາວໂດຍຜ່ານ ນັກສະແດງບົດຄັດຫຍໍ້ ພາຍຫຼັງສົງຄາມໂລກຄັ້ງທີ II. ຮູບແຕ້ມຂອງ Kandinsky ແມ່ນ, ເໜືອສິ່ງອື່ນໃດ, ມີຈິດວິນຍານຢ່າງມະຫາສານ. ລາວມີຈຸດປະສົງເພື່ອສື່ສານຄວາມລຶກລັບແລະຄວາມເລິກຊຶ້ງຂອງຄວາມຮູ້ສຶກຂອງມະນຸດຜ່ານສື່ທາງສາຍຕາທົ່ວໂລກຂອງຮູບຮ່າງເລຂາຄະນິດແລະສີທີ່ຂ້າມຊາຍແດນທາງວັດທະນະທໍາສັງຄົມ.

ສິລະປະທີ່ບໍ່ມີຕົວຕົນຂອງ Kandinsky ໄດ້ຖືກເຫັນວ່າເປັນວິທີການສາຍຕາທີ່ດີທີ່ສຸດສໍາລັບການສະແດງອອກຂອງຜູ້ສ້າງ. “ຄວາມຈຳເປັນພາຍໃນ” ແລະຖ່າຍທອດຄວາມຮູ້ສຶກ ແລະແນວຄວາມຄິດຂອງມະນຸດທົ່ວໄປ.

ລາວເຫັນວ່າຕົນເອງເປັນຜູ້ສົ່ງຂ່າວທີ່ມີໜ້າທີ່ໃນການສື່ສານແນວຄວາມຄິດນີ້ກັບຄົນອື່ນໆຂອງໂລກເພື່ອປັບປຸງສັງຄົມ. Kandinsky ຖືວ່າດົນຕີເປັນປະເພດທີ່ຂ້າມຜ່ານທີ່ສຸດຂອງຄວາມຄິດສ້າງສັນທີ່ບໍ່ມີຈຸດປະສົງ ເພາະວ່ານັກດົນຕີສາມາດ conjure ຮູບພາບໃນຈິນຕະນາການຂອງຜູ້ຟັງໂດຍການໃຊ້ສຽງ. ລາວມີຈຸດປະສົງເພື່ອສ້າງວຽກງານສິລະປະທີ່ບໍ່ມີວັດຖຸ, ສະລັບສັບຊ້ອນທີ່ມີຄວາມຮູ້ສຶກເທົ່າທຽມກັນທີ່ຫມາຍເຖິງສິ່ງລົບກວນແລະຄວາມຮູ້ສຶກໂດຍຜ່ານການປະສົມປະສານຂອງຄວາມຮູ້ສຶກ. ຮູບ​ແຕ້ມ​ອາດ​ຈະ​ເປັນ​ທີ່​ຮູ້​ຈັກ​ດີ​ທີ່​ສຸດ​ຂອງ​ລາວ, ແຕ່​ວ່າ​ມັນ​ບໍ່​ແມ່ນ​ຮູບ​ແບບ​ທຳ​ອິດ​ທີ່​ລາວ​ໄດ້​ແຕ້ມ​ໃນ​ບາງ​ວຽກ​ກ່ອນ​ໜ້າ​ນີ້ສະແດງວິທີການແບບດັ້ງເດີມຫຼາຍຂຶ້ນ. ໃຫ້ພວກເຮົາເບິ່ງຢ່າງເລິກເຊິ່ງກ່ຽວກັບວຽກງານສິລະປະ Wassily Kandinsky ເຊິ່ງເປັນຊິ້ນສ່ວນທີ່ສຳຄັນໃນການເດີນທາງສິລະປະຂອງລາວ.

The Blue Rider (1903)

Kandinsky, ລູກຄົນດຽວຂອງພໍ່ຄ້າຊາ, ເກີດທີ່ Moscow ໃນປີ 1866. ເມື່ອຄົນຂອງລາວແຍກກັນ, ລາວຖືກບັງຄັບໃຫ້ອາໄສຢູ່ກັບປ້າ, ແລະ ມັນແມ່ນໃນຊ່ວງເວລາຂອງລາວຢູ່ທີ່ນັ້ນທີ່ລາວໄດ້ພົບກັບພະລັງງານຂອງສີ. ຢູ່ໃນມະຫາວິທະຍາໄລ, ລາວເລືອກທີ່ຈະຮຽນທາງດ້ານການເງິນແລະກົດຫມາຍ, ແລະລາວໄດ້ຜ່ານການສອບເສັງຂອງລາວ "ໂດຍບໍ່ມີຄວາມລໍາບາກ". ກັບທາງເລືອກໃນການເປັນອາຈານຫຼືເປີດອາຊີບໃນສິລະປະ. ລາວເລືອກຮຽນການແຕ້ມຮູບ, ດັ່ງນັ້ນ, ຜູ້ຊາຍອາຍຸ 32 ປີໄດ້ເດີນທາງໄປ Munich, ປະເທດເຢຍລະມັນ, ໃນປີ 1896. ມັນມີນັກຂີ່ມ້າທີ່ນຸ່ງເສື້ອສີຟ້າຂີ່ມ້າແລ່ນຜ່ານທົ່ງນາດ້ວຍໄມ້ຢືນຕົ້ນ, ມີໄມ້ຢືນຕົ້ນຢູ່ທາງຫຼັງ.

Der Blaue Reiter (The Blue Rider) (1903) ໂດຍ Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, ສາທາລະນະ, ຜ່ານວິກິພີເດຍCommons

ຮູບແຕ້ມຂອງຜູ້ຂັບຂີ່ ແລະຜູ້ຂັບຂີ່ໄດ້ປະກົດຕົວຄືນໃໝ່ໃນຫຼາຍຮູບແຕ້ມຕໍ່ໆມາຂອງລາວ. ຮູບແບບນີ້ສະແດງໃຫ້ເຫັນເຖິງການປະຕິເສດຂອງ Kandinsky ກ່ຽວກັບອຸດົມການດ້ານຄວາມງາມທີ່ສ້າງຂຶ້ນເຊັ່ນດຽວກັນກັບຄວາມສົດໃສດ້ານສໍາລັບການມີຢູ່ທາງວິນຍານທີ່ຫລອມໂລຫະ, ຫຼາຍຂຶ້ນໂດຍຜ່ານສິລະປະ. ຮູບພາບຕົວມັນເອງແມ່ນບໍ່ມີຄວາມປະທັບໃຈ, ແຕ່ມັນໄດ້ຫມາຍຈຸດປ່ຽນແປງທີ່ສໍາຄັນໃນການເຄື່ອນໄຫວດ້ານຄວາມງາມຂອງ Kandinsky ຈາກຄວາມປະທັບໃຈໄປສູ່ສິລະປະທີ່ບໍ່ມີຕົວຕົນໃນຍຸກສະໄຫມ, ເຊິ່ງລາວເປັນຜູ້ນໍາຫນ້າ. ມັນແມ່ນໜຶ່ງໃນ ຮູບແຕ້ມແບບປະທັບໃຈ ສຸດທ້າຍຂອງລາວ ແລະມີການຊີ້ບອກເບື້ອງຕົ້ນຂອງຮູບແບບທີ່ຈະກາຍເປັນພິເສດຂອງລາວ. ໂດຍ​ສະ​ເພາະ​ແມ່ນ​ສີ​ຟ້າ​ແມ່ນ​ມີ​ຄວາມ​ຫມາຍ​ທີ່​ເລິກ​ຊຶ້ງ​ສໍາ​ລັບ​ຈິດ​ຕະ​ກອນ.

ອີກ​ດ້ານ​ຫນຶ່ງ​ທີ່​ສໍາ​ຄັນ​ຂອງ​ສິ້ນ​ແມ່ນ​ວ່າ​ມັນ​ແບ່ງ​ປັນ​ຄໍາ​ສັບ​ເຍຍ​ລະ​ມັນ​ຂອງ​ຕົນ​ກັບ​ຊື່​ຂອງ​ອົງ​ການ​ຈັດ​ຕັ້ງ​ຂອງ Kandinsky ຂອງ​ຈິດ​ຕະ​ກອນ​ກ້າວ​ຫນ້າ​, ເຊິ່ງ​ໄດ້​ຜະ​ລິດ​ເປັນ​. ວາລະສານແຕ່ລະໄລຍະ ແລະການຈັດວາງສະແດງຜົນງານຂອງເຂົາເຈົ້າໃນປີ 1911.

Blue Mountain (1909)

ຜົນກະທົບຂອງ Fauves ຕໍ່ສີຂອງ Kandinsky ແມ່ນເຫັນໄດ້ໃນຊິ້ນສ່ວນນີ້, ໃນຂະນະທີ່ລາວບິດເບືອນສີແລະລອຍອອກໄປຈາກສະພາບແວດລ້ອມອິນຊີ. ພຣະອົງໄດ້ສະແດງພູເຂົາສີຟ້າສົດໃສທີ່ມີຊາຍແດນຕິດຢູ່ທັງສອງປາຍດ້ວຍພຸ່ມໄມ້ສີເຫຼືອງແລະສີແດງ. ຜູ້ຂັບຂີ່ຢູ່horseback gallop ຜ່ານພື້ນທີ່ໃນແຖວຫນ້າ. ປື້ມບັນທຶກຂອງການເປີດເຜີຍໂດຍ Saint John ໄດ້ກາຍເປັນເອກະສານອ້າງອີງທີ່ສໍາຄັນສໍາລັບການແຕ້ມຮູບຂອງ Kandinsky ໃນຈຸດນີ້ໃນການເຮັດວຽກຂອງລາວ, ແລະຜູ້ຂັບຂີ່ເປັນຕົວແທນຂອງ ສີ່ຄົນມ້າຂອງ apocalypse .

ເຖິງແມ່ນວ່າ horsemen ພັນລະນາເຖິງການທໍາລາຍຢ່າງໃຫຍ່ຫຼວງຂອງ apocalypse, ພວກເຂົາເຈົ້າຍັງເປັນຕົວແທນຂອງຄວາມເປັນໄປໄດ້ຂອງຄວາມລອດຕໍ່ມາ. ທ່ານດຣ. Alexey Yakovlev, CC BY-SA 2.0, ຜ່ານ Wikimedia Commons

ສີທີ່ງົດງາມ ແລະ ແປງສີທີ່ສົດໃສຂອງ Kandinsky ບົ່ງບອກເຖິງຄວາມຮູ້ສຶກໃນແງ່ດີຫຼາຍກວ່າຄວາມໂສກເສົ້າໃຫ້ກັບຜູ້ຊົມ. ຍິ່ງໄປກວ່ານັ້ນ, ສີທີ່ສົດໃສແລະຮູບຊົງສີດໍາກັບຄືນສູ່ຄວາມຊື່ນຊົມຂອງສິລະປະພື້ນເມືອງລັດເຊຍ. ແຮງບັນດານໃຈເຫຼົ່ານີ້ຈະສືບຕໍ່ສົ່ງຜົນກະທົບຕໍ່ວິທີການຂອງ Kandinsky ສໍາລັບສ່ວນທີ່ເຫຼືອຂອງການເຮັດວຽກຂອງລາວ, ດ້ວຍສີສັນສົດໃສສັ່ງໃຫ້ທັງວຽກງານທີ່ແທ້ຈິງແລະບໍ່ມີຈຸດປະສົງ. Kandinsky ໄດ້ຍ້າຍອອກໄປຈາກຄວາມເປັນຈິງ ແລະເປັນສ່ວນໃຫຍ່ ສິລະປະສັນຍາລັກ ແລະຊອກຫາສິ່ງທີ່ບໍ່ມີຕົວຕົນຢ່າງແທ້ຈິງ.

ໃນຮູບແຕ້ມນີ້, ຮູບແບບຕ່າງໆໄດ້ຖືກສ້າງແບບຈໍາລອງຢ່າງຈະແຈ້ງຈາກການປະກົດຕົວຂອງພວກມັນໃນສະພາບແວດລ້ອມພາຍນອກ, ແລະຄວາມບໍ່ມີຕົວຕົນຂອງລາວ. ກ້າວຫນ້າພຽງແຕ່ເມື່ອ Kandinsky ປັບປຸງຄວາມເຊື່ອຂອງລາວກ່ຽວກັບສິລະປະຢ່າງສົມບູນ.

ອົງປະກອບ IV (1911)

ອົງປະກອບ IV ໄດ້ສໍາເລັດໃນປີ 1911 ເປັນສ່ວນຫນຶ່ງຂອງຊຸດສິບສ່ວນ. Kandinsky ໃຊ້ສີທີ່ສົດໃສ, ກົງກັນຂ້າມເພື່ອສ້າງຄວາມປະທັບໃຈກ່ຽວກັບຄວາມງາມ, metaphysical, ແລະທາງດ້ານຈິດໃຈຕໍ່ຜູ້ຊົມ. ໃນແຈເບື້ອງຊ້າຍດ້ານເທິງຂອງຮູບ, ສອງ Invaders wield cutlasses. ຢູ່ເບື້ອງຂວາ, ຜູ້ຮຸກຮານຫ້າຄົນກຳລັງແກວ່ງຫອກ ແລະອີກຄົນໜຶ່ງຖືດາບຢືນຢູ່ກັບເນີນພູສີຟ້າທີ່ມີຕຶກຢູ່ເທິງມັນ.

ຮຸ້ງຢູ່ກາງຊ້າຍຂອງຮູບສະແດງເຖິງຂົວ. ເສັ້ນສີດຳເນັ້ນສີເຫຼືອງ ແລະ ຮົ່ມສີແດງ . ສິລະປະຂອງ Kazimir Malevich ມີແນວຄວາມຄິດທົ່ວໄປ. ເສັ້ນແຫຼມຂອງຄວາມໜາຕ່າງໆປະສົມກັບສີທີ່ອ່ອນກວ່າທີ່ໃຊ້ໃນຮູບແຕ້ມ, ແລະສອງເສັ້ນຕັ້ງປະກົດວ່າແບ່ງການຈັດວາງ.

ຄວາມສົນໃຈຂອງຜູ້ຊົມຈະຖືກດຶງດູດເອົາຈຸດສີຟ້າໃນສາກຫຼັງທີ່ເດັ່ນຊັດ. ສີເປັນສີ pastels ອ່ອນ.

ອົງປະກອບ IV (1911) ໂດຍ Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, ສາທາລະນະ, ຜ່ານ Wikimedia Commons

ສີທີ່ປະສົມກົມກຽວກັນ, ເຊັ່ນດຽວກັບສາຍ ແລະຮູບແບບ, ກ່າວເຖິງຄວາມກົມກຽວກັນ ແລະ ການໄຖ່ທີ່ຈະມາເຖິງ. Kandinsky ໄດ້ຮັບອິດທິພົນຢ່າງຫຼວງຫຼາຍຈາກການໃຊ້ສີໃນງານສິລະປະຂອງ Monet Haystacks ແລະອົງປະກອບຂອງວົງດົນຕີຂອງ Richard Wagner's Lohengrin. ລາວຍັງຕົກໃຈກັບເລື່ອງ metaphysical ຂອງ Madame Blavatskyແນວຄວາມຄິດຂອງ occultism. ໃນອົງປະກອບທີ IV, ລາວໄດ້ໃຊ້ຮູບແບບທີ່ວຸ່ນວາຍ ແລະສີສັນທີ່ສັບສົນເພື່ອສື່ສານຫົວຂໍ້ທາງວິນຍານ ແລະ ອາລົມ. ຍົກເວັ້ນຜົນງານຂອງລາວ Riding Couple (1906) ແລະ ວັນອາທິດ, Old Russia (1904), Kandinsky ບໍ່ເຄີຍລວມເອົາມະນຸດຢູ່ໃນວຽກຂອງລາວ.

ການນຳໃຊ້ ສີສັນຂອງທັງສອງງານມີຄວາມສຳຄັນກວ່າການສະແດງຂອງຫົວຂໍ້.

ອົງປະກອບ VII (1913)

ອົງປະກອບ VII , ມັກຈະຖືວ່າເປັນຈຸດສູງສຸດຂອງ Kandinsky ຂອງຄວາມສໍາເລັດກ່ອນສົງຄາມໂລກຄັ້ງທີ່ 1, ສະແດງໃຫ້ເຫັນເຖິງການປະຕິເສດຂອງຜູ້ສ້າງຂອງການນໍາສະເຫນີຮູບພາບໂດຍຜ່ານການ whirling maelstrom ຂອງສີແລະຮູບແບບ. ຄວາມເຊື່ອຫມັ້ນຂອງ Kandinsky ວ່າວຽກງານສິລະປະອາດຈະ conjure ສຽງໃນລັກສະນະດຽວກັນກັບ hues ໂດຍສະເພາະດົນຕີ evoked ແລະຮູບແບບແມ່ນເປັນຕົວຢ່າງໂດຍການ theatrical ແລະຄວາມວຸ່ນວາຍ swirling ຂອງຮູບຮ່າງປະມານຮູບແຕ້ມ. ເຖິງແມ່ນວ່າຊື່ , ອົງປະກອບ VII , ໄດ້ສະທ້ອນເຖິງຄວາມທະເຍີທະຍານຂອງລາວທີ່ປະສົມປະສານກັບສຽງເພງແລະຄວາມງາມ, ໂດຍເນັ້ນໃສ່ວິທີການທີ່ບໍ່ແມ່ນຕົວແທນຂອງ Kandinsky ໃນຊຸດນີ້.

Kandinsky ລົບລ້າງການກ່າວເຖິງແບບທໍາມະດາກັບທັດສະນະແລະການເປີດເຜີຍ. ເປົ່າຕົວລະຄອນທີ່ມີສະໄຕຫຼາຍເປັນສີທີ່ຫຼາກຫຼາຍ ແລະຮູບແບບຕ່າງໆໝູນອ້ອມຕົວໜຶ່ງອີກອັນໜຶ່ງເພື່ອເປີດເຜີຍແນວຄວາມຄິດ ແລະ ຄວາມຮູ້ສຶກທີ່ເປັນພື້ນຖານຮ່ວມກັນໂດຍພົນລະເມືອງ ແລະ ຜູ້ສັງເກດການທັງໝົດ.

ອົງປະກອບ VII (1913) ໂດຍ Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, ສາທາລະນະ ໂດເມນ, ຜ່ານ Wikimedia Commons

ຕະຫຼອດຊຸມປີ 1910, Kandinsky ເປັນຫ່ວງກັບແນວຄວາມຄິດຂອງ Armageddon ແລະຄວາມລອດ, ແລະລາວກ່ຽວຂ້ອງຢ່າງເປັນທາງການກ່ຽວກັບການຈັດການ spinning ຂອງ artwork ກັບແນວຄວາມຄິດຂອງວົງຈອນວົງຈອນຂອງການທໍາລາຍແລະການກູ້ໄພ. . ເຖິງວ່າຈະມີຄວາມບໍ່ແນ່ນອນຂອງວຽກງານສິລະປະ, Kandinsky ໄດ້ລວມເອົາການເຊື່ອມຕໍ່ສັນຍາລັກຕ່າງໆ. Kandinsky ໄດ້ສ້າງຮູບແຕ້ມຂອງເຮືອທີ່ມີ oars, ເນີນພູ, ແລະບຸກຄົນໃນບັນດາຫຼາຍຮູບຮ່າງທີ່ປະກອບດ້ວຍຄໍາບັນຍາຍທາງດ້ານສາຍຕາຂອງລາວ.

ລາວບໍ່ໄດ້ຕ້ອງການໃຫ້ຜູ້ຊົມເອົາສັນຍາລັກເຫຼົ່ານີ້ຢ່າງແທ້ຈິງ, ແທນທີ່ຈະປະສົມປະສານກັບວຽກງານຂອງລາວດ້ວຍການເວົ້າຫຼາຍ. ເຖິງການພິພາກສາຄັ້ງສຸດທ້າຍ, ນໍ້າຖ້ວມ, ແລະອຸທິຍານຂອງເອເດນ, ຄາດວ່າພ້ອມໆກັນ. ວັນທີສຳເລັດ 1916 ຂະໜາດກາງ ນ້ຳມັນເທິງຜ້າໃບ ຂະໜາດ 49 cm x 51 cm ສະຖານທີ່ປັດຈຸບັນ ຫໍສະໝຸດລັດ Tretyakov, Moscow

ໃນເບື້ອງຕົ້ນ, ການຍົກຍ້າຍໄປ Moscow ໃນປີ 1914 ເຮັດໃຫ້ເກີດຄວາມສິ້ນຫວັງ, ແລະ Kandinsky ບໍ່ໄດ້ສ້າງສິ່ງໃດເລີຍໃນລະຫວ່າງປີທຳອິດຂອງລາວຢູ່ທີ່ນັ້ນ. . ໃນການຕອບໂຕ້ກັບເພື່ອນຮ່ວມງານທີ່ໃກ້ຊິດຂອງລາວ, Munter, ເມື່ອລາວຈັດການເອົາແປງຂອງລາວອີກເທື່ອຫນຶ່ງໃນປີ 1916, ລາວໄດ້ປະກາດຄວາມປາດຖະຫນາຂອງລາວທີ່ຈະແຕ້ມຮູບຂອງ Moscow. ເຖິງວ່າຈະມີການສືບຕໍ່ເຮັດໃຫ້ຄວາມບໍ່ມີຕົວຕົນຂອງລາວສົມບູນແບບ, ລາວໄດ້ພັນລະນາເຖິງຈຸດສໍາຄັນຂອງເມືອງແລະໄດ້ຮັບຮູ້ຄວາມສໍາຄັນຂອງເມືອງໃນວຽກງານສິລະປະນີ້. Moscow I (Red Square) ແມ່ນສະພາບແວດລ້ອມໃນຕົວເມືອງທີ່ເປັນເອກະລັກທີ່ຫ່າງໄກຈາກການພະຍາຍາມສ້າງຮູບຊົງຂອງສີ່ຫຼ່ຽມມົນ.

Kandinsky ບັນຍາຍເຖິງຫົວໃຈຂອງ Moscow, ເຊິ່ງເປັນໜຶ່ງໃນສະຖານທີ່ທີ່ລາວມັກ. ລາວກຳລັງ pivoting ທ່າມກາງ plaza ແລະສະແດງສະຖານທີ່ສຳຄັນຂອງມັນ, ສ່ວນໜຶ່ງແມ່ນໃຊ້ວິທີການສະແດງການໄຫຼວຽນຂອງຮູບຮ່າງໃນອະນາຄົດ.

Moscow I (Red Square) (1916) ໂດຍ Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, ສາທາລະນະ, ຜ່ານ Wikimedia Commons

ຈິດຕະນາການໄດ້ພັນລະນາເຖິງເວລາຂອງມື້ທີ່ລາວມັກທີ່ສຸດວ່າ “ການລະລາຍຂອງ Moscow ທັງໝົດຫຼຸດລົງເປັນຈຸດສະເພາະ, ຄືກັບ tuba Crazy, ເລີ່ມຕົ້ນທັງໝົດ. ຈິດ​ວິນ​ຍານ​ແລະ​ທັງ​ຫມົດ​ຂອງ​ວິນ​ຍານ humming.” ເວລາຂອງຕອນກາງຄືນເປັນ "ບົດສະຫຼຸບຂອງຄອນເສີດທີ່ນໍາເອົາທຸກສີໄປສູ່ຈຸດສູງສຸດຂອງການມີຢູ່ແລະ, ຄືກັບ crescendo ຂອງ symphony ທີ່ຍິ່ງໃຫຍ່, ຖືກບັງຄັບແລະອະນຸຍາດໃຫ້ຮ້ອງອອກມາໂດຍ Moscow."

“ເມືອງໝາຍເຖິງຄວາມສະໜິດສະໜົມ, ຄວາມສະໜິດສະໜົມ, ແລະມີການເຄື່ອນໄຫວຫຼາຍຂື້ນ, ຄວາມຂັດແຍ້ງ, ແລະຄວາມວຸ້ນວາຍຂອງພາກສ່ວນຄວາມງາມຕ່າງໆ… ມອດໂກພາຍໃນ ແລະ ພາຍນອກ, ຂ້າພະເຈົ້າຖືວ່າເປັນຈຸດເລີ່ມຕົ້ນຂອງຄວາມອຶດຢາກຂອງຂ້າພະເຈົ້າ. ລາວເວົ້າວ່າ “ມອດໂກ້ເປັນທາງຕັດກຣາຟິກສຳລັບຂ້ອຍ,” ລາວເວົ້າ.

ອົງປະກອບທີ VIII (1923)