ງານສິລະປະ A rt Nouveau ແມ່ນສ່ວນໜຶ່ງຂອງການເຄື່ອນໄຫວປະຕິວັດໂລກຂອງສິລະປະຮ່ວມສະໄໝທີ່ໄດ້ຮັບຄວາມນິຍົມຈາກປີ 1890 ຈົນເຖິງສົງຄາມໂລກຄັ້ງໜຶ່ງ. ມັນເກີດຂື້ນເພື່ອຕອບສະຫນອງຄວາມງາມຂອງສະຕະວັດທີ 19 ທີ່ໄດ້ຮັບອິດທິພົນຈາກອຸດົມການໃນຫຼັກການແລະ neoclassicism ໂດຍສະເພາະ, ແລະມັນໄດ້ສົ່ງເສີມແນວຄວາມຄິດຂອງສິລະປະການເບິ່ງເຫັນເປັນພາກປົກກະຕິຂອງຊີວິດ. ນັກສິລະປິນບໍ່ຄວນປະຖິ້ມສິ່ງຂອງທົ່ວໄປໃດໆ, ບໍ່ວ່າມັນຈະມີປະໂຫຍດແນວໃດ. ວິທີການນີ້ໄດ້ຖືກເຫັນວ່າເປັນການປະຕິວັດສູງແລະນະວະນິຍາຍ, ສະນັ້ນຊື່ຂອງມັນຫມາຍເຖິງຮູບແບບໃຫມ່ຂອງ Art Nouveau. ອຸດົມການ: ທັນ, ມັນໄດ້ຮັບການດົນໃຈໂດຍແນວຄວາມຄິດທີ່ເປັນເອກະລັກແທນທີ່ຈະເປັນພຽງແຕ່ຄວາມປາຖະຫນາຈິນຕະນາການ. ທຸກໆການສ້າງສັນ Art Nouveau ທີ່ຫນ້າເຊື່ອຖືທີ່ສຸດໄດ້ແບ່ງປັນຄໍາຫມັ້ນສັນຍາທີ່ຈະກົດດັນໃຫ້ໄກກວ່າຂອບເຂດຂອງ neoclassicism - ທີ່ມີການພິຈາລະນາຫຼາຍເກີນໄປກັບແນວຄວາມຄິດຂອງປະຫວັດສາດທີ່ມີລັກສະນະສ່ວນໃຫຍ່ຂອງຄໍເຕົ້າໄຂ່ທີ່ສະຕະວັດທີ 19: ພວກເຂົາຕ້ອງການຮູບແບບສາຍຕາໃຫມ່ໃນການປະເມີນວັດຖຸດິບຂອງຈຸດປະສົງ. ແລະການສືບສວນຢ່າງໃກ້ຊິດຂອງໂລກອິນຊີ.

ຄຸນລັກສະນະຂອງ Art Nouveau ແມ່ນຍາກທີ່ຈະລະບຸ, ເຖິງແມ່ນວ່າສິ່ງຕໍ່ໄປນີ້ແມ່ນລັກສະນະທີ່ແຕກຕ່າງກັນ.

ແນວຄວາມຄິດຂອງ Art Nouveau ສະຫນັບສະຫນູນສໍາລັບຄໍາຮ້ອງສະຫມັກ. ການອອກແບບຄວາມງາມກັບສິນຄ້າທໍາມະດາເພື່ອເຮັດໃຫ້ສິ່ງທີ່ດຶງດູດທຸກຄົນສາມາດເຂົ້າເຖິງໄດ້. ບໍ່​ມີ​ຫຍັງ​ເປັນ​ຕາ​ໂລກ​ເກີນ​ໄປ​ທີ່​ຈະ "ສວຍ​ງາມ." ໃນແຕ່ງດອງກັນກັບສິນລະປິນ Charles Rennie Mackintosh . ສິ້ນນີ້ຖືກສ້າງຂຶ້ນໂດຍສະເພາະສໍາລັບຫ້ອງອາຫານທ່ຽງຂອງ Miss Cranston's Ladies's Luncheon. Charles, ຄູ່ສົມລົດຂອງ Margaret, ໄດ້ຖືກຮ້ອງຂໍໃຫ້ອອກແບບພື້ນທີ່ນີ້, ແລະທັງສອງໄດ້ຮ່ວມມືກັນເພື່ອຜະລິດຮູບປັ້ນທີ່ສວຍງາມສອງຢ່າງທີ່ປະເຊີນຫນ້າກັນຢູ່ໃນປາຍທີ່ແຕກຕ່າງກັນຂອງຊ່ອງ, Charles' The Wassail ແລະ Margaret's The May. Queen . ເຂົາເຈົ້າເປັນວຽກທຳອິດຂອງການອອກແບບພາຍໃນຫຼາຍໆອັນທີ່ເຂົາເຈົ້າຮ່ວມມືກັນເປັນຫຸ້ນສ່ວນ.

ເນື່ອງຈາກວິທີການສ້າງ, ເຂົາເຈົ້າຄິດວ່າສ່ວນຫຼາຍແມ່ນເປັນຊິ້ນສ່ວນສຳຫຼວດ ແລະ ອີງໃສ່. ຕາມຂະໜາດຂອງພວກມັນ, ເຂົາເຈົ້າຕ້ອງໄດ້ຮັບການດູແລຢ່າງລະມັດລະວັງໃນການເດີນທາງໄປ ແລະຈາກວຽນນາ.

The May Queen (1900) ໂດຍ Margaret MacDonald ; Margaret MacDonald, CC BY 2.0, ຜ່ານ Wikimedia Commons

The May Queen ແມ່ນຮູບຊົງ gesso ທາສີນ້ຳມັນໃສ່ຜ້າ ແລະ ຜ້າ gauze ທີ່ມີລວດລາຍເສັ້ນທີ່ຜະລິດໂດຍໃຊ້ສາຍບິດ. ຕິດກັບຮູບແຕ້ມ, ເຊັ່ນດຽວກັນກັບ seashells, ລູກປັດ, ກົ່ວ, ແລະ plaster ສີ "ແກ້ວປະເສີດ." ມັນເຫມາະກັບສະໄຕລ໌ຜູ້ຍິງຂອງພື້ນທີ່ຢ່າງແນ່ນອນ, ດ້ວຍຕົວລະຄອນຜູ້ຍິງທີ່ນຸ່ງເສື້ອຊຸດແລະດອກໄມ້ທີ່ລະອຽດອ່ອນໃນ lavenders, pastels, ແລະ emeralds, ເຊິ່ງມັນບໍ່ຊັດເຈນວ່າວຽກງານສິລະປະໄດ້ຖືກສ້າງຂື້ນສໍາລັບພື້ນທີ່ຫຼືການຈັດວາງສໍາລັບວຽກງານສິລະປະ. ພາຍໃນພື້ນທີ່ມີປ່ອງຢ້ຽມກວ້າງເພື່ອເປີດແສງສະຫວ່າງທໍາມະຊາດ, ເຊິ່ງເຮັດໃຫ້ຝາສີເງິນແລະສີຂາວ, ເຊັ່ນດຽວກັນກັບໂຕະໃຫຍ່ທີ່ມີສີເຂັ້ມ.ແລະບ່ອນນັ່ງທີ່ຮອງສູງ.

ການຍືດຍາວຂອງເຄື່ອງເຟີນີເຈີແມ່ນມີຈຸດປະສົງເພື່ອເນັ້ນໃສ່ການຂະຫຍາຍອອກຕາມລວງນອນທີ່ກວ້າງໃຫຍ່ໄພສານ, ເຊິ່ງໄດ້ສະແດງໃນຜົນງານຂອງ Margaret ໂດຍຕົວລະຄອນຜູ້ຍິງທີ່ສະຫງ່າງາມ, ສູງ ແລະຊື່.

Beethoven Frieze (1902) ໂດຍ Gustav Klimt

ຮູບຊົງສະແດງເຖິງຄວາມປາຖະໜາຂອງມະນຸດໃນໂລກທີ່ໂສກເສົ້າ ແລະ ວຸ້ນວາຍ ເຊິ່ງຄົນເຮົາຕ້ອງຕໍ່ສູ້ບໍ່ພຽງແຕ່ກັບອຳນາດຊົ່ວຮ້າຍພາຍນອກເທົ່ານັ້ນ ແຕ່ຍັງມີຄວາມບົກຜ່ອງສ່ວນຕົວນຳ. ການເດີນທາງຂອງຄວາມຮູ້ນີ້ແມ່ນປະຕິບັດຕາມໂດຍຜູ້ຊົມໃນຮູບແບບທີ່ງົດງາມແລະຮູບແຂບ. ມັນເລີ່ມຕົ້ນຢ່າງຫວານຊື່ນ, ໂດຍມີຜູ້ຍິງ Genii ບິນໄປສຳຫຼວດດາວເຄາະ, ແຕ່ໄດ້ຕິດຕາມສັດຮ້າຍລົມພະຍຸ Typhoeus ທີ່ມືດມົວ, ມືດມົວ ແລະ ລຶກລັບ.

ໃນສ່ວນທຳອິດຂອງຮູບທີ່ໜ້າຢ້ານນີ້, ນົກຊະນິດໜຶ່ງສະແດງເຖິງ Typhoeus, ລັກສະນະຂອງພະຍາດທີ່ທຳລາຍບັນດາເມືອງຕ່າງໆໃນເອີຣົບໃນສະຕະວັດທີ 19, ໂດຍສະເພາະແມ່ນວຽນນາ.

ແກວ່ງສາມໂຕຈະກັບຄືນມາເປັນແສງໄຊເຣນທີ່ສະຫງ່າງາມ, ຫຼູຫຼາ, ມີສີທອງໄຫຼຜ່ານຜົມຂອງເຂົາເຈົ້າຢູ່ໃນຊິ້ນສ່ວນທີ່ຂັດແຍ້ງກັນຂອງ Klimt, ນິຕິສາດ . ຂ້າງ ເທິງ ຂອງ ເຂົາ ເຈົ້າ , ໄດ້ mad , visage emaciated ຂອງ ການ ເສຍ ຊີ ວິດ ແລະ venerealຄວາມເຈັບປ່ວຍ, ທັງສອງຢ່າງເປັນທີ່ໂດດເດັ່ນໃນສັງຄົມວຽນນາ, ສ່ອງແສງລົງ.

Bethoven Frieze (1902) ໂດຍ Gustav Klimt; Gustav Klimt, CC0, ຜ່ານ Wikimedia Commons

Klimt ສຳຫຼວດແນວຄວາມຄິດທີ່ຂັດກັນຂອງຄວາມຜິດປົກກະຕິຂອງຮູບຮ່າງ ແລະອັດຕາການຕາຍໃນຄວາມຮັກ, ແລະຄວາມເປືອຍກາຍຂອງການເຮັດວຽກ, ມີຜົມສີດຳຕາມຮ່າງກາຍ, ເຮັດໃຫ້ຄົນຊັ້ນສູງຂອງຊາວ Viennese ຄຽດແຄ້ນ. ແນວຄິດຂອງຄວາມມັກ, ຄວາມສຸພາບ, ແລະຄວາມຫຼົງໄຫຼແມ່ນເປັນຮູບຊົງຂອງຜູ້ຍິງຢູ່ເບື້ອງຂວາຂອງ gorilla.

ດ້ວຍການຕົບແຕ່ງທີ່ສົດໃສ, ອ່ອນນຸ້ມຂອງນາງ, ຮູບແບບການດູຖູກອັນໃຫຍ່ຫຼວງຂອງຄວາມຫຼົງໄຫຼຂອງໂສເພນີ ຄ້າຍກັບສາວໂສເພນີ; ເຄື່ອງນຸ່ງສີຟ້າສົດໃສເປັນສີທີ່ດັງຢູ່ໃນຮູບແຕ້ມທັງໝົດ. ຍ້ອນຄວາມປາຖະໜາ ແລະຄວາມຮັກແພງຂອງລາວຕໍ່ມະນຸດຊາດທີ່ໝົດຫວັງ, ປະສົບກັບຄວາມຫຍຸ້ງຍາກ, ວິລະຊົນທີ່ນຸ່ງເສື້ອເກາະອັນສະຫງ່າງາມຈຶ່ງມາ. ການເດີນທາງໄປສູ່ຈຸດຈົບຂອງການເປີດເຜີຍຄວາມສຸກທາງສິລະປະ, ແລະຄວາມສຳເລັດແມ່ນເປັນສັນຍາລັກໂດຍການຈັບຈູບທີ່ແໜ້ນໜາ.

ດ້ວຍເຫດນັ້ນ, ຝາຜະໜັງສະແດງເຖິງຄວາມປາຖະໜາທາງອາລົມຂອງມະນຸດ, ເຊິ່ງໃນທີ່ສຸດກໍມີຄວາມພໍໃຈໂດຍສ່ວນຕົວ. ແລະການສະແຫວງຫາລວມ, ຄວາມສະຫງ່າງາມຂອງສິລະປະ, ແລະມິດຕະພາບແລະຄວາມສາມັກຄີ.

The Kiss (1908) ໂດຍ Gustav Klimt

GustavKlimt ສະ ແດງ ໃຫ້ ເຫັນ ຄູ່ ຜົວ ເມຍ ໃນ ການ ກອດ ດ້ວຍ ຄວາມ ຮັກ ເທິງ ຄໍາ, ພື້ນ ຫຼັງ ຮາບ ພຽງ ຢູ່. ບຸກຄົນທັງສອງກໍາລັງຢືນຢູ່ຊາຍແດນຂອງທົ່ງດອກໄມ້ທີ່ສິ້ນສຸດລົງພາຍໃຕ້ຕີນເປົ່າຂອງແມ່ຍິງ. ຜູ້​ຊາຍ​ນຸ່ງ​ເສື້ອ​ຜ້າ​ທີ່​ມີ​ຮູບ​ຮ່າງ​ສະ​ລັບ​ສັບ​ຊ້ອນ​ແລະ​ກ້ຽວ​ວຽນ​ອ່ອນ​ໂຍນ. ລາວ​ໃສ່​ຫົວ​ເຄືອ, ສ່ວນ​ຜູ້​ຍິງ​ປະດັບ​ຫົວ​ດອກ​ໄມ້. ນາງນຸ່ງຊຸດກະໂປ່ງທີ່ມີລວດລາຍດອກ.

ຜູ້ເບິ່ງບໍ່ເຫັນໜ້າຂອງຜູ້ຊາຍເພາະວ່າລາວກົ້ມໄປໜ້າເພື່ອຈູບແກ້ມຂອງຜູ້ຍິງ, ແລະນິ້ວມືຂອງລາວກຳລັງລູບຫົວຂອງຜູ້ຍິງ. ຕາຂອງນາງຖືກປິດ, ແຂນເບື້ອງໜຶ່ງວາງເທິງບ່າຂອງຜູ້ຊາຍ, ອີກເບື້ອງໜຶ່ງວາງມືຂອງລາວຢ່າງອ່ອນໂຍນ, ແລະຫົວຂອງນາງເງີຍຂຶ້ນເພື່ອຕ້ອນຮັບສົບຂອງຊາຍໜຸ່ມ.

ຮູບແຕ້ມໃນງານສິລະປະເວົ້າເຖິງການ ຮູບແບບ Art Nouveau ເຊັ່ນດຽວກັນກັບຮູບຮ່າງທໍາມະຊາດຂອງໂຮງຮຽນສິລະປະແລະຫັດຖະກໍາ.

The Kiss (1908) ໂດຍ Gustav Klimt; Gustav Klimt, ສາທາລະນະ ໂດເມນ, ຜ່ານ Wikimedia Commons

ໃນຂະນະດຽວກັນ, ສາກຫຼັງຊີ້ໃຫ້ເຫັນເຖິງການຕໍ່ສູ້ທີ່ເກີດມາລະຫວ່າງສອງ ແລະສາມມິຕິໃນ Degas ແລະງານສິລະປະຂອງນັກຍຸກໃໝ່ອື່ນໆ. ເຮັດວຽກຄ້າຍຄື The Kiss ເປັນການສະແດງອອກທາງດ້ານຄວາມງາມຂອງຈິດໃຈ fin-de-siecle ເພາະວ່າພວກມັນພັນລະນາເຖິງຄວາມແປກປະຫຼາດທີ່ສະແດງໂດຍ motifs sumptuous ແລະ sensual. ການຈ້າງງານຂອງໃບຄໍາທີ່ເຮັດໃຫ້ເກີດຄວາມເຄັ່ງຕຶງກັບຮູບພາບທີ່ເຮັດດ້ວຍຄໍາໃນຍຸກກາງ, ຫນັງສືໃບລານໃນຍຸກກາງ, ແລະຮູບແຕ້ມເກົ່າແກ່, ໃນຂະນະທີ່ການອອກແບບທີ່ມີເສັ້ນດ້າຍຢູ່ໃນເຄື່ອງນຸ່ງກໍ່ເຮັດໃຫ້ກັບຄືນສູ່ສະພາບເດີມ.ສິລະປະຍຸກທອງສຳລິດ ແລະ ກ້ຽວວຽນປະດັບທີ່ປະກົດຢູ່ໃນສິລະປະຕາເວັນຕົກຕັ້ງແຕ່ກ່ອນບູຮານນະການ.

ຫົວຂອງຜູ້ຊາຍໄດ້ຢຸດສະງັກໃກ້ໆກັບຮູບແຕ້ມ, ເປັນການບິດເບືອນຈາກມາດຕະຖານທົ່ວໄປຂອງຕາເວັນຕົກທີ່ບົ່ງບອກເຖິງອິດທິພົນການພິມຂອງຍີ່ປຸ່ນ, ເຊັ່ນດຽວກັບການຈັດລະບຽບທີ່ຄ່ອງຕົວຂອງງານສິລະປະ.

The Slavs in the Homeland (1928) ໂດຍ Alphonse Mucha

Alphonse Mucha ເລືອກທີ່ຈະເລີ່ມຕົ້ນການຂຸດຄົ້ນປະຫວັດສາດ Slavic ຂອງລາວໃນສະຕະວັດທີສີ່ຫາສະຕະວັດທີຫົກ. ໃນເວລານັ້ນ, ຊົນເຜົ່າ Slavic ແມ່ນຊາວກະສິກອນທີ່ອາໄສຢູ່ໃນພື້ນທີ່ຊຸ່ມລະຫວ່າງແມ່ນ້ໍາ Vistula ແລະ Dnieper, ເຊັ່ນດຽວກັນກັບທະເລດໍາແລະ Baltic.

ຊຸມຊົນຂອງພວກເຂົາຖືກໂຈມຕີຢ່າງຕໍ່ເນື່ອງໂດຍຊາວເຢຍລະມັນຈາກ ຊົນນະບົດ, ຜູ້ທີ່ຈະທໍາລາຍທີ່ຢູ່ອາໃສຂອງເຂົາເຈົ້າແລະລັກລອບສັດຂອງເຂົາເຈົ້າເນື່ອງຈາກວ່າພວກເຂົາເຈົ້າຂາດກອບທາງດ້ານການເມືອງທີ່ຈະຊ່ວຍເຫຼືອເຂົາເຈົ້າ. ; Alphonse Mucha, ສາທາລະນະ, ຜ່ານ Wikimedia Commons

ຜູ້ຖືກເຄາະຮ້າຍຈາກການບຸກໂຈມຕີຄັ້ງນີ້ແມ່ນຄູ່ທີ່ພັກອາໄສຢູ່ໃນພຸ່ມໄມ້ແຖວໜ້າ ໃນຂະນະທີ່ໝູ່ບ້ານຂອງພວກເຂົາຖືກໄຟໄໝ້ຢູ່ໄກໆ. ຄວາມຢ້ານກົວແລະຄວາມອ່ອນແອໃນການສະແດງອອກຂອງພວກເຂົາຂໍຮ້ອງການ​ຊ່ວຍ​ເຫຼືອ​ສາ​ທາ​ລະ​ນະ​. ຢູ່ມຸມຂວາເທິງຂອງຮູບແຕ້ມ, ເທວະດານອກຮີດແມ່ນປະກອບດ້ວຍເດັກນ້ອຍສອງຄົນທີ່ເປັນຕົວແທນຂອງການຕໍ່ສູ້ ແລະຄວາມສາມັກຄີ.

ຕົວເລກເຫຼົ່ານີ້ຊີ້ໃຫ້ເຫັນເຖິງອິດສະລະພາບແລະຄວາມງຽບສະຫງົບຂອງຊາວ Slavic ໃນອະນາຄົດຖ້າອິດສະລະພາບໄດ້ຖືກບັນລຸໂດຍການຂັດແຍ້ງ.

Les Femmes Fatales (1933) ໂດຍ Gerda Wegener

Les Femmes Fatale ຖືກສ້າງຂື້ນໂດຍ Gerda Wegener, ນັກອອກແບບຊາວເດນມາກ, ແລະສິລະປິນທີ່ຮູ້ຈັກດີທີ່ສຸດໃນການສະແດງພາບຂອງຜູ້ຍິງທີ່ສະຫງ່າງາມ ແລະ ຜູ້ຍິງ Fatales ໃນສະໄຕລ໌ art nouveau. ຄູ່ສົມລົດຄົນທຳອິດຂອງນາງ, Einar Wegener, ໄດ້ຮັບຮູ້ຕົນເອງວ່າເປັນເພດຍິງ ແລະໄດ້ກາຍເປັນເລື່ອງທີ່ນາງມັກທີ່ສຸດພາຍໃຕ້ຊື່ Lili Elbe, ກ່ອນທີ່ຈະເສຍຊີວິດຈາກການປະຕິບັດການມອບໝາຍທາງເພດຄືນໃໝ່. ອາຊີບສິລະປະຂອງ Gerda ເລີ່ມຕົ້ນຫຼັງຈາກນາງຈົບການສຶກສາຈາກ Academy ໃນປີ 1908 ເມື່ອນາງເຂົ້າແຂ່ງຂັນສິລະປະທີ່ສະໜັບສະໜຸນໂດຍ Politiken tabloid.

ນາງໄດ້ຮັບອິດທິພົນຈາກການອອກແບບ ແລະເຮັດວຽກເປັນນັກສິລະປິນໃຫ້ວາລະສານເຊັ່ນ “La Vie Parisienne. ” ແລະອື່ນໆ.

Les Femmes Fatales (1933) ໂດຍ Gerda Wegener; Gerda Wegener, ສາທາລະນະ, ຜ່ານ Wikimedia Commons

Wegener ໄດ້ມີຊື່ສຽງໃນນາມນັກແຕ້ມຮູບໃນປະເທດຝຣັ່ງ ແຕ່ມີໂຊກໜ້ອຍກວ່າໃນເດນມາກ, ບ່ອນທີ່ມີຜົນງານຂອງນາງຢູ່.ຖືວ່າເປັນການກະຕຸ້ນ. ນາງໄດ້ຮັບລາງວັນໃນງານວາງສະແດງໂລກ 1925 ທີ່ປາຣີ. ນາງໄດ້ເປັນທີ່ຮູ້ຈັກດີສໍາລັບຮູບພາບການໂຄສະນາຂອງນາງແລະຍັງເປັນຜູ້ສ້າງຮູບແຕ້ມ Art Nouveau. ສິ້ນທີ່ສວຍງາມນີ້ປະກອບກັບສິລະປະຂອງຝຣັ່ງ Art Nouveau ແລະພັນລະນາເຖິງແມ່ຍິງຄົນອັບເດດ: ສາມຄົນທີ່ມີຄວາມສຸກກັບການພັກຜ່ອນໃນສະພາບແວດລ້ອມທໍາມະຊາດທີ່ສວຍງາມທີ່ອ້ອມຮອບໄປດ້ວຍ butterflies ແລະພືດສີຂຽວ.

ວຽກງານສິລະປະຂອງ Art Nouveau ໄດ້ເລີ່ມຕົ້ນໃນຊຸມປີ 1880 ດ້ວຍຈຸດປະສົງຂອງການອັບເດດຮູບແບບ. ​ແລະ​ປະຕິ​ເສດ​ຮູບ​ແບບ​ປະ​ເພນີ​ແລະ​ປະຫວັດສາດ​ທີ່​ໄດ້​ສ້າງ​ຕັ້ງ​ຂຶ້ນ​ໃນ​ເມື່ອ​ກ່ອນ. ລັກສະນະທໍາມະຊາດ, ເຊັ່ນດອກໄມ້ປ່າຫຼືແມງ, ດົນໃຈນັກແຕ້ມ Art Nouveau. ເສັ້ນໂຄ້ງ, ຮູບຮ່າງບໍ່ສົມມາດ, ແລະສີສັນສົດໃສແມ່ນລັກສະນະທີ່ນິຍົມອື່ນໆໃນການເຄື່ອນໄຫວ. ຮູບແບບຂອງ Art Nouveau ຍັງຖືກພົບເຫັນຢູ່ໃນສິລະປະປະດັບ, ສິລະປະ, ການກໍ່ສ້າງ, ແລະແມ້ກະທັ້ງການໂຄສະນາ.

ລັກສະນະຕ່າງໆຂອງ Art Nouveau ແມ່ນຍາກທີ່ຈະຊີ້ບອກ, ເຖິງແມ່ນວ່າສິ່ງຕໍ່ໄປນີ້ແມ່ນລັກສະນະທີ່ແຕກຕ່າງ. ການເຄື່ອນໄຫວຂອງ Art Nouveau ໄດ້ຊຸກຍູ້ການປັບຕົວຂອງ motifs ຄວາມງາມກັບລາຍການປະຈໍາວັນເພື່ອເຮັດໃຫ້ສິ່ງທີ່ສວຍງາມເຂົ້າເຖິງໄດ້ກັບທຸກຄົນ. ບໍ່ມີຫຍັງທີ່ບໍ່ສໍາຄັນເກີນໄປທີ່ຈະ "ງາມ." ໂດຍເນື້ອແທ້ແລ້ວ, Art Nouveau, ບໍ່ເຫັນຄວາມແຕກຕ່າງລະຫວ່າງສິລະປະອັນດີງາມ (ຮູບແຕ້ມແລະຮູບປັ້ນ) ແລະສິລະປະທີ່ເປັນປະໂຫຍດຫຼືອັນດີງາມ. ຮູບແບບດັ່ງກ່າວເປັນປະຕິກິລິຍາຕໍ່ໂລກສິລະປະທີ່ຄອບງຳໂດຍ symmetry ທີ່ເຄັ່ງຄັດຂອງການອອກແບບ Neoclassical.

Art Nouveau ແມ່ນຫຍັງ?

Art Nouveau ມັກຈະຖືກເບິ່ງວ່າເປັນ "ແບບ" ແທນທີ່ຈະເປັນຄຳສອນ; ຢ່າງໃດກໍຕາມ, ມັນໄດ້ຖືກກະຕຸ້ນໂດຍອຸດົມການທີ່ແຕກຕ່າງກັນແທນທີ່ຈະເປັນພຽງແຕ່ເປົ້າຫມາຍ fanciful. ຜູ້ອອກແບບ Art Nouveau ທີ່ຫນ້າເຊື່ອຖືທີ່ສຸດທັງຫມົດໄດ້ແບ່ງປັນຄວາມອຸທິດຕົນເພື່ອຊຸກຍູ້ໃຫ້ເກີນຂອບເຂດຈໍາກັດຂອງ neoclassicism - ທີ່ເກີນຂອບເຂດຂອງແນວຄວາມຄິດທາງປະຫວັດສາດທີ່ມີລັກສະນະສ່ວນໃຫຍ່ຂອງຄໍເຕົ້າໄຂ່ທີ່ສະຕະວັດທີ 19: ພວກເຂົາຕ້ອງການຮູບແບບສາຍຕາໃຫມ່ໂດຍອີງໃສ່ການປະເມີນວັດຖຸດິບຂອງຈຸດປະສົງແລະ ການກວດສອບໂລກອິນຊີຢ່າງໃກ້ສິດ.

ທາງເຂົ້າ. la Maison de l'Art Nouveau, 22 rue de Provence ໃນປາຣີ, 1895; Édouard Pourchet (1848-1907), ສາທາລະນະ, ຜ່ານ Wikimedia Commons

ຮູບແຕ້ມ Art Nouveau ທີ່ມີຊື່ສຽງ

ເພື່ອໃຫ້ຄວາມເຂົ້າໃຈດີຂຶ້ນກ່ຽວກັບຄຸນລັກສະນະຂອງ Art Nouveau, ພວກເຮົາສາມາດຄົ້ນຫາບາງຢ່າງ ຂອງຮູບແຕ້ມ Art Nouveau ທີ່ມີຊື່ສຽງຫຼາຍທີ່ສຸດ. ບັນຊີລາຍຊື່ນີ້ຈະປະກອບມີບາງຕົວຢ່າງທີ່ໂດດເດັ່ນຂອງຮູບແຕ້ມ Art Nouveau ເຊັ່ນດຽວກັນກັບການແນະນໍາພວກເຮົາໃຫ້ກັບແມ່ຍິງ Art Nouveau ທີ່ມີຊື່ສຽງຫຼືສອງຄົນ, ທັງເປັນຕົວແບບແລະນັກແຕ້ມ. ຊິ້ນສ່ວນເຫຼົ່ານີ້ສະແດງເຖິງຄວາມຫຼາກຫຼາຍ ແລະ ຄວາມງົດງາມຂອງສະໄຕລ໌ Art Nouveau ຕ່າງໆ.

ໂບດ Wren's City (1883) ໂດຍ Arthur Heygate Mackmurdo

ໂບດ Wren's City ໂດຍ Arthur Heygate Mackmurdoສະ​ແດງ​ໃຫ້​ເຫັນ​ຜົນ​ກະ​ທົບ​ຂອງ​ແບບ​ພາ​ສາ​ອັງ​ກິດ​ກ່ຽວ​ກັບ​ຮູບ​ແບບ Art Nouveau ໃນ​ເອີ​ຣົບ​. ຫນ້າຫົວຂໍ້ມີການໂຕ້ຕອບທີ່ສັບສົນຂອງພື້ນທີ່ທາງລົບແລະທາງບວກ, ຮູບແບບກາຟິກ, ແລະຮູບແບບທີ່ບໍ່ມີຕົວຕົນທີ່ໄດ້ມາຈາກການພັດທະນາພືດຊີວະພາບ. ເຖິງແມ່ນວ່າມີຕົວຢ່າງຂອງພາສາອັງກິດແບບ Proto-Art Nouveau ເລື້ອຍໆໃນປະຫວັດສາດ Art Nouveau, ແນວຄວາມຄິດຂອງ Mackmurdo ສໍາລັບເຄື່ອງເຟີນີເຈີ, tapestries, ແລະສິ່ງພິມທີ່ສ້າງຂຶ້ນໃນ Century Guild ລະຫວ່າງ 1882 ແລະ 1900 ສະແດງໃຫ້ເຫັນເຖິງການນໍາໃຊ້ຢ່າງຕໍ່ເນື່ອງທີ່ສຸດຂອງການເຄື່ອນໄຫວຮູບພາບພາຍໃນ Art Nouveau.

John Ruskin, ແຫຼ່ງລະດົມກຳລັງໃຈທີ່ໂດດເດັ່ນສຳລັບ Pre-Raphaelites, ແມ່ນອິດທິພົນການສ້າງສັນເບື້ອງຕົ້ນຂອງ Mackmurdo.

Mackmurdo ໄດ້ສຶກສາຫຼັກການຂອງແບບ Pre-Raphaelite ຈາກ William Morris, ຜູ້ທີ່ ຊັກຊວນໃຫ້ລາວສ້າງຕັ້ງ Century Guild ໃນປີ 1882 ພ້ອມກັບ Herbert Home, Clement Heaton, George Esling, ແລະອື່ນໆ. The Hobby Horse, ເຊິ່ງຕໍ່ມາກາຍເປັນສິ່ງພິມທີ່ໄດ້ຮັບອະນຸຍາດຈາກກຸ່ມ, ໄດ້ຮັບໃຊ້ເປັນສະຖານທີ່ສໍາລັບການໂຕ້ວາທີກ່ຽວກັບປັດຊະຍາສິລະປະ ແລະຫັດຖະກໍາ ແລະຈັດພິມຕົວຢ່າງຂອງການສ້າງຂອງມັນ.

ຫນ້າປົກຂອງ ໂບດ Wren's City ໂດຍ Mackmurdo, ພິມຈາກ The Hobby Horse (ອັງກິດ), 1883; Arthur Heygate Mackmurdo, ສາທາລະນະ, ຜ່ານ Wikimedia Commons

ເນື່ອງຈາກວ່າກິດຈະກໍາຂອງ Guild ແມ່ນການຮ່ວມມື, ມັນອາດຈະເປັນການຍາກທີ່ຈະແຍກຄວາມພະຍາຍາມສ່ວນບຸກຄົນ. Mackmurdo ຫັນປ່ຽນພື້ນທີ່ຫວ່າງເປົ່າສີຂາວ, ອ້ອມຮອບຮູບຊົງມືດເຂົ້າໄປໃນອົງປະກອບທີ່ມີການເຄື່ອນໄຫວຂອງຍົນຮູບພາບໂດຍການບິດງ່າມເປັນຮູບແບບທີ່ແປກປະຫຼາດ.

ເມື່ອສົມທຽບ, ຮູບແບບຕົ້ນໆທົ່ວໄປຂອງ William Morris ກໍານົດຮູບແບບທີ່ຊັດເຈນ, ສອດຄ່ອງກັນທາງດ້ານ optically ຢູ່ເທິງຂອງສາກຫຼັງທີ່ມີສີສັນ. , ເນັ້ນໃສ່ພື້ນໜ້າໃນຂະນະທີ່ບໍ່ສົນໃຈສາກຫຼັງ.

ນອກຈາກນັ້ນ, ເຖິງແມ່ນວ່າຮູບວໍເປເປີຂອງ Morris ມັກຈະຖືກແບ່ງອອກເປັນສ່ວນທີ່ສົມມາທິກັນຕາມລວງຕັ້ງ ຫຼືແນວນອນ, ແຕ່ Mackmurdo's ມີຄວາມກ່ຽວຂ້ອງກັນຢ່າງແໜ້ນໜາກັບຄວາມບໍ່ສະໝໍ່າສະເໝີຂອງການຈັດລະບຽບຂອງຍີ່ປຸ່ນ. .

ທີ່ Moulin Rouge (c. 1892) ໂດຍ Henri de Toulouse-Lautrec

Toulouse-Lautrec ໄດ້ຜະລິດຊິ້ນສ່ວນທີ່ຍິ່ງໃຫຍ່ທີ່ສຸດຂອງລາວ, ຢູ່ທີ່ Moulin Rouge , ໃນຂະນະທີ່ອາໄສຢູ່ໃນ Montmartre, Paris, ຕັ້ງຢູ່ໃກ້ກັບສະໂມສອນທີ່ມີຊື່ສຽງຕົວຈິງ. ຜູ້ຊົມຂອງວຽກງານສິລະປະຈະສັງເກດເຫັນວິທີທີ່ນັກສິລະປິນສາມາດເພີ່ມຕົວເລກທີ່ມີຊື່ສຽງຫຼາຍຂອງໄລຍະເວລາ. ໂຕະຢູ່ໃນຊັ້ນຄາບາເຣດຢູ່ໃຈກາງຂອງຮູບ. ມີຊາຍ ແລະຍິງຈຳນວນໜຶ່ງນັ່ງອ້ອມໂຕະ.

ໃນນັ້ນມີນັກບັນເທີງ, ຊ່າງພາບ ແລະນັກຂຽນທີ່ມີຊື່ສຽງ.

ຜູ້ຍິງ Art Nouveau ກັບຂີງ ຜົມຍັງນັ່ງຢູ່ກັບການຊຸມນຸມຢູ່ບູດ,ເຊິ່ງເຮັດໜ້າທີ່ເປັນຈຸດປະສານງານຫຼັກຂອງມັນ. ຕົວເລກຍິງແມ່ນ Jane Avril, ນັກສະແດງທີ່ມີຊື່ສຽງ. ລາວໄດ້ໄປທ່ຽວຊົມ Moulin Rouge ເລື້ອຍໆນັບຕັ້ງແຕ່ມັນຢູ່ໃກ້ກັບບ່ອນເຮັດວຽກຂອງ Toulouse-painting Lautrec.

ຢູ່ທີ່ Moulin Rouge (c. 1892) ໂດຍ Henri de Toulouse-Lautrec; Henri de Toulouse-Lautrec, ສາທາລະນະ, ຜ່ານ Wikimedia Commons

ການສ້າງຕັ້ງແມ່ນໜຶ່ງໃນຄາບາເຣດທີ່ມີຊື່ສຽງທີ່ສຸດຂອງ Montmartre. ມັນເປັນບ່ອນວາງສາຍຂອງສິລະປິນທີ່ລາວມັກ ແລະໝູ່ຮ່ວມງານຂອງລາວ. ພຣະອົງໄດ້ຈັດການທີ່ຈະສະແດງໃຫ້ເຂົາເຈົ້າ, ເຊັ່ນດຽວກັນກັບສະຖານທີ່, ໃນວຽກງານຂອງຕົນໂດຍການນໍາໃຊ້ຄວາມສາມາດຂອງຕົນໃນການຮັບຮູ້. ລາວສ້າງຜົນງານຫຼາຍຢ່າງທີ່ກ່ຽວຂ້ອງກັບ Moulin Rouge.

ລາວໃຊ້ສີເພື່ອປະກອບສ່ວນເຂົ້າໃນບັນຍາກາດ, ແຕ່ລາວຍັງໄດ້ໃຊ້ສາຍຕ່າງໆເພື່ອປະກອບສ່ວນເຂົ້າໃນຄວາມເຂັ້ມຂຸ້ນຂອງກຣາຟິກ. ໃນຮູບພາບຕ່າງໆເຊັ່ນຮູບຊົງຂອງນັກສະແດງທີ່ຕັ້ງຜົມຂອງນາງ, ລາວໃຊ້ເສັ້ນໂຄ້ງ. ອັນນີ້ຢູ່ໃນການປຽບທຽບກັບການໃຊ້ເສັ້ນຂວາງທີ່ແຂງແຮງຂອງລາວຈາກທາງລົດໄຟ ແລະພື້ນ.

ໂດຍວິທີນີ້, ພ້ອມກັບສີ, ລາວຖ່າຍທອດຄວາມຮູ້ສຶກຂອງ Moulin Rouge ໃຫ້ກັບນັກທ່ອງທ່ຽວ.

The Peacock Skirt (1893) ໂດຍ Aubrey Beardsley

Aubrey Beardsley ສ້າງ The Peacock Skirt ໃນປີ 1893. ໃນປີ 1894,ສິ່ງພິມພາສາອັງກິດຄັ້ງທຳອິດຂອງລະຄອນຂອງ Oscar Wilde Salome ລວມມີຮູບແຕ້ມຮູບແຕ້ມຮູບປາກກາ ແລະ ໝຶກເບື້ອງຕົ້ນຂອງລາວ. Salome ຖືກຂຽນເປັນພາສາຝຣັ່ງໃນປີ 1891 ເມື່ອ Wilde ອາໄສຢູ່ໃນປາຣີ. ການນຳສະເໜີເລື່ອງລາວຖືກຫ້າມໃນປະເທດອັງກິດ, ລາຍງານວ່າມັນລວມເອົາຕົວເລກໃນພຣະຄໍາພີ.

ຖືກຫ້າມບໍ່ໃຫ້ດັດແປງຮູບພະຄໍາພີສໍາລັບໂຮງລະຄອນ, ການສະແດງລະຄອນທີ່ກ້າຫານຂອງມັນຈະເຮັດໃຫ້ພວກຊົນຊັ້ນສູງວິກຕໍເຣຍຕົກຕະລຶງ. Beardsley ປະກອບວິທີການກະບົດຂອງ Wilde ຕໍ່ກັບມາດຕະຖານທາງເພດ.

The Peacock Skirt ພາບປະກອບໂດຍ Aubrey Beardsley ສໍາລັບການຫຼິ້ນຂອງ Oscar Wilde Salomé (1892); Aubrey Beardsley, ສາທາລະນະ, ຜ່ານ Wikimedia Commons

Salome ເປັນຜູ້ລ່າ, ແລະເບິ່ງຄືວ່ານາງກໍາລັງມຸ່ງໜ້າໄປເພື່ອຂ້າ. ຜູ້​ຖືກ​ລ້າ​ທີ່​ເຕັມ​ໄປ​ດ້ວຍ​ຄວາມ​ຫຍາບ​ຄາຍ​ແລະ​ເປັນ​ຍິງ​ທີ່​ດີ​ເລີດ​ຂອງ​ນາງ​ທີ່​ເປັນ “ຊາວ​ຊີ​ເຣຍ” ທີ່​ເປັນ​ພະ​ຄຳພີ​ອາດ​ເປັນ​ຜູ້ຍິງ​ຈົນ​ກວ່າ​ຄົນ​ໜຶ່ງ​ຈະ​ເຫັນ​ຫົວ​ເຂົ່າ. ໃນຂະນະທີ່ຮູບແຕ້ມຕໍ່ໄປຂອງ Beardsley ສໍາລັບຕະຫລົກຄລາສສິກທີ່ໂຫດຮ້າຍ Lysistrata ບໍ່ໄດ້ຍຶດຫມັ້ນກັບຄວາມຮູ້ສຶກ, ມັນທັງຫມົດແມ່ນສະຫຼຸບຢູ່ທີ່ນີ້. ຮູບຊົງແບບ Art Nouveau ໃນສະຖາປັດຕະຍະກຳເຫຼົ່ານັ້ນ, ໂດຍສະເພາະແມ່ນກ້ານງູຂອງຕົ້ນນົກຍຸງ, ໃຫ້ຄຳແນະນຳທີ່ລະອຽດອ່ອນຂອງກະບະ, ໃນຂະນະທີ່ເຄື່ອງປັ້ນດິນເຜົາມີລັກສະນະເປັນອະໄວຍະເພດ.

ເຖິງແມ່ນວ່າ Wilde ຕໍ່ມາໄດ້ປະຕິເສດການແຕ້ມຮູບຂອງ Beardsley ເປັນ “the ການຂູດຮີດອັນສົກກະປົກຂອງເດັກນ້ອຍທີ່ໂງ່ຈ້າ,” ລາວທໍາອິດສົ່ງຫນັງສືໃບລານໃຫ້ລາວກັບບົດລະຄອນທີ່ມີຂໍ້ຄວາມ.ໂດຍກ່າວວ່າລາວເປັນນັກແຕ້ມຄົນດຽວທີ່ຈັບມືການເຄື່ອນໄຫວຂອງ Salome.

ລາງວັນຂອງນັກເຕັ້ນລຳ (1894) ໂດຍ Aubrey Beardsley

Beardsley ຖ່າຍທອດຄວາມວິຕົກກັງວົນໃນປັດຈຸບັນກ່ຽວກັບການເສຍຊີວິດຂອງສັງຄົມບັນພະບຸລຸດຢູ່ໃນມືຂອງຜູ້ຍິງຍຸກໃໝ່ທີ່ໝັ້ນໃຈໃນ ລາງວັນນັກເຕັ້ນລຳ , ເຊິ່ງນັກສະແດງ Salome brags ຫຼາຍກວ່າລາງວັນທີ່ຖືກຕັດຫົວຂອງນາງ, ກະໂຫຼກຫົວຂອງ St John the Baptist. ການສະທ້ອນທີ່ບໍ່ຊັດເຈນຂອງທັດສະນະຂອງ John ແລະ Salome ຍັງຊີ້ໃຫ້ເຫັນບັນຫາທາງເພດ. ຍຸດທະວິທີຊໍ້າກັນຂອງ Beardsley, ເຊັ່ນ: ແຂນ Nubian ທີ່ເຮັດຫນ້າທີ່ເປັນເວທີ, ຜົມງູທີ່ເຮັດຫນ້າທີ່ເປັນສາຍນ້ໍາຂອງການນອງເລືອດ, ແລະຄໍສີຂາວທີ່ຊີ້ໃຫ້ເຫັນເຖິງສອງ bosom dangling, ໂທຫາພະລັງງານຄໍາຖາມ. ລາງວັນຂອງນັກເຕັ້ນລຳ ເປັນຕົວຢ່າງອັນດີຂອງພາບປະກອບໃນຄຸກ Victorian.

ໃນຂະນະທີ່ບາງບົດສະແດງທັດສະນະທາງສິນລະທຳກ່ຽວກັບຜົນຮ້າຍຂອງຄວາມຜິດ, ໃນຂະນະທີ່ບາງບົດພັນລະນາເຖິງຄວາມໂສກເສົ້າຂອງຄວາມຕາຍເປັນການທຳລາຍ. , ວຽກງານສິລະປະຂອງ Beardsley ແມ່ນເກີນຈິງ, ບໍ່ມີຕົວຕົນ, ແລະເສຍສະລະ.

The Dancer's Reward (1894) ໂດຍ Aubrey Beardsley; Aubrey Vincent Beardsley (21 ສິງຫາ 1872 – 16 ມີນາ 1898), ສາທາລະນະ, ຜ່ານ Wikimedia Commons

ລາວພຽງແຕ່ແນະນໍາ, ແທນທີ່ຈະເປັນການສະແດງ, ຫ້ອງຂອງນັກໂທດ, ດ້ວຍແຂນຂອງ turnkey ອອກຈາກອ່າງເກັບນ້ໍາໃຕ້ດິນເພື່ອນໍາສະເຫນີກະໂຫຼກຂອງຜູ້ຊາຍທີ່ຖືກຄາດຕະກໍາໃຫ້ກັບນັກສະແດງ. Oscar Wilde ບໍ່ພໍໃຈກັບຮູບພາບຂອງ Beardsley ສໍາລັບການຜະລິດຂອງລາວ. ຢ່າງໃດກໍຕາມ, ປະຊາກອນທົ່ວໄປທີ່ກ່ຽວຂ້ອງກັບ Beardsley ກັບ Wilde, ແລະໃນເວລາທີ່ນັກຂຽນບົດເລື່ອງໄດ້ຖືກກັກຂັງໃນປີຫນ້າສໍາລັບການກະທໍາຜິດທີ່ຮ້າຍແຮງຂອງ "ການປະພຶດທີ່ຫຍາບຄາຍ", John Lane ໄດ້ຖືກບັງຄັບໃຫ້ບໍ່ພຽງແຕ່ສູນເສຍ Wilde ຈາກບັນຊີລາຍຊື່ສິ່ງພິມຂອງລາວແຕ່ຍັງປ່ອຍໃຫ້ Beardsley ໄປເປັນ. ບັນນາທິການສິລະປະຂອງສິ່ງພິມນ້ອຍໆທີ່ຮູ້ຈັກເປັນປຶ້ມສີເຫຼືອງ.

Gismonda (1894) ໂດຍ Alphonse Mucha

ການອອກແບບ ຂອງ Gismonda ມີຄວາມຊັບຊ້ອນ ແລະ ກວ້າງຂວາງ, ເຊິ່ງເປັນສິ່ງທີ່ບໍ່ຄາດຄິດສຳລັບບາງຄົນທີ່ພະຍາຍາມວິທີການສ້າງສັນໃໝ່ໆ. Alphonse Mucha ອາດຈະມີຄວາມຕັ້ງໃຈທີ່ຈະສ້າງຄວາມປະທັບໃຈອັນໃຫຍ່ຫຼວງຕໍ່ຮູບພາບນີ້, ເຊິ່ງອາດຈະເຮັດໃຫ້ລູກຄ້າອື່ນໆຊອກຫາໂຄງການທີ່ຄ້າຍຄືກັນ. ອົງປະກອບທີ່ສຳຄັນຫຼາຍອັນທີ່ພົບເຫັນຢູ່ໃນໂປສເຕີໂປຣໂມຊັນຂອງ Mucha ສາມາດພົບໄດ້ຢູ່ບ່ອນນີ້, ລວມທັງຕົວພິມທີ່ອອກແບບຢ່າງສະຫງ່າງາມເພື່ອໂຄສະນາເຫດການ, ລາຍລະອຽດເຄື່ອງປະດັບຂອງຜູ້ຍິງແບບ Art Nouveau, ແລະເຄື່ອງສຳນຽງທີ່ປະດັບປະດາຢ່າງສວຍງາມໃນທົ່ວສາກຫຼັງ.

ຊາຣາBernhardt, ນັກສະແດງຍິງທີ່ໂດດເດັ່ນທີ່ຈະມີບົດບາດສໍາຄັນໃນການເຮັດວຽກຂອງລາວ, ຖືກເນັ້ນໃສ່ຢູ່ທີ່ນີ້.

ໂປສເຕີສໍາລັບການຜະລິດຄັ້ງທໍາອິດຂອງ Victorian Sardou ຂອງ Gismonda , ນໍາສະແດງໂດຍ Sarah Bernhardt , ທີ່ Théâtre de la Renaissance ໃນປາຣີ, 1894; Alphonse Mucha, ສາທາລະນະ, ຜ່ານ Wikimedia Commons

ລາຍການສະແດງໃໝ່ກຳລັງຈະເປີດສາຍໃນປາຣີເປັນເທື່ອທຳອິດໃນຕົ້ນປີ 1895, ແລະທຸລະກິດທີ່ຢູ່ເບື້ອງຫຼັງໄດ້ຕັດສິນໃຈຈ້າງ Mucha ເພື່ອເຮັດຕະຫຼາດ. ກັບຊຸດຂອງໂປສເຕີ. ພວກເຮົາຍັງຢູ່ຫ່າງຈາກອິນເຕີເນັດຫຼາຍປີຫຼືແມ້ກະທັ້ງການນໍາໃຊ້ໂທລະພາບໃນທ້າຍສະຕະວັດທີ 19, ດັ່ງນັ້ນສື່ສິ່ງພິມແມ່ນມີຄວາມສໍາຄັນສູງໃນການໂຄສະນາທຸກສິ່ງທຸກຢ່າງແລະສິ່ງໃດກໍ່ຕາມ. ມີໂອກາດໄດ້ວຽກເຮັດງານທຳຫຼາຍສຳລັບນັກສິລະປິນຄົນໃດຄົນໜຶ່ງທີ່ສາມາດວາງເປົ້າໝາຍໄວ້ໄດ້, ແລະ Mucha ແມ່ນໜຶ່ງໃນຜູ້ທຳອິດ.

ໂດຍວິທີທາງການ, Bernhardt ບໍ່ພຽງແຕ່ເປັນນັກສະແດງໃນລະຄອນເທົ່ານັ້ນແຕ່ ຜູ້ອໍານວຍການຂອງຕົນ, ດັ່ງນັ້ນນາງອາດມີຄໍາເວົ້າບາງຢ່າງໃນຜູ້ທີ່ຖືກເລືອກສໍາລັບຄະນະກໍາມະການສິລະປະຂອງ Art Nouveau.

The May Queen (1900) ໂດຍ Margaret Macdonald

The May Queen ເປັນຜົນງານທີ່ມີຊື່ສຽງໂດ່ງດັງຂອງ Margaret Macdonald, ເຊິ່ງສ້າງຂຶ້ນໃນປີ 1900. ປີຫຼາຍນາງ