ການລວມເຂົ້າກັນຫຼັງຈາກສົງຄາມໂລກຄັ້ງທີ 2, ການເຄື່ອນໄຫວສະແດງອອກໄດ້ເລີ່ມປະກົດຕົວຂຶ້ນໃນເມືອງຕ່າງໆທົ່ວເຢຍລະມັນ ເພື່ອຕອບສະໜອງຕໍ່ຄວາມໂຫດຮ້າຍທີ່ເກີດຂຶ້ນ. ການ​ເຄື່ອນ​ໄຫວ​ສິລະ​ປະ​ໄດ້​ຖືກ​ເບິ່ງ​ວ່າ​ເປັນ​ປະຕິກິລິຍາ​ທີ່​ຖືກຕ້ອງ​ຕໍ່​ຄວາມ​ວິຕົກ​ກັງວົນ​ທີ່​ກວ້າງ​ຂວາງ​ແລະ​ເພີ່ມ​ຂຶ້ນ​ຢູ່​ອ້ອມ​ຮອບ​ສາຍ​ພົວພັນ​ທີ່​ເຄັ່ງ​ຕຶງ​ຂອງ​ມະນຸດ​ກັບ​ໂລກ​ຫຼັງ​ສົງຄາມ. ໃນຖານະເປັນຮູບແບບສິລະປະໃນຕົ້ນສະຕະວັດທີ 20, ການສະແດງອອກໄດ້ພັດທະນາເປັນຮູບແບບທີ່ມີອໍານາດຂອງການວິພາກວິຈານທາງສັງຄົມທີ່ເຕັມໄປດ້ວຍຄວາມຮູ້ສຶກ. ຂ້າງລຸ່ມນີ້, ພວກເຮົາຈະໄດ້ສໍາຫຼວດບາງນັກສິລະປິນ Expressionist ທີ່ສໍາຄັນທີ່ສຸດຕະຫຼອດເວລາ.

ສິລະປະການສະແດງອອກແມ່ນຫຍັງ?

ໂດຍໃຊ້ເວລາປະມານ 15 ປີ, ຈາກ 1905 ຫາ 1920, ການເຄື່ອນໄຫວ Expressionism ພັດທະນາໂດຍພື້ນຖານໃນເອີຣົບ. ເຢຍ​ລະ​ມັນ​ໄດ້​ຮັບ​ການ​ພິ​ສູດ​ວ່າ​ເປັນ​ປະ​ເທດ​ຕົ້ນ​ກໍາ​ເນີດ​ທີ່​ເດັ່ນ​, ເນື່ອງ​ຈາກ​ວ່າ​ສ່ວນ​ໃຫຍ່​ຂອງ​ນັກ​ສິ​ລະ​ປິນ Expressionist ເດັ່ນ​ທີ່​ສຸດ​ແມ່ນ​ເຍຍ​ລະ​ມັນ​. ແນວໃດກໍ່ຕາມ, ອອສເຕຣຍ ແລະ ຝຣັ່ງ ຍັງເປັນບາງພາກພື້ນທີ່ສຳຄັນທີ່ສິລະປະການສະແດງອອກໄດ້ພັດທະນາ, ບ່ອນທີ່ມີຫົວຂໍ້ຕ່າງໆ ເຊັ່ນ: ຕົນເອງ, ຈິດໃຈ, ແລະທາງເພດຖືກຄົ້ນພົບ.

ນັກສິລະປະການສະແດງອອກທັງໝົດ, ບໍ່ວ່າຈະເປັນສັນຊາດໃດກໍ່ຕາມ, ພະຍາຍາມສະແດງອອກ. ປະສົບການທາງອາລົມແທນທີ່ຈະເປັນຄວາມເປັນຈິງທາງກາຍ.

ພະຍຸ (1915) ໂດຍ Ilmari Aalto ; EMMA – Espoo Museum of Modern Art, public domain, via Wikimedia Commons

ຕາມຊື່ທີ່ແນະນຳ, ຄຳວ່າ "ການສະແດງອອກ" ຖືກໃຊ້ເພື່ອສະແດງເຖິງຮູບແຕ້ມທີ່ສະແດງເຖິງບັນຊີສ່ວນຕົວ ແລະ ຫົວຂໍ້ທີ່ບໍ່ໜ້າເຊື່ອຂອງສີສັນ.

ອັນນີ້ເຮັດໃຫ້ຜົນງານຂອງລາວກາຍເປັນຄວາມຝັນຢ່າງບໍ່ໜ້າເຊື່ອ, ເຊິ່ງຖືກເນັ້ນໃສ່ຕື່ມອີກໂດຍການແຕ້ມຮູບທີ່ເລິກເຊິ່ງ ແລະ ເລິກເຊິ່ງຂອງລາວ.

Franz Marc (1880 – 1916) <12

ສັນຊາດ	ເຢຍລະມັນ
ບ່ອນທີ່ນັກສິລະປິນອາໄສຢູ່	ເຢຍລະມັນ ແລະຝຣັ່ງ
ການເຄື່ອນໄຫວສິລະປະທີ່ກ່ຽວຂ້ອງ	ການສະແດງອອກ
ຮູບແຕ້ມທີ່ມີຊື່ສຽງຫຼາຍທີ່ສຸດ	ມ້າສີຟ້າ (1911) ຫໍຄອຍຂອງມ້າສີຟ້າ (1913) Fate of the Animals (1913)

ສິນລະປິນອີກຄົນໜຶ່ງໃນລາຍຊື່ນັກແຕ້ມ Expressionist ສຳຄັນທີ່ເປັນສ່ວນຫນຶ່ງຂອງກຸ່ມ Der Blaue Reiter ແມ່ນນັກແຕ້ມຊາວເຢຍລະມັນ ແລະ ຊ່າງ​ພິມ Franz Marc. ໃນຖານະເປັນຜູ້ກໍ່ຕັ້ງອື່ນໆຂອງກຸ່ມ, ພ້ອມກັບ Wassily Kandinsky, Marc ມີບົດບາດສໍາຄັນໃນການພັດທະນາໂດຍລວມແລະການປະກົດຕົວຂອງການເຄື່ອນໄຫວສິລະປະ Expressionistic. ວຽກງານຜູ້ໃຫຍ່ຂອງລາວສ່ວນຫຼາຍແມ່ນເປັນທີ່ຮູ້ຈັກສໍາລັບສີສັນສົດໃສແລະການສະແດງຂອງສັດ. ບາງຜົນງານທີ່ມີຊື່ສຽງຂອງລາວລວມມີ Blue Horses (1911), The Tower of Blue Horses (1913), ແລະ Fate of the Animals (1913).

The Tower of Blue Horses (1913) ໂດຍ Franz Marc; Franz Marc, ສາທາລະນະ, ຜ່ານ Wikimedia Commons

ຮູບແຕ້ມຂອງ Marc ສະແດງໃຫ້ເຫັນເຖິງຄວາມວິຕົກກັງວົນທີ່ເພີ່ມຂຶ້ນທີ່ຮູ້ສຶກໃນຕົ້ນສະຕະວັດທີ 20 ຂອງເອີຣົບ, ຍ້ອນວ່າຜູ້ຄົນໄດ້ຕໍ່ສູ້ເພື່ອຮັບມືກັບໂລກຕົວເມືອງທີ່ມີການປ່ຽນແປງຢ່າງໄວວາ. ແມ່ນໃນ brink ຂອງສົງຄາມ. ຮູບແຕ້ມຂອງລາວສ່ວນຫຼາຍແມ່ນສະແດງເຖິງສັດ, ໂດຍສະເພາະມ້າ, ເຊິ່ງເຮັດໃຫ້ຜົນງານຂອງລາວຖືກເບິ່ງວ່າ "ເສື່ອມໂຊມ" ໂດຍພວກນາຊີ.

ເຖິງວ່າຜົນງານເກືອບທັງໝົດຂອງລາວຈະຖືກທາສີໃນສະໄໝສົງຄາມໂລກຄັ້ງທີ 2, ສ່ວນຫຼາຍ ພວກມັນລອດຊີວິດຈາກສົງຄາມ ແລະຖືກສະແດງຢູ່ທົ່ວໂລກໃນມື້ນີ້.

Franz Marc, 1910; ຜູ້ຂຽນທີ່ບໍ່ຮູ້ຈັກ Unknown author, public domain, via Wikimedia Commons

ເມື່ອເບິ່ງຜົນງານສິລະປະຂອງລາວ, Marc ມີຊື່ສຽງທີ່ສຸດສຳລັບ ຮູບແຕ້ມຂອງມ້າ ທີ່ລາວເຄີຍໃຊ້. ຖ່າຍທອດຂໍ້ຄວາມທີ່ບໍ່ມີຕົວຕົນແຕ່ຮ້າຍແຮງກ່ຽວກັບມະນຸດ, ໂລກທໍາມະຊາດ, ແລະຈຸດຫມາຍປາຍທາງຂອງມະນຸດ. ລາວໃຫ້ສີສັນທີ່ມີຄວາມໝາຍທາງດ້ານຈິດໃຈ ແລະຈິດໃຈຢ່າງເລິກເຊິ່ງ, ໂດຍມີສີຟ້າໃຊ້ເພື່ອພັນລະນາເຖິງຄວາມເປັນຊາຍ ແລະຈິດວິນຍານ. ແຕ່ຫນ້າເສຍດາຍ, Marc ໄດ້ເສຍຊີວິດໃນສົງຄາມໂລກຄັ້ງຫນຶ່ງໃນລະຫວ່າງການສູ້ຮົບ Verdun ໃນເວລາພຽງແຕ່ 36 ປີ. .

Ernst Ludwig Kirchner (1880 – 1938)

ສຳຄັນສະມາຊິກຜູ້ກໍ່ຕັ້ງຂອງການເຄື່ອນໄຫວ Expressionism ແມ່ນ ຈິດຕະກອນເຍຍລະມັນ Ernst Ludwig Kirchner, ຜູ້ທີ່ເປັນກໍາລັງຂັບເຄື່ອນທີ່ສໍາຄັນໃນກຸ່ມ Die Brücke. ເນື່ອງຈາກການມີສ່ວນຮ່ວມຂອງລາວກັບ Expressionists ເຫຼົ່ານີ້, Kirchner ໄດ້ສືບຕໍ່ຖືກເຫັນວ່າເປັນຫນຶ່ງໃນບັນດານັກສິລະປິນທີ່ມີພອນສະຫວັນແລະສໍາຄັນທີ່ສຸດຂອງນັກສິລະປິນເຍຍລະມັນ. ຮູບແຕ້ມທີ່ສະເຫຼີມສະຫຼອງຫຼາຍທີ່ສຸດຂອງລາວລວມມີ ຖະຫນົນ, Berlin (1913), ຮູບຕົນເອງເປັນທະຫານ (1915), ແລະ Davoser Café (1928).

Davoser Café (1928) ໂດຍ Ernst Ludwig Kirchner; Ernst Ludwig Kirchner, ສາທາລະນະ, ຜ່ານ Wikimedia Commons

ຮູບແຕ້ມຂອງ Kirchner ມີຄວາມຝັນຢ່າງບໍ່ໜ້າເຊື່ອ ເນື່ອງຈາກສີທີ່ໃຊ້ ແລະຕົວລະຄອນທີ່ສະແດງ, ຍ້ອນວ່າລາວເຄີຍແຕ້ມຫົວຂໍ້ຂອງລາວຢູ່ໃນໂລກແຫ່ງຄວາມທຸກ ແລະ ສັບສົນ. . ລາວໄດ້ຮັບການດົນໃຈຈາກຄວາມກັງວົນດຽວກັນທີ່ເຮັດໃຫ້ການເຄື່ອນໄຫວຂອງ Expressionism ຕົກຢູ່ໃນສະພາບລວມ, ສະແດງໃຫ້ເຫັນເຖິງຄວາມວິຕົກກັງວົນກ່ຽວກັບສະຖານທີ່ຂອງມະນຸດໃນໂລກທີ່ທັນສະໄຫມເຊັ່ນດຽວກັນກັບຄວາມຮູ້ສຶກທາງວິນຍານແລະຄວາມຈິງທີ່ຂາດຫາຍໄປ.

ນີ້ເຮັດໃຫ້ລາວມີຄຸນລັກສະນະຂອງລາວ. ໃຊ້ໄດ້ກັບທ່ອນໄມ້ທີ່ມີສີສັນສົດຊື່ນ, ບິດບ້ຽວກວ້າງ ແລະຂັດກັນ, ເຊັ່ນດຽວກັນກັບຮູບແບບແຫຼມ ແລະມຸມ.

Ernst Ludwig Kirchner; Ernst Ludwig Kirchner, ສາທາລະນະ, ຜ່ານ Wikimedia Commons

ໃນລະຫວ່າງສົງຄາມໂລກຄັ້ງທີສອງ, Nazis ໄດ້ຈັດປະເພດສິລະປະຂອງລາວເປັນ "ເສື່ອມໂຊມ" ພ້ອມກັບນັກສິລະປິນອື່ນໆຈໍານວນຫຼາຍ, ດ້ວຍຮູບແຕ້ມຂອງລາວຫຼາຍກວ່າ 600 ແຜ່ນ.ຖືກຫັກຫຼືຖືກຂາຍ. ອັນນີ້ເຮັດໃຫ້ເກີດຄວາມຢ້ານກົວທີ່ເພີ່ມຂຶ້ນໃນຊີວິດສ່ວນຕົວຂອງລາວ, ເຊິ່ງຕໍ່ມາກາຍເປັນຄວາມຊຶມເສົ້າ.

ຄວາມຮູ້ສຶກຂອງຄວາມສັບສົນທີ່ລາວຮູ້ສຶກໃນຊີວິດຂອງຕົນເອງສາມາດເຫັນໄດ້ຊັດເຈນໃນວຽກງານສິລະປະທີ່ສັບສົນຂອງລາວ, ແລະນີ້ ໄດ້ຜ່ານຄວາມວຸ້ນວາຍພາຍໃນທີ່ລາວກຳລັງປະສົບຢູ່.

ໃນປີ 1938, ໃນຂະນະທີ່ອາໄສຢູ່ໃນສະວິດເຊີແລນ, Kirchner ໄດ້ເສຍຊີວິດດ້ວຍການຂ້າຕົວຕາຍເມື່ອລາວມີອາຍຸພຽງ 58 ປີ. ແນວໃດກໍ່ຕາມ, ບາງລາຍງານຍັງສົງໄສວ່າມັນເປັນການຂ້າຕົວຕາຍ.<3

Karl Schmidt-Rottluff (1884 – 1976)

ນັກສະແດງທີ່ໂດດເດັ່ນຫຼາຍຄົນມາຈາກເຢຍລະມັນ, ໂດຍນັກສິລະປິນ Karl Schmidt-Rottluff ບໍ່ມີຂໍ້ຍົກເວັ້ນ. ໃນຖານະເປັນຫນຶ່ງໃນຜູ້ກໍ່ຕັ້ງຂອງກຸ່ມ Die Brücke, Schmidt-Rottluff ໄດ້ແບ່ງປັນຄວາມປາດຖະຫນາກັບເພື່ອນຮ່ວມງານຂອງລາວທີ່ຈະຍົກເລີກກົດລະບຽບສັງຄົມທີ່ຈໍາກັດໃນເວລານັ້ນ, ເຊັ່ນດຽວກັນກັບປະເພນີກ່ຽວກັບຄວາມງາມແລະການຝຶກອົບຮົມທາງວິຊາການທີ່ສອນຢູ່ໃນໂຮງຮຽນສິລະປະ. ບາງຮູບແຕ້ມຂອງລາວທີ່ສະເຫຼີມສະຫຼອງແມ່ນ ເຮືອນໃນຕອນກາງຄືນ (1912), ແມ່ຍິງກັບຖົງ (1915), ແລະ ກຸ່ມນັກສິລະປິນ (1926-1927).

A Group of Artists (1926-1927) ໂດຍKarl Schmidt-Rottluff; Ernst Ludwig Kirchner, ສາທາລະນະ, ຜ່ານ Wikimedia Commons

ຫຼັງຈາກການຊ່ວຍສ້າງຕັ້ງກຸ່ມ, Schmidt-Rottluff ໄດ້ຍ້າຍໄປ Berlin, ບ່ອນທີ່ລາວໄດ້ສືບຕໍ່ແຕ້ມຮູບໃນແບບຂອງ Die Brücke ເຖິງວ່າຈະມີການເຄື່ອນໄຫວ. disbanding ບໍ່​ດົນ​ຫຼັງ​ຈາກ​ການ​ເຄື່ອນ​ໄຫວ​ຂອງ​ຕົນ​. ອຸດົມການ avant-garde ທີ່ລາວພັດທະນາຢູ່ໃນກຸ່ມນີ້ຢູ່ກັບລາວຕະຫຼອດອາຊີບຂອງລາວ, ເຊິ່ງສາມາດເຫັນໄດ້ໃນຮູບແຕ້ມທີ່ລາວຜະລິດ. ເຖິງວ່າຈະມີການຮັບໃຊ້ໃນສົງຄາມໂລກຄັ້ງທີ 1 ຢູ່ທາງທິດຕາເວັນອອກຈາກ 1915 ຈົນເຖິງ 1918, ປະສົບການນີ້ບໍ່ເຄີຍມີອິດທິພົນຕໍ່ຮູບແຕ້ມຂອງລາວຢ່າງຫຼວງຫຼາຍ.

ຫຼັງຈາກສົງຄາມ, ອາຊີບຂອງລາວໄດ້ເພີ່ມຂຶ້ນແລະລາວເລີ່ມປະສົບຜົນສໍາເລັດຢ່າງຫຼວງຫຼາຍ.

ນັກແຕ້ມຊາວເຢຍລະມັນຊາວ Fauvist, Karl Schmidt-Rottluff, ກ່ອນປີ 1920; ຜູ້ຂຽນທີ່ບໍ່ຮູ້ຈັກ Unknown author, public domain, via Wikimedia Commons

ເຊັ່ນດຽວກັບເພື່ອນນັກສິລະປິນ Expressionism ເຍຍລະມັນ, ຮູບແຕ້ມຂອງ Schmidt-Rottluff ໄດ້ຖືກໝາຍວ່າ "ເສື່ອມເສຍ" ໂດຍ Nazis ໃນການສ້າງຂຶ້ນມາສູ່ໂລກ. ສົງຄາມສອງ. ຜົນງານຂອງລາວໄດ້ຖືກຍຶດມາຈາກຫໍພິພິທະພັນ, ເຊິ່ງກະຕຸ້ນໃຫ້ລາວຊ່ວຍສ້າງຕັ້ງພິພິທະພັນໃນ Berlin ທີ່ອຸທິດຕົນໂດຍສະເພາະສໍາລັບວຽກງານຂອງນັກສິລະປິນ Die Brücke ຫຼັງຈາກສົງຄາມສິ້ນສຸດລົງ.

ໄດ້ສຶກສາສະຖາປັດຕະຍະກໍາໃນເບື້ອງຕົ້ນກ່ອນທີ່ຈະຫັນໄປສູ່ສິລະປະ. , Schmidt-Rottluff ສືບຕໍ່ສະແດງຄວາມສົນໃຈໃນຮູບແບບສາມມິຕິ, ເຊິ່ງສາມາດເຫັນໄດ້ຜ່ານຮູບສີ່ຫລ່ຽມແລະຮູບສີ່ຫລ່ຽມທີ່ລາວແຕ້ມ.

Egon Schiele (1890 – 1918)

ນັກແຕ້ມຊາວອອສເຕຣຍ Egon Schiele ພົບເຫັນຕົນເອງຢູ່ໃນລາຍຊື່ນັກແຕ້ມ Expressionist ທີ່ມີຊື່ສຽງ ເນື່ອງຈາກກາຟິກລາຍເຊັນຂອງລາວ ແບບທີ່ຮັບຮູ້ໄດ້ທັນທີ. ໃນຖານະເປັນ protégéຂອງສັນຍາລັກ Gustav Klimt , Schiele ເປັນຮູບແຕ້ມຮູບທີ່ໂດດເດັ່ນໃນຕອນຕົ້ນຂອງສະຕະວັດທີ 20 ໄດ້. ເຖິງວ່າຈະມີຊີວິດສັ້ນແລະການເຮັດວຽກ, Schiele ໄດ້ຖືກຈົດຈໍາສໍາລັບການປະກອບສ່ວນທີ່ສໍາຄັນຂອງລາວໃນສິລະປະການສະແດງ. ບາງຮູບແຕ້ມຂອງລາວທີ່ຮູ້ຈັກກັນດີລວມມີ ຮູບຕົນເອງກັບ Physalis (1912), Woman With Black Stockings (1914), ແລະ Sitting Woman with leg drawn Up (1917) 3>

ເມື່ອພິຈາລະນາຮູບແຕ້ມຂອງ Schiele, ການບິດເບືອນຮູບຊົງທີ່ຮຸນແຮງ ແລະຮູບຮ່າງທີ່ບິດເບືອນໄດ້ປະກົດວ່າເປັນລັກສະນະທີ່ໂດດເດັ່ນທີ່ສຸດຂອງລາວ. ນີ້ສະແດງໃຫ້ເຫັນເຖິງການຕໍ່ຕ້ານຢ່າງກ້າຫານຂອງລາວຕໍ່ກັບຮູບແບບພື້ນເມືອງ ແລະມາດຕະຖານຂອງຄວາມງາມ, ຍ້ອນວ່າ Schiele ໄດ້ເຮັດວຽກເພື່ອບິດເບືອນຕົວເລກຂອງລາວໃຫ້ຫຼາຍເທົ່າທີ່ເປັນໄປໄດ້.ການປະກົດຕົວຂອງພວກມັນກາຍເປັນສິ່ງທີ່ສະແດງອອກ ແລະມີຄວາມໝາຍຫຼາຍຂຶ້ນ.

ຮູບຄົນ ແລະຮູບຕົນເອງຫຼາຍຮູບຂອງລາວໄດ້ຖືກສັງເກດເຫັນວ່າມີຄວາມເຂັ້ມຂຸ້ນ ແລະຄວາມຮູ້ສຶກທີ່ບໍ່ໄດ້ຮັບການປັບປຸງ, ເພາະວ່າ Schiele ສາມາດສ້າງການສຳຫຼວດຢ່າງເຂັ້ມຂຸ້ນຂອງທັງຈິດວິນຍານຂອງຕົວແບບ ແລະທາງເພດຂອງລາວ. .

Egon Schiele, 1918; unattributed, public domain, via Wikimedia Commons

ເຖິງແມ່ນວ່າຈະຕາຍເມື່ອອາຍຸ 28 ປີຈາກໄຂ້ຫວັດສະເປນ, Schiele ແກະສະຫຼັກອອກເປັນອາຊີບທີ່ອຸດົມສົມບູນຫຼາຍເຖິງແມ່ນວ່າສັ້ນສໍາລັບຕົນເອງ. ລາວຍັງຄົງມີຊື່ສຽງບໍ່ພຽງແຕ່ສໍາລັບຮູບແຕ້ມທາງດ້ານຈິດໃຈແລະ erotically ຂອງລາວ, ແຕ່ຍັງສໍາລັບຊີວິດທີ່ຫນ້າປະທັບໃຈຂອງລາວ. ລາວດຳລົງຊີວິດແບບຫຍາບຄາຍທີ່ບໍ່ຮູ້ຈັກດີ, ເຊິ່ງຖືກໝາຍໂດຍເລື່ອງອື້ສາວ ແລະ ຊື່ສຽງ. Schiele ຍັງໄດ້ເສຍຊີວິດພຽງແຕ່ສາມມື້ຫຼັງຈາກການເສຍຊີວິດຂອງພັນລະຍາທີ່ຖືພາຂອງລາວ.

ເຖິງແມ່ນວ່າວິຖີຊີວິດຂອງລາວອາດຈະເປັນຄໍາຖາມ, ການເສຍຊີວິດທີ່ບໍ່ໄດ້ກໍານົດເວລາຂອງ Schiele ເປັນສິ່ງທີ່ຫນ້າອັບອາຍໃນຂະນະທີ່ລາວຢູ່ໃນຂອບຂອງຄວາມສໍາເລັດທີ່ມີກໍາໄລທີ່ຫລົບຫນີລາວ. ອາຊີບຜ່ານມາ.

Janet Sobel (1893 – 1968)

ບໍ່ມີຊື່ (1946)

ໜຶ່ງໃນຫຼາຍທີ່ສຸດ ນັກສິລະປິນ Abstract Expressionist ທີ່ມີຊື່ສຽງມາຈາກການເຄື່ອນໄຫວແມ່ນນັກແຕ້ມຊາວຢູເຄຣນ ອາເມລິກາ Janet Sobel. ພຽງແຕ່ເລີ່ມຕົ້ນການເຮັດວຽກຂອງນາງໃນອາຍຸ 45 ປີ, Sobel ແມ່ນນັກສິລະປິນທໍາອິດທີ່ເຄີຍໃຊ້ເຕັກນິກການນ້ໍາຈືດທີ່ມີອິດທິພົນຕໍ່ Jackson Pollock ທີ່ຍິ່ງໃຫຍ່, ເຊັ່ນດຽວກັນກັບນັກວິຈານສິລະປະທີ່ມີຊື່ສຽງ Clement Greenberg. ໃນຂະນະທີ່ນາງຖືກລະເວັ້ນຢ່າງຫນ້າເສຍດາຍໃນລະຫວ່າງການເຮັດວຽກຂອງນາງ, Sobel ໄດ້ສ້າງວຽກງານສິລະປະທີ່ເຄົາລົບນັບຖືໃນມື້ນີ້. ບາງສ່ວນຂອງພວກມັນລວມມີ The Burning Bush (1944), ທາງຊ້າງເຜືອກ (1945), ແລະ ບໍ່ມີຊື່ (1946).

ເກີດໃນຢູເຄລນ. ແຕ່ຍ້າຍໄປອາເມລິກາເມື່ອອາຍຸ 15 ປີ, Sobel ໄດ້ແຕ່ງງານກັບຜົວຂອງນາງໃນເວລາທີ່ນາງມີອາຍຸພຽງແຕ່ 16. ຫຼັງຈາກມີລູກ, Sobel ໄດ້ອຸທິດຊີວິດຂອງນາງໃນການລ້ຽງລູກຂອງນາງແລະພຽງແຕ່ເລີ່ມທົດລອງສິລະປະໃນປີ 1937. ນາງໄດ້ເລີ່ມຕົ້ນສິລະປະຂອງນາງ. ອາຊີບການແຕ້ມຮູບແບບບໍ່ມີຕົວຕົນ ແລະເປັນຮູບຈຳລອງຕົ້ນຕໍ, ຈົນກວ່າລູກຊາຍຂອງນາງຈະຮັບຮູ້ເຖິງພອນສະຫວັນອັນບໍລິສຸດຂອງນາງ ແລະ ໄດ້ຊ່ວຍເພີ່ມຄວາມກ້າວໜ້າທາງດ້ານສິລະປະຂອງນາງ.

ໃນຕອນນີ້, ຜົນງານຂອງ Sobel ໄດ້ຖືກແບ່ງປັນກັບນັກສິລະປິນ Surrealist Max Ernst ແລະ André Breton, ຜູ້ທີ່ຮັບຮູ້ຄວາມສາມາດທີ່ແທ້ຈິງຂອງນາງ.

ເມື່ອໄດ້ເບິ່ງງານວາງສະແດງຄັ້ງທໍາອິດຂອງນາງ, Greenberg ໄດ້ໃຫ້ກຽດແກ່ Sobel ໃນການສະແດງ "ຮູບແຕ້ມທັງຫມົດ" ປະເພດທໍາອິດທີ່ເຄີຍເຫັນ. ຫຼັງຈາກທີ່ນາງກາຍເປັນນັກສິລະປິນ, Sobel ກໍ່ໄດ້ພັດທະນາເຕັກນິກການ drip ທີ່ເປັນສັນຍາລັກທີ່ຈະສືບຕໍ່ເຮັດໃຫ້ Pollock ກາຍເປັນ Abstract Expressionist ທີ່ມີຊື່ສຽງ.

ເຖິງວ່າຈະມີການປະກອບສ່ວນອັນໃຫຍ່ຫຼວງທີ່ຮູບແຕ້ມຂອງນາງເຮັດໃຫ້.ການເຄື່ອນໄຫວ Abstract Expressionist, Sobel ຖືກມອງຂ້າມສ່ວນໃຫຍ່ໃນລະຫວ່າງການເຮັດວຽກຂອງນາງ, ເນື່ອງຈາກສັງຄົມບໍ່ສົນໃຈແມ່ຍິງວ່າມີຄວາມສາມາດຜະລິດສິລະປະທີ່ມີຄຸນນະພາບໃນເວລານັ້ນ.

Clyfford Still (1904 – 1980)

ນັກສະແດງບົດຄັດຫຍໍ້ທີ່ເກືອບບໍ່ຮູ້ຈັກເມື່ອປຽບທຽບ ກັບເພື່ອນນັກສິລະປິນນິວຢອກຂອງລາວແມ່ນນັກແຕ້ມຊາວອາເມລິກາ Clyfford Still. ຢ່າງໃດກໍຕາມ, ລາວໄດ້ຖືກພິຈາລະນາຢ່າງກວ້າງຂວາງວ່າເປັນສະມາຊິກທີ່ມີພອນສະຫວັນທີ່ສຸດທີ່ຈະອອກຈາກການເຄື່ອນໄຫວ Abstract Expressionist ເຖິງແມ່ນວ່າໄດ້ຮັບຄວາມສົນໃຈຈໍາກັດ. ຍັງເປັນທີ່ຮູ້ຈັກສໍາລັບທັດສະນະຄະຕິທີ່ດື້ດ້ານແລະບໍ່ປະນີປະນອມຂອງລາວ, ເຊິ່ງເຮັດໃຫ້ຄົນອື່ນລັງເລທີ່ຈະເຮັດວຽກກັບລາວຫຼືສະແດງສິລະປະຂອງລາວ. ບາງຮູບແຕ້ມທີ່ຍິ່ງໃຫຍ່ຂອງລາວລວມມີ 1948-C (1948), 1957-D-No. ໑ ຂາດ​ຢ່າງ​ສິ້ນ​ເຊີງ​ໃນ​ຫົວ​ຂໍ້​ໃດ​ຫນຶ່ງ​ທີ່​ຈະ​ແຈ້ງ​. ໃນການເຮັດວຽກຕໍ່ມາຂອງລາວ, ຍັງສຸມໃສ່ການຂະຫຍາຍຂະຫນາດໃຫຍ່ຂອງສີບໍລິສຸດໃສ່ຜ້າໃບຂອງລາວ, ເຊິ່ງໄດ້ຜົນ.ເພື່ອກະຕຸ້ນໃຫ້ເກີດການປະທະກັນທີ່ໂດດເດັ່ນລະຫວ່າງມະນຸດກັບທຳມະຊາດທີ່ເກີດຂຶ້ນໃນລະດັບອັນໃຫຍ່ຫຼວງ.

ລາວອະທິບາຍພາບແຕ້ມຂອງລາວວ່າເປັນຜົນມາຈາກຊີວິດແລະຄວາມຕາຍທີ່ຜະສົມຜະສານກັນທີ່ໜ້າຢ້ານ, ເຊິ່ງລາວໄດ້ເນັ້ນໃສ່ໂດຍການເພີ່ມຄວາມຄິດຂອງຕົນເອງ. ຕໍ່ກັບວຽກງານ.

ໃນຖານະຜູ້ສະໜັບສະໜູນອັນໜັກແໜ້ນຂອງຄຸນຄ່າທາງສິນລະທຳຂອງສິລະປະໃນໂລກທີ່ສັບສົນ ແລະ ທັນສະໄໝ, ຮູບແຕ້ມ Still's ສືບຕໍ່ມີອິດທິພົນຕໍ່ນັກແຕ້ມ Color Field ລຸ້ນທີສອງ. ຫົວຂໍ້ສູນກາງທີ່ສາມາດເຫັນໄດ້ໃນທຸກໆວຽກງານຂອງລາວແມ່ນການຕໍ່ສູ້ທີ່ມີຢູ່ແລ້ວຂອງວິນຍານຂອງມະນຸດຕໍ່ກັບກໍາລັງຂອງທໍາມະຊາດ. ເຖິງວ່າຈະມີຄວາມບໍ່ເປັນຕົວຕົນໃນໂລກສິລະປະ, ການປະຕິເສດຂອງ Still's ທີ່ຈະຫຼຸດລົງມູນຄ່າຂອງວຽກງານຂອງຕົນໂດຍຜ່ານການເຂົ້າຮ່ວມໃນງານວາງສະແດງ "ຊັ້ນຕ່ໍາ" ເຮັດໃຫ້ຊື່ສຽງຂອງລາວຫຼຸດລົງຕື່ມອີກ.

ການຫລີກລ້ຽງໂລກສິລະປະສ່ວນໃຫຍ່, ມັນແມ່ນ ເປັນສິ່ງມະຫັດສະຈັນທີ່ສິລະປະຂອງລາວຈະເລີນຮຸ່ງເຮືອງຂຶ້ນ.

Jackson Pollock (1912 – 1956)

ອາດຈະເປັນນັກສິລະປິນ Abstract Expressionist ທີ່ມີຊື່ສຽງທີ່ສຸດເທົ່າທີ່ເຄີຍມີມາແມ່ນນັກແຕ້ມອາເມລິກາ Jackson Pollock, ເຊິ່ງຖືກເບິ່ງຢ່າງກວ້າງຂວາງວ່າເປັນເດັກໂປດເຕີສໍາລັບທຸກຄົນ.ສິ່ງ​ທີ່​ນັກ​ສິລະ​ປິນ​ໄດ້​ຮັບ​ຮູ້​ຢູ່​ໃນ​ໂລກ​ອ້ອມ​ຂ້າງ​ເຂົາ​ເຈົ້າ​ພາຍຫຼັງ​ສົງຄາມ​ໂລກ​ຄັ້ງ​ທີ​ສອງ​ສິ້ນ​ສຸດ​ລົງ. ໄດ້ຮັບການກະຕຸ້ນໂດຍການຕໍ່ຕ້ານວັດທະນະທໍາ bourgeois ແລະການຊອກຫາຄວາມກະຕືລືລົ້ນສໍາລັບຄວາມຄິດສ້າງສັນທີ່ສົດຊື່ນ, Expressionism ໄດ້ນໍາໃຊ້ສີທີ່ເກີນແລະສູງ ທີ່ຖ່າຍທອດຄວາມຮູ້ສຶກທີ່ຮຸນແຮງຢ່າງພຽງພໍ ສິລະປິນກໍາລັງປະສົບ.

ສິລະປະສະແດງອອກແມ່ນ ຈໍາແນກໄດ້ໂດຍຈັງຫວະຂອງແປງກວ້າງ, ການລະເບີດຂອງສີ vivid, ແລະຮູບແບບທີ່ບໍ່ມີຕົວຕົນທີ່ສຸດ. ຈຸດປະສົງໂດຍລວມຂອງການເຄື່ອນໄຫວແມ່ນເພື່ອໃຫ້ນັກສິລະປິນສະແດງຄວາມຮູ້ສຶກຂອງເຂົາເຈົ້າຕໍ່ກັບຄວາມເປັນຈິງໃຫມ່ຂອງເຂົາເຈົ້າ, ກົງກັນຂ້າມກັບພຽງແຕ່ການພັນລະນາເຖິງຄວາມເປັນຈິງທາງດ້ານຮ່າງກາຍຂອງເຂົາເຈົ້າສໍາລັບສິ່ງທີ່ມັນແມ່ນ.

ເນື່ອງຈາກນີ້, ການເຄື່ອນໄຫວ Expressionism ພິສູດວ່າເປັນ. ຍາກທີ່ຈະໃຫ້ຄຳນິຍາມຢ່າງຖືກຕ້ອງ, ຍ້ອນວ່າມັນໄດ້ແຜ່ລາມໄປທົ່ວຫຼາຍປະເທດທີ່ຕິດສື່ກາງ, ຄວາມຄິດ ແລະ ຄວາມເຂົ້າໃຈຂອງຕົນເອງກັບຮູບແບບສິລະປະ.

ການສະແດງອອກຂອງເຢຍລະມັນ

ຮູບແບບທີ່ໂດດເດັ່ນທີ່ສຸດຂອງ ສິລະປະການສະແດງອອກທີ່ພັດທະນາແມ່ນການສະແດງສິລະປະຂອງເຢຍລະມັນ. ມີຕົ້ນກໍາເນີດໃນຕົ້ນສະຕະວັດທີ 20 ໃນປະເທດເຢຍລະມັນ, ເພາະສະນັ້ນ, ຮູບແບບສິລະປະນີ້ແມ່ນປະກອບດ້ວຍສອງກຸ່ມທີ່ເອີ້ນວ່າ Die Brücke ແລະ Der Blaue Reiter. ນັກສິລະປິນທີ່ນໍາພາແລະເຂົ້າຮ່ວມໃນແຕ່ລະກຸ່ມໄດ້ສືບຕໍ່ກາຍເປັນທີ່ຮູ້ຈັກໃນນາມນັກສິລະປິນເຍຍລະມັນ Expressionist ທີ່ມີຊື່ສຽງ, ໂດຍຮູບແຕ້ມທີ່ເປັນສັນຍາລັກຂອງພວກເຂົາຍັງຖືກກ່າວເຖິງໃນທຸກມື້ນີ້.

Die Brücke ປະກົດຕົວໃນ Dresden ໃນປີ 1905 ເປັນການລວບລວມທີ່ບໍ່ທໍາມະດາ. ຂອງນັກສິລະປິນການເຄື່ອນໄຫວ. ໄດ້ຮັບການສະເຫຼີມສະຫຼອງສໍາລັບຮູບແຕ້ມທີ່ມີນ້ໍາຈືດທີ່ມີຊື່ສຽງຂອງລາວຫຼັງຈາກໄດ້ຮັບການດົນໃຈຈາກວຽກງານຂອງ Janet Sobel, Pollock ໄດ້ເຮັດວຽກເພື່ອພັດທະນາຮູບແບບການຖອກລົງ, ຖອກລົງ, ແລະສີທີ່ແຕກອອກມາໃນແບບສຸ່ມໃສ່ຜ້າໃບຂອງລາວ. ໃນຂະນະທີ່ຮູບແຕ້ມຂອງລາວສ່ວນຫຼາຍແມ່ນເປັນທີ່ຮູ້ຈັກກັນດີ, ໝາຍເລກ 17A (1948), ຈັງຫວະລະດູໃບໄມ້ປົ່ງ: ໝາຍເລກ 30 (1950), ແລະ Convergence (1952) ແມ່ນ ນັບຖືຫຼາຍ.

ລາຍເຊັນຂອງ Jackson Pollock; Connormah, JAckson Pollock, ສາທາລະນະ, ຜ່ານ Wikimedia Commons

ຮູບແບບສິລະປະທີ່ສັບສົນຂອງ Pollock ໄດ້ກາຍເປັນຫົວຂໍ້ຂອງການໂຕ້ວາທີຈໍານວນຫຼາຍ, ໂດຍມີນັກວິຈານສົງໄສວ່າຮູບແຕ້ມຂອງລາວອາດຈະຖືກເບິ່ງວ່າເປັນສິລະປະຫຼືບໍ່. ໃນຂະນະທີ່ເຕັກນິກຂອງລາວລວມເອົາການທາສີດ້ວຍໄມ້ຄ້ອນ ແລະສິ່ງຂອງອື່ນໆເພື່ອສ້າງຄວາມວຸ້ນວາຍຂອງສີ ແລະເສັ້ນ, ບົດຄວາມສະບັບໜຶ່ງໄດ້ສະເໜີປ້າຍຊື່ “ຊ່າງແຕ້ມຮູບຜູ້ຍິ່ງໃຫຍ່ທີ່ສຸດໃນສະຫະລັດ” ໂດຍອ້າງອີງໃສ່ Pollock ໃນປີ 1949.

ຮູບແບບການແຕ້ມຮູບທີ່ລາວພັດທະນາຂຶ້ນໝາຍຄວາມວ່າ ລາວບໍ່ຄ່ອຍໄດ້ຕິດຕໍ່ໂດຍກົງກັບຜ້າໃບຂອງລາວ, ຍ້ອນວ່າລາວໃຊ້ຮ່າງກາຍຂອງລາວແບບບໍ່ມີສານສະກັດເພື່ອຜະລິດສິ່ງທີ່ລາວຮູ້ສຶກໃນຕອນນີ້.

ຮູບແຕ້ມຂອງ Jackson Pollock, 1928; ຫໍພິພິທະພັນສິລະປະອາເມລິກາ Smithsonian, ສາທາລະນະ, ຜ່ານ Wikimedia Commons

ມາຮອດທຸກມື້ນີ້, ການສະສົມຮູບແຕ້ມຂອງລາວໄດ້ຖືກເຫັນວ່າເປັນໜຶ່ງໃນວຽກງານຕົ້ນສະບັບທີ່ສຸດຂອງ ສະຕະວັດ. ການລ້ຽງດູທີ່ຍາກລໍາບາກຂອງ Pollock ຢູ່ໃນພາກຕາເວັນຕົກຂອງອາເມລິກາໄດ້ຖືກກ່າວເຖິງວ່າເປັນຮູບຊົງຂອງລາວກາຍເປັນຄົນທີ່ໝັ້ນໃຈ ແລະ ໝັ້ນໃຈທີ່ຮຸກຮານ ລາວກາຍເປັນຕົວຕົນຂອງລາວຄ່ອຍໆຫັນປ່ຽນໄປສູ່ການຕິດເຫຼົ້າຂອງລາວ. ນີ້ເຮັດໃຫ້ລາວເສຍຊີວິດໃນປີ 1956, ຍ້ອນວ່າລາວເສຍຊີວິດໃນອຸປະຕິເຫດລົດໃຫຍ່ດຽວໃນຂະນະທີ່ຂັບລົດພາຍໃຕ້ອິດທິພົນ. ຄວາມສໍາຄັນອັນຍິ່ງໃຫຍ່ຂອງ Pollock ແມ່ນຍ້ອນການພັດທະນາຂອງຮູບແບບທີ່ບໍ່ມີຕົວຕົນອັນຮ້າຍແຮງທີ່ສຸດໃນປະຫວັດສາດຂອງສິນລະປະທີ່ທັນສະໄຫມ.

ສິລະປະສະແດງອອກເປັນການເຄື່ອນໄຫວທີ່ມີອິດທິພົນແລະມີຄວາມຫມາຍທີ່ສຸດໃນຍຸກຂອງສິນລະປະທີ່ທັນສະໄຫມ. . ຈາກ Expressionism ພັດທະນາທັງການສະແດງອອກເຍຍລະມັນແລະ Abstract Expressionism, ດ້ວຍສອງການເຄື່ອນໄຫວນີ້ພິສູດວ່າເປັນຮູບແບບທີ່ມີອໍານາດຂອງການສ້າງ. ເນື່ອງ​ຈາກ​ຮູບ​ແບບ​ພັດ​ທະ​ນາ​ໃນ​ໄລ​ຍະ​ບໍ່​ເທົ່າ​ໃດ​ທົດ​ສະ​ວັດ, ນັກ​ສິ​ລະ​ປິນ Expressionist ທີ່​ມີ​ຊື່​ສຽງ​ຈໍາ​ນວນ​ຫຼາຍ​ໄດ້​ເກີດ​ຂຶ້ນ​ເພື່ອ​ສ້າງ​ຮູບ​ແຕ້ມ​ທີ່​ຫນ້າ​ສັງ​ເກດ. ຖ້າທ່ານໄດ້ຮຽນຮູ້ກ່ຽວກັບນັກສິລະປິນຂ້າງເທິງ, ພວກເຮົາແນະນໍາໃຫ້ທ່ານອ່ານກ່ຽວກັບສິ່ງອື່ນໆທີ່ມີແລະມີຄວາມຫມາຍໃນການເຄື່ອນໄຫວ.

ຄໍາຖາມທີ່ພົບເລື້ອຍ

ໄດ້ບໍ? ການເຄື່ອນໄຫວສະແດງອອກພຽງແຕ່ປະກອບມີຮູບແຕ້ມ?

ໃນ​ຖາ​ນະ​ເປັນ​ການ​ເຄື່ອນ​ໄຫວ​ສິ​ລະ​ປະ​ທີ່​ເກີດ​ຂຶ້ນ​ໃນ​ຕອນ​ຕົ້ນ​ຂອງ​ສັດ​ຕະ​ວັດ​ທີ 20​, Expressionism ບໍ່​ໄດ້​ຈໍາ​ກັດ​ພຽງ​ແຕ່​ຮູບ​ແຕ້ມ​. ໃນຂະນະທີ່ວຽກງານທີ່ໂດດເດັ່ນທີ່ສຸດຂອງມັນແມ່ນຮູບແຕ້ມ, ຮູບແບບຂອງການເຄື່ອນໄຫວ Expressionism ຍັງໃຫ້ຕົວເອງກັບວັນນະຄະດີ, ດົນຕີ, ໂຮງລະຄອນ, ແລະສະຖາປັດຕະຍະກໍານອກເຫນືອຈາກສິລະປະການເບິ່ງເຫັນ. ຈຸດປະສົງລວມຂອງນັກສິລະປິນ Expressionism,ໂດຍບໍ່ຄໍານຶງເຖິງສາຍການເຮັດວຽກຂອງເຂົາເຈົ້າ, ແມ່ນການສະແດງອອກປະສົບການທາງດ້ານຈິດໃຈທີ່ກົງກັນຂ້າມກັບຄວາມເປັນຈິງທາງດ້ານຮ່າງກາຍ.

ນັກແຕ້ມຮູບການສະແດງອອກໄດ້ສຳຫຼວດຫຼາຍຫົວຂໍ້ທີ່ເຊື່ອມໂຍງຢ່າງໃກ້ຊິດກັບປະສົບການທາງອາລົມ ແລະທາງວິນຍານ. ດ້ວຍເຫດນີ້, ວິຊາທົ່ວໄປທີ່ສຸດທີ່ຖືກກ່າວເຖິງໃນສິລະປະການສະແດງອອກແມ່ນຫົວຂໍ້ກ່ຽວກັບຕົນເອງ, ຈິດໃຈແລະຮ່າງກາຍ, ຄວາມຮູ້ສຶກ, ທໍາມະຊາດ, ວິນຍານ, ອາລົມ, ການຂະຫຍາຍແລະການບິດເບືອນຄວາມເປັນຈິງ.

ແມ່ນໃຜ? ສິລະປິນ Expressionist ທີ່ມີຊື່ສຽງ?

ຍ້ອນວ່າການເຄື່ອນໄຫວສະແດງອອກຢ່າງກວ້າງຂວາງ, ນັກສິລະປິນອື່ນໆຫຼາຍຄົນໄດ້ເຂົ້າຮ່ວມການເຄື່ອນໄຫວທີ່ພວກເຮົາບໍ່ໄດ້ກ່າວເຖິງຂ້າງເທິງ. ນັກແຕ້ມ Expressionist ອື່ນໆທີ່ຍັງໄດ້ຮັບການສະເຫຼີມສະຫຼອງສໍາລັບຮູບແຕ້ມຂອງເຂົາເຈົ້າປະກອບມີ Oskar Kokoschka, Emil Nolde, Erich Heckel, Otto Dix , ແລະ Käthe Kollwitz. ນັກສິລະປິນທີ່ທົດລອງການສະແດງອອກແຕ່ຖືກຕິດສະຫຼາກວ່າສ່ວນຫຼາຍແມ່ນ Post-Impressionists ແລະ Fauvists ແມ່ນ Vincent van Gogh ແລະ Henri Matisse.

ສະມາຊິກກໍ່ຕັ້ງລວມມີ Karl Schmidt-Rottluff, Ernst Ludwig Kirchner , Fritz Bleyl, ແລະ Erich Heckel. ເຖິງວ່າບໍ່ມີນັກສິລະປິນຄົນໃດໄດ້ຮັບການສຶກສາ ສິລະປະທີ່ເປັນທາງການ , ແຕ່ເຂົາເຈົ້າໄດ້ສ້າງຮູບແຕ້ມທີ່ເປັນສັນຍາລັກທີ່ສຸດຢູ່ໃນຍຸກການສະແດງອອກຂອງເຢຍລະມັນ. ຊື່ຂອງພວກເຂົາ, ເຊິ່ງແປເປັນ "ຂົວ", ໄດ້ອະທິບາຍເຖິງຄວາມກະຕືລືລົ້ນຂອງພວກເຂົາທີ່ຈະເຊື່ອມຕໍ່ອະດີດແລະປະຈຸບັນ.

Der Blaue Reiter ຖືກສ້າງຕັ້ງຂຶ້ນໂດຍສິລະປິນທີ່ມີຊື່ສຽງ Wassily Kandinsky ແລະ Franz Marc ໃນປີ 1911 ແລະຖືກເຫັນວ່າເປັນ ນອກຈາກນັ້ນພື້ນຖານຂອງການເຄື່ອນໄຫວສະແດງອອກ.

ນັກສິລະປິນທີ່ເຮັດວຽກຢູ່ໃນກຸ່ມນີ້ໄດ້ທໍາລາຍຂອບເຂດລະຫວ່າງຮູບແບບຕ່າງໆຂອງສິລະປະເພື່ອໃຫ້ເຖິງເສລີພາບໃນການສະແດງຄວາມຄິດເຫັນທີ່ບໍ່ຈໍາກັດ. ຊື່ຂອງກຸ່ມໄດ້ຖືກເອົາມາຈາກຫົວຂໍ້ທີ່ເກີດຂື້ນເລື້ອຍໆຂອງນັກຂີ່ມ້າຈາກຮູບແຕ້ມຂອງ Kandinsky ໃນເວລານັ້ນ, ເຊັ່ນດຽວກັນກັບຄວາມຮັກຂອງລາວແລະ Marc ສໍາລັບສີຟ້າທີ່ພວກເຂົາເຊື່ອວ່າມີຄຸນລັກສະນະທາງວິນຍານ.

Abstract Expressionism

ເກີດເປັນການເຄື່ອນໄຫວຫຼັງສົງຄາມໂລກຄັ້ງທີ 2 ໃນສະຫະລັດລະຫວ່າງ 1940s ແລະ 1950s, Abstract Expressionism ແມ່ນມີຢູ່ໃນສະບັບອາເມລິກາຂອງ German Expressionism. ເປັນຄັ້ງທໍາອິດການເຄື່ອນໄຫວສິລະປະຂອງອາເມລິກາຢ່າງຈະແຈ້ງເພື່ອບັນລຸຊື່ສຽງໃນລະດັບສາກົນ, Abstract Expressionism ໄດ້ຫັນນະຄອນນິວຢອກກາຍເປັນຫົວໃຈອັນດີເລີດຂອງໂລກສິລະປະຕາເວັນຕົກ.

ໂດຍພື້ນຖານແລ້ວ ມັນມີຢູ່ໃນຖານະເປັນການເຄື່ອນໄຫວທີ່ຢືມແນວຄວາມຄິດຈາກການເຄື່ອນໄຫວຂອງເຢຍລະມັນ ເປັນຕົ້ນ. ຮູບແບບສິນລະປະຂອງເອີຣົບອື່ນໆເຊັ່ນ Futurism, Synthetic Cubism, ແລະ Bauhaus.

ໃນມື້ນີ້, ຍັງມີຄວາມບໍ່ລົງລອຍກັນໃຫຍ່ກ່ຽວກັບວ່ານັກສິລະປິນໃດຂຶ້ນກັບການເຄື່ອນໄຫວນີ້, ຍ້ອນວ່າການທັບຊ້ອນກັນຫຼາຍເກີດຂຶ້ນໃນຊຸມປີຕົ້ນຂອງ Abstract Expressionism. ນັກຈິດຕະກອນທີ່ໄດ້ກໍານົດຄວາມງາມທີ່ເປັນເອກະລັກຢ່າງແທ້ຈິງນີ້ໄດ້ຖືກພິຈາລະນາວ່າເປັນນັກສິລະປິນ Abstract Expressionist ລຸ້ນທໍາອິດ. ຢ່າງໃດກໍ່ຕາມ, ນັກສິລະປິນຫຼາຍຄົນທີ່ເບິ່ງຄືວ່າຖືກລືມໂດຍປະຫວັດສາດໃນທີ່ສຸດກໍ່ໄດ້ຮັບການຍອມຮັບສໍາລັບການປະກອບສ່ວນທີ່ສໍາຄັນຂອງພວກເຂົາໃນການເຄື່ອນໄຫວ Abstract Expressionism.

Cornfield of Health (1944) ໂດຍ Arshile Gorky; Arshile Gorky, ສາທາລະນະ, ຜ່ານ Wikimedia Commons

10 ນັກສະແດງນັກສະແດງທີ່ມີຊື່ສຽງຫຼາຍທີ່ສຸດຂອງພວກເຮົາ

ໃນຖານະທີ່ Expressionism ພິສູດວ່າເປັນການເຄື່ອນໄຫວທີ່ໄດ້ຮັບການເຄົາລົບແລະຊົມເຊີຍຢ່າງບໍ່ຫນ້າເຊື່ອໃນປະຫວັດສາດສິລະປະ, ມີຫຼາຍ enigmatic ນັກສິລະປິນໄດ້ປາກົດຢູ່ໃນ scene ໃນຕົ້ນສະຕະວັດທີ 20. ເນື່ອງຈາກການເຄື່ອນໄຫວຕົວມັນເອງມີຄວາມຊັບຊ້ອນແລະກວ້າງຂວາງ, ນັກສິລະປິນນັບບໍ່ຖ້ວນໄດ້ຜະລິດຮູບແຕ້ມຫຼາກຫຼາຍຊະນິດພາຍໃຕ້ແນວຄວາມຄິດຂອງ Expressionism ເປັນຄໍາສັບທີ່ຫມາຍເຖິງສິ່ງຕ່າງໆໃນເວລາທີ່ແຕກຕ່າງກັນ. ເນື່ອງ​ຈາກ​ວ່າ​ນີ້​, Expressionism ສາ​ມາດ​ຮອງ​ຮັບ​ລະ​ດັບ​ຄວາມ​ກ​້​ວາງ​ຂອງ​ສິນລະປິນ ແລະ ຜົນງານທີ່ເປັນເອກະລັກຂອງເຂົາເຈົ້າ.

ເຖິງແມ່ນວ່າບໍ່ມີລາຍຊື່ໃດຈະພຽງພໍ, ພວກເຮົາຈະຄົ້ນຫາ 10 ນັກສິລະປິນທີ່ມີຊື່ສຽງທີ່ສຸດຂອງພວກເຮົາຂ້າງລຸ່ມນີ້.

Helene Schjerfbeck (1862 – 1946)

ໜຶ່ງໃນສິນລະປິນຍິງຍຸກທຳອິດທີ່ທົດລອງສິລະປະການສະແດງອອກແມ່ນນັກແຕ້ມຊາວຟິນແລນ Helene Schjerfbeck. ໃນຂະນະທີ່ນາງເປັນທີ່ຮູ້ຈັກເປັນສ່ວນໃຫຍ່ສໍາລັບຮູບແຕ້ມທີ່ແທ້ຈິງທີ່ບໍ່ຫນ້າເຊື່ອຂອງນາງເຊິ່ງລວມມີຮູບຕົນເອງ, ຊີວິດຊີວາ, ແລະພູມສັນຖານ, Schjerfbeck ໄດ້ຫຼີ້ນກັບແນວຄວາມຄິດຂອງ Expressionism ໄປສູ່ການສິ້ນສຸດຂອງການເຮັດວຽກຂອງນາງບ່ອນທີ່ນາງຍັງຢູ່ໃນຫ້ອງສຸຂາພິບານ. ຜົນງານສິລະປະເຫຼົ່ານີ້ໄດ້ພິສູດໃຫ້ເຫັນຢ່າງໜັກໜ່ວງກວ່າ, ໂດຍມີບາງຮູບແຕ້ມທີ່ມີຊື່ສຽງທີ່ສຸດຂອງນາງລວມທັງ Girl Reading (1904), The Alarm (1935), ແລະ ຮູບຕົນເອງ (1942)> Schjerfbeck ພິສູດວ່າເປັນຫນຶ່ງໃນນັກສິລະປິນຈໍານວນຫນ້ອຍຂອງລຸ້ນຂອງນາງທີ່ສາມາດສ້າງຜົນງານຕົ້ນສະບັບໃນແບບທໍາມະຊາດແລະປະທັບໃຈຫຼາຍ, ກ່ອນຫນ້ານັ້ນ.ປ່ຽນມັນຂຶ້ນເພື່ອທົດລອງໃຊ້ Expressionism. ຄວາມສາມາດຂອງນາງໃນການສ້າງອາລົມທີ່ຮຸນແຮງແຕ່ໂດດດ່ຽວໃນຮູບແຕ້ມຂອງນາງ, ເຊິ່ງເຫັນໄດ້ຊັດເຈນທີ່ສຸດໃນການຖ່າຍຮູບຕົນເອງໃນຕອນທ້າຍ, ໄດ້ພິສູດທັງທັກສະການແຕ້ມຮູບ ແລະ ການຖ່າຍຮູບທີ່ງົດງາມຂອງນາງ.

ເປັນຫົວຂໍ້ສຳຄັນທີ່ເຫັນໄດ້ໃນສ່ວນໃຫຍ່. ຜົນງານຂອງນາງແມ່ນຄວາມສຳພັນທີ່ຮົກຮ້າງ ແລະ ວຸ້ນວາຍທີ່ນາງມີກັບຕົວແບບຂອງນາງ, ບໍ່ວ່າຈະເປັນມະນຸດ ຫຼືພຽງແຕ່ທິວທັດເທົ່ານັ້ນ. ຜູ້ຂຽນທີ່ບໍ່ຮູ້ຈັກບໍ່ເປີດເຜີຍຊື່ / Centralarkivet för bildkonst, ສາທາລະນະ, ຜ່ານ Wikimedia Commons

ເປັນທີ່ຮູ້ຈັກຢ່າງກວ້າງຂວາງໃນນາມຂອງ Finland ຂອງຕົນເອງ Edvard Munch ເນື່ອງຈາກການປິ່ນປົວຫົວຂໍ້ກ່ຽວກັບການເສຍຊີວິດຂອງນາງ, Schjerfbeck's ການຖ່າຍຮູບຕົນເອງໄດ້ພິສູດວ່າເປັນການເວົ້າຂອງນາງຫຼາຍທີ່ສຸດ. ຍ້ອນວ່າພວກເຂົາຖືກທາສີເປັນສ່ວນໃຫຍ່ກ່ອນທີ່ນາງຈະເສຍຊີວິດຍ້ອນມະເຮັງ, ນາງໄດ້ສະແດງຄວາມເຂົ້າໃຈວ່າບຸກຄົນແມ່ນປະກອບດ້ວຍທຸກສິ່ງທຸກຢ່າງທີ່ພວກເຂົາເຄີຍເປັນ.

ເວົ້າງ່າຍໆ, Schjerfeck ສາມາດຮັບຮູ້ຄໍາແນະນໍາຂອງຄວາມອ່ອນໂຍນອັນບໍລິສຸດ. ພາຍໃນອາຍຸທີ່ນາງໄດ້ພັນລະນາໃນຮູບຕົນເອງຂອງນາງ, ເຊິ່ງຖືກຄິດວ່າມີຢູ່ເປັນ phantoms ທີ່ foreshadowed ຄວາມຕາຍຂອງນາງ.

Edvard Munch (1863 – 1944)

ຊ່າງແຕ້ມຮູບຊາວນໍເວ ແລະ ຊ່າງພິມ Edvard Munch ແມ່ນໜຶ່ງໃນບັນດານັກສິລະປິນທີ່ມີຊື່ສຽງ ແລະ ມີບັນຫາຢູ່ໃນໂລກສິລະປະ. ຖືວ່າເປັນນັກສິລະປິນທີ່ ສຳ ຄັນແລະມີອິດທິພົນຂອງຍຸກສະ ໄໝ ໃໝ່, Munch ແມ່ນສ່ວນ ໜຶ່ງ ທີ່ ສຳ ຄັນຂອງການເຄື່ອນໄຫວສັນຍາລັກແລະເຮັດວຽກເພື່ອບຸກເບີກການພັດທະນາການແຕ້ມຮູບຂອງນັກສະແດງ. ສິລະປະທີ່ໂດດເດັ່ນທີ່ສຸດຂອງລາວທີ່ເຄີຍເຮັດ, ເຊິ່ງຖືວ່າເປັນໜຶ່ງໃນຮູບແຕ້ມທີ່ມີຊື່ສຽງທີ່ສຸດໃນໂລກ, ແມ່ນ The Scream (1893). ຜົນງານອື່ນໆລວມມີ The Sick Child (1885 – 1886) ແລະ Madonna (1894 – 1895).

The Scream (1893. ) ໂດຍ Edvard Munch; Edvard Munch, ສາທາລະນະ, ຜ່ານ Wikimedia Commons

Munch ໄດ້ຮັບອິດທິພົນຢ່າງຫຼວງຫຼາຍຈາກຮູບແບບຂອງ Impressionism ແລະ Post-impressionism, ເຊັ່ນດຽວກັນກັບສິລະປະຂອງ Vincent van Gogh. , Claude Monet, ແລະ Paul Gaugin. ອາຊີບທີ່ຍາວນານຢ່າງບໍ່ໜ້າເຊື່ອຂອງລາວໄດ້ແກ່ຍາວໄປເກືອບ 60 ປີ, ໂດຍ Munch ໄດ້ສຸມໃສ່ຫົວຂໍ້ຕ່າງໆທີ່ກ່ຽວຂ້ອງກັບຄວາມຊື່ສັດ ແລະ ຄຸນງາມຄວາມດີຂອງມະນຸດ. ດ້ວຍເຫດນີ້, ລາວຈຶ່ງໄດ້ສຳຫຼວດບັນຫາຄວາມເຈັບປ່ວຍຢ່າງຕໍ່ເນື່ອງ, ສິດເສລີພາບທາງເພດ ແລະ ຄວາມປາດຖະໜາທາງສາສະໜາໃນງານສິລະປະຈຳນວນຫຼາຍທີ່ລາວຜະລິດ.

ຄວາມຫຼົງໄຫຼເຫຼົ່ານີ້ສະແດງອອກໂດຍການໃຊ້ສີສັນສົດໃສ, ເຄິ່ງຫຍໍ້ທໍ້ ແລະ ຫົວຂໍ້ທີ່ບໍ່ຊັດເຈນ. ບັນຫາ.

ນັກແຕ້ມຊາວນໍເວ Edvard Munch, 1933; Anders Beer Wilse, ສາທາລະນະ, ຜ່ານ Wikimedia Commons

ຫົວຂໍ້ສໍາຄັນໃນວຽກງານຂອງ Munch ແມ່ນຫົວຂໍ້ເປີດທີ່ລາວໃຊ້, ເຊິ່ງເພີ່ມຄວາມລຶກລັບຂອງວຽກງານຂອງລາວ. ສິ່ງດັ່ງກ່າວເຮັດໃຫ້ຮູບແຕ້ມຂອງລາວຖືເອົາຄຸນລັກສະນະຂອງສະເໜ່ທາງດ້ານຈິດໃຈ, ຍ້ອນວ່າວຽກງານສິລະປະຂອງລາວສາມາດຖ່າຍທອດແລະປອບໂຍນບັນຫາທາງດ້ານຈິດໃຈແລະຈິດໃຈຂອງລາວແລະຜູ້ຊົມຂອງລາວ. The Scream ເປັນຕົວຢ່າງອັນຍິ່ງໃຫຍ່ຂອງເລື່ອງນີ້, ຍ້ອນວ່າມັນເປັນທີ່ຮູ້ກັນໃນເລື່ອງຄວາມໂກດແຄ້ນ ແລະ ຄວາມວິຕົກກັງວົນ, ເຊິ່ງກະຕຸ້ນຄວາມຮູ້ສຶກທີ່ຄ້າຍຄືກັນໃນຜູ້ຊົມ.

Munch ໄດ້ຮັບຄວາມເຈັບປ່ວຍທາງຈິດຕະຫຼອດ. ຊີວິດ, ເຊິ່ງມີຜົນກະທົບຢ່າງຈະແຈ້ງກ່ຽວກັບວຽກງານຂອງລາວໂດຍຜ່ານສະພາບອາລົມທີ່ລາວພັນລະນາ.

Wassily Kandinsky (1866 – 1944)

ຜູ້ບຸກເບີກທັງສິລະປະ Abstract ແລະສິລະປະການສະແດງອອກແມ່ນນັກສິລະປິນຊາວລັດເຊຍ Wassily Kandinsky, ຜູ້ທີ່ພົບວ່າການແຕ້ມຮູບເປັນການກະທໍາທາງວິນຍານທີ່ສຸດ. ດັ້ງເດີມປະຕິບັດເປັນທະນາຍຄວາມແລະນັກເສດຖະສາດ, Kandinsky ພຽງແຕ່ໄດ້ເຂົ້າໄປໃນໂລກສິລະປະໃນໄວ 30 ປີຂອງລາວ, ບ່ອນທີ່ລາວໄດ້ເລີ່ມຕົ້ນການສຶກສາການແຕ້ມຮູບແລະແຕ້ມຮູບທາງກາຍະສາດແລະຮູບແຕ້ມຊີວິດ. ລາວການປະກອບສ່ວນເຂົ້າໃນໂລກສິລະປະໄດ້ຖືກກ່າວວ່າຈະຊ່ວຍເຊື່ອມຕໍ່ຊ່ອງຫວ່າງລະຫວ່າງ Post-impressionism ແລະ Expressionism. ຜົນງານທີ່ໂດດເດັ່ນຂອງລາວລວມມີ Der Blaue Reiter (1903), Composition IV (1911), ແລະ On White II (1923).

. ອົງປະກອບ IV (1911) ໂດຍ Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, ສາທາລະນະ, ຜ່ານ Wikimedia Commons

Kandinsky ໄດ້ຕັ້ງຖິ່ນຖານຢູ່ໃນ Munich ໃນທ້າຍສະຕະວັດທີ 19, ບ່ອນທີ່ທ່ານໄດ້ພົບແລະເຮັດວຽກກັບນັກສິລະປິນບາງຄົນທີ່ຈະກາຍເປັນນັກສິລະປິນ Expressionist ທີ່ມີຊື່ສຽງ. . ໃນປີ 1911, Kandinsky ໄດ້ສ້າງຕັ້ງກຸ່ມ Der Blaue Reiter ກັບເພື່ອນຮ່ວມຈິດຕະນາການ Franz Marc, ໂດຍກຸ່ມນີ້ຈະສືບຕໍ່ເປັນໜຶ່ງໃນກຸ່ມນັກສິລະປິນ Expressionist ຢ່າງເປັນທາງການ.

ກຸ່ມ Der Blaue Reiter ໄດ້ສະແດງໃຫ້ເຫັນເຖິງການປ່ຽນແປງຂອງ Kandinsky. ຈາກ Impressionism ກັບ Expressionism, ຍ້ອນວ່າລາວໄດ້ໃຊ້ສີທີ່ຫນັກແຫນ້ນແລະຫນາ, ສີທີ່ໂດດເດັ່ນ, ແລະການຖູແຂ້ວບາງໆໃນງານສິລະປະຂອງລາວ.

ຮູບແຕ້ມຂອງ Wassily Kandinsky; 未知上傳者, ສາທາລະນະ, ຜ່ານ Wikimedia Commons

ຫຼັງຈາກ Nazis ເຂົ້າມາປົກຄອງກ່ອນສົງຄາມໂລກຄັ້ງທີ 2, Kandinsky ໄດ້ຍ້າຍໄປປະເທດຝຣັ່ງ, ບ່ອນທີ່ລາວກາຍເປັນພົນລະເມືອງໃນປີ 1939. ຢູ່ທີ່ນີ້, ລາວໄດ້ສ້າງບາງຜົນງານສິລະປະທີ່ໂດດເດັ່ນ ແລະ ໄດ້ຮັບການສະເຫລີມສະຫລອງທີ່ສຸດຂອງລາວ. ໃນຮູບແຕ້ມຂອງລາວ, Kandinsky ພະຍາຍາມຖ່າຍທອດທາງວິນຍານແລະຄວາມຮູ້ສຶກຂອງມະນຸດຢ່າງເຂັ້ມງວດໂດຍຜ່ານພາສາສາຍຕາທີ່ປະສົມປະສານທັງຫມົດເຊິ່ງປະກອບດ້ວຍຮູບແບບທີ່ບໍ່ມີຕົວຕົນແລະກ້າຫານ.