Minimalist Art - ການຂຸດຄົ້ນຂອງການເຄື່ອນໄຫວສິລະປະຫນ້ອຍ

John Williams 30-09-2023
John Williams

M inimalist Art, ຫຼື Minimalism Art, ແມ່ນສິລະປະພາບ ແລະ ການເຄື່ອນໄຫວການອອກແບບທີ່ເນັ້ນໃສ່ອົງປະກອບຫຼັກຂອງງານສິລະປະ. ມັນສຸມໃສ່ການຍຶດຄອງພື້ນທີ່ອ້ອມຮອບສິລະປະແລະວິທີການທີ່ມັນພົວພັນກັບຜູ້ຊົມແລະໃນທາງກັບກັນ, ເຮັດໃຫ້ອົງປະກອບທີ່ບໍ່ຈໍາເປັນອອກ. Minimalism ເລີ່ມຕົ້ນທີ່ໂດດເດັ່ນທີ່ສຸດໃນນິວຢອກໃນຕົ້ນຊຸມປີ 1960, ການເຄື່ອນໄຫວຫຼັງສົງຄາມໂລກຄັ້ງທີ 2, ເພື່ອຕອບສະຫນອງຕໍ່ລັກສະນະທີ່ເປັນຫົວຂໍ້ຂອງ abstract Expressionism.

ບົດແນະນຳກ່ຽວກັບສິລະປະຕ່ຳສຸດ

The Minimalism ການເຄື່ອນໄຫວສິລະປະ ລວມມີຮູບແບບສິລະປະທີ່ຫຼາກຫຼາຍເຊັ່ນ: ຮູບປັ້ນນ້ອຍ, ການອອກແບບພາຍໃນ ແລະ ແນ່ນອນການແຕ້ມຮູບ. ມັນໄດ້ເລີ່ມຕົ້ນໃນອາເມລິກາໃນນິວຢອກໃນລະຫວ່າງຊຸມປີ 1960 ແລະ 1970, ເມື່ອນັກສິລະປິນບາງຄົນຮູ້ສຶກວ່າຫົວຂໍ້ຂອງ Abstract Expressionism ແມ່ນສະລັບສັບຊ້ອນເກີນໄປໃນລັກສະນະການສະແດງສິລະປະ.

Abstract Expressionism ຖືວ່າເປັນສ່ວນບຸກຄົນເກີນໄປ ແລະສະແດງເຖິງຄວາມຮູ້ສຶກຂອງສິລະປິນ. ລັດ​ແລະ​ໂລກ​ພາຍ​ໃນ, ແລະ​ການ​ນໍາ​ໃຊ້​ຕົວ​ຫນັງ​ສື​ຂອງ brushwork depicted ລັດ​ພາຍ​ໃນ​ຂອງ​ເຂົາ​ເຈົ້າ. ຕົວຢ່າງຂອງສິລະປະແບບນີ້ສາມາດພົບໄດ້ເມື່ອເບິ່ງນັກສິລະປິນເຊັ່ນ Jackson Pollock , Franz Kline, ແລະ Willem de Kooning, ຜູ້ທີ່ເປັນຜູ້ນໍາໜ້າຂອງ Abstract Expressionism ໃນຊ່ວງຊຸມປີ 1940 ແລະ 1950.

ນັກສິລະປິນໜຸ່ມກຸ່ມໜຶ່ງໄດ້ນຳພາການເຄື່ອນໄຫວສິລະປະຕ່ຳສຸດ. ພວກເຂົາເຈົ້າໄດ້ຫັນຫນີຈາກລັກສະນະການສະແດງອອກຂອງຕົນເອງທີ່ບໍ່ຄ່ອຍມີເວລາຂອງ Abstract Expressionism ໂດຍເຈດຕະນາ "ລວມທັງ" ຫນ້ອຍລົງ.ຂ້າງເທິງ, ສິລະປະແລະປະຕິມາກໍາ minimalist ກາຍເປັນສ່ວນຫນຶ່ງຂອງພື້ນທີ່ທີ່ມັນຢູ່ໃນ. ດັ່ງນັ້ນ, ມັນສາມາດເສີມຂະຫຍາຍພື້ນທີ່ໂດຍໃຊ້ຄຸນນະພາບນີ້ພາຍໃນຂອບເຂດຂອງການອອກແບບພາຍໃນ. ອີງຕາມຮູບຮ່າງແລະຂະຫນາດຂອງວຽກງານສິລະປະ, ຫຼື, ຕາມທີ່ມັນອ້າງເຖິງ, ວັດຖຸ, ມັນສາມາດເຫມາະເກືອບທຸກບ່ອນໃນຫ້ອງ, ຫ້ອງຮັບແຂກ, ຫຼືຫ້ອງການ - ບໍ່ວ່າຈະຢູ່ເທິງພື້ນ, ເທິງຫຼືກັບກໍາແພງ, ວາງໄວ້ໃນແຈ ຫຼື ແມ້ແຕ່ຢູ່ໃນຕູ້ເຢັນ.

ເນື່ອງຈາກວ່າສິລະປະ minimalist ມີຄວາມຫຼາກຫຼາຍ ແລະປະຕິບັດຕາມຄວາມງ່າຍດາຍຂອງຮູບແບບ ແລະສີ, ມັນສາມາດເພີ່ມບັນຍາກາດຂອງພື້ນທີ່ໄດ້, ເຮັດໃຫ້ມັນສະຫງົບ ຫຼື edgy ຫຼາຍ, ຂຶ້ນກັບ ການນໍາໃຊ້ສີແລະຮູບຮ່າງ. ສ່ວນຫຼາຍແລ້ວ, ຮູບປັ້ນນ້ອຍມີເສັ້ນ, ຂອບ ແລະໂຄງສ້າງທີ່ລຽບ, ຊັດເຈນ, ສະອາດ ແລະລຽບງ່າຍ, ເຊິ່ງສາມາດເສີມສ້າງຜົນງານສິລະປະອື່ນໆໃນພື້ນທີ່ພາຍໃນໄດ້ເທົ່າທຽມກັນ.

ການຕິດຕັ້ງ

ການຕິດຕັ້ງໃນສິລະປະແບບໜ້ອຍທີ່ສຸດສາມາດເຮັດໄດ້. ສັງເກດເຫັນຕົ້ນຕໍໃນຮູບແບບຂອງການຕິດຕັ້ງແສງສະຫວ່າງ, ບ່ອນທີ່ນັກສິລະປິນຫຼີ້ນກັບວ່າແສງສະຫວ່າງມີຜົນກະທົບແນວໃດກັບພື້ນທີ່ຂອງມັນ. ການນໍາໃຊ້ທໍ່ແສງ fluorescent, ນັກສິລະປິນຈະເນັ້ນຫນັກໃສ່ແສງສະຫວ່າງຫຼາຍກວ່າທໍ່ຕົວມັນເອງເພື່ອສ້າງຜົນກະທົບ. ນັກສິລະປິນ Dan Flavin ໄດ້ໃຊ້ເຕັກນິກນີ້ໃນຊຸດຂອງລາວທີ່ມີຊື່ວ່າ Icons ໃນປີ 1961, ປະກອບດ້ວຍກ່ອງຕື້ນທີ່ມີທໍ່ແສງ fluorescent ຕາມສອງດ້ານແລະຂອບ.

ນີ້ຍັງເຫັນໃນການຕິດຕັ້ງອື່ນໆຂອງລາວ. ບ່ອນທີ່ລາວໃຊ້ພື້ນທີ່ເພື່ອແຈ້ງໃຫ້ຮູ້ວ່າການຕິດຕັ້ງຂອງລາວຈະເຫມາະກັບບ່ອນໃດ. Flavin ສົນທະນາກ່ຽວກັບການຕິດຕັ້ງແສງສະຫວ່າງຂອງລາວໃນສາລະຄະດີທີ່ມີຊື່ວ່າ ສິລະປະອາເມລິກາໃນຊຸມປີ 1960 , ລາວເວົ້າວ່າ, "ເຖິງວ່າການຕິດຕັ້ງຈະຕ້ອງມີຄວາມໝັ້ນຄົງຫຼາຍ, ແຕ່ມັນເຂົ້າໃຈໄດ້ງ່າຍດ້ວຍຄຳອຸປະຖຳທີ່ສັບສົນເລັກນ້ອຍ, ເພາະວ່າໂຄມໄຟເຮັດວຽກອອກຈາກມຸມ ແລະມຸມ".

Untitled (to Don Judd, colorist) 1-5 (1987) ໂດຍ Dan Flavin; Grand Parc – Bordeaux, ປະເທດຝຣັ່ງຈາກປະເທດຝຣັ່ງ, CC BY 2.0, ຜ່ານ Wikimedia Commons

ສະຖາປັດຕະຍະກໍາ

Minimalism ຍັງໃຊ້ກັບສະຖາປັດຕະຍະກໍາ, ແລະດັ່ງທີ່ໄດ້ກ່າວກ່ອນຫນ້ານີ້, ໄດ້ຮັບອິດທິພົນຈາກການເຄື່ອນໄຫວ. ເຊັ່ນ De Stijl, ເຊິ່ງໄດ້ສຸມໃສ່ການນໍາໃຊ້ເສັ້ນຕັ້ງຊື່ແລະແນວນອນທີ່ງ່າຍດາຍເທົ່າທີ່ເປັນໄປໄດ້ໃນຮູບແບບແລະຮູບຮ່າງ, ບໍ່ວ່າຈະເປັນຮູບແຕ້ມຫຼືສະຖາປັດຕະຍະກໍາ. ດັ່ງນັ້ນ, ສິນລະປະ minimalist ປະຕິບັດຕາມແນວຄວາມຄິດທີ່ພວກເຮົາເຫັນຈາກ De Stijl, ແລະອື່ນໆ. ສະຖາປັດຕະຍະກຳແບບຕ່ຳສຸດຊອກຫາການຍົກເວັ້ນອົງປະກອບທັງໝົດໃນອາຄານທີ່ເບິ່ງຄືວ່າ “ພິເສດ” ແລະ ຍັງຄົງຢູ່ຢ່າງບໍລິສຸດ ມີພຽງແຕ່ອົງປະກອບທີ່ສຳຄັນທີ່ເຮັດໃຫ້ໂຄງສ້າງ ແລະ ໃຫ້ມີຄຸນນະພາບຂອງມັນ.

ສະຖາປັດຕະຍະກຳຕ່ຳສຸດມັກຈະປະກົດເປັນເລຂາຄະນິດໃນຮູບຮ່າງຂອງມັນໂດຍບໍ່ມີ ການຕົກແຕ່ງ. ນອກຈາກນັ້ນ, ມັນຈະມີການຊໍ້າຊ້ອນຂອງຮູບຮ່າງຫຼືຮູບແບບຫຼາຍ, ເຊິ່ງມັກຈະເອີ້ນວ່າ "seriality". ອັນນີ້ໝາຍເຖິງການວາງອົງປະກອບຂອງສິລະປະ ຫຼືວັດຖຸໃນຊຸດໜຶ່ງ, ເຊິ່ງຈຸດປະສົງຫຼັກຂອງສິ່ງນີ້ແມ່ນເພື່ອບົ່ງບອກເຖິງຄວາມລຽບງ່າຍ.

ອັນນີ້ເຮັດໃຫ້ອິດທິພົນຫຼັກຂອງສະຖາປັດຕະຍະກຳໜ້ອຍທີ່ສຸດຄື: ວັດທະນະທຳຍີ່ປຸ່ນ. ສະຖາປັດຕະຍະກໍາ minimalism ໄດ້ແຕ້ມໃສ່ແນວຄິດຫຼາຍຢ່າງທີ່ເຈົ້າຈະພົບເຫັນໃນອຸດົມການຂອງຍີ່ປຸ່ນ, ເຊິ່ງມາຈາກແນວຄວາມຄິດເຊັ່ນ: ຄວາມກົມກຽວ, ຄວາມງາມ, ແລະຄວາມງຽບສະຫງົບ. ເຫຼົ່ານີ້ແມ່ນໄດ້ນໍາໃຊ້ທັງຫມົດໃນໂຄງສ້າງແລະຄວາມງາມທີ່ນໍາໄປສູ່ຕໍາ່ສຸດທີ່ເປົ່າ, ແຕ່ຈຸດປະສົງດັ່ງນັ້ນ. ສະຖາປະນິກເຍຍລະມັນ Ludwig Mies van der Rohe ໄດ້ສ້າງຄໍາສັບ "Less is More" ໃນຂະນະທີ່ອະທິບາຍວິທີການສ້າງສະຖາປັດຕະຍະກໍາຂອງລາວ. ລາວໄດ້ໃຊ້ພຽງແຕ່ລັກສະນະທີ່ສໍາຄັນຂອງອາຄານ, ເຊິ່ງໃນທີ່ສຸດກໍ່ບັນລຸຈຸດປະສົງທີ່ເປັນປະໂຫຍດແລະສາຍຕາ. seier+seier, CC BY 2.0, ຜ່ານ Wikimedia Commons

ສິນລະປິນ Minimalist ທີ່ມີຊື່ສຽງ

ມີສິນລະປິນ Minimalist ທີ່ອຸດົມສົມບູນ, ແຕ່ລະຄົນມີເອກະລັກໃນວິທີການສະແດງ ແລະວາງຮູບແຕ້ມຂອງເຂົາເຈົ້າ. , ຮູບປັ້ນ, ແລະ "ວັດຖຸ" ໃນໂລກ. ຂ້າງລຸ່ມນີ້, ພວກເຮົາປຶກສາຫາລືພຽງແຕ່ນັກສິລະປິນທີ່ໂດດເດັ່ນຈໍານວນຫນ້ອຍທີ່ປູທາງໃຫ້ Minimalism ເປັນການເຄື່ອນໄຫວສິລະປະ. ນັກສິລະປິນເຫຼົ່ານີ້ບໍ່ພຽງແຕ່ເປັນທີ່ຮູ້ຈັກກັນດີສໍາລັບ ສິນລະປະທີ່ບໍ່ມີຕົວຕົນ ຂອງເຂົາເຈົ້າ, ແຕ່ຍັງມີການປະກອບສ່ວນຂອງແນວຄວາມຄິດ ແລະທິດສະດີໃໝ່ໆຂອງເຂົາເຈົ້າຕໍ່ກັບສິລະປະທີ່ກ້າວໄປສູ່ສະຕະວັດທີ 21.

ເບິ່ງ_ນຳ: ວິທີການແຕ້ມຕາ Anime - ການສອນແບບຂັ້ນຕອນໂດຍຂັ້ນຕອນຂອງ Anime Eyes

Donald Judd (1928- 1994)

Donald Judd ເປັນນັກສິລະປິນ, ນັກວິຈານສິລະປະ, ແລະທິດສະດີຊາວອາເມລິກາ. ຫຼັງ​ຈາກ​ຮັບ​ໃຊ້​ໃນ​ກອງທັບ, ລາວ​ໄດ້​ຮຽນ​ຢູ່​ມະຫາວິທະຍາ​ໄລ​ຫຼາຍ​ແຫ່ງ​ແຕ່​ປີ 1948, ​ໄດ້​ຮັບ​ປະລິນຍາ​ຕີ​ສາຂາ​ປັດຊະຍາ ​ແລະ ສືບ​ຕໍ່​ສຶກສາ​ທິດ​ສະ​ດີ​ຜ່ານ​ປະລິນຍາ​ໂທ​ດ້ານ​ປະຫວັດສາດ​ສິລະ​ປະ. Judd ແມ່ນ fervent ເປັນເຊື່ອວ່າສິລະປະຕ້ອງເປັນເອກະລາດຂອງຈິດຕະນາການ, ແລະການປະຕິສໍາພັນຂອງສິລະປະກັບພື້ນທີ່ທາງດ້ານຮ່າງກາຍຫຼືສະພາບແວດລ້ອມຂອງມັນແມ່ນລັກສະນະທີ່ສໍາຄັນຂອງວຽກງານແລະປັດຊະຍາຂອງລາວ.

Judd ໄດ້ໃຊ້ວັດສະດຸອຸດສາຫະກໍາເພື່ອເຮັດໃຫ້ສິລະປະຂອງລາວ, ຕົວຢ່າງເຊັ່ນເຫຼັກກ້າ. , Plexiglass, ພາດສະຕິກ, ແລະທາດເຫຼັກ. ການປະສົມປະສານຂອງວັດສະດຸເຫຼົ່ານີ້ໄດ້ສ້າງຄວາມຮູ້ສຶກທີ່ບໍ່ມີຕົວຕົນຂອງວຽກງານສິລະປະ. ອັນນີ້ຍັງແຕກຕ່າງກັນຫຼາຍກັບຄວາມຮູ້ສຶກສ່ວນຕົວທີ່ເຫັນໃນ Abstract Expressionism. ເປັນເລື່ອງແປກທີ່, Judd ບໍ່ໄດ້ພິຈາລະນາຕົນເອງເປັນ Minimalist, ແຕ່ແທນທີ່ຈະປະຕິບັດຕາມຄວາມສໍາຄັນຂອງວັດຖຸທີ່ວາງໄວ້ໃນສະພາບແວດລ້ອມຂອງເຂົາເຈົ້າແລະວິທີການສະພາບແວດລ້ອມຕົວມັນເອງແຈ້ງໃຫ້ວັດຖຸ. 7> (1968), ເຊິ່ງເປັນຮູບສີ່ຫຼ່ຽມອະລູມີນຽມທີ່ມີ ສີນ້ຳຕານ ເຄືອບມັນ ແລະໃຫ້ສີຂອງມັນ. ເຖິງແມ່ນວ່າ Judd ໄດ້ສ້າງຮູບແຕ້ມ, ແຕ່ລາວໄດ້ຖືກດຶງດູດເອົາຮູບປັ້ນຫຼາຍຂື້ນ, ໂດຍເຊື່ອວ່າພື້ນທີ່ມີຄວາມສໍາຄັນຫຼາຍກ່ວາພື້ນທີ່ທີ່ສ້າງຢູ່ເທິງຜ້າໃບດ້ວຍສີ. ຊິ້ນສ່ວນ Untitled (1972) ອື່ນຂອງ Judd ແມ່ນຮູບຊົງຄ້າຍກ່ອງອີກອັນໜຶ່ງທີ່ເຮັດຈາກທອງແດງ ພາຍໃນມີສີແດງໝົດ. ວາງຢູ່ເທິງພື້ນໄມ້, ຄວາມເຢັນຂອງໂລຫະຖືກປ່ຽນເປັນບາງອັນທີ່ດຶງດູດ ແລະ ອົບອຸ່ນຂຶ້ນຍ້ອນການສະທ້ອນຈາກໄມ້.

ໃນ Judd's Untitled (1973) ລາວໄດ້ສ້າງຊຸດຂອງ ຫົກກ່ອງ, ເຮັດຈາກ Plexiglass ແລະທອງເຫລືອງ, ຈັດລຽງຢູ່ຂ້າງກັນໃນແນວນອນ, ແລະທຽບເທົ່າກັບອີກດ້ານຫນຶ່ງ. ໄດ້ການຈັດລຽງຕາມລໍາດັບຂອງຮູບຮ່າງຢູ່ຂ້າງກັນເປັນຫົວຂໍ້ທີ່ເກີດຂຶ້ນຊ້ຳໆໃນຊິ້ນສ່ວນຂອງ Judd, ແລະເນັ້ນໃສ່ຄວາມຕັ້ງໃຈຂອງລາວທີ່ຈະສ້າງການເຄື່ອນໄຫວທີ່ແນ່ນອນຈາກການປະສົມກັນຂອງຮູບຮ່າງ, ວັດສະດຸ ແລະສີຂອງພວກມັນ.

Untitled (DJ 85-51) (1985), ແຕ້ມຮູບປັ້ນອະລູມິນຽມໂດຍ Donald Judd; Wmpearl, CC0, ຜ່ານ Wikimedia Commons

Judd ອ້າງເຖິງຊິ້ນສ່ວນຂອງລາວວ່າເປັນ "ວັດຖຸສະເພາະ" - ໃນຄວາມເປັນຈິງ, ບົດຂຽນຂອງລາວ, ມີຫົວຂໍ້ຄ້າຍຄືກັນ, ໄດ້ຊອກຫາວິທີທີ່ຈະອະທິບາຍລັກສະນະຂອງວິທີການສ້າງສິລະປະຫນ້ອຍແລະວິທີການວັດຖຸທີ່ມີຢູ່ລະຫວ່າງຮູບແບບຂອງການແຕ້ມຮູບແລະການປະຕິມາກໍາ, ເບິ່ງຄືວ່າມີການຊ້ອນກັນໃນການນໍາໃຊ້ຂອງພວກເຂົາ. ຄຳວ່າ "ວັດຖຸສະເພາະ" ຊີ້ໃຫ້ເຫັນເຖິງວັດຖຸທີ່ບໍ່ໄດ້ເອີ້ນວ່າຮູບປັ້ນ ຫຼືຮູບແຕ້ມ, ແຕ່ເປັນພຽງ "ວັດຖຸ" ທີ່ສ້າງຂຶ້ນດ້ວຍຮູບຮ່າງ, ການຈັດວາງ ແລະການຈັດວາງສະເພາະ.

ການປ່ຽນແປງນີ້ໃນ ນາມສະກຸນແມ່ນເປັນຜູ້ບຸກເບີກ ແລະເປັນຄຳເວົ້າທີ່ຊັດເຈນຢູ່ຫ່າງຈາກແນວຄວາມຄິດແບບດັ້ງເດີມຂອງການຕັ້ງຊື່ຂອງສິລະປະ. ຢູ່ທີ່ມະຫາວິທະຍາໄລ Syracuse ໃນປີ 1949. ນອກຈາກນັ້ນ, ການເດີນທາງຂອງລາວໄປເອີຣົບເຮັດໃຫ້ລາວມີປະສົບການທາງດ້ານປະຫວັດສາດອັນອຸດົມສົມບູນຂອງສິລະປະແລະນັກສິລະປິນຈາກສັດຕະວັດກ່ອນ. ຫຼັງຈາກທີ່ລາວໄດ້ຮັບໃຊ້ໃນສົງຄາມ, ລາວໄດ້ເປີດສະຕູດິໂອສິລະປະຂອງຕົນເອງໃນປີ 1953 ໃນນິວຢອກໃນຂະນະທີ່ຮຽນຢູ່ໂຮງຮຽນສິລະປະສາຍຕາ. ການສຶກສາ ແລະ ອາຊີບຂອງລາວສ່ວນຫຼາຍແມ່ນຢູ່ໃນພື້ນທີ່ສິລະປະ, ຕັ້ງແຕ່ການເປັນພະນັກງານຢູ່ໃນຫໍພິພິທະພັນທີ່ທັນສະໄຫມ.Art (MOMA) ເພື່ອເຮັດວຽກເປັນນັກອອກແບບກຣາຟິກໃຫ້ I.M. Pei, ສະຖາປະນິກທີ່ມີຊື່ສຽງ.

LeWitt ເປັນນັກສິລະປິນທີ່ໂດດເດັ່ນບໍ່ພຽງແຕ່ໃນການເຄື່ອນໄຫວສິລະປະແບບ Minimalist ເທົ່ານັ້ນ , ແຕ່ຍັງຢູ່ໃນແນວຄວາມຄິດນຳ. ສິນລະປະ. ເຖິງ​ແມ່ນ​ວ່າ​ລາວ​ແມ່ນ​ເປັນ​ທີ່​ຮູ້​ຈັກ​ສໍາ​ລັບ​ການ​ແຕ້ມ​ຮູບ​ຂອງ​ຕົນ​, ຮູບ​ປັ້ນ​ແລະ​ການ​ຕິດ​ຕັ້ງ​ຂອງ​ຕົນ​ໄດ້​ຄອບ​ຄອງ​ພື້ນ​ທີ່​ສິ​ລະ​ປະ​, ການ​ຮູ້​ຫນັງ​ສື​ແລະ​ຕົວ​ເລກ​. ໂຄງສ້າງຂອງລາວແຕກຕ່າງກັນໃນຂະຫນາດແລະຮູບຮ່າງ, ເຖິງແມ່ນວ່າອິດທິພົນຂອງລາວມາຈາກຮູບຮ່າງຂອງ cube, ເຊິ່ງສັງເກດເຫັນໄດ້ງ່າຍເມື່ອເບິ່ງວຽກງານຂອງລາວ.

LeWitt's Wall Structure Blue (1962) ສະແດງໃຫ້ເຫັນເຖິງຂະຫນາດນ້ອຍ ສີ່ຫຼ່ຽມມົນພາຍໃນສີ່ຫຼ່ຽມໃຫຍ່ກວ່າ, ເຊິ່ງເປັນຮູບຊົງຂອງຜ້າໃບ. ການນໍາໃຊ້ ການແຕ້ມຮູບນ້ໍາມັນ ສໍາລັບວຽກງານນີ້, LeWitt ບໍ່ overindulge ໃນສີແລະຮັກສາຮູບແບບງ່າຍດາຍເທົ່າທີ່ເປັນໄປໄດ້. ວຽກງານນີ້ຖືວ່າເປັນການສະແດງສິລະປະພື້ນເມືອງ ແລະແນວຄວາມຄິດຂອງສົນທິສັນຍາ, ເນັ້ນໃສ່ຕື່ມອີກດ້ວຍຕາສີແດງຢູ່ກາງສີ່ຫຼ່ຽມ. ) ເປັນຕົວຢ່າງໂຄງສ້າງຈາກການຕິດຕັ້ງກ່ອນຫນ້າຂອງ LeWitt. ມັນຊີ້ໃຫ້ເຫັນເຖິງຂັ້ນຕ່ໍາສຸດຂອງວຽກງານສິລະປະ, ພຽງແຕ່ສະແດງໃຫ້ເຫັນກອບ, ຫຼືຕາມທີ່ມັນຖືກເອີ້ນວ່າ "skeleton". ພວກເຮົາສັງເກດເຫັນຫົວຂໍ້ທີ່ເກີດຂຶ້ນຊ້ຳໆຂອງຮູບຊົງກ້ອນພາຍໃນໂຄງສ້າງໂຄງກະດູກນີ້, ເຊັ່ນດຽວກັນກັບຄວາມຈິງທີ່ວ່າຊິ້ນສ່ວນຂອງລາວມີຄວາມຈື່ຈໍາຂອງຮູບຮ່າງທີ່ມີຂະຫນາດຂອງມະນຸດ, ມີຄວາມສູງ 96 ນິ້ວ.

LeWitt ມັກຈະໃຊ້ເຫຼັກຫຼືອາລູມິນຽມ. , ແຕ່ຍັງໃຊ້ cinder ແລະສີມັງເພື່ອສ້າງອື່ນໆການຕິດຕັ້ງ. ຕົວຢ່າງຂອງເລື່ອງນີ້ລວມມີວຽກຂອງລາວທີ່ມີຊື່ວ່າ Cube ຈາກປີ 1985, ເຮັດດ້ວຍຊີມັງໃນສວນສາທາລະນະ Basel, ສະວິດເຊີແລນ. LeWitt ເຊື່ອໃນຂະບວນການຂອງແນວຄວາມຄິດຂອງສິລະປະ, ແລະຄົ້ນຫາການເຊື່ອມຕໍ່ລະຫວ່າງແນວຄວາມຄິດຂອງ artwork ແລະວິທີການທີ່ກ່ຽວຂ້ອງກັບສິລະປິນ. ຫຼາຍກວ່ານີ້, ລາວເຊື່ອວ່າຄວາມຄິດດັ່ງກ່າວເປັນສ່ວນໜຶ່ງຂອງວຽກງານສິລະປະ.

ຂອງ Sol LeWitt Pyramid ສີ່ດ້ານ (1965) ທີ່ຫໍພິພິທະພັນສິລະປະແຫ່ງຊາດ. garden; David ຈາກ Washington, DC, CC BY 2.0, ຜ່ານ Wikimedia Commons

Robert Morris (1931-2018)

Robert Morris ເກີດໃນ Kansas, ແຕ່ອາໄສຢູ່ຫຼາຍທີ່ສຸດ ຂອງຊີວິດຂອງລາວໃນນິວຢອກ. ລາວເປັນນັກສິລະປິນນ້ອຍຫຼາຍເວທີ ແລະຖືວ່າເປັນນັກທິດສະດີໜ້ອຍທີ່ສຸດ. ລາວຊ່ຽວຊານດ້ານປະຕິມາກໍາ, ສິລະປະແນວຄວາມຄິດ, ການຕິດຕັ້ງ, ແລະຮູບແບບອື່ນໆຂອງສິນລະປະເຊັ່ນ ສິລະປະທີ່ດິນ ແລະສິລະປະຂະບວນການ. ການສຶກສາຂອງ Morris ຕັ້ງແຕ່ຮຽນວິຊາວິສະວະກຳ, ສິລະປະ, ແລະປັດຊະຍາຢູ່ມະຫາວິທະຍາໄລຕ່າງໆໃນລັດ Kansas ແລະ Oregon. ຜູ້ຊົມໄດ້ກາຍເປັນສ່ວນຫນຶ່ງຂອງຂະບວນການໃນແງ່ຂອງວິທີທີ່ພວກເຂົາພົວພັນກັບວຽກງານສິລະປະ, ໂດຍສະເພາະໃນເວລາທີ່ຍ່າງອ້ອມຊິ້ນໃຫຍ່. Robert Morris ຂຽນ essay ໃນປີ 1966 ທີ່ມີຫົວຂໍ້ ບັນທຶກກ່ຽວກັບ Sculpture , ເຊິ່ງຄົ້ນຫາຂະບວນການທີ່ໄດ້ກ່າວມາຂ້າງເທິງຂອງການເບິ່ງແລະການພົວພັນກັບໂຄງສ້າງ, ແລະວິທີທີ່ມັນ "intuitively" ຕີຄວາມຫມາຍໂດຍ viewer.

Labyrinth (1999) ໂດຍ Robert Morris; Adrián Estévez (Estevoaei), CC BY-SA 4.0, ຜ່ານ Wikimedia Commons

Box with the sound of its own making (1961) is a ໄມ້ cube, or ກ່ອງ, ມີການບັນທຶກສຽງຂອງວິທີການທີ່ມັນຖືກສ້າງຂຶ້ນ: ການບັນທຶກຈະແກ່ຍາວເຖິງສາມຊົ່ວໂມງເຄິ່ງ. ຊິ້ນສ່ວນນີ້ສະແດງໃຫ້ເຫັນ ແລະສະແດງໃຫ້ເຫັນເຖິງຄວາມລຽບງ່າຍ ແລະລັກສະນະພື້ນຖານຂອງວຽກງານສິລະປະ, ບວກກັບຂັ້ນຕອນຂອງວິທີການສ້າງ.

ອີກອັນໜຶ່ງຂອງ Morris ແມ່ນຂອງລາວ ບໍ່ມີຊື່ (L-Beams) ຂອງປີ 1965, ຊຶ່ງປະກອບດ້ວຍສາມໂຄງສ້າງຮູບ L ທີ່ຄ້າຍຄືກັນໃນຂະຫນາດແລະຈັດຢູ່ໃນຕໍາແຫນ່ງທີ່ແຕກຕ່າງກັນ. ໂຄງສ້າງທັງສາມແມ່ນລຽບງ່າຍ ແລະ ລຽບງ່າຍໃນວັດສະດຸ ແລະ ຮູບຮ່າງ, ບໍ່ມີຄວາມໝາຍອັນໃດນອກເໜືອໄປຈາກພຽງແຕ່ເປັນໄມ້ສາມອັນທີ່ຈັດຢູ່ຄຽງຂ້າງກັນ, ແລະດັ່ງນັ້ນຈຶ່ງເປັນຕົວຢ່າງຂອງລັກສະນະສິລະປະທີ່ຕ່ຳສຸດ ແລະ ຄວາມສຳພັນລະຫວ່າງນັກສິລະປິນ ແລະ ງານສິລະປະ.

Dan Flavin (1933-1996)

ເກີດຢູ່ Jamaica, New York, Dan Flavin ເຕີບໂຕຂຶ້ນໃນໂຮງຮຽນກາໂຕລິກ ແລະຈະໄປຮັບໃຊ້ຢູ່ໃນກອງທັບອາກາດສະຫະລັດກັບອ້າຍຂອງລາວໃນລະຫວ່າງປີ 1954 ຫາ 1955. ໃນລະຫວ່າງນີ້, ລາວໄດ້ສຶກສາສິລະປະຢູ່ມະຫາວິທະຍາໄລ Maryland ໃນເກົາຫຼີ, ແລະສືບຕໍ່ຮຽນສິລະປະຢູ່ໂຮງຮຽນວິຈິດສິນ Hans Hofmann ໃນນິວຢອກໃນປີ 1956. ລາວຍັງໄດ້ສຶກສາປະຫວັດສາດສິລະປະຢູ່ໂຮງຮຽນໃຫມ່ເພື່ອການຄົ້ນຄວ້າສັງຄົມແລະວິຈິດສິນ.ສິລະປະ (ການແຕ້ມຮູບ ແລະ ການແຕ້ມຮູບ) ຢູ່ມະຫາວິທະຍາໄລ Columbia.

Flavin ຍັງໄດ້ຮັບອິດທິພົນຈາກແນວຄວາມຄິດຂອງ Abstract Expressionism, ແລະລາວໄດ້ຄົ້ນຫາການນໍາໃຊ້ສື່ຕ່າງໆ, ມັກຈະໃຊ້ກະປ໋ອງຈາກຖະຫນົນເພື່ອປະກອບເຂົ້າໃນຮູບແຕ້ມຂອງລາວ. Flavin ແມ່ນເປັນທີ່ຮູ້ຈັກດີສໍາລັບການຕິດຕັ້ງຂອງລາວ, ໂດຍສະເພາະການນໍາໃຊ້ຫລອດໄຟ fluorescent ແລະ incandescent. ຊຸດ Icons ຂອງລາວສະແດງຮູບສີ່ຫຼ່ຽມສີ່ຫຼ່ຽມມົນ, ເຊິ່ງລາວເຮັດຈາກໄມ້ປະເພດຕ່າງໆທີ່ມີຫລອດໄຟຢູ່ທາງຂ້າງ.

ຜົນງານສຳຄັນອື່ນໆລວມມີ Diagonal of Personal Ecstasy (The Diagonal. ຂອງວັນທີ 25 ພຶດສະພາ 1963) , ເຊິ່ງພັນລະນາເຖິງທໍ່ແສງ fluorescent ສີເຫຼືອງເກືອບຈະຂະຫຍາຍຈາກພື້ນເປັນມຸມຂວາງໃສ່ຝາ, ເບິ່ງຄືວ່າຈະເຕີບໃຫຍ່ຄືກັບເຄືອ, ແຕ່ໃນກໍລະນີນີ້, ມັນແມ່ນແສງໄຟ. ວຽກງານນີ້ແມ່ນເພື່ອເປັນກຽດແກ່ Constantin Brâncuşi, ນັກແຕ້ມຮູບ ແລະຊ່າງແກະສະຫຼັກຊາວໂຣມາເນຍ ແລະເປັນຜູ້ເດີນໜ້າຂອງຮູບປັ້ນສະໄໝໃໝ່.

ການຕິດຕັ້ງໄຟຂອງ Flavin ສຳຫຼວດຄວາມສຳພັນລະຫວ່າງອາວະກາດ, ສີ ແລະແສງ, ແລະລາວໄດ້ໃຊ້ສື່ລະຫວ່າງກັນໃນບ່ອນຕ່າງໆ. ຢູ່ໃນພື້ນທີ່ຫ້ອງວາງສະແດງ, ລວມທັງການປະກອບຮູບຮ່າງທີ່ແຕກຕ່າງກັນ. ຕົວຢ່າງອື່ນໆຂອງເລື່ອງນີ້ລວມມີ Greens Crossing Greens (1966), ການສະແດງພາບປະກອບ, ຫຼືດັ່ງທີ່ Flavin ເຄີຍອ້າງເຖິງມັນ, ເປັນ “ສິ່ງກີດຂວາງ”, ຂອງທໍ່ fluorescent ທີ່ປະກົດວ່າເປັນຮົ້ວສີຂຽວຂະໜາດໃຫຍ່ຕັດກັນ.

ການຕິດຕັ້ງສິລະປະໂດຍ Dan Flavin, ບໍ່ມີຊື່ (1980); Kmtextor, CC BY-SA 4.0, ຜ່ານ WikimediaCommons

Carl Andre (1935 ຫາປະຈຸບັນ)

Carl Andre ເປັນຊ່າງແກະສະຫຼັກ ແລະສິລະປິນຊາວອາເມລິກາ. ລາວໄດ້ສຶກສາຢູ່ທີ່ Phillips Academy ໃນ Andover ແລະຫຼັງຈາກຮັບໃຊ້ໃນກອງທັບ, ລາວໄດ້ຍ້າຍໄປນິວຢອກໃນປີ 1956. ລາວເປັນທີ່ຮູ້ຈັກດີສໍາລັບຮູບປັ້ນຂອງລາວທີ່ມີລັກສະນະຄ້າຍຄືຕາຂ່າຍໄຟຟ້າແລະເສັ້ນເສັ້ນໃນໂຄງສ້າງ. ຮູບແບບເລຂາຄະນິດຂອງລາວມັກຈະຖືກສ້າງຂື້ນເພື່ອຢູ່ເທິງພື້ນ, ກາຍເປັນເວທີ ຫຼືແຜ່ນຂອງງານສິລະປະ, ແລະດຶງດູດຜູ້ຊົມໃຫ້ມີສ່ວນຮ່ວມກັບວຽກງານໃນລັກສະນະທີ່ແຕກຕ່າງຈາກວິທີການເບິ່ງຮູບແຕ້ມ ຫຼືຍ່າງອ້ອມໂຄງສ້າງແບບດັ້ງເດີມ.

ເບິ່ງ_ນຳ: How to Draw a Goldfish - Step-by-Step Pet Fish Sketch

Andre ອ້າງເຖິງຕົນເອງວ່າເປັນ “ວັດຖຸນິຍົມ” ເນື່ອງຈາກການນຳໃຊ້ວັດຖຸທີ່ຫຼາກຫຼາຍ ແລະ ການຄົ້ນພົບເນື້ອແທ້ຂອງວັດຖຸແຕ່ລະປະເພດທີ່ລາວໃຊ້, ຕັ້ງແຕ່ດິນຈີ່, ຈານ, ວັດສະດຸ ແລະ ວັດສະດຸທີ່ອີງໃສ່ອຸດສາຫະກຳຕ່າງໆ. ວິທີການທີ່ Andre ໃຊ້ເພື່ອສ້າງໂຄງສ້າງຂອງລາວແມ່ນຄ້າຍຄືກັບຂະບວນການກໍ່ສ້າງ, ແລະລາວສ້າງໂຄງສ້າງເຫຼົ່ານີ້ອີງຕາມສະພາບແວດລ້ອມທີ່ເຂົາເຈົ້າຢູ່ໃນ, ເຊິ່ງ, ໃນທາງກັບກັນ, ແຈ້ງຂະຫນາດແລະຮູບຮ່າງຂອງມັນ.

Carl ຮູບປັ້ນຂອງ Andre, 43 Roaring forty (1968) at KMM in Otterlo/The Netherlands; Gerardus, ສາທາລະນະ, ຜ່ານ Wikimedia Commons

Frank Stella (1936 ເຖິງປັດຈຸບັນ)

Frank Stella ເປັນ ນັກສິລະປິນຊາວອາເມລິກາ ຊ່ຽວຊານໃນການແຕ້ມຮູບ, ການພິມ. , ແລະ sculpting. ລາວຈົບຈາກມະຫາວິທະຍາໄລ Princeton ດ້ວຍວິຊາປະຫວັດສາດ. ລາວເປັນທີ່ຮູ້ຈັກດີສໍາລັບການມີສ່ວນຮ່ວມຂອງລາວໃນສິນລະປະຂອງເຂົາເຈົ້າ, ດັ່ງນັ້ນການສ້າງສິ້ນສິລະປະທີ່ບໍ່ມີຕົວຕົນຫນ້ອຍທີ່ສຸດ. ຄໍາເວົ້າທີ່ມີຊື່ສຽງວ່າ "ຫນ້ອຍແມ່ນຫຼາຍ" ອະທິບາຍເຖິງສິລະປະ minimalism - ບໍ່ວ່າຈະຫຼາຍຫຼືຫນ້ອຍ, ຢ່າງໃດກໍຕາມ, ແນ່ນອນວ່າມີການເຄື່ອນໄຫວສິລະປະນີ້ຫຼາຍກວ່າເກົ່າ.

ຄໍາທີ່ອະທິບາຍແນວຄວາມຄິດ minimalist ທີ່ດີທີ່ສຸດແມ່ນການຫຼຸດຜ່ອນ, ຄວາມງ່າຍດາຍ. , ສະອາດ, ລຽບ, ແລະເກືອບທຸກຢ່າງທີ່ບົ່ງບອກເຖິງລັກສະນະພື້ນຖານຂອງສິລະປະ.

Frank Stella ເປັນນັກສິລະປິນ, ຊ່າງພິມ, ແລະຊ່າງແກະສະຫຼັກທີ່ມີຊື່ສຽງ, ລາວເປັນທີ່ຮູ້ຈັກກັນດີວ່າເປັນໜຶ່ງໃນຜູ້ສືບທອດຂອງ ການເຄື່ອນໄຫວສິລະປະໜ້ອຍທີ່ສຸດ. ຫຼັງຈາກຈົບການສຶກສາຈາກມະຫາວິທະຍາໄລ Princeton, Stella ໄດ້ຍ້າຍໄປຢູ່ນະຄອນນິວຢອກໃນປີ 1958. ລາວໄດ້ມີສ່ວນຮ່ວມໃນ Abstract Expressionism, ແຕ່ມັນກົງກັນຂ້າມກັບລັກສະນະທາງວິຊາການແລະ metaphorical ຂອງມັນ. Stella ເຮັດວຽກເປັນຊ່າງທາສີເຮືອນໃນອາຍຸ 20 ປີຂອງລາວ ແລະເລີ່ມໃຊ້ສີ ແລະແປງເພື່ອສ້າງສິລະປະແບບ minimalistic ຂອງລາວ.

ລາວເຊື່ອວ່າການແຕ້ມຮູບແບບ minimalist ແມ່ນ "ພື້ນຜິວຮາບພຽງທີ່ມີສີໃສ່ມັນ - ບໍ່ມີຫຍັງຫຼາຍ", ເຊິ່ງພັນລະນາເຖິງຕົວຫນັງສື. ສີແລະຮູບຮ່າງເທິງພື້ນຜິວໂດຍບໍ່ມີຄວາມຫມາຍອື່ນທີ່ "ເຊື່ອງໄວ້" ຫຼື ສັນຍາລັກ ເຫັນໄດ້ໃນວຽກງານສິລະປະຈາກການເຄື່ອນໄຫວສິລະປະກ່ອນຫນ້າ. ຊຸດຂອງລາວທີ່ມີຊື່ວ່າ Black Paintings (1959) ບັນຍາຍແນວຄວາມຄິດນີ້: ມັນປະກອບດ້ວຍຜ້າໃບທີ່ມີເສັ້ນ ຫຼືແຖບສີດຳຜ່ານມັນຢູ່ໃນຮູບແບບຕ່າງໆ, ໂດຍພື້ນຫຼັງສີຂາວຈາກຜ້າໃບຖືກພັນລະນາເປັນເສັ້ນ ຫຼືແຖບລະຫວ່າງ ສີດໍາ.

Frank Stella ໄດ້ຮັບແຮງບັນດານໃຈຈາກຜົນງານຂອງນັກແຕ່ງຕົວນ້ອຍອື່ນໆMinimalism, ແຕ່ຍັງເປັນສ່ວນຫນຶ່ງຂອງງານວາງສະແດງ Post-Painterly Abstraction ໂດຍ Clement Greenberg, ເຊິ່ງເນັ້ນຫນັກເຖິງພື້ນຜິວທີ່ເປີດແລະຊັດເຈນກວ່າ, ກົງກັນຂ້າມກັບຫນ້າດິນທີ່ເບິ່ງຄືວ່າ congested ລັກສະນະຂອງການເຄື່ອນໄຫວ Abstract Expressionist.

ເຖິງແມ່ນວ່າໄດ້ຮັບອິດທິພົນຈາກ Abstract. ນັກສະແດງສິລະປະເຊັ່ນ Jasper Johns ແລະ Barnett Newman, ເມື່ອລາວຍ້າຍໄປນິວຢອກໃນປີ 1958, ຜົນງານສິລະປະທີ່ບໍ່ມີຕົວຕົນຂອງ Stella ບໍ່ມີສຽງປຽບທຽບ ແລະ metaphysical ດຽວກັນທີ່ນັກສະແດງ Abstract Expressionists ຫຼາຍຄົນໄດ້ຝັງຢູ່ໃນວຽກງານຂອງເຂົາເຈົ້າ. ບາງຜົນງານສິລະປະຫຼັກຂອງລາວແມ່ນຊຸດ Black Paintings (1959) ຂອງລາວ, ຕົວຢ່າງ: Die Fahne Hoch! (1959), ຊຶ່ງຫມາຍຄວາມວ່າ “ປ້າຍໂຄສະນາທີ່ຍົກຂຶ້ນມາ”.

ໃນຊຸມປີ 1960, Stella ໄດ້ນຳສະເໜີສີເພີ່ມເຕີມຕໍ່ກັບສີຂອງລາວ, ເຊັ່ນດຽວກັນກັບການຫຼິ້ນໃນເສັ້ນໂຄ້ງ ແລະຮູບຮ່າງຂອງຜ້າໃບ. ລາວເລີ່ມໃຊ້ສີທອງແດງ ແລະອາລູມີນຽມ ແລະໃຊ້ຜ້າໃບໃນຮູບອື່ນເຊັ່ນຮູບ U ຫຼື L-shapes. ຕົວຢ່າງຂອງເລື່ອງນີ້ແມ່ນຊຸດ Irregular Polygon ແລະ Protractor ຂອງລາວ, ເຊິ່ງໄດ້ຮັບແຮງບັນດານໃຈຈາກບັນດາເມືອງວົງວຽນໃນຕາເວັນອອກກາງທີ່ລາວໄດ້ໄປຢ້ຽມຢາມ.

Frank Stella's ຮູບປັ້ນເຫຼັກຮູບດອກໄມ້, Amabil (1995), ຕັ້ງຢູ່ນອກສູນ POSCO ໃນກຸງໂຊລ, ເກົາຫຼີໃຕ້; Ian Muttoo ຈາກລັດ Mississauga, ການາດາ, CC BY-SA 2.0, ຜ່ານ Wikimedia Commons

ສິລະປະຕ່ຳສຸດໃນສະຕະວັດທີ 20

ຍຸກຫຼັງນ້ອຍໄດ້ປະກົດຕົວຂຶ້ນໃນທ້າຍຊຸມປີ 1960 ແລະຕົ້ນຊຸມປີ 1970, ແລະຄຳວ່າໄດ້ຖືກນໍາສະເຫນີໂດຍນັກວິຈານສິລະປະແລະນັກປະຫວັດສາດ Robert Pincus-Witten. ຫຼາຍເທົ່າທີ່ມັນເປັນປະຕິກິລິຍາຕໍ່ບາງຫຼັກການຂອງ Minimalism, ມັນໄດ້ລວມເອົາອົງປະກອບແລະອິດທິພົນຈາກການເຄື່ອນໄຫວ. ນັກສິລະປິນສ້າງຜົນງານສິລະປະທີ່ຫຼາກຫຼາຍ, ບາງຄົນມີຄວາມຕັ້ງໃຈຫຼາຍກ່ຽວກັບສິລະປະແບບດັ້ງເດີມ, ລັກສະນະສະແດງອອກຂອງສິລະປະ, ແລະບາງອັນບໍ່ມີຄວາມເປັນຕົວຕົນໃນການເປັນຕົວແທນທາງດ້ານວັດຖຸ.

ເມື່ອທຸກຢ່າງມາຮອດຈຸດຈົບ, ການເຄື່ອນໄຫວສິລະປະແບບນ້ອຍກໍຄືກັນ. ໃນໄລຍະຕໍ່ມາຂອງ 1960s. ນັກສິລະປິນຫຼາຍຄົນສືບຕໍ່ພັດທະນາໄປຕາມເສັ້ນທາງຂອງນັກສິລະປິນທີ່ເປັນເອກະລັກຂອງເຂົາເຈົ້າແລະບໍ່ໄດ້ກໍານົດໃຫ້ຍັງຄົງຢູ່ໃນການເຄື່ອນໄຫວສິລະປະສະເພາະ. ແນວໃດກໍ່ຕາມ, ອັນນີ້ບໍ່ໄດ້ຢຸດຢັ້ງຄວາມໝາຍຂອງສິລະປະໜ້ອຍທີ່ສຸດ, ແລະໃນທີ່ສຸດມັນໄດ້ສ້າງພື້ນຖານໃໝ່ ແລະເປັນຈຸດເລີ່ມຕົ້ນຂອງສິລະປະ ແລະນັກສິລະປິນທີ່ກ້າວເຂົ້າສູ່ສະຕະວັດທີ 21, ເຂົ້າເຖິງຫຼາຍຮູບແບບສິລະປະລວມທັງດົນຕີ, ວັນນະຄະດີ ແລະຮູບເງົາ.

ເຂົ້າໄປເບິ່ງໃນເວັບສະຕໍຣີມິນິມໍລິສຕິກຂອງພວກເຮົາໄດ້ທີ່ນີ້!

ຄຳຖາມທີ່ພົບເລື້ອຍ

ສິລະປະແບບນ້ອຍແມ່ນຫຍັງ?

ສິລະປະຕ່ຳສຸດ, ຫຼືເອີ້ນວ່າ Minimalism, ປະກົດຂຶ້ນເປັນການເຄື່ອນໄຫວສິລະປະໃນລະຫວ່າງຕົ້ນຊຸມປີ 1960 ຈົນຮອດຕົ້ນຊຸມປີ 1970. ມັນປະກອບດ້ວຍກຸ່ມນັກສິລະປິນຫນຸ່ມ, ເຊັ່ນດຽວກັນກັບຜູ້ສູງອາຍຸ, ຕົ້ນຕໍແມ່ນຢູ່ໃນນະຄອນນິວຢອກ. ມັນມາກ່ຽວກັບການເປັນຕິກິຣິຍາຕໍ່ການສະແດງອອກຫຼາຍ, ລັກສະນະ metaphysical ຂອງຄາຣະວາຂອງມັນ, Abstract Expressionism. ເພາະສະນັ້ນ, ມັນຍັງຖືກເອີ້ນວ່າສິລະປະທີ່ບໍ່ມີຕົວຕົນຫນ້ອຍເນື່ອງຈາກມີຫຼາຍນັກສິລະປິນຍັງໄດ້ຮັບອິດທິພົນໂດຍ Abstract Expressionism.

ຄວາມຫມາຍຂອງ Minimalism ໃນສິລະປະແມ່ນຫຍັງ?

Minimalism ໃນສິລະປະຫມາຍເຖິງການຍ້າຍອອກໄປຈາກແນວຄິດແບບດັ້ງເດີມທີ່ສິລະປະຕ້ອງການຫມາຍເຖິງບາງສິ່ງບາງຢ່າງຫຼາຍກວ່າສິ່ງທີ່ມັນເປັນ. ຜູ້ຊົມໄດ້ຮັບການຊຸກຍູ້ໃຫ້ເບິ່ງວຽກງານສິລະປະສໍາລັບສິ່ງທີ່ມັນແມ່ນແລະວິທີທີ່ມັນຄອບຄອງພື້ນທີ່. ເລື້ອຍໆ, ງານສິນລະປະແບບນ້ອຍຖືກສ້າງຂື້ນດ້ວຍຄວາມລຽບງ່າຍ ແລະຮູບຮ່າງ ແລະເສັ້ນໜ້ອຍທີ່ສຸດ, ຫຼຸດວຽກໃຫ້ເຫຼືອພຽງຄຸນລັກສະນະທີ່ຈຳເປັນຂອງມັນເທົ່ານັ້ນ.

ຄຸນນະພາບໃດທີ່ກຳນົດໃຫ້ສິລະປະໜ້ອຍທີ່ສຸດ?

ຄຸນລັກສະນະຂອງສິລະປະຕ່ຳສຸດແມ່ນເນັ້ນໃສ່ການໃຊ້ສີ monochromatic ຫຼາຍຂຶ້ນ. ປົກກະຕິແລ້ວເຫຼົ່ານີ້ແມ່ນພຽງແຕ່ຫນຶ່ງຫຼືສອງສີ, ລວມທັງການນໍາໃຊ້ທີ່ເດັ່ນຊັດຂອງສີດໍາແລະສີຂາວ. ລວມມີຮູບຊົງເລຂາຄະນິດຕ່າງໆເຊັ່ນ: ສີ່ຫຼ່ຽມມົນ ແລະສີ່ຫຼ່ຽມທີ່ວາງຢູ່ຄຽງຄູ່ກັນເປັນລຳດັບທີ່ຊ້ຳກັນ, ເຊິ່ງເອີ້ນກັນວ່າ seriality. ຄຸນນະພາບອື່ນໆແມ່ນການວາງ "ວັດຖຸ" ໃນຍົນແນວຕັ້ງແລະແນວນອນ, ເລື້ອຍໆລວມທັງພື້ນເຮືອນແທນທີ່ຈະເປັນ plinths, ແລະນໍາໃຊ້ວັດສະດຸອຸດສາຫະກໍາເຊັ່ນ: ໄມ້, ໂລຫະ, ພາດສະຕິກ, ສີມັງ, ເຊັ່ນດຽວກັນກັບໄຟ.

ນັກສິລະປິນເຊັ່ນ Jasper Johns ແລະ Barnett Newman, ວຽກງານສິລະປະທີ່ປາກົດຂື້ນຢູ່ໃນພື້ນທີ່ຂອງມັນ. Donald Judd, ນັກສິລະປິນຄົນອື່ນຈາກການເຄື່ອນໄຫວສິລະປະ Minimalism, ໄດ້ພິມບົດຄວາມທີ່ມີຊື່ວ່າ Specific Objectsໃນປີ 1965. ພ້ອມກັບ Judd, ນັກສິລະປິນອື່ນໆໄດ້ຕີພິມບົດຄວາມຕ່າງໆ, ຕົວຢ່າງ, Robert Morris, ຜູ້ທີ່ຂຽນ ບັນທຶກກ່ຽວກັບຮູບປັ້ນໃນປີ 1966 ແລະ Sol LeWitt, ຜູ້ທີ່ຂຽນ ຫຍໍ້ໜ້າກ່ຽວກັບ Conceptual Art ໃນປີ 1967.

ສິ່ງພິມທີ່ກ່າວມາຂ້າງເທິງ ທັງຫມົດຊອກຫາວິທີທີ່ຈະອະທິບາຍຮູບແບບແລະລັກສະນະຂອງ Minimalism ແລະວິທີການສ້າງສິລະປະ minimalist, ຈາກຄວາມງາມແລະຮູບແບບ, ວິທີການຂອງສິນລະປະສະເພາະໃດຫນຶ່ງຖືກຕີຄວາມຫມາຍໂດຍອີງໃສ່ເງື່ອນໄຂແລະສະພາບການ, ແລະວິທີການຂະບວນການຂອງແນວຄວາມຄິດແລະແນວຄວາມຄິດແມ່ນມີຄວາມສໍາຄັນເຊັ່ນດຽວກັນ. ການອຸທອນກ່ຽວກັບຄວາມງາມ.

ພື້ນຖານຂອງສິລະປະຫນ້ອຍ

ເຖິງແມ່ນວ່າ Minimalism ໄດ້ກາຍເປັນການເຄື່ອນໄຫວສິລະປະທີ່ເດັ່ນໃນອາເມລິກາໃນຊຸມປີ 1960, ຫຼັກການແລະຄຸນລັກສະນະຂອງມັນສາມາດພົບເຫັນຢູ່ໃນການເຄື່ອນໄຫວສິລະປະແລະວຽກງານສິລະປະຈາກ 1900s, ມີແຫຼ່ງອື່ນໆທີ່ເຊື່ອມຕໍ່ມັນກັບງານວາງສະແດງສິນລະປະ Incoherents ໃນປາຣີໃນປີ 1882. ງານວາງສະແດງໄດ້ສະແດງຮູບແຕ້ມຂອງນັກກະວີ ແລະນັກຂຽນລະຄອນຊາວຝຣັ່ງ, Paul Billhaud, ຫົວຂໍ້ Combat de Nègres dans un Tunnel ('Negroes Fight in a tunnel', 1884), ປະກົດເປັນສີ ດຳ ແລະອົງປະກອບ.

ໃນທຳນອງດຽວກັນ, ຮູບແຕ້ມຂອງ Kazimir Malevich ທີ່ມີຊື່ວ່າ Black Square ຈາກປີ 1915 ຍັງຊີ້ບອກເຖິງການແຕ່ງຕົວແບບນ້ອຍໃນຕອນຕົ້ນ.ແນວຄວາມຄິດການແຕ້ມຮູບ, ຍ້ອນວ່າມັນເປັນຮູບສີ່ຫຼ່ຽມມົນສີດໍາໃນພື້ນຫລັງສີຂາວ. Black Square ເປັນການເພີ່ມທຳອິດໃຫ້ກັບຊຸດການປັບປ່ຽນສີ່ຢ່າງທີ່ເຮັດໂດຍ Malevich. ກ່ຽວກັບວຽກງານສິລະປະສະເພາະຂອງລາວ, Black Square , Malevich ກ່າວວ່າ "ມັນແມ່ນຈາກສູນ, ເປັນສູນ, ວ່າການເຄື່ອນໄຫວທີ່ແທ້ຈິງຂອງການເປັນເລີ່ມຕົ້ນ", ປ່ຽນຢ່າງສິ້ນເຊີງໄປສູ່ລັກສະນະພື້ນຖານທີ່ມີຢູ່ໃນການສ້າງວຽກງານສິລະປະ. .

Black Square (1915) ໂດຍ Kazimir Malevich; Kazimir Malevich, ສາທາລະນະ, ຜ່ານ Wikimedia Commons

ອື່ນໆ ການເຄື່ອນໄຫວສິລະປະເຊັ່ນ Bauhaus ແລະ De Stijl ມີອິດທິພົນຕໍ່ນັກສິລະປິນນ້ອຍ, ໂດຍສະເພາະໃນເວລາທີ່ວຽກງານຈາກການເຄື່ອນໄຫວສິລະປະເຫຼົ່ານີ້ຖືກວາງສະແດງໃນນິວຢອກ. ການເຄື່ອນໄຫວ Bauhaus ມີຕົ້ນກຳເນີດມາຈາກປະເທດເຢຍລະມັນໃນປີ 1919. ໃນຖານະເປັນໂຮງຮຽນສິລະປະ, ມັນໄດ້ຄົ້ນຫາແນວຄວາມຄິດການແຕ້ມຮູບທີ່ໜ້ອຍທີ່ສຸດ, ຫັດຖະກຳ, ການອອກແບບ, ແລະສະຖາປັດຕະຍະກຳຕໍ່ມາ, ໂດຍເນັ້ນໃສ່ແນວຄວາມຄິດຂອງການເຮັດວຽກກັບຄວາມງາມ.

ຊາວໂຮນລັງ De Stijl art ການເຄື່ອນໄຫວ, ເຊິ່ງມີຕົ້ນກຳເນີດຢູ່ໃນປະເທດເນເທີແລນໃນປີ 1917, ໄດ້ສຸມໃສ່ພື້ນຖານຂອງການສ້າງສິລະປະໂດຍການຍຶດຕິດກັບສີຕົ້ນຕໍ, ລວມທັງສີດໍາແລະສີຂາວເທົ່ານັ້ນ. ນອກຈາກນັ້ນ, ນັກສິລະປິນໄດ້ນໍາໃຊ້ຮູບຮ່າງແລະຮູບແບບພື້ນຖານທີ່ສຸດເປັນພື້ນຖານໃນຍົນແນວນອນແລະແນວຕັ້ງ.

ແນວຄວາມຄິດທີ່ສໍາຄັນໃນສິລະປະ minimalist

ຫນຶ່ງໃນລັກສະນະທີ່ສໍາຄັນທີ່ສຸດຂອງສິລະປະ minimalist ແມ່ນການປະຕິວັດຕໍ່ຕ້ານ. ລັກສະນະສະແດງອອກແລະບໍ່ມີຕົວຕົນຂອງສິນລະປະການສະແດງ, ບາງເຖິງແມ່ນວ່າມັນຫມາຍເຖິງການກະບົດໃນທໍາມະຊາດຍ້ອນວ່າມັນມີຈຸດປະສົງເພື່ອສະແດງຄວາມຫມາຍທີ່ງ່າຍດາຍແລະພື້ນຖານທີ່ສຸດຂອງສີແລະຮູບຮ່າງ, ໃນຄໍາສັບຕ່າງໆອື່ນໆ, ມັນບໍ່ໄດ້ມີຈຸດປະສົງທີ່ຈະເຮັດໃຫ້ຄວາມຫມາຍອື່ນນອກເຫນືອຈາກສິ່ງທີ່ເຫັນດ້ວຍຕາ - ມີ. ບໍ່ມີ metaphor ຫຼືຄວາມຫມາຍສູງກວ່າກັບສິນລະປະຫຼືການອອກແບບ. ການຕີຄວາມສ່ວນບຸກຄົນຂອງຈິດຕະນາການໃຊ້ເວລາ "ບ່ອນນັ່ງກັບຄືນໄປບ່ອນ", ແລະເວົ້າ, ແລະຄຸນນະພາບທໍາມະຊາດຂອງຮູບແຕ້ມ, ຮູບຮ່າງ, ຫຼືຮູບແບບແມ່ນເຫດຜົນຕົ້ນຕໍສໍາລັບການເປັນສິລະປະ minimalist. ຄໍາສັບຕ່າງໆເຊັ່ນ "ການປະຕິເສດ" ຫຼື "ການກະບົດ" ແມ່ນຕົວກໍານົດທີ່ຊັດເຈນຂອງສິລະປະ minimalist, ຊີ້ໃຫ້ເຫັນເຖິງວິທີການຮາກຂອງມັນເປັນຫນຶ່ງໃນການເຄື່ອນໄຫວສິລະປະໃນສະຕະວັດທີ 20.

ສີ monochromatic

ຕົວລະບຸອີກອັນຫນຶ່ງຂອງສິລະປະ minimalist ແມ່ນ ການ​ນໍາ​ໃຊ້​ຂອງ​ສີ​, ຍຶດ​ຫມັ້ນ​ກັບ monochromes ແລະ ສີ​ຕົ້ນ​ຕໍ palettes​. ນີ້ເຮັດໃຫ້ວຽກງານສິລະປະມີຄວາມເປັນກາງຫຼາຍໃນວິທີການຂອງມັນແລະສີບໍ່ກາຍເປັນຫຼາຍກວ່າສິ່ງທີ່ມັນເປັນ. ໃນຄໍາສັບຕ່າງໆອື່ນໆ, ສີບໍ່ໄດ້ຖືກນໍາໃຊ້ເພື່ອບົ່ງບອກເຖິງການສະແດງອອກສ່ວນບຸກຄົນ, ແຕ່ເພື່ອສົ່ງຜົນກະທົບແລະການເຮັດວຽກເປັນ.

ການລວບລວມຄວາມທຸກທໍລະມານຢູ່ຂ້າງລຸ່ມ… (1982-1983 ) ໂດຍ John Francis Murphy; John Francis Murphy, public domain, via Wikimedia Commons

Geometric Shapes and Forms

Minimalism art is definition by geometric shapes, ບໍ່ວ່າຈະເປັນການທາສີໃສ່ຜ້າໃບຫຼືຮູບ.ສິ້ນຂອງຮູບປັ້ນ. ແບບຟອມແມ່ນມັກຈະບໍ່ມີຕົວຕົນແລະບໍ່ສະເຫມີກ່ຽວກັບຄວາມງາມຫຼືຄວາມຮູ້ສຶກ, ແຕ່ທັງຫມົດນີ້ປະກອບສ່ວນໃຫ້ຫນ້ອຍທີ່ສຸດແລະວິທີການທີ່ມັນຍ້າຍອອກໄປຈາກວິທີການແບບດັ້ງເດີມຫຼາຍຂອງການສ້າງສິລະປະແລະການປະຕິມາກໍາ, ເຊິ່ງມັກຈະບອກເລື່ອງ, ຫຼືທີ່ບາງຄົນອ້າງເຖິງມັນ, ການບັນຍາຍ. .

ແນວໃດກໍ່ຕາມ, ຮູບແບບ ຫຼືຮູບຮ່າງບໍ່ໄດ້ມີຈຸດປະສົງບອກເລື່ອງເລົ່າ ແລະມັນຂຶ້ນກັບຜູ້ຊົມທີ່ຈະກຳນົດເລື່ອງລາວ.

ວັດສະດຸທາງການຄ້າທຽບກັບສິລະປະ. ວັດສະດຸ

ສ່ວນຫຼາຍແລ້ວ, ສິນລະປະແບບນ້ອຍຈະຖືກສ້າງຂື້ນດ້ວຍສີທາງການຄ້າແບບທຳມະດາ, ແປງ, ແລະວັດສະດຸອຸດສາຫະກຳອື່ນໆ. ນີ້ອະທິບາຍຕື່ມອີກກ່ຽວກັບຫຼັກການຂອງ Minimalism ບໍ່ແມ່ນສ່ວນບຸກຄົນຫຼືການສະແດງອອກ, ແຕ່ "ສິ່ງທີ່ທ່ານເຫັນແມ່ນສິ່ງທີ່ເຈົ້າເຫັນ", ດັ່ງທີ່ Frank Stella ເວົ້າຢ່າງຖືກຕ້ອງກ່ຽວກັບສິລະປະຂອງລາວ, ແລະສຸດທ້າຍ, ການເຄື່ອນໄຫວສິລະປະຂອງ Minimalism ຕົວຂອງມັນເອງ.

ການສະແດງສິລະປະຂະໜາດນ້ອຍໃນສະໄຕລ໌ ແລະສື່

ສິລະປະຕ່ຳສຸດແມ່ນສະແດງຢູ່ໃນຮູບແບບຕ່າງໆ, ຕັ້ງແຕ່ສິລະປະພາບ, ຮູບປັ້ນ, ການອອກແບບພາຍໃນ, ການຕິດຕັ້ງ ແລະສະຖາປັດຕະຍະກຳ. ຂ້າງລຸ່ມນີ້, ພວກເຮົາປຶກສາຫາລືກ່ຽວກັບວິທີການເຄື່ອນໄຫວສິລະປະນີ້ສະແດງຕົວຂອງມັນເອງຢູ່ໃນຮູບແບບເຫຼົ່ານີ້, ລວມທັງການກ່າວເຖິງນັກສິລະປິນທີ່ມີຊື່ສຽງທີ່ກ່ຽວຂ້ອງ. ແຕ່ເມື່ອເວົ້າເຖິງການແຕ້ມຮູບແບບ Minimalism, ທ່ານຈະສັງເກດເຫັນໂລກທີ່ມີສອງມິຕິລະດັບຮາບພຽງແລະຮູບຮ່າງເລຂາຄະນິດ, ຄືກັບວ່າວັດຖຸສາມມິຕິໄດ້.ແປລົງໃສ່ຜ້າໃບ. ເລື້ອຍໆ, ຮູບແຕ້ມເຫຼົ່ານີ້ແມ່ນງ່າຍດາຍໃນລະບົບສີຂອງພວກເຂົາ, ແຕ່ພວກມັນສ້າງພາບລວງຕາຂອງຄວາມເລິກແລະພື້ນທີ່, ເຊິ່ງກໍ່ໃຫ້ເກີດການສະແດງສິລະປະໃຫມ່ທັງຫມົດ. ເຈົ້າຢາກສົມມຸດວ່າມີຄວາມໝາຍຕໍ່ກັບການແຕ່ງຕົວ, ແຕ່ອັນນີ້ມາຈາກແນວຄວາມຄິດຂອງສິລະປະທີ່ບໍ່ໄດ້ຄິດມາກ່ອນຂອງເຈົ້າເອງ.

ໜ້າກຽດ, ເຖິງວ່າສິລະປະແບບຕໍ່າໆເປັນການຕອບໂຕ້ແບບກະບົດຕໍ່ກັບການສະແດງອອກແບບບໍ່ມີຕົວຕົນ, ແຕ່ນັກສິລະປິນຫຼາຍຄົນໄດ້ມີສ່ວນຮ່ວມ ແລະ ດຶງອອກມາ, ແຮງບັນດານໃຈຈາກຮູບແຕ້ມຂອງນັກສິລະປິນຕ່າງໆຈາກ Abstract Expressionism. ຕົວຢ່າງຂອງນັກສິລະປິນທີ່ນ້ອຍທີ່ສຸດຄື Barnett Newman, ຜູ້ທີ່ສ້າງອົງປະກອບທີ່ມີສີທີ່ໃຊ້ໃນລັກສະນະຮາບພຽງ. ເຊັ່ນດຽວກັນ, ການແຕ້ມຮູບຂອງລາວບໍ່ໄດ້ປະຕິບັດຕາມຮູບແບບດຽວກັນທີ່ເຫັນໃນຫຼາຍ ຮູບແຕ້ມທີ່ບໍ່ມີຕົວຕົນ ໃນເວລານັ້ນ.

Newman ຍັງເປັນໜຶ່ງໃນຜູ້ບຸກເບີກໃນ ການແຕ້ມຮູບສີທົ່ງນາ ໃນລະຫວ່າງ. ຊຸມປີ 1940 ແລະ 1950 ໃນນິວຢອກ. ວິທີການນີ້ໃຊ້ສີໃນລັກສະນະທີ່ແຕກຕ່າງກັນ, ນໍາໃຊ້ສີໃນຂະຫນາດໃຫຍ່, ຮູບແບບຫຼືຮູບຮ່າງທີ່ບໍ່ແຕກ, ແທນທີ່ຈະເປັນ brushstrokes ອາລົມແຈ້ງການເຮັດວຽກ. ສິນລະປິນແບບນ້ອຍເຊັ່ນ Frank Stella ຍັງໄດ້ດຶງດູດຜູ້ສະໜັບສະໜູນຈາກ Color Field Movement, ເນື່ອງຈາກການເຄື່ອນໄຫວໄດ້ທັບຊ້ອນກັນຢ່າງໃກ້ຊິດໃນຊ່ວງຍຸກນັ້ນ.

Wasko, Man in the Night (ເຖິງ Barnett Newman) (1988) ໂດຍ Ryzard Wasko; Ryszard Wasko, CC BY-SA 3.0, ຜ່ານ Wikimedia Commons

ຮູບປັ້ນ

ຮູບປັ້ນນ້ອຍເປັນສ່ວນໃຫຍ່ຂອງການເຄື່ອນໄຫວນີ້, ແລະສາມມິຕິລະດັບຂອງວັດຖຸແມ່ນຕົວຢ່າງທີ່ດີຂອງສິ່ງທີ່ການເຄື່ອນໄຫວນີ້ແມ່ນກ່ຽວກັບ. ຄຸນລັກສະນະຕົ້ນຕໍຂອງສິ່ງນີ້ແມ່ນວ່າວັດຖຸແມ່ນງ່າຍດາຍແລະພື້ນຖານຢ່າງສົມບູນໃນຮູບຮ່າງຂອງມັນ. ຕົວຢ່າງ, cube ແມ່ນ cube, ແລະນັກສິລະປິນ minimalist ພະຍາຍາມພັນລະນາວັດຖຸທີ່ບໍລິສຸດຄືກັບວັດຖຸ, ແລະບໍ່ໃຫ້ຄວາມຫມາຍອື່ນ. ນອກຈາກນັ້ນ, ນັກສິລະປິນໄດ້ຫຼິ້ນກັບແນວຄິດຂອງວິທີທີ່ຜູ້ເບິ່ງຈະເບິ່ງວັດຖຸໃນແງ່ຂອງສ່ວນຂອງມັນແລະວິທີການເຫຼົ່ານີ້ປະກອບເປັນທັງຫມົດ.

ເມື່ອທ່ານເບິ່ງຕົວຢ່າງຂອງ cube, ຄໍາເວົ້າຂອງ minimalist Sol. LeWitt ມາໃນໃຈຈາກຫນຶ່ງໃນການຂຽນຂອງລາວ, ບ່ອນທີ່ທ່ານເວົ້າວ່າ, "ລັກສະນະທີ່ຫນ້າສົນໃຈທີ່ສຸດຂອງ cube ແມ່ນວ່າມັນຂ້ອນຂ້າງບໍ່ຫນ້າສົນໃຈ". ຍິ່ງໄປກວ່ານັ້ນ, ການປະຕິມາກໍາ minimalist ເປັນວັດຖຸທີ່ເປັນເອກະລາດຂອງນັກສິລະປິນທີ່ສ້າງມັນ; ໃນຄໍາສັບຕ່າງໆອື່ນໆ, ມັນສາມາດຢືນຢູ່ຄົນດຽວແລະບໍ່ຕ້ອງການນັກສິລະປິນເພື່ອໃຫ້ມັນມີຄວາມຫມາຍ.

ວັດຖຸນ້ອຍມາໃນຮູບຮ່າງແລະຂະຫນາດທີ່ແຕກຕ່າງກັນ, ແລະ array ຂອງວັດສະດຸອັນໃຫຍ່ຫຼວງໄດ້ຖືກນໍາໃຊ້ເພື່ອສ້າງສິ່ງເຫຼົ່ານີ້. ນັກສິລະປິນມັກໃຊ້ພາດສະຕິກ, ໂລຫະເຊັ່ນອາລູມິນຽມ, ໄມ້ເຊັ່ນໄມ້ອັດ, ເສັ້ນໄຍແກ້ວ, ແລະແມ້ກະທັ້ງຊີມັງ, ແລະອື່ນໆ. ການປະຕິມາກໍາບໍ່ໄດ້ກາຍເປັນຄວາມຮູ້ສຶກແລະການນໍາໃຊ້ວັດສະດຸທີ່ມີຢ່າງກວ້າງຂວາງປະກອບສ່ວນເຂົ້າໃນຄວາມເປັນຈິງນີ້. ບາງແຫຼ່ງຂ່າວລະບຸວ່າຮູບປັ້ນນ້ອຍມັກຈະຢູ່ເທິງພື້ນ ຫຼືຢືນຢູ່ໃນທາງ. ດັ່ງນັ້ນ, ຄືກັບສິລະປະທີ່ບໍ່ຄ່ອຍມີຕົວຕົນ, ມີການຊີ້ບອກຄວາມຕັ້ງໃຈໂດຍນັກສິລະປິນບາງຄົນ, ແລະບາງທີນີ້ແມ່ນພຽງແຕ່ການຖະແຫຼງແລະບໍ່ມີຫຍັງອີກບໍ? ນອກນັ້ນຍັງມີການຕິດຕໍ່ພົວພັນ, ໂດຍມີບາງຊິ້ນສ່ວນທີ່ສ້າງຂຶ້ນເພື່ອເຄື່ອນຍ້າຍໄປໃນການຈັດວາງທີ່ແຕກຕ່າງກັນ. Photograph:Emanue3Sculpture: Donald Judd, public domain, via Wikimedia Commons

ພວກເຮົາຈະພົບອັນນີ້ໃນຕົວຢ່າງຈາກ Carl Andre's Lever (1966), ເຊິ່ງເປັນສາຍຂອງ ບັ້ງໄຟ 137 ໜ່ວຍ ທັງໝົດຖືກວາງໄວ້ເປັນຮູບສີ່ຫຼ່ຽມຢູ່ຕິດກັນ ແລະ ເບິ່ງຄືວ່າຕິດຢູ່ດ້ານໜຶ່ງຂອງກຳແພງ. Robert Morris' Mirrored Cubes (1965) ແມ່ນອີກຕົວຢ່າງໜຶ່ງຂອງຮູບປັ້ນທີ່ນ້ອຍທີ່ສຸດທີ່ຖືພື້ນທີ່ ແລະຊ່ວຍໃຫ້ຜູ້ເບິ່ງສາມາດພົວພັນກັບມັນໄດ້. ສີ່ກ້ອນຂອງ Morris ແມ່ນຖືກຈັດໃສ່ໃຫ້ທຽບເທົ່າຈາກກັນ ແລະ ມີບ່ອນພຽງພໍໃຫ້ຜູ້ຊົມສາມາດຍ່າງຜ່ານພວກມັນ ແລະ ອ້ອມຮອບພວກມັນໄດ້, ແລະ ແນ່ນອນວ່າການສະທ້ອນທີ່ສ້າງຂຶ້ນໂດຍກະຈົກຈະເພີ່ມຜົນກະທົບ.

ອັນນີ້ສະແດງເຖິງຄວາມອ່ອນໂຍນອີກຄັ້ງ. ສິລະປະແມ່ນພຽງແຕ່ຊຸດຂອງຮູບຮ່າງ, ວັດສະດຸ, ສີ, ແລະໂຄງສ້າງທີ່ບໍ່ມີຄວາມຫມາຍອື່ນນອກເຫນືອຈາກສິ່ງທີ່ມັນຢູ່ໃນພື້ນທີ່ທີ່ມັນຄອບຄອງ. ເມື່ອຜູ້ຊົມມີປະຕິກິລິຍາກັບມັນ, ມັນກໍ່ເປັນຄໍາຖາມທີ່ຈະສ້າງຄວາມຫມາຍຫຼືບໍ່.

ການອອກແບບພາຍໃນ

ຕິດຕາມຈາກ

John Williams

John Williams ເປັນນັກສິລະປິນ, ນັກຂຽນ, ແລະນັກສິລະປະທີ່ມີລະດູການ. ລາວໄດ້ຮັບປະລິນຍາຕີດ້ານວິຈິດສິນຂອງລາວຈາກສະຖາບັນ Pratt ໃນນະຄອນນິວຢອກແລະຕໍ່ມາໄດ້ສືບຕໍ່ປະລິນຍາໂທດ້ານສິລະປະທີ່ມະຫາວິທະຍາໄລ Yale. ເປັນເວລາຫຼາຍກວ່າທົດສະວັດ, ລາວໄດ້ສອນສິລະປະໃຫ້ແກ່ນັກຮຽນທຸກໄວໃນສະຖານການສຶກສາຕ່າງໆ. Williams ໄດ້ວາງສະແດງຜົນງານສິລະປະຂອງລາວຢູ່ໃນຫ້ອງສະແດງທົ່ວສະຫະລັດແລະໄດ້ຮັບລາງວັນແລະການຊ່ວຍເຫຼືອລ້າຫຼາຍໆຢ່າງສໍາລັບວຽກງານສ້າງສັນຂອງລາວ. ນອກເຫນືອຈາກການສະແຫວງຫາສິລະປະຂອງລາວ, Williams ຍັງຂຽນກ່ຽວກັບຫົວຂໍ້ທີ່ກ່ຽວຂ້ອງກັບສິລະປະແລະສອນກອງປະຊຸມກ່ຽວກັບປະຫວັດສາດສິລະປະແລະທິດສະດີ. ລາວມີຄວາມກະຕືລືລົ້ນໃນການຊຸກຍູ້ໃຫ້ຄົນອື່ນສະແດງອອກໂດຍຜ່ານສິລະປະແລະເຊື່ອວ່າທຸກຄົນມີຄວາມສາມາດສ້າງສັນ.