Le Déjeuner sur l’herbe - 마네의 "풀밭 위의 점심"을 보며

John Williams 04-08-2023
John Williams
파란색 담요 위에 앉아 있는 두 명의 남자.

여성은 오른쪽 다리를 위로 올려 앉아 오른쪽 팔꿈치를 무릎에 대고 엄지와 검지로 턱을 받치고 있습니다. 그녀는 구경꾼의 방향을 바라본다. 게다가 앞서 언급한 라이몬디의 파리의 심판> 에서 본 여인의 모습도 연상된다.

왼쪽: 파리의 심판(c. 1515) 마르칸토니오 라이몬디; National Gallery of Art, CC0, Wikimedia Commons를 통해

에두아르 마네의 명화 중 하나로 19세기 보수 미술계에서 적잖은 논란을 불러일으킨 작품이지만 결국 거부당했다. 이 기사에서는 유명한 그림 Le Déjeuner sur l'herbe 에 대해 자세히 살펴보고 그것이 정확히 무엇에 관한 것이며 왜 화제가 되었는지 살펴봅니다.

작가 초록: 에두아르 마네는 누구였습니까?

Édouard Manet은 1832년 1월 23일에 태어났다. 파리에서 태어나 어릴 때부터 미술에 관심을 갖고 1841년 Collège Rollin에서 미술 수업을 시작했고 1850년에는 Thomas를 통해 미술 공부를 계속했다. 쿠튀르의 후견인. 1856년 마네는 파리에 화실을 세웠다.

마네는 미술 활동을 하는 동안 수많은 예술가와 학자들을 접했고 이탈리아를 포함한 유럽 전역을 여행했다.

그는 또한 소문에 의하면 루브르 박물관에서 "오래된 거장들"을 연구했습니다. 그는 모더니즘의 가장 저명한 예술가 중 한 명으로 알려졌으며 그의 유명한 작품인 Le Déjeuner sur l'herbe (1863)는 그의 새로운 스타일 때문에 소란을 일으켰습니다. 마네는 인상주의 에 이은 사실주의 미술의 한 부분으로 기억된다. 그는 1883년 4월에 사망했습니다.

1870년 이전의 예술가 Édouard Manet의 클로즈업 사진; Nadar, 퍼블릭 도메인, Wikimedia Commons를 통해

Le Déjeuner sur l'herbe (1863) by Édouard Manet in Context

Édouard Manet은

마네의 잔디 위의 점심> 의 설정은 외부에서 발생했음을 시사하는 요소가 있기 때문에 종종 학술적 논쟁의 대상이 되어 왔다는 점도 주목해야 한다. 명백하게 보이지만 일부 측면은 작업실 내부에서 그렸을 수 있음을 나타냅니다.

이는 ​​그럴듯한 점이며 Manet이 그림을 그렸을 때 사진에 노출되었다는 점을 기억하는 것이 중요합니다.

조명 Le Déjeuner sur l'herbe (“ Luncheon on the Grass”) (1863) Édouard Manet 작; Édouard Manet, 공개 도메인, Wikimedia Commons를 통해

Manet이 어떻게 내부 세계를 드러낼 수 있었는지 시사하는 예에는 벌거벗은 여성의 피부 톤이 포함되며, 그녀에게 일종의 거친 조명을 암시합니다. 조명이 모델에 비추는 스튜디오에서 예상되는 것과 같습니다. 또한 오른쪽 신사가 쓰고 있는 모자는 주로 실내에서 쓰고 실외에서 쓰지 않는 모자를 가리키며, 그 남성의 지팡이는 외부를 암시하기 때문에 안에 있을 사람과는 상반된다.

색과 빛

마네가 풀밭에서의 오찬 그림에서 색과 빛을 활용한 방식에 대한 논의는 주제와 거의 일치한다. 여기서 우리가 의미하는 것은 마네가 그의 주제를 느슨한 붓놀림으로 그렸다는 것입니다.명확한 선과 윤곽이 허용되는 아카데믹 스타일의 그림에 반대했습니다. 마치 우연한 방식으로 그림을 그린 것 같습니다.

또한 마네가 어둠과 빛의 개념을 활용한 방식은 그림에서 분명합니다. 예를 들어 여성은 더 밝은 톤으로 묘사됩니다. , 남자들은 옷 때문에 더 어둡게 보입니다.

우리를 바라보는 여자도 외모가 빤히 보입니다. 그녀는 고전 회화에서 누드 여성에게서 볼 수 있는 색조 변화가 부족합니다. 그녀의 몸 대부분은 한 가지 색으로만 이루어져 있습니다. 거친 빛이 그녀를 비춘 것처럼 스튜디오에 있었던 것 같습니다.

예를 들어 그녀의 오른쪽 아래에서 그녀의 톤을 암시하는 어두운 색 영역을 볼 수 있습니다. 허벅지, 가슴 근처, 팔꿈치 부분. 자세히 보면 마네는 이러한 피부 톤의 그라데이션과 그림자가 드리워진 위치를 나타내기 위해 짙은 회색과 검은색을 사용했던 것 같습니다. 유사하게, 우리는 그의 그림 Olympia (1863)에서 Manet의 여성 인물에서 이 "완전한" 색조를 볼 수 있습니다. 또한 그녀는 누운 자세에서 움찔하지 않고 관객을 응시하고 있다. Édouard Manet, Public domain, via Wikimedia Commons

Perspective and Scale

여기서 Manet 구성의 중요한 측면이자 널리 언급된 한 가지 측면은 다음과 같습니다. 그는 중앙에 있는 세 인물 사이의 관점을 묘사했습니다.

그들 사이에는 깊이감이나 공간감이 없고, 배경의 여성은 전경과 거의 비슷한 스케일로 그려져 있다.

만약 마네가 아카데믹 회화의 규칙을 따랐다면 배경의 여성은 공간감과 입체감을 나타내기 위해 크기가 작아졌겠지만, 마네는 깊이의 환상을 스스로 내파한 것 같다.

에두아르 마네의 Le Déjeuner sur l'herbe (“ 잔디 위의 오찬”)의 원근법 (1863); 사용자: 예, 저작자 표시, Wikimedia Commons

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또한 그림의 실제 크기는 약 2x2미터로 크기 때문에 그림과 주제에 대한 영향이 더해졌을 것입니다. . 그림 앞에 섰을 때 분명 복합적인 감정을 불러일으켰을 것이다.

Le Déjeuner sur l'herbe 의미

마네의 유명한 오찬 그림의 의미와 해석의 과잉. 그러나 우리가 마네의 그림에서 발견하는 것은 삶에서 발견하는 다양한 극성 또는 "대조" 요소입니다.

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예를 들어, 마네는 여성을 남성과 함께 배치함으로써 남성성과 여성성의 개념을 지적했습니다. 마찬가지로 그는 빛과 어둠의 개념을 가지고 놀았고, 암컷은 묘사되었습니다.밝은 색상과 어두운 색조의 남성, 과도한 노출과 옷을 입는 아이디어.

Manet은 그의 그림 올림피아 ( 1863), 그는 자신감과 자신감을 가진 여성을 묘사했습니다. 더 이상 구경꾼을 부끄럽게 바라보는 수줍어하는 여성이 아니라 자신이 벌거벗은 것을 알면서도 시선을 마주하는 여성이다. Édouard Manet의 l'herbe(“잔디 위의 점심 식사”)(1863); Édouard Manet, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

다른 출처에서도 Manet의 절친한 친구인 Antonin Proust가 어느 날 그들이 센 강둑에 있을 때 Manet이 그에게 한 말을 언급했다고 합니다. 그리고 여자가 목욕하는 모습을 지켜본다. 분명히 Manet은 “우리가 [Thomas Couture의] 스튜디오에 있을 때 Giorgione의 여성, 음악가가 있는 여성을 복사했습니다. 그 그림은 검은 색입니다. 땅이 나왔습니다. 다시 하고 싶고 저기 보이는 사람들과 투명한 분위기로 하고 싶다”고 말했다.

그는 신화적이거나 종교적인 주제에서 완전히 벗어나 파리의 현대적 요소를 시각적으로 기록하는 새로운 주제를 창조했습니다. , 그러나 궁극적으로19세기 여성이 두 신사와 소풍을 가는 것만큼 현실적이지 않습니다.

이와 함께 일부 학자들은 마네의 묘사와 관련된 매춘에 대한 아이디어도 살펴보았습니다. 배경이 피크닉을 즐길 수 있는 공원과 같은 환경을 암시하기 때문에 마네는 사람들이 성매매, 즉 성매매를 위해 만나는 파리 외곽의 불로뉴 숲이라는 유명한 공원을 삽화로 그렸다고 합니다.

What 사람들은

Le Déjeuner sur l'herbe 가 파리에서 처음 전시되었을 때 스캔들처럼 보였고 사람들은 예상과 너무 다른 주제에 충격을 받았고 당황했습니다. . 프랑스 언론인이자 작가인 에밀 졸라는 종종 마네의 잔디 위의 점심 을 철저히 묘사한 것으로 인용됩니다.

그는 텍스트에서 "이 얼마나 외설스러운 일인가! 옷을 입은 두 남자 옆에 벌거벗은 여자가 앉아 있는 것을 언급할 때 "한 번도 본 적이 없다".

에밀 졸라의 초상 (1868, 에두아르 작) 마네; Édouard Manet, 퍼블릭 도메인, via Wikimedia Commons

Zola는 또한 Manet을 "분석적인 화가"로 묘사했으며 그는 "무엇보다도 군중을 괴롭히는 주제에 대한 집착이 없습니다. 그들에게 주제는 단지 그림을 그리기 위한 구실일 뿐이고, 군중에게는 주제만이 존재한다.”

이 점이 마네의 예술적스타일 – 그는 또한 색상과 빛을 전달하기 위해 그렸고 주제에 대한 이러한 효과를 전달했으며, 추가로 그의 붓놀림은 전통적인 그림에서 볼 수 있는 것보다 느슨했습니다. 사실 이 새로운 스타일은 인상파 로 알려지게 된 많은 아방가르드 예술가들에게 영감을 준 것입니다.

마네: 규칙을 따르지 않음

마네의 명화는 계속될 것입니다 예를 들어 인상파 클로드 모네(Claude Monet) 는 그의 뒤를 이어 다른 많은 예술가들에게 영감을 주기 위해 Le Déjeuner sur l'herbe(1865-1866)라는 제목의 복제품을 그렸습니다. 옥외. 앞서 언급한 졸라도 소설 L'Oeuvre (1886)를 썼는데, 마네의 풀밭에서의 점심 과 19세기 파리 화단의 다른 예술가들을 암시한다. .

마네의 영향을 받은 다른 주목할 만한 예술가로는 폴 세잔 , 폴 고갱, 파블로 피카소, 다다이스트 막스 에른스트 등 마네의 유명한 잔디 위의 점심 테마를 활용한 많은 사람들이 있습니다. , 여성, 누드, 형상화 및 그것이 새로운 형식적 기법으로 어떻게 묘사되었는지.

마네는 확실히 프랑스 아카데미를 통해 고전적 규범에 대한 고수가 줄어드는 예술 유형의 발전에 영향을 미쳤습니다. 그는 전통 회화의 규칙을 어겼지만 동시에 "옛 거장들"에 대한 사랑을 통해 전통을 살리고20세기와 그 이후로 빠르게 발전하는 세계에서만 예상되는 것처럼 회화의 진화의 경계를 넓혔습니다. 마네는 확실히 미술사뿐만 아니라 미술의 미래에서 완전히 새로운 무언가의 시작을 강조한 예술적 마커였습니다.

여기에서 Manet 잔디 위의 점심 웹 스토리를 살펴보세요!

자주 묻는 질문

Who Painted Luncheon on 잔디 (1863)?

Le Déjeuner sur l'herbe 는 불어로 잔디 위의 점심>이라는 뜻으로 프랑스 화가 에두아르 마네가 그린 작품이다. 1863.

마네의 잔디 위의 오찬 (1863)은 지금 어디에 있는가?

에두아르 마네의 잔디 위의 오찬 (1863) 그림이 파리 오르세 미술관에 소장되어 있다.

마네의 오찬 속 여인은 누구인가 잔디 (1863)?

Édouard Manet은 모델, 특히 프랑스 예술가이기도 한 Victorine-Louise Meurent의 도움을 받아 인물을 그렸습니다. 그녀는 잔디 위의 오찬 (1863)뿐만 아니라 마네의 다른 그림 올림피아 (1863)에서도 여성으로 포즈를 취한 것으로 전해진다.

회화의 학문적 규칙에서 벗어나 새롭고 현대적인 회화 스타일이 어떤 모습인지 세상에 보여 준 선구자 중 한 명입니다. 처음에는 The Bath ( Le Bain )라는 제목으로 지금은 Le Déjeuner sur l'herbe 로 알려진 "풀밭 위의 점심"을 의미하는 마네의 나체 여성이 남성 두 명과 소풍을 가는 명장면은 기존 회화의 룰을 넘어서 회화의 아이콘이 되었다. on the Grass”) (1863), Édouard Manet; Édouard Manet, Public domain, via Wikimedia Commons

아래 기사에서는 Le Déjeuner sur l'herbe<3에 대한 분석을 제공합니다> 그림이 그려지고 전시된 시기에 대한 간략한 배경과 마네에게 동기를 부여한 동기를 먼저 논의함으로써 의미합니다. 그런 다음 마네가 ​​취한 주제와 문체적 접근 방식에 대해 자세히 살펴보는 형식적 분석에 대해 논의할 것입니다. 이는 궁극적으로 이 작품을 현재까지 가장 유명한 작품 중 하나로 만들었습니다.

작가 에두아르 마네
작성일 1863
중간 캔버스에 유채
장르 풍속화
시대 / 움직임 사실주의
차원 208 x 264.5 센티미터
시리즈 / 버전 해당 없음
어디서소장품? 파리 오르세 미술관
가치 추정 가치는 끝났습니다 6천만 달러

맥락적 분석: 간략한 사회역사적 개관

에두아르 마네가 풀밭의 오찬 을 그렸던 시기는 1800년대 프랑스. Académie des Beaux-Arts로 알려진 프랑스 아카데미가 Academic Painting이라고도하는 회화의 기준을 지배하던시기였습니다. 고전 고대와 르네상스 시대의 형식과 구조를 따랐습니다.

마네가 파리의 대표적인 미술 전시 그룹인 살롱에서 잔디 위의 점심 을 전시하려고 했을 때, 1863년에 그것은 거부되었다. 이후 '거절된 것의 전시'라는 뜻의 살롱 데 레퓨제(Salon des Refusés)에 전시되었다.

이번 전시회는 파리의 살롱에서 전시가 거절된 모든 작품을 위한 전시회였다.

전시회가 열렸던 산업 궁전, 1850~1860년대; Édouard Baldus, CC0, via Wikimedia Commons

이 기간 동안 황제 나폴레옹 3세는 프랑스를 통치했고 살롱에서 거부된 작품에 대한 수많은 불만이 있은 후 잠정적으로 새로운 전시회 분파를 열도록 허용했습니다. 이것은 Salon des Refusés가 발효된 때입니다. 이곳에 전시된 그림에 대해 많은 비판이 있었지만 그럼에도 불구하고 아방가르드를 소개했다.art .

현상 유지 거부

마네의 잔디 위의 오찬 을 거부한 파리 미술 기관 못지않게 제임스 맥닐과 같은 다른 예술가들도 포함 Whistler의 Symphony in White, No.1: The White Girl (c. 1861/1862), Camille Pissarro, Gustave Courbet 등 그는 유사하게 현상 유지를 거부했습니다. 페인트에 허용되는 것과 준수해야 할 규칙에 대해. 이것이 마네의 그림이 외설적 으로 보이도록 만든 것입니다.

Symphony in White, No. 1: The White Girl (1862) by James McNeill Whistle r; James McNeill Whistler, Public domain, via Wikimedia Commons

그러나 왜 Manet의 그림이 거부되었고 왜 그 당시에 그토록 전위적이었는가를 더 잘 이해하기 위해 우리는 그림에 대한 학문적 기준이 무엇인지 좀 더 알 필요가 있습니다.

그림을 받아들일 수 있는 것으로 간주하는 다양한 계층이 있었는데, 특히 종교적 또는 신화적 주제로 도덕적, 영웅적 메시지를 탐구한 역사 그림이 중요했습니다. , 그림의 "가장 높은"형태였습니다. 수많은 인물이 등장하는 복잡한 내러티브를 묘사하려면 예술적 기교가 필요했기 때문이다. 게다가, 이 그림들은 보통 큰 캔버스에도 있었습니다.

그림의 다음 계층은 초상화, 풍속화, 그리고 풍경화와 정물화였습니다. 각 장르는 덜한 것으로 간주되었습니다.역사 그림에 비해 크기가 더 작고 중요합니다. 역사화와 같은 도덕적 메시지를 공유하지 않았기 때문에 주제도 덜 중요하게 여겨졌습니다.

1787년 파리 살롱 전시회, Pietro Antonio Martini의 에칭; Pietro Antonio Martini (1738–1797) , Public domain, via Wikimedia Commons

위의 내용은 장르의 다양한 계층 구조에 대한 간략한 설명이지만 이해해야 할 중요한 점은 사람들이 계층 구조에 따라 따르는 특정 규칙을 볼 것으로 예상됩니다. 어떤 식으로든 막을 수 있다면 항의가 있을 수 있는 확고한 시스템이 있었고, 이러한 맥락에서 우리는 살롱이 풀밭에서의 점심 을 거부한 이유를 이해할 수 있습니다.

"누드"가 아닌 "벌거벗은" 여성뿐만 아니라 여러 인물을 묘사하는 큰 규모의 그림으로 인해 역사화의 다양한 요소를 반영했지만 동시에 거의 뺨을 때리는 것과 같았습니다. 역사화의 확립된 규칙.

마네는 아름다운 나체의 비너스나 경건한 마돈나, 신화나 성서 이야기에서 우리 모두가 알고 있는 인물을 묘사하는 것과는 대조적으로 주제를 가깝고 개인적으로 가져왔습니다. 절대 실제 사람을 만나지 마십시오. 그러나 마네의 풀밭 위의 오찬 에서는 현대인처럼 벌거벗은 여인을 만났다.대조적으로 현대적인 드레스를 입은 두 명의 동반 신사를 포함한 파리지앵.

에두아르 마네의 Le Déjeuner sur l'herbe (“ Luncheon on the Grass”)의 클로즈업 (1863); Édouard Manet, Public domain, via Wikimedia Commons

그러나 Manet은 다양한 역사 그림에서 특징을 차용하여 자신의 것으로 만들거나 새로운 방식으로 변형했습니다. 그들은 말한다. 비록 마네의 그림이 19세기 프랑스 회화와는 다른 불량품처럼 보일지라도, 작가는 분명히 이유 를 가지고 있었고, 그의 주제를 목적에 두었다.

그가 차용한 고전 그림 중 일부는 Marcantonio Raimondi The Judgment of Paris (c. 1515), Giorgione의 판화를 포함합니다. The Pastoral Concert (c.1510), The Tempest (c.1508), Jean-Antoine Watteau의 La Partie Carrée (c.1713) .

The Pastoral Concert (c. 1510) Giorgione 및/또는 Titian; 루브르 박물관, 퍼블릭 도메인, Wikimedia Commons를 통해

이 그림과 조각을 보면 주제가 여러 인물을 묘사하고 있으며 그 중 여성은 옷을 입은 남성과 함께 누드입니다. 2>목회음악회 , 폭풍우 . 그러나 파리의 심판> 에는 나체 여성이 앉아 있는 나체 남성도 등장한다.마네의 잔디 위의 오찬 에서 우리가 보는 여성 – 우리는 아래의 형식적 분석에서 주제를 탐구할 때 이에 대해 더 논의할 것입니다.

형식 분석: 간략한 구성 개요

아래에서 Le Déjeuner sur l'herbe 를 보다 자세히 살펴보겠습니다. 마네가 활용한 요소. 또한 이 그림이 실내 모티프를 야외 환경에서 묘사하는 것과 그림 속 여성이 누구인지에 대해 자주 의문을 제기하는 방법에 대해서도 살펴보겠습니다.

주제

전경부터 시작하겠습니다. 잔디 위의 점심 에서 배경으로 이동합니다. 배경은 마네가 양식적으로 그리 멀리 떨어져 있지는 않지만 나중에 설명하겠습니다. 왼쪽 모서리를 향한 가까운 전경에는 다양한 과일이 담긴 바구니와 두드린 것처럼 바구니 밖에 놓여있는 빵 한 덩어리를 포함하여 순식간에 버려진 것처럼 보이는 옷 묶음이 있습니다. 이상.

Édouard Manet의 Le Déjeuner sur l'herbe (“ Luncheon on the Grass”) 세부 묘사 (1863); Édouard Manet, 공개 도메인, Wikimedia Commons를 통해

중간 전경으로 이동하지만 구성의 거의 중심에 3개가 있습니다. 풀밭에 기대어 있는 형상, 즉 왼쪽에 벌거벗은 여자가 있다.마네를 위해 포즈를 취한 남성 인물은 그의 두 형제인 귀스타브와 외젠으로, 이들은 함께 오른쪽에 있는 인물을 구성했다고 합니다. 왼쪽의 남자 인물은 Ferdinand Leenhoff로 그의 누이인 Suzanne Leenhoff는 1863년에 Manet과 결혼했다고 합니다. 겉옷. 그녀는 몸을 구부리고 오른손을 물에 담그고 머리를 오른쪽으로 약간 기울입니다. 이것이 관객인 우리를 향한 면이다.

Le Déjeuner sur l'herbe (“ 잔디 위의 오찬”) 상세 ( 1863) 에두아르 마네; Édouard Manet, 공개 도메인, Wikimedia Commons를 통해

주변 환경에 대해 더 논의하겠습니다. 수치는 모두 숲이 우거진 숲에 있는 것처럼 보입니다. 그들을 둘러싸고 있는 다양한 나무들과 멀고 먼 풍경으로 바깥쪽으로 움직이는 나머지 배경을 구성하는 것처럼 보이는 위에서 언급한 개울이 있습니다.

오찬 The Grass 는 두 남자가 서로 대화를 나누고 있고, 분명히 여자와 관계를 맺지 않고 있고, 여자도 마찬가지로 관계를 맺고 있지 않다는 것입니다.

모든 수치를 보면, 아무도 다른 사람과 실제로 관계를 맺고 있지 않다는 일반적인 의미입니다.

John Williams

John Williams는 노련한 예술가, 작가 및 미술 교육자입니다. 그는 뉴욕시의 프랫 인스티튜트에서 미술 학사 학위를 취득했으며 나중에 예일 대학교에서 미술 석사 학위를 취득했습니다. 10년 넘게 그는 다양한 교육 환경에서 모든 연령대의 학생들에게 미술을 가르쳤습니다. Williams는 미국 전역의 갤러리에서 자신의 작품을 전시했으며 그의 창작 작품으로 여러 상과 보조금을 받았습니다. 그의 예술적 추구 외에도 Williams는 예술 관련 주제에 대해 글을 쓰고 미술사 및 이론에 대한 워크샵을 가르칩니다. 그는 다른 사람들이 예술을 통해 자신을 표현하도록 격려하는 데 열정적이며 모든 사람이 창의력을 발휘할 수 있는 능력이 있다고 믿습니다.