Jasper Johns - 추상 표현, 네오 다다, 팝 아티스트

John Williams 29-07-2023
John Williams

목차

추상적 표현주의 화가인 Jasper Johns의 그림은 우리가 주변 세계를 보고 이해하기 위해 사용하는 접근 방식을 조사하는 장난스럽고 도발적인 작품입니다. Jasper Johns의 작품은 미니멀리즘 예술의 초점인 과녁과 깃발과 같은 기본 표식을 만들어 일상과 단절된 예술을 피했습니다. 1950년대부터 현재까지 Jasper Johns의 그림은 거의 모든 창작 경향에 영향을 미쳤습니다.

Jasper Johns의 전기

국적 미국인
생년월일 1930년 5월 15일
사망일 해당 없음
출생지 오거스타, 조지아

추상표현주의 와 다다이의 대조되는 스타일에 대해 설명하면서 저명한 추상표현주의 화가는 개성을 주제로 한 세련된 미학을 발전시켰습니다. 장난기, 지적 상호 작용. Jasper Johns의 작품은 미술과 일상 사이의 관습적 장벽을 허물어 팝아트가 소비자 사회에 적응할 수 있는 토대를 효과적으로 마련했습니다.

Jasper Johns의 그림에서 표현되는 물감의 분포는 그러나 추상표현주의의 대부분을 동시대인들이 그랬던 것처럼 철학적이거나 형이상학적 복잡성으로 채우지는 않는다.

어린 시절

재스퍼 존스는 15일에 태어났다.Johns는 각 단어를 손으로 그리는 대신 매장에서 구입한 스텐실을 활용했습니다. 예술가의 손길. 그는 작업하면서 수많은 페인트 층 위아래에 색상 문구를 스텐실로 그렸습니다.

대부분의 단어는 언어적으로 표현하는 것과 연결되지 않은 색상으로 Johns에 의해 개체로 변환되었습니다. ; 예를 들어 "RED"는 노란색 영역 위의 그림 중앙에 선명한 주황색으로 표시됩니다. 문구와 색조 사이의 모순이 Johns에 의해 밝혀졌고, 그 역할은 식별에서 재평가를 위한 기호의 단순한 집합으로 바뀌었습니다.

Johns는 색상의 특정 부분을 구현하는 제스처 기반 방법론을 사용하고 있었습니다. 예술적 과정에서 확률의 역할에 대한 존 케이지(John Cage)의 음모에 영향을 받은 각각의 특정 브러시 스트로크에 대한 기존 배치 대신 임의의 팔 움직임과 관련된 예술 작품, 그는 "브러시 표시"라고 부르는 방법입니다. 그의 브러시 표시 사용은 마치 불꽃 쇼에서와 같이 화려한 색상의 폭발을 일으켜 그림 주위에 흩어져 있는 불안정한 색조의 문구를 강조하고 가려서 기호학적 충돌을 일으켰습니다.

단어를 그의 시각적 어휘, Johns는시각적 신호와 음성 신호의 역할을 모두 포함하는 시청자와의 커뮤니케이션. 이러한 조사는 1960년대 후반 개념미술 운동의 단어와 개념 분석의 선구자임이 분명하다.

Painted Bronze (1960)

완성일 1960
중간 페인트 브론즈
크기 34cm x 20cm
위치 Museum Ludwig, Cologne

Johns는 이 청동 조각에서 발견된 물체와 창의적인 복제 사이의 경계를 흐리게 합니다. Willem de Kooning은 갤러리 소유주인 Leo Castelli가 맥주 캔 두 개라도 무엇이든 팔 수 있다고 비웃었다고 합니다. Johns는 De Kooning의 말에 내재된 도전에 도전하여, Leo Castelli가 즉시 판매한 발렌타인 에일 두 캔을 브론즈로 주조하고 손으로 페인팅했습니다.

브론즈는 맥주 캔의 자연스러운 색조를 반영하기 때문입니다. , Johns는 trompe l' oeil 인상을 얻었습니다. 그럼에도 불구하고 그는 주의를 기울여야만 식별할 수 있는 불완전함을 만들어내는 페인트 라벨에 자신의 붓놀림을 분명하게 남겨둠으로써 그 효과를 부드럽게 약화시켰습니다. 그것에 플로리다 단어. 다른 캔은 봉인되어 있고 라벨이 없으며 완전히 접근할 수 없습니다. 일부 해설자들은 캔 사이의 대조를Johns와 Rauschenberg의 연결.

열린 캔은 1959년 플로리다 작업장에 많은 시간을 투자하기 시작한 외향적이고 유명한 Rauschenberg를 묘사한 반면 봉인된 캔은 Johns와 그의 조용하고 침투할 수 없는 대중을 상징합니다. 얼굴.

또 다른 이들은 평범한 삶을 단순히 묘사하는 덜 개인적인 서사를 주장합니다. 닫힌 캔은 이전을 가리키고 가능성을 가리키고 열린 캔은 후유증을 가리키며 반향을 나타냅니다. 분명히 Johns는 해석의 여지를 남겨두고 자신이 선호하는 읽기를 언급하지 않았습니다. 여러모로 존스의 대량생산물 묘사는 팝아트 스타일을 예고하는 것이었다.

페리스코프 (1962)

작성일 1962
중간 캔버스에 유채
크기 137 cm x 101 cm
위치 컬렉션 Artist

이 작업에서 Johns는 검정, 회색 및 흰색의 제한된 팔레트에 이전 패턴과 기호 중 일부를 통합했습니다. 작품의 오른쪽 상단 가장자리에 원의 절반이 그려져 있습니다. 1959년에 Johns는 나침반이 그려진 원을 형성하기 위해 일반적으로 자 또는 캔버스 들것과 같은 작업에 나무 판금을 붙이는 방법을 사용하기 시작했습니다. 가제트는 페인트를 뚫고 이전 작업을 연상시키는 대상을 만들었습니다. 그러나 그는 표적의 동심원 고리를 교란시켰습니다.그의 뻗은 손이 여기에 있습니다.

손자국은 작가의 손이 기계 도구로 대체되었음을 암시합니다. 작가의 손은 1962년부터 1963년까지 Johns의 일련의 작품에서 반복되는 모양이며 Johns와 강하게 연결된 시인 Hart Crane을 중심으로 한 "Periscope"가 포함됩니다.

Crane 32세의 나이에 멕시코만으로 향하는 배에서 뛰어내려 열대 지방에서 돌아오는 길에 자신을 저질렀습니다. 그는 파도 밑으로 사라지기 직전에 물 위로 손을 들었습니다.

따라서 Johns의 손자국은 Crane의 자살과 시각적으로 연결되는 것으로 볼 수 있습니다. Rauschenberg와의 파트너십이 끝난 직후 실행되었으며, 이별 후 Johns의 개인적인 슬픔을 나타냅니다. 이름의 잠망경은 Johns에게 두 가지 수준에서 중요했던 Crane의 작업 Cape Hatteras (1929)를 암시하기도 합니다. 1961년에 그는 Cape Hatteras 근처의 작업장으로 이사했을 뿐만 아니라 시간이 지남에 따라 기억의 변화를 따라가는 시적 시를 쓰기도 했습니다. 물에 빠진 사람 주위를 부수는 파도를 모방한 화려한 붓놀림, 거울에 비친 문구, 움켜쥔 손으로 묘사한 상실과 상실. Johns는 자신이 확립하는 데 도움을 준 팝 아트의 차갑고 기계적인 모습과 완전히 모순되어복합적인 상실감과 심리적 투쟁이 있는 1960년대 회화.

무엇에 따르면 (1964)

완성일 1964
중간 캔버스에 유채
크기 200cm x 487cm
위치 개인 소장품

이 어지러울 정도로 큰 작품은 Johns가 여러 캔버스를 함께 연결하고 발견한 다양한 물건을 페인트 레이어에 배치하여 제작되었습니다. 의자, 팔다리 주조, 경첩이 있는 또 다른 확장 캔버스 , 메탈 레터링, 코트 후크.

'브러시 마킹', 스텐실 색상 지정, 밀봉이 가능한 경첩 덮개, 몸체 일부 주조 등 이전 작업의 방법을 사용했습니다. . 또한 그림 중앙에 크렘린에 대한 실크스크린 뉴스 페이지를 삽입하여 시각적 어휘를 넓혔습니다.

로버트 라우센버그와 앤디 워홀 은 이미지를 재현하기 위해 실크스크린을 사용했습니다. 작가의 손을 보여주지 않는 그림에서 Johns는 열광적으로 화면 제목 안팎을 채색하여 작가의 손과 기계 복제품을 만들기 위한 도구의 개념을 강조합니다. Jasper Johns의 많은 작품에서. 많은 부분이 숨겨진 메시지를 암시하는 것처럼 보이지만 한 가지 명백한 암시는 청중에게 Johns의 메시지를 상기시킵니다.그의 주인인 마르셀 뒤샹 에 경의를 표합니다. Duchamp의 흐릿한 사진과 그의 모노그램 "MD"는 맨 왼쪽 패널에서 찾을 수 있습니다.

"Duchamp는 찢어진 사각형인 작품을 만들었습니다."라고 Johns는 기억했습니다. “프로파일을 추적하고 밧줄로 매달아 그림자를 드리우면 모양이 변형되고 더 이상 정사각형이 아닙니다. 나는 Duchamp의 작품을 의도적으로 변경하여 그의 작품에 대한 일종의 패러디를 만들었습니다.”

"According to What"은 창의적 소유권에 대한 Johns의 지속적인 실험을 예시하며 여느 때처럼 그는 다음을 초대합니다.

시체와 거울 II (1974)

완성일 1974
중간체 기름과 모래
크기 146 cm x 191 cm
위치 시카고 아트 인스티튜트

1972년 Johns는 크로스해치라는 새로운 주제를 발견하고 향후 10년 동안 이를 추구할 것입니다. 예술가들은 전통적으로 그림과 판화에서 그림자의 그라데이션을 생성하기 위해 다양한 선인 크로스해칭을 사용했습니다. 더 촘촘한 선은 더 깊은 그림자를 만드는 반면, 더 희박한 배열은 더 밝은 그림자를 만듭니다.

Johns는 자신의 트레이드마크인 기발한 스타일로 주제를 추상화하고 밝은 색조로 캔버스 위에 반복하여 욱신거리고 추상적인 분위기를 연출했습니다.picture.

지나가는 자동차에서 패턴을 본 Johns는 "잠시 알아차렸을 뿐인데 그것을 활용하려는 의도가 있다는 것을 즉시 알았습니다."라고 말했습니다. 직역성, 반복, 강렬한 측면, 어리석음이 있는 질서, 의미의 완전한 부재의 위험 등 내 관심을 끄는 모든 특성을 가지고 있습니다." 중요한 점은 Johns의 제목 Corpse and Mirror I 입니다. 많은 사람들은 제목이 Surrealist 활동 Exquisite Corpse, 순차적인 창작 활동으로 구성된 협업 게임 및 Marcel Duchamp의 상징적이고 신비로운 작업과 관련이 있다고 생각합니다.

Johns의 계보

그림의 선은 다소 회화적이지만 그 반복성은 무감정이나 냉정함을 내포하고 있지만 제목은 죽음을 암시한다. 그리고 인식은 Johns가 지속적으로 활용하는 구조와 주제 사이에 긴장을 생성하는 더 끔찍하고 더 지적인 것을 의미합니다.

Catenary (1999)

작성일 1999
중간 Encaustic on Canvas
크기 64 cm x 85 cm
위치 컬렉션Artist

1990년대 중반 회고전 이후 Johns는 두 개의 고정된 위치에서 느슨하게 흔들리는 실이나 사슬의 길이에 의해 생성되는 곡선인 현수선을 연구하는 시리즈를 시작했습니다. Catenary에서 가정용 실은 캔버스 양쪽에 있는 두 개의 캔틸레버 나무 조각 사이에 걸려 있습니다. 그림자는 끈과 나무 조각 모두에 의해 풍부한 짙은 회색 바탕에 생성됩니다.

열렬하게 변하면서 Johns의 단색 표면은 분포의 표현적인 획을 보존하여 가장 두꺼운 흔적을 생성합니다. 도발적이고 불투명합니다.

기본적인 곡선 디자인은 다리와 다리가 주는 연결을 연상시키지만 인체의 굴곡과 같은 자연스러운 형태를 연상시킵니다. 일부 해설자들은 중력에 대한 로프의 반응을 삶의 진화 또는 나이가 들면서 오는 상호 연결 및 제한에 대한 은유로 보았습니다. 나무 장난감 외에도

야곱의 사다리는 야곱이 하늘과 땅을 연결하는 사다리를 꿈꾸는 성경 이야기와 관련이 있습니다. Johns의 전형적인 작업과 마찬가지로 작품 전체에 암시가 풍부하지만 모두 연결성 개념을 중심으로 진행됩니다. 화가는 그림 하단에 배경과 같은 회색으로 글자 사이에 빈틈이 없도록 스텐실 처리했으며 작품의 이름과 연도를 알 수 있습니다.하지만 노력이 필요합니다.

이 섬세하면서도 재미있는 구성 결정에서 Johns는 수십 년 동안 그를 괴롭혀 온 의미와 해석의 복잡성, 인물과 배경의 융합, 추상화 등의 문제로 돌아갑니다.

재스퍼 존스의 유산

네오다다 운동의 일원으로서 존스는 팝과 1950년대 후반 예술과 추상 표현주의를 선보였으며 오늘날까지 그의 주제, 재료 및 기법을 계속 확장하고 있습니다.

James Rosenquist 및 Andy Warhol과 같은 팝 화가는 Johns가

Johns는 1960년대 개념 미술 의 변화하는 의미에 대한 연구로 개념 미술 의 기반을 마련했습니다. 그림과 상징. Johns의 확장된 크리에이티브 작업은 Allan Kaprow 및 Merce Cunningham과 같은 엔터테이너와의 파트너십을 통해 Body Art 및 Performance Art 와 같은 조직 및 트렌드를 알리는 데 도움이 되었습니다. 팝 화가들이 존스의 외부 세계 이미지를 즉시 흡수했다면 포스트모더니즘의 브리콜라주 스타일은 차용, 다중 해석, 기호학적 유희에 대한 그의 관심을 이어받은 것입니다.

마지막으로 존스와 그의 네오다다 동료들은 미국의 아방가르드,

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Jasper Johns: Mind/Mirror (2021) by Carlos Basualdo

Jasper Johns는 종종 가장 중요한 삶으로 여겨집니다. 아티스트. 지난 65년 동안 그는 지속적인 재창조로 구별되는 대담하고 다양한 작품을 만들어 왔습니다. 미러링과 복식에 대한 예술가의 오랜 집착에서 영감을 얻은 이 책은 Johns의 작업과 그 지속적인 중요성에 대한 신선하고 매혹적인 해석을 제공합니다. 큐레이터, 학자, 예술가, 작가의 광범위한 컬렉션은 반복되는 모티프, 장소 조사, 다양한 매체의 사용과 같은 예술가 작업의 특징을 조사하는 일련의 에세이를 제공합니다. 그의 하이브리드 미니멀리즘 예술.

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Jasper Johns (2017) 작성자: Jasper Johns1930년 5월 조지아 주 오거스타에서 태어났고, 어렸을 때 가족이 헤어졌을 때 조부모와 함께 사우스 캐롤라이나의 시골 지역에서 자랐습니다. 그의 할머니의 작품은 그가 9살 때까지 머물렀던 할아버지의 집에 전시되어 소년 시절에 유일한 예술과의 만남이었습니다.

Johns는 어릴 때부터 화가가 되겠다는 개념을 정했지만 대학에서 정식 미술 공부만 했다. 나는 내가 있었던 것보다 더 나은 상황에 있을 수 있다는 것을 나타내기 위해 그것을 잘못 해석했다고 생각합니다.” 10대에 Johns는 글래디스 숙모에게 이사했고, 글래디스는 한 방에서 자신과 다른 두 자녀를 가르쳤습니다.

존스는 나중에 어머니와 화해하고 고등학교 졸업생 대표로 졸업했습니다.

초기 교육

1947년부터 Johns는 고등학교를 졸업한 후 사우스 캐롤라이나 대학교에 다녔습니다. 1948년에 그는 가정교사의 조언으로 뉴욕에 와서 Parsons School of Design에서 한 학기를 마쳤습니다. 불행히도 Parsons는 Johns에게 가장 적합한 경기가 아니었고 그는 중퇴하여 그를 군 징집에 사용할 수 있게 만들었습니다. 그는 1951년에 육군에 징집되어 2년 동안 복무했습니다.

1953년 존스는 영예로운 훈장을 받고 뉴욕으로 돌아왔습니다.

이 아름답게 디자인된 책은 Johns의 캔버스, 조각품, 판화 및 스케치를 수집합니다. 그것은 Johns의 경력의 여러 기간에 초점을 맞추고 그의 조각의 발전부터 그림에서 콜라주 사용에 이르기까지 그의 작품의 국제적 관련성에 대해 논의합니다. 다양한 학자들의 논평이 포함된 이 선집은 반세기 이상에 걸친 Johns의 저작물의 폭과 깊이를 탐구할 것을 약속합니다.

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표현주의 화가 재스퍼 존스의 추상화는 유머러스하고 도발적이며 우리가 주변 세계를 어떻게 인식하고 이해하는지 질문한다. Jasper Johns의 작품은 그의 미니멀리즘 예술의 초점인 과녁과 깃발과 같은 단순한 지표를 만들어 일상과 단절된 예술을 피했습니다. 1950년대부터 현재까지 Jasper Johns의 그림은 거의 모든 창작 경향에 영향을 미쳤습니다.

자주 묻는 질문

후기

1968년 Edisto Island 스튜디오가 불타버린 후 Johns는 St. Martin Island와 Stony Point, New York 사이에서 시간을 보냈습니다. 1970년대 초에 그는 두 곳에서 시설을 구입했습니다. 이 기간 동안 Johns는 크로스해칭 테마를 그의 레퍼토리에 채택했으며 이 접근 방식은 1980년대 초반까지 그의 작품을 지배했습니다.

1980년대와 1990년대 내내 Johns의 작품은 그는 더 많은 자기 참조 자료를 추가했습니다. 하지만 Johns는 “내가 일상의 사진을 활용하기 시작한 단계가 있지만 당신이 활용하는 것은 무엇이든 일상의 삶”이라고 교묘하게 지적한 것처럼 그의 작품에는 항상 자전적 측면이 포함되어 있음을 암시합니다.

Rauschenberg와 헤어진 후 몇 년 동안 Johns는 점진적으로 은둔 상태를 유지했으며 거의 ​​인터뷰를 허용하지 않고 매우 겸손한 대중 존재를 유지했습니다. 그러나 그는 제한된 수의 미술계 엘리트들과 긴밀한 연락을 유지했습니다. Johns는 2013년 그의 작업장 도우미 James Meyer가Johns가 판매를 금지한 미완성 작품 파일에서 650만 달러의 그림을 훔쳤습니다.

Meyer는 코네티컷 주 샤론에 있는 Johns의 스튜디오에서 22점의 작품을 훔쳐 익명의 갤러리를 통해 판매하려 했습니다. 뉴욕에서 Johns의 선물이라고 말했습니다. Johns는 도난당한 작품을 발견한 직후 Meyer를 해고했지만 절도에 대해 언급하지 않았습니다.

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Jasper Johns의 작품

Johns는 버려진 재료, 신문 조각, 심지어 대량 생산된 상품을 사용하여 순수 예술과 주류 문화 사이의 경계를 모호하게 만들었습니다. 이것은 현대 미술을 세기 중반 미국 소비자 현장으로 옮겨 1960년대 수많은 팝 아티스트를 촉발시켰습니다.

표적과 깃발과 같은 일상적인 주제를 활용하여 Johns는 추상과>대표예술.

타겟과 플래그는 모두 자연스럽게 평면이므로 테크니컬 페인팅의 주제로 사용될 때 그림 창의 평면성을 강조합니다. 그는 선조들처럼 작품에 심오함을 부여하지 않는다.

오히려 그는 작가의 흔적을 단지 다수를 더하는 또 다른 기호나 장치로 바라보며 몸짓으로 표현하는 붓놀림을 효과적으로 모방한다.

플래그 (1955)

완성일 1955
중간 콜라주와 유화합판
크기 107 cm x 154 cm
위치 Museum of Modern Art

익숙한 평범한 이미지인 성조기를 통해 재스퍼 존스의 첫 번째 중요한 그림은 추상표현주의 전통에서 분기되었습니다. 객관적이지 않은 예술. 또한 Johns는 페인트 브러시를 사용하여 패널에 유성 페인트를 바르는 대신 encaustic에 적신 파쇄된 신문으로 구성된 매우 역동적인 표면을 사용하여 깃발을 만들어 밀랍을 통해 약간의 텍스트가 보이도록 했습니다.

액체의 유색 밀랍이 굳어지면서 많은 추상 표현주의의 표현적인 붓놀림을 연상시키는 심미적으로 구별할 수 있는 표시로 신문 용지 조각을 설정했습니다. Johns의 기호학에 대한 매력, 즉 상징과 기호의 조사는 분명히 얼어붙은 물방울과 움직임으로 표현되었습니다.

본질적으로 Johns는 액션 아티스트의 표현적인 붓놀림을 참조하여 은유로 변환했습니다. 직설적인 표현 방식이 아닌 예술적 창의성을 위해 이 실험은 "우리가 현실을 인식하는 방식과 이유"에 대한 그의 평생의 탐구를 시작했습니다.

오늘날까지 미국 국기 엠블럼은 사람마다 다른 수많은 의미와 의미를 담고 있습니다. , "마음의 사물"을 그래픽으로 조사하는 Johns의 첫 번째 여정에 이상적인 주제가 되었습니다.이미 알고 있습니다.”

그는 현혹될 정도로 진부한 주제로 미술과 일반 생활 사이의 장벽을 의도적으로 허물었습니다.

플래그 은 시민권 투쟁 중에 Johns가 그렸습니다. 그때나 지금이나 일부 관찰자는 작품에서 애국심이나 자유를 읽을 수 있지만 다른 관찰자는 식민주의와 폭정만을 인식할 것입니다. Johns는 국가 엠블럼에 내재된 이중성을 관객과 대면한 최초의 화가 중 한 명입니다.

False Start (1959)

작성일 1959
중간 캔버스에 유채
크기 171 cm x 137 cm
위치 개인 소장품

Jasper Johns는 이 그림과 함께 대화에 관객을 참여시키기 위해 단어를 사용했습니다. "주황색, 빨간색, 노란색 및 파란색"이라는 단어는 색상의 제스처 영역 사이에서 캔버스 표면의 여러 위치에 스텐실됩니다. 표적과 표식의 비언어적 지시자에서 의사소통 자체로 주제가 바뀌면서 Johns는 기호학 및 인간이 기호와 기호를 이해하고 해독하는 방법에 대해 더 깊이 파고들었습니다.

그가 언급했듯이 특정 패턴으로. 다른 수단에 의해 색이 선택되는 방식으로 색을 칠하는 기술을 개발하고 싶었습니다.” Johns는 각 색조와 설명하는 문구를 추상화했습니다.

John Williams

John Williams는 노련한 예술가, 작가 및 미술 교육자입니다. 그는 뉴욕시의 프랫 인스티튜트에서 미술 학사 학위를 취득했으며 나중에 예일 대학교에서 미술 석사 학위를 취득했습니다. 10년 넘게 그는 다양한 교육 환경에서 모든 연령대의 학생들에게 미술을 가르쳤습니다. Williams는 미국 전역의 갤러리에서 자신의 작품을 전시했으며 그의 창작 작품으로 여러 상과 보조금을 받았습니다. 그의 예술적 추구 외에도 Williams는 예술 관련 주제에 대해 글을 쓰고 미술사 및 이론에 대한 워크샵을 가르칩니다. 그는 다른 사람들이 예술을 통해 자신을 표현하도록 격려하는 데 열정적이며 모든 사람이 창의력을 발휘할 수 있는 능력이 있다고 믿습니다.