Jasper Johns - Espressione astratta, neo-dada e artista pop

John Williams 29-07-2023
John Williams

I dipinti del pittore espressionista astratto Jasper Johns sono opere giocose e provocatorie che esaminano gli approcci che utilizziamo per vedere e comprendere il mondo che ci circonda. Le opere di Jasper Johns rifuggono da un'arte scollegata dalla vita ordinaria e fanno dei marcatori di base, come bersagli e bandiere, il fulcro della sua arte minimalista. Dagli anni '50 a oggi, i dipinti di Jasper Johns hanno avuto unaimpatto su praticamente tutte le tendenze creative.

Biografia di Jasper Johns

Nazionalità Americano
Data di nascita 15 maggio 1930
Data del decesso N/D
Luogo di nascita Augusta, Georgia

Esponendo gli stili contrastanti di Espressionismo astratto Le opere di Jasper Johns hanno creato le basi per l'adozione della Pop Art da parte della società dei consumi, abbattendo le consuete barriere tra arte e vita ordinaria.

La distribuzione espressiva della pittura nei dipinti di Jasper Johns è evocativa della maggior parte dell'Espressionismo astratto, ma non la riempie con la complessità filosofica o metafisica dei suoi contemporanei.

L'infanzia

Jasper Johns è nato il 15 maggio 1930 ad Augusta, in Georgia, ed è cresciuto nelle regioni rurali della Carolina del Sud con i nonni, che si separarono quando lui era ancora un bambino. Le opere d'arte della nonna erano esposte nella casa del nonno, dove l'artista rimase fino all'età di nove anni, e furono il suo unico incontro con l'arte durante l'infanzia.

Johns ha iniziato a disegnare in giovane età con l'idea vagamente definita di diventare un pittore, ma ha esplorato lo studio formale dell'arte solo al college.

A proposito del suo sogno giovanile di diventare pittore, ha detto: "Non avevo idea di cosa significasse. Credo di averlo interpretato male per indicare che avrei potuto trovarmi in una situazione migliore di quella in cui mi trovavo". Durante l'adolescenza, Johns si trasferì da sua zia Gladys, che diede lezioni a lui e ad altri due bambini in una classe di una sola stanza.

In seguito Johns si è riconciliato con la madre e si è diplomato come valedictorian del suo liceo.

Formazione precoce

A partire dal 1947, Johns ha frequentato l'Università della Carolina del Sud dopo essersi diplomato. Nel 1948, su consiglio dei suoi tutor, è venuto a New York e ha completato un trimestre alla Parsons School of Design. Sfortunatamente, la Parsons non era la scelta migliore per Johns, che ha abbandonato, rendendolo disponibile per la leva militare. È stato reclutato nell'esercito nel 1951 e ha prestato servizio per due anni.anni.

Nel 1953, quando Johns torna a New York dopo essere stato congedato con onore dall'esercito, incontra il giovane pittore Robert Rauschenberg, che lo introduce nel mondo dell'arte. Dal 1954 al 1961, i due artisti hanno un appassionato legame romantico e creativo.

"I due artisti andarono infine a vivere insieme, condivisero lo spazio per i laboratori e furono spettatori l'uno dell'altro quando pochi altri erano entusiasti delle loro opere.

Fotografia dell'artista americano Jasper Johns che riceve la Medal of Freedom il 15 febbraio 2011; Videografo della Casa Bianca per la Casa Bianca di Obama, dominio pubblico, via Wikimedia Commons

Entrambi hanno influenzato profondamente l'arte dell'altro, condividendo concetti e approcci che si discostano dalla tendenza allora prevalente dell'Espressionismo astratto. Entrambi frequentavano il college e rifiutavano il discorso psicologico ed esistenzialista che circondava la scuola d'arte newyorkese dominante all'epoca. In questo periodo Johns iniziò a dipingere le sue immagini di bandiere americane e i suoi bersagli su tela.con la cera encaustica, impiegando un processo che mescola brandelli di carta di giornale e resti di materiale su carta.

Questi sforzi fondono gesti dadaisti con elementi dell'arte minimalista e dell'arte concettuale. Secondo Johns, l'ispirazione per "Flag" (1955) gli venne una sera del 1954, mentre sognava di creare una gigantesca bandiera americana. Il giorno dopo, convertì il sogno in realtà e alla fine portò a termine più tele dello stesso soggetto.

Johns si dilettava a realizzare opere che potessero essere interpretate in vari modi, affermando che "questi dipinti non riguardano un simbolo più di quanto non facciano le pennellate o la tangibilità della pittura". Nel 1958, Rauschenberg e Johns si recarono a Filadelfia per visitare la mostra di Duchamp al Philadelphia Museum, dove i readymade dell'anziano creatore dadaista fecero un'enorme impressione su entrambi.

Nel 1959, Duchamp visita l'atelier di Johns, stabilendo un legame diretto tra le precedenti avanguardie del XX secolo e l'attuale ondata di pittori americani. La tecnica creativa di Johns cresce grazie a questi incontri, integrando nuove tecniche nelle proprie opere.

Periodo di maturazione

Nonostante abbia esposto le sue opere soltanto Obiettivo verde (1955) in una mostra collettiva al Museo Ebraico nel 1957, Johns ha avuto la sua prima mostra personale nel 1958, quando Rauschenberg lo ha raccomandato all'emergente e importante gallerista Leo Castelli. La mostra personale comprendeva il lavoro fondamentale di Johns Bandiera (1955), oltre a pezzi già visti negli anni precedenti.

La mostra della Galleria Castelli ha affascinato alcuni visitatori, come l'artista Allan Kaprow, ma ha lasciato perplessi altri.

Sebbene le superfici del dipinto presentino le proprietà di gocciolamento di L'opera di Willem de Kooning Nonostante le perplessità iniziali, la prima mostra personale di Johns ottenne un'ottima accoglienza da parte della critica e lo lanciò alla ribalta pubblica. Il direttore del Museum of Arte moderna acquistò tre opere per l'istituzione, un'operazione senza precedenti per un artista giovane e oscuro.

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Come il Pop Art Alcuni commentatori attribuiscono il suo allontanamento dai colori e il passaggio ai neri, ai grigi e ai bianchi che caratterizzano molti dei suoi dipinti dall'inizio degli anni Sessanta alla tumultuosa conclusione del suo sodalizio con Rauschenberg. Nonostante il fatto che i due non si siano lasciati, Johns non ha mai abbandonato il suo lavoro.i loro laboratori di New York fino al 1961, il loro legame si era già deteriorato nel 1959.

Nello stesso anno Rauschenberg apre un laboratorio in Florida e poco dopo Johns apre un laboratorio a Edisto Island, nella Carolina del Sud.

La conclusione di un legame così importante e influente ebbe un grande effetto psicologico su Johns, che si seppellì nella sua arte e nel 1963 dichiarò di "avere l'impressione di essere arrivato in un luogo in cui non c'era spazio per restare", nonostante queste riserve.interpretazioni dei suoi dipinti.

In questo periodo ha fatto parte della Merce Cunningham Dance Company, di cui è stato direttore artistico dal 1967 al 1980.

Periodo tardo

Dopo l'incendio del suo studio di Edisto Island nel 1968, Johns trascorre il suo tempo tra St. Martin Island e Stony Point, a New York; all'inizio degli anni Settanta acquista strutture in due località. In questo periodo Johns adotta il tema del tratteggio incrociato nel suo repertorio e questo approccio domina la sua produzione fino ai primi anni Ottanta.

Per tutti gli anni Ottanta e Novanta, le opere di Johns assumono un tono più contemplativo, con l'aggiunta di materiale più autoreferenziale. Tuttavia, come Johns ha intelligentemente osservato, "c'è una fase in cui ho iniziato a utilizzare immagini tratte dalla mia esistenza quotidiana, ma qualsiasi cosa tu utilizzi è tratta dalla tua esistenza quotidiana", il che implica che le sue opere hanno sempre incluso un aspetto autobiografico.

Negli anni successivi alla separazione da Rauschenberg, Johns rimase progressivamente recluso, non concedendo quasi mai interviste e mantenendo una presenza pubblica molto modesta; tuttavia, mantenne stretti contatti con un numero limitato di élite del mondo dell'arte. Johns fece nuovamente notizia nel 2013, quando il suo aiutante di bottega James Meyer fu accusato di aver rubato 6,5 milioni di dollari in dipinti da un archivio di opere incomplete.che Johns aveva proibito di vendere.

Meyer ha rubato 22 pezzi dallo studio di Johns a Sharon, nel Connecticut, e ha cercato di venderli tramite una galleria anonima di New York, dicendo che erano regali di Johns. Johns non ha fatto alcun commento sul furto, anche se ha licenziato Meyer subito dopo aver scoperto il furto. opere d'arte rubate.

Opere d'arte di Jasper Johns

Johns ha reso la linea di demarcazione tra arte e cultura tradizionale utilizzando materiali di scarto, frammenti di giornali e persino beni prodotti in serie, avvicinando l'arte contemporanea alla scena consumistica americana di metà secolo e dando vita a una serie di artisti Pop negli anni Sessanta.

Utilizzando temi di uso quotidiano come bersagli e bandiere, Johns si è cimentato sia con l'astrattismo che con l'astrattismo. arte rappresentativa.

I bersagli e le bandiere sono entrambi naturalmente piatti, quindi, quando vengono utilizzati come soggetto per la pittura tecnica, mettono in risalto la piattezza della lastra del quadro. Egli non conferisce all'opera la stessa profondità dei suoi antenati.

Piuttosto, egli imita efficacemente la pennellata espressiva gestuale, considerando il segno dell'artista solo come un altro segno o dispositivo che si aggiunge alla moltitudine di interpretazioni presenti nelle sue opere.

Bandiera (1955)

Data di completamento 1955
Medio Collage e olio su compensato
Dimensioni 107 cm x 154 cm
Posizione Museo d'Arte Moderna

Attraverso la resa di un'immagine comune e familiare - la bandiera americana - il primo dipinto significativo di Jasper Johns si discosta dalla tradizione espressionista astratta dell'arte non oggettiva. Inoltre, invece di applicare la pittura a olio sul pannello con un pennello, Johns ha creato la bandiera utilizzando una superficie altamente dinamica formata da giornali stracciati imbevuti di encausto, che consente di mostrare pezzi di testo.attraverso la cera.

Quando la cera liquida e colorata si solidificava, i frammenti di carta di giornale venivano incastonati in segni esteticamente distinguibili che ricordavano le pennellate espressive di gran parte dell'Espressionismo astratto. Il fascino di Johns per la semiotica, ovvero l'esame di simboli e segni, era espresso dalle gocce e dai movimenti apparentemente congelati.

In sostanza, Johns ha fatto riferimento alle pennellate espressive degli Action Artists, convertendole in una metafora della creatività artistica anziché in un modo diretto di esprimere. Questa sperimentazione ha dato il via alla sua ricerca, durata tutta la carriera, sul "perché e sul come percepiamo la realtà nel modo in cui la percepiamo".

Ancora oggi, l'emblema della bandiera americana racchiude una pletora di implicazioni e connotazioni che variano da persona a persona, rendendolo il tema ideale per il primo viaggio di Johns nell'esaminare graficamente le "cose che la mente già conosce".

Con i suoi soggetti ingannevolmente banali, ha volutamente eroso le barriere tra le belle arti e la vita in generale.

Bandiera Alcuni osservatori, sia allora che oggi, possono leggere nell'opera sentimenti patriottici o di libertà, mentre altri percepiscono solo colonialismo e tirannia. Johns è stato tra i primi pittori a confrontarsi con le dualità insite nell'emblema nazionale.

Falsa partenza (1959)

Data di completamento 1959
Medio Olio su tela
Dimensioni 171 cm x 137 cm
Posizione Collezione privata

Jasper Johns ha usato le parole per coinvolgere gli spettatori in una conversazione con questo dipinto. Le parole "arancione, rosso, giallo e blu" sono incise a stencil in più posizioni sulla superficie della tela tra le aree gestuali dei colori. Lo spostamento dell'argomento dagli indicatori non verbali di obiettivi e marcatori alla comunicazione stessa ha spinto Johns ad approfondire la semiologia e il modo in cui gli esseri umani comprendono e decodificano i segni.e simboli.

Come ha detto, "i colori sui bersagli e sulle bandiere sono disposti secondo un certo schema. Volevo sviluppare una tecnica per applicare il colore in modo tale che il colore fosse scelto da un altro mezzo". Johns ha astratto ogni tonalità e le frasi che le descrivono concentrandosi su di esse ed eliminando le connotazioni abituali che le accompagnavano.

Invece di dipingere a mano ogni parola, Johns ha utilizzato uno stencil acquistato in negozio, un procedimento già pronto per creare un'immagine senza mostrare il tocco dell'artista. Mentre lavorava, stencilava le frasi a colori sopra e sotto i numerosi strati di vernice.

La maggior parte delle parole sono state trasformate da Johns in oggetti, dipingendole con tonalità estranee a quella che rappresentano linguisticamente; ad esempio, "RED" appare in un vivido arancione al centro del dipinto su un'area di giallo. La contraddizione tra le frasi e le tonalità è stata svelata da Johns, trasformando il loro ruolo da identificazione a semplice aggregazione di simboli pronti per essere utilizzati.rivalutazione.

Johns utilizzava la metodologia gestuale di applicare parti specifiche di colore all'opera d'arte in relazione a movimenti casuali del braccio invece che a una disposizione preesistente per ogni specifica pennellata, influenzato dall'intrigo di John Cage sul ruolo della probabilità nel processo artistico, un metodo che egli definì "marcatura a pennello".in uno spettacolo pirotecnico, che metteva in risalto e allo stesso tempo oscurava le frasi dai colori inquietanti disperse nel quadro, producendo un conflitto semiotico.

Introducendo le parole nel suo vocabolario visivo, Johns ha ampliato la sua comunicazione con gli spettatori includendo il ruolo dei segnali visibili e di quelli parlati. Tali indagini sono evidenti precursori dell'analisi delle parole e dei concetti da parte del movimento dell'arte concettuale della fine degli anni Sessanta.

Bronzo verniciato (1960)

Data di completamento 1960
Medio Bronzo verniciato
Dimensioni 34 cm x 20 cm
Posizione Museo Ludwig, Colonia

In questa scultura in bronzo Johns confonde il confine tra oggetti scoperti e repliche creative. Willem de Kooning avrebbe sogghignato che il gallerista Leo Castelli poteva vendere qualsiasi cosa, anche due lattine di birra, spingendolo a creare l'opera d'arte. Johns ha raccolto la sfida insita nell'osservazione di De Kooning, fondendo e dipingendo a mano in bronzo due lattine di Ballantine Ale, che Leo Castelli ha poi trasformato in un'opera d'arte.venduto all'istante.

Poiché il bronzo rispecchia la tonalità naturale delle lattine di birra, Johns ha ottenuto un'impressione di trompe l'oeil; tuttavia, ha delicatamente compromesso l'effetto lasciando che le sue pennellate fossero visibili nelle etichette dipinte, producendo un'imperfezione discernibile solo con un'attenta attenzione.

Jasper Johns ha creato una lattina aperta e vi ha apposto l'emblema di Ballantine e la parola Florida, mentre l'altra lattina è sigillata, priva di etichetta e completamente inaccessibile. Alcuni commentatori vedono nel contrasto tra le lattine una metafora del legame tra Johns e Rauschenberg.

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Il barattolo aperto raffigurava l'estroverso e famoso Rauschenberg, che nel 1959 iniziò a investire gran parte del suo tempo nel suo laboratorio in Florida, mentre il barattolo sigillato simboleggiava Johns e il suo volto pubblico silenzioso e impermeabile.

Altri sostengono una narrazione meno personale che ritrae semplicemente la vita ordinaria, con il barattolo chiuso che si riferisce all'antecedente, al potenziale, e il barattolo aperto che si riferisce all'effetto successivo, alle ripercussioni. Ovviamente, Johns non ha mai dichiarato la sua lettura preferita, lasciando spazio all'interpretazione. Per molti aspetti, la rappresentazione di Johns di oggetti prodotti in serie ha preannunciato lo stile della Pop Art.

Periscopio (1962)

Data di completamento 1962
Medio Olio su tela
Dimensioni 137 cm x 101 cm
Posizione Collezione dell'artista

In quest'opera, Johns ha incorporato alcuni dei suoi modelli e simboli precedenti in una tavolozza limitata di nero, grigio e bianco. La metà di un cerchio è raffigurata nel bordo superiore destro dell'opera. Nel 1959, Johns ha iniziato a utilizzare un metodo che prevedeva l'incollaggio di un'assicella di legno all'opera, in genere un righello o una barella per la tela, per formare un cerchio disegnato con un compasso. L'attrezzo tirava attraverso la vernice, rendendo un bersaglioTuttavia, l'artista ha disturbato gli anelli concentrici del bersaglio con l'impronta della sua mano protesa.

L'impronta della mano lascia intendere che la mano dell'artista è stata sostituita da uno strumento meccanico. La mano dell'artista è una forma ricorrente in una sequenza di opere di Johns del 1962-1963, tra cui "Periscope", incentrata sul poeta Hart Crane, la cui opera era fortemente legata a Johns.

Crane si sarebbe suicidato all'età di 32 anni, di ritorno dai tropici, lanciandosi da una barca nel Golfo del Messico e sollevando la mano sopra le acque prima di scomparire sotto le onde.

L'impronta della mano di Johns può quindi essere vista come un collegamento visivo al suicidio di Crane: è stata eseguita poco dopo la fine della sua collaborazione con Rauschenberg e rappresenta il dolore personale di Johns dopo la loro separazione. Anche il periscopio nel nome allude all'opera di Crane Capo Hatteras (1929), significativo per Johns a due livelli: nel 1961 non solo si trasferì in un laboratorio vicino a Cape Hatteras, ma il verso poetico segue anche le alterazioni dei ricordi con il tempo.

Dopo la loro separazione, Johns si associa molto probabilmente al concetto di transizione e perdita, che raffigura con una mano che afferra, frasi specchiate e pennellate vistose che imitano le onde che si infrangono intorno a un uomo che sta annegando. In netta contraddizione con l'aspetto freddamente meccanico della Pop Art, che ha contribuito a fondare, Johns riempie i suoi dipinti dei primi anni Sessanta con sentimenti complessi di perdita e dilotta psicologica.

Secondo Cosa (1964)

Data di completamento 1964
Medio Olio su tela
Dimensioni 200 cm x 487 cm
Posizione Collezione privata

Questa opera di dimensioni vertiginose è stata realizzata da Johns collegando tra loro molte tele e applicando allo strato di pittura diversi oggetti trovati: una sedia, una fusione di arti, un'altra tela estesa con una cerniera, scritte in metallo e un appendiabiti.

L'artista ha utilizzato i metodi delle opere precedenti, come la "marcatura a pennello", le designazioni cromatiche a stencil, il coperchio incernierato che può essere sigillato e le parti del corpo fuse. Ha inoltre ampliato il suo vocabolario visivo inserendo al centro del dipinto pezzi di pagine di giornale serigrafate che riportano notizie sul Cremlino.

Mentre Robert Rauschenberg e Andy Warhol Impiegando la serigrafia per riprodurre le immagini dei dipinti senza mostrare la mano dell'artista, Johns ha colorato febbrilmente dentro e intorno ai titoli dello schermo, enfatizzando il concetto di mano dell'artista e di gadget per realizzare repliche meccaniche.

Le numerose parti si combinano per fornire strati di possibili interpretazioni, come in molte opere di Jasper Johns. Mentre molte delle parti sembrano alludere a un messaggio nascosto, un'allusione palese ricorda al pubblico l'omaggio di Johns al suo maestro, Marcel Duchamp Sul pannello all'estrema sinistra si trova un'immagine indistinta di Duchamp e il suo monogramma "MD".

"Duchamp realizzò un'opera che era un quadrato strappato", ricorda Johns, "ne ricalcai il profilo, lo appesi a una corda e ne proiettai l'ombra, facendolo diventare deforme e non più quadrato. Alterai di proposito l'opera di Duchamp per creare una sorta di parodia sul lavoro di chi era".

"According to What" esemplifica la continua sperimentazione di Johns sulla proprietà creativa e, come di consueto, invita il pubblico a partecipare alla creazione di significati esponendo pezzi diversi senza una chiara mappa delle loro relazioni.

Cadavere e specchio II (1974)

Data di completamento 1974
Medio Olio e sabbia
Dimensioni 146 cm x 191 cm
Posizione Istituto d'Arte di Chicago

Nel 1972 Johns scopre un nuovo tema, il tratteggio, che porterà avanti nel decennio successivo. Gli artisti hanno tradizionalmente usato il tratteggio, un assortimento di linee, per produrre gradazioni d'ombra nel disegno e nella stampa; linee più ravvicinate creano ombre più profonde, mentre disposizioni più rade creano ombre più chiare.

Nel suo caratteristico stile stravagante, Johns astrae e ripete il tema sulla tela con tinte vivaci per creare un quadro astratto e pulsante.

"L'ho notato solo per un secondo, ma ho capito subito che avevo intenzione di utilizzarlo", ha raccontato Johns quando ha visto il disegno su un'automobile di passaggio. Ha tutte le caratteristiche che suscitano il mio interesse: letteralità, ripetizione, un aspetto intenso, ordine con stupidità e il pericolo di una completa assenza di significato".

Sebbene lo schema possa essere "stupido" e privo di significato, il titolo di Johns Cadavere e specchio I Molti ritengono che il titolo si riferisca sia al titolo che al titolo stesso. Surrealista attività Exquisite Corpse, un gioco collaborativo formato da azioni creative sequenziali, e l'opera iconica e misteriosa di Marcel Duchamp.

La genealogia e gli interessi estetici di Johns sono delicatamente suggeriti attraverso connessioni con il Surrealismo e il Dadaismo.

Se le linee dei dipinti sono in qualche modo pittoriche, la loro ripetitività implica freddezza o tecnicismo privo di sentimenti, ma il titolo, con i suoi riferimenti alla morte e alla percezione, implica qualcosa di più macabro e intellettuale, generando una tensione tra struttura e soggetto che Johns sfrutta costantemente.

Catenaria (1999)

Data di completamento 1999
Medio Encausto su tela
Dimensioni 64 cm x 85 cm
Posizione Collezione dell'artista

Dopo un'ulteriore retrospettiva a metà degli anni Novanta, Johns inizia una serie di studi sulle catenarie - curve generate da un filo o una catena che oscilla liberamente da due punti fissi. In Catenaria, un filo domestico è appeso tra due pezzi di legno a sbalzo su entrambi i lati della tela. Le ombre sono prodotte sul ricco fondo grigio scuro sia dal filo che dalle strisce di legno.

Passando all'encausto, la superficie monocromatica di Johns conserva i tratti espressivi della distribuzione, producendo uno spesso palinsesto di tracce che è provocatorio e opaco.

Il design curvilineo di base ricorda i ponti e i loro collegamenti, ma evoca anche forme naturali, come gli avvallamenti e le curve del corpo umano. Alcuni commentatori hanno visto nella reazione della corda alla gravità una metafora dell'evoluzione della propria vita, o delle interconnessioni e delle limitazioni che si presentano con l'avanzare dell'età. A parte il giocattolo di legno,

La scala di Giacobbe si riferisce al racconto biblico in cui Giacobbe sognò una scala che collegava il cielo e la terra. Le allusioni abbondano in tutta l'opera, come è tipico del lavoro di Johns, ma ruotano tutte intorno a concetti di connessione. Il pittore ha inciso una serie di lettere senza spazi tra loro nella parte inferiore del dipinto, nello stesso grigio dello sfondo, e si può capire il nomee l'anno dell'opera d'arte, ma solo con uno sforzo.

In questa delicata, ma divertente, decisione compositiva, Johns ritorna a questioni che lo hanno assillato per decenni: la complessità del significato e dell'interpretazione, la confluenza di figure e terreno, astratto e rappresentazione, e l'intenzione di far partecipare lo spettatore al di là dello sguardo passivo.

L'eredità di Jasper Johns

Come membro del movimento Neo-Dada, Johns ha attraversato il confine stilistico tra la Pop Art e l'Espressionismo astratto alla fine degli anni Cinquanta, continuando ad ampliare i suoi temi, i materiali e le tecniche fino ad oggi.

Pittori pop come James Rosenquist e Andy Warhol hanno beneficiato dello spostamento pionieristico di Johns nella sfera della cultura, presentando gli oggetti di uso quotidiano e le merci prodotte in serie come soggetti adatti all'arte alta.

Johns ha posto le basi per Arte concettuale negli anni Sessanta con la sua ricerca sui significati mutevoli delle immagini e del simbolismo. L'espansione del lavoro creativo di Johns ha contribuito a dare il via a tendenze e organizzazioni come la Body Art e la Body Art. Performance Art Mentre i pittori Pop hanno immediatamente assorbito l'immagine che Johns aveva del mondo esterno, lo stile bricolage del postmodernismo è erede della sua preoccupazione per l'appropriazione, le interpretazioni multiple e il gioco semiotico.

Infine, Johns e i suoi coetanei del Neo-Dada trasformarono l'avanguardia americana, anticipando la sperimentazione e il coinvolgimento del pubblico che avrebbero definito l'arte nella seconda metà del XX secolo.

Letture consigliate

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I dipinti astratti del pittore espressionista Jasper Johns sono opere umoristiche e provocatorie che mettono in discussione il modo in cui percepiamo e comprendiamo il mondo che ci circonda. Le opere di Jasper Johns evitano un'arte avulsa dalla vita quotidiana e fanno di semplici indicatori, come bersagli e bandiere, il punto focale della sua arte minimalista. Dagli anni Cinquanta ad oggi, i dipinti di Jasper Johns hanno influenzatoquasi tutte le tendenze creative.

Domande frequenti

Chi era Jasper Johns?

Jasper Johns è considerato uno dei pittori più significativi del XX secolo ed è rimasto fondamentale per l'arte americana. Johns, insieme al suo compagno di allora Robert Rauschenberg, ha contribuito a stabilire una nuova direzione definitiva nel mondo dell'arte, che all'epoca fu soprannominata Neo-Dada. L'uso notevole che Johns fa dell'iconografia comune, come lui stesso ha detto, cose che la mente già conosce, è un'altra cosa.(bandiere, numeri, mappe), ha reso insolito ciò che è familiare e ha esercitato un'enorme influenza sul mondo dell'arte, diventando una pietra di paragone per l'arte pop, minimalista e concettuale.

Che tipo di arte ha prodotto Jasper Johns?

A metà degli anni Cinquanta, Jasper Johns ha avuto la sua grande svolta come pittore quando ha iniziato a integrare motivi famosi e popolari nei suoi dipinti, una mossa esplosiva in un'epoca in cui si pensava che la pittura progressista fosse esclusivamente astratta. Le superfici lussureggianti e pittoriche dei dipinti di Johns della metà del secolo scorso assomigliano a quelle dell'Espressionismo astratto, ma Johns le ha ottenute utilizzando procedure laboriose e di grande impegno.Nel corso dei suoi 60 anni di carriera, Johns ha sperimentato una varietà di mezzi e tecniche che gli hanno permesso di indagare l'interazione tra materiali, significato e rappresentazione nell'arte.

John Williams

John Williams è un artista esperto, scrittore ed educatore artistico. Ha conseguito il Bachelor of Fine Arts presso il Pratt Institute di New York City e successivamente ha conseguito il Master in Fine Arts presso la Yale University. Per oltre un decennio ha insegnato arte a studenti di tutte le età in vari contesti educativi. Williams ha esposto le sue opere d'arte in gallerie negli Stati Uniti e ha ricevuto numerosi premi e borse di studio per il suo lavoro creativo. Oltre alle sue attività artistiche, Williams scrive anche di argomenti legati all'arte e tiene seminari di storia e teoria dell'arte. È appassionato di incoraggiare gli altri ad esprimersi attraverso l'arte e crede che tutti abbiano la capacità di creatività.