Que é a arte contemporánea? - Unha ollada á arte contemporánea actual

John Williams 25-09-2023
John Williams

A arte contemporánea é a arte que se fai hoxe. Pero este termo é máis pegajoso que iso porque o significado do termo arte contemporánea non sempre é o mesmo que outros movementos artísticos como vimos na era da arte moderna. O termo está marcado por un cambio na forma en que os artistas miran a súa creación artística, e podemos ver moita innovación en canto aos medios que usan e ás ideas que presentan. Neste artigo, imos desentrañar a idea da arte contemporánea, analizando algúns dos temas da arte contemporánea, así como exemplos de arte contemporánea.

Que é a arte contemporánea?

A definición de arte contemporánea é a arte realizada na segunda metade do século XX ata agora. Esta arte responde aos tempos modernos nos que vivimos, centrándose en amplos marcos contextuais: desde políticas e culturais, temas de identidade e tecnoloxía avanzada. Os artistas fan arte baseándose en conceptos e reaccionan ante as vidas políticas e culturais do mundo.

A arte contemporánea non se trata só do pracer estético de mirar unha obra de arte, senón que está moito máis centrada en compartir ideas. A arte contemporánea está marcada pola súa diversidade de medios e estilos.

Características da arte contemporánea

Aínda que a característica máis importante da arte contemporánea é que non hai características definitorias reais da mesma, hai algúns trazos comúns que comparten a arte contemporánea no seu conxunto.paisaxe, e nesta obra de arte concreta, a artista sinalou a violencia que viven as mulleres e os seus corpos, así como a terra. Estas obras de arte teñen unha temática feminista, pero tamén se poden ver como Arte ambiental centrada na terra e no noso tratamento dos nosos recursos naturais. Preguntada sobre o seu propio traballo, a artista afirmou: "A través das miñas esculturas de terra/corpo, fágome un coa terra... Convértome nunha extensión da natureza e a natureza convértese nunha extensión do meu corpo".

Self (1991) de Marc Quinn

Título da obra Self
Artista Marc Quinn
Ano 1991
Medio Sangue, aceiro inoxidable, Perspex e equipos de refrixeración
Onde It Was Made Londres, Reino Unido

Self é un autorretrato realizado polo artista Marc Quinn en 1991. O artista usou os seus propios materiais corporais para crear esta escultura: o seu propio sangue. O artista arroxou a súa propia cabeza con dez pintas de sangue recollidas durante uns meses. Esta obra de arte foi feita durante unha época na que o artista loitaba coa dependencia, e isto está relacionado coa forma en que a escultura necesita electricidade para manter a súa forma.

A materialidade da obra de arte tamén é moi significativa aquí: facendo do autorretrato o material máis próximo ao seu propio corpo que podía o artista– utilizando partes do seu corpo real.

Deste xeito, o artista experimentou con novos materiais dun xeito que o converteu no máis significativo. Este é un gran exemplo de arte contemporánea que usa o medio de forma significativa. Este non é só outro busto de cabeza feito con calquera material, o medio pasa a ser parte da mensaxe.

Dropping a Han Dynasty Urn (1995) de Ai Weiwei

Título da obra Lanzando unha urna da dinastía Han
Artista Ai Weiwei
Ano 1995
Medio Arte de performance
Onde se fixo China

En 1995, o artista e activista chinés creou este provocativo exemplo de obra de arte contemporánea. O artista usou o que el chamou un "preparado cultural": unha urna de 2000 anos da dinastía Han. Como suxire o título, a propia obra de arte consistiu en que o artista deixase caer e destruíu unha peza importante da historia chinesa. Cando se lle preguntou sobre a obra de arte, o artista, coñecido polas súas controvertidas obras de arte que criticaban ao goberno chinés, citou ao seu líder Mao Zedong: "A única forma de construír un mundo novo é destruíndo o vello".

Despois de ter pagado centos de miles de dólares pola urna, destruíla non só foi unha perda para a cultura senón tamén para o propio artista. Algúns din que esta obra de arte foiincluso non é ético de crear. Tamén hai un debate sobre se o artista utilizou unha peza real da antigüidade ou unha falsificación, pero o seu silencio ao respecto segue sendo escandaloso para o seu público.

Nesta obra de arte, pódese ver que o o artista utilizou a idea do ready-made, inspirado no uso de ready-made por Marcel Duchamp . Estes son obxectos atopados e usados ​​na vida cotiá que se reutilizan para crear obras de arte. Neste sentido, referirse a unha parte tan potente da historia chinesa como un ready-made é escandaloso en si mesmo. A súa destrución é só un aspecto do que fai que esta obra de arte sexa tan poderosa.

Ao soltar a urna, o artista tamén está a abandonar os valores culturais coa esperanza de crear un futuro mellor.

A serie 99 (2014) de Aïda Muluneh

Título da obra A serie 99
Artista Aïda Muluneh
Ano 2014
Medio Fotografía
Onde se fixo Etiopía

Aïda Muluneh é unha artista contemporánea que tamén utiliza fotografía. Os seus retratos en The 99 Series (2014) consideran África poscolonial. Usa o retrato, sobre todo de mulleres da súa cidade natal de Addis Abeba, dun xeito que desafía o retrato tradicional. A serie 99 inclúe mulleres vestidas con roupas de teatro, con caraspintado.

A artista utiliza estes retratos e a súa fotografía para abordar os roles de xénero e a identidade das mulleres en Etiopía. As fotos desta serie son tranquilas, empregando simbólicamente o branco e o vermello.

O rostro branco é referido como máscara polo artista, que encapsula a forma en que se altera a representación para obter vantaxes políticas. A maioría das mans destas fotos son vermellas, referíndose a que están manchadas de sangue. Estas mans tratan de controlar o retrato, cubrindo os rostros das mulleres, facendo referencia á escura historia do colonialismo e á forma en que isto afectou ás nacións africanas.

En definitiva, esta serie analiza como é para Muluneh ser unha muller africana, sempre considerada unha estranxeira onde fose.

Deste xeito, a súa propia historia persoal faise universalmente aplicable a moitas mulleres de todo o mundo e dálle unha visión a outras que non entenden. como é. Esta historia é descrita polo artista como "unha historia que levamos cada un, de perda, de opresores, de vítimas, de desconexión, de pertenza, de morriña que ves o paraíso no abismo escuro da eternidade".

Girl with Balloon (Shredded Painting) (2018) de Banksy

Título da obra Girl with Balloon (Shredded Painting) )
Artista Banksy
Ano 2018
Medio Arte sobre lenzo conTrituradora en cadro
Onde se fixo Londres, Reino Unido

Banksy , coñecido pola súa arte na rúa, foi noticia en 2018 cando sacou unha obra de arte en poxa en Sotheby's de Londres. Axiña que a obra de arte foi vendida e o poxador golpeou o seu mazo, a obra de arte comezou a soar e a obra de arte quedou destrozada polo seu marco.

O artista puxo en segredo unha trituradora dentro do cadro. Tan pronto como foi vendida, unha das súas obras de arte máis famosas foi destruída ao instante.

Nunha publicación de Instagram, o artista dixo máis tarde: "O impulso de destruír tamén é un impulso creativo". Banksy é famoso polas súas poderosas e simplistas obras de arte de graffiti e as obras de arte trilladas que parecen unha broma demostran que o humor tamén é unha parte importante da arte contemporánea moderna.

Aquí coñeces as diferentes características da arte contemporánea. , e viron algúns exemplos das inspiradoras e emocionantes obras de arte creadas nos últimos 60 anos. Os exemplos de arte contemporánea aquí mostran o diferente e diverso que pode ser a creación artística, e permítennos ver as historias e as vidas que viven outras persoas de todo o mundo. Desde Land art ata performances e instalacións, os artistas están creando cousas novas impresionantes todos os días para que poidan transmitir unha mensaxe: o noso único traballo é escoitar e comprender!

Bota unha ollada á nosa historia web de arte contemporánea. !

Ver tamén: Como deseñar un pavo: o noso divertido e sinxelo tutorial de debuxo de pavo

Con frecuenciaPreguntas feitas

Cal é a definición de arte contemporánea?

A arte contemporánea é a arte que se fai hoxe, baseada en vivir a vida no mundo tecnoloxicamente avanzado e todas as súas historias políticas e culturais.

A arte contemporánea é o mesmo que a arte moderna?

A arte contemporánea e a arte moderna non son o mesmo, aínda que as dúas palabras sexan sinónimos. A arte moderna describe o período de tempo na creación artística antes de que xurdise a arte contemporánea.

Cales son algunhas das características da arte contemporánea?

A arte contemporánea é diversa en estilos e técnicas, e a característica máis importante é que cada artista fai traballar á súa maneira sobre un aspecto da vida no mundo actual.

Algunhas destas características inclúen:
  • Os artistas contemporáneos están implicados na innovación con novas ideas e novas formas de arte, utilizando calquera cousa á súa disposición, desde videoxogos ata enxeñería ata cirurxía plástica. Os artistas utilizan medios diversos.
  • As obras de arte están feitas cun concepto detrás delas e cada obra de arte terá unha razón máis alá de existir como un obxecto puramente estético.
  • Algúns artistas contemporáneos traballan en grupo pero non hai grandes movementos como os que houbo na era da arte moderna.
  • Os medios forman parte da creación de significado. proceso que os artistas inventan por si mesmos.
  • Tamén hai un movemento cara a unha visión menos eurocéntrica da arte, e moitos máis artistas de diversas partes do mundo son recoñecidos e reciben máis atención.

A arte contemporánea é o mesmo que a arte moderna?

As palabras contemporáneo e moderno son tecnicamente sinónimos, pero estas dúas fases da historia da arte son moi diferentes. O significado da arte contemporánea implica moito máis contexto. A arte contemporánea considérase posmoderna , o que significa que veu despois do Modernismo.

A arte contemporánea é diferente dos movementos artísticos modernos como o Pop Art ou o Surrealismo. A arte moderna estivo marcada porque os artistas eran autorreferenciais (facendo arte sobre a arte).

Ver tamén: M. C. Escher - O mestre grabador que retorceu a realidade

Rosa escultura de Isa Genzken, un exemplo de arte contemporánea; Christoph Müller, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons

Os artistas crearon movementos artísticos, con ideas similares e desafíos técnicos que ocuparon os pensamentos de moitos artistas diferentes. Na era da arte contemporánea, os artistas crean arte que responde á experiencia única de vivir no mundo en avance tecnolóxico no que nos atopamos, cada historia é única. Os artistas crean obras de arte a partir das súas experiencias únicas. Non hai ideas e ideoloxías xerais, e os artistas non crean novos "-ismos" como o surrealismo e o fauvismo.

Os artistas modernos crearon obras de arte centrándose no propio proceso de creación artística, como cando os impresionistas creou obras de arte que responden á invención da cámara, inspiradas na idea de captar a luz minuto a minuto. Non todos os artistas contemporáneos teñen un medio global que exploran, e cada artista usa o medio como unha forma de explorar temas e ideas máis grandes.

A arte contemporánea responde ás ideas do mundo moderno dun xeito. que se adapte a este momento da historia e do tempo, con cada artista centrándose nunha viaxe permanente de creación artística sobre as complejidades de vivir no mundo á súa maneira.

Exemplos de obras de arte contemporáneas

Agora veremos algunhas das obras de arte contemporánea moderna máis famosas realizadas ata a data, describindo como estes artistas innovan e crean novas e emocionantesobras de arte. Estas obras de arte son só unha visión das diversas ideas coas que traballan os artistas, pero dan unha idea do incrible traballo que se está a facer e das ideas emocionantes e importantes coas que traballan os artistas todos os días.

Cut Piece (1964) de Yoko Ono

Título da obra Peza cortada
Artista Yoko Ono
Ano 1964
Medio Arte escénica obra
Onde estaba Made Nova York, EUA

Cut Piece (1964) é un dos primeiros exemplos da arte contemporánea. É unha obra de arte performance. Na década de 1960, artistas como Yoko Ono deuse a coñecer por organizar eventos chamados Happenings, nos que o artista daba aos espectadores e participantes o poder de facer arte eles mesmos ou de colaborar na creación artística.

A maioría dos estes acontecementos foron só momentáneos e só existirían máis tarde en fotografías, ou nunha obra de arte final que tería menos significado sen o contexto da performance.

Fotografía da artista Yoko Ono en 2011; Earl McGehee – www.ejmnet.com, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons

Cut Piece é un destes eventos, no que o artista pediu á xente que cortase pezas da súa roupa mentres se sentaba inmóbil. A medida que o artista estaba cada vez máis exposto, o público facíase máis tranquilo e conmocionado, recordou o artista. IstoAs provocativas obras de arte tamén puxeron á artista en varios niveis de perigo xa que puxo a súa confianza no público en que só cortarían a súa roupa e non usarían as tesoiras para outros fins.

Infinity Mirror Room (1965) de Yayoi Kusama

Título da obra Infinity Mirror Room
Artista Yayoi Kusama
Ano 1965
Medio Arte de instalación
Onde se fixo Cidade de Nova York, EUA

Kusama Infinity Mirror Rooms (1965), dos cales hai moitas variacións diferentes, se consideran obras de arte de instalación. Usando espellos, a artista transformou a intensa repetición das súas primeiras pinturas nun espazo tridimensional e unha experiencia perceptiva. Hai polo menos vinte Infinity Mirror Rooms distintos no mundo. Estas salas crean visións caleidoscópicas con aspectos multimedia, todas elas crean unha estraña ilusión de que a sala é infinita, e os membros do público tamén son infinitos.

Unha instalación de Infinity Room de Yayoi Kusama; Pablo Trincado de Santiago de Chile, Chile, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons

A primeira destas salas , Infinity Mirror Room: Phalli's Field , mostra unha sala cheo de centos de formas fálicas de lunares que cubren todossuperficie da habitación. O traballo intensivo fixo que o artista considerara outras formas de crear o efecto de estar enteiramente rodeado por estes obxectos longos e redondeados. A artista está famosamente vinculada cos lunares e cos círculos, afirmando que a creación de círculos a reconfortaba infinitamente.

Esta obra de arte tamén fixo que os espectadores fosen o tema da obra e a existencia do corpo no espazo. altérao e dálle máis significado.

Spiral Jetty (1970) de Robert Smithson

Obra de arte Título Spiral Jetty
Artista Robert Smithson
Ano 1970
Medio Land Art
Onde se fixo Great Salt Lake, Estados Unidos

Spiral Jetty (1970) é un exemplo dunha obra de arte Contemporary Land. Esta obra de arte foi construída no Great Salt Lake en Utah e estaba formada por rocas de barro, sal e basalto que foron construídas nunha espiral de 1500 pés de lonxitude que se dobraba en sentido antihorario.

Esta espiral podería ser vista desde arriba dependendo do nivel da auga do lago. Isto significaba que a propia terra cambiaba o significado da obra de arte, xa que ás veces non existía ou estaba agochada, e noutras ocasións a terra permitíanos vislumbrala.

Spiral Jetty (1970) de Robert Smithson, situado en Rozel Point no GreatSalt Lake, Utah, Estados Unidos; Escultura: Robert Smithson 1938-1973Imaxe:Soren.harward en en.wikipedia, Dominio público, vía Wikimedia Commons

Esta obra de arte é unha das máis famosas Obras de arte terrestre. Os artistas terrestres adoitan empregar a propia terra como medio, facendo traballos inspirados e que existen na terra, sen ser prexudicial para a terra. Este tipo de arte tamén era bastante famoso por ser incapaz de vender: ninguén podía comprar unha peza do lago, e esta descomercialización no mercado da arte tamén foi un aspecto novo da arte contemporánea moderna que o fixo. diferente do Modernismo.

Rhythm 0 (1974) de Marina Abramović

Título da obra Ritmo 0
Artista Marina Abramović
Ano 1974
Medio Arte escénica
Onde se fixo Cidade de Nova York, Estados Unidos

Nunha obra de arte similar con anos de diferenza, Marina Abramović creou a actuación Rhythm 0 (1974). O artista regalou aos asistentes 72 obxectos cos que podían facer todo o que pensasen que querían. Estes obxectos incluían tesoiras, unha rosa, zapatos, unha cadeira, cordas de coiro, un bisturí, unha pistola, unha pluma, unha bala e unha torta de chocolate, entre outros.

O artista quedou inmóbil. as seis horas da actuación, mentres públicoos membros volvéronse cada vez máis violentos. Un membro do público cortoulle o pescozo ao artista, mentres que outro levaba a pistola á cabeza do artista.

O público acabou nunha pelexa sobre ata onde estaban certos membros do público dispostos a chegar coa súa violencia violenta. actos. Ao remate da actuación, todos os que participaran fuxiron para evitar enfrontarse ao que participaran. Esta obra de arte converteuse nun exemplo impactante da natureza humana, así como de ata onde a arte podía estenderse máis aló de ser un cadro tradicional nunha parede. .

The Dinner Party (1974) de Judy Chicago

Título da obra The Dinner Party
Artista Judy Chicago
Ano 1974
Medio Arte feminista , Arte de instalación
Onde se fixo Cidade de Nova York, EUA

A famosa obra de arte de Judy Chicago foi unha gran obra de arte de instalación. O medio de instalación refírese a unha obra de arte na que os membros do público poden estar totalmente inmersos, unha obra de arte na que podes entrar. Esta gran instalación incluía varias mesas colocadas en forma triangular.

A obra de arte ten centos de compoñentes, pero "The Dinner Party" (1974) organiza un banquete imaxinado onde o artista convidou a 39 mulleres da historia. para literal e figuradamente "ter un asento na mesa".

Hai axustes de lugar.para mulleres da historia e da mitoloxía: dende Sacajawea, Susan B. Anthony e Emily Dickinson, ata a Deusa Primordial. Estes lugares representan principalmente imaxes estilizadas da anatomía feminina, como as vulvas. Esta obra de arte causou un gran impacto coa exhibición descarada da anatomía feminina e o volume de todos os centos de pezas que compoñen a obra.

Esta obra de arte pasou a ser coñecida como unha das máis importantes. pezas de arte feminista na historia e está en exposición permanente no Museo de Brooklyn dos Estados Unidos de América.

Alma, Silueta en Fuego (1975) de Ana Mendieta

Título da obra Alma, Silueta en Fuego
Artista Ana Mendieta
Ano 1975
Medio Fotografía, Land Art e Body Art
Onde se fixo USA

Ana Mendieta era unha artista Land e tamén se chamou a si mesma Body artist que utilizaba a fotografía para capturar o seu traballo. Na época contemporánea, os artistas tamén comezaron a utilizar medios dixitais e fotográficos para crear e mostrar as súas ideas, e o uso do vídeo tornouse habitual.

“Alma, Silueta en Fuego” (1975) é só unha obra de arte dunha serie na que a artista utilizaba a súa propia silueta, camuflada en ambientes naturais.

Ela fixo comparacións entre a figura feminina e a

John Williams

John Williams é un artista experimentado, escritor e educador artístico. Obtivo o seu título de licenciado en Belas Artes no Pratt Institute da cidade de Nova York e posteriormente estudou o seu máster en Belas Artes na Universidade de Yale. Durante máis dunha década, ensinou arte a estudantes de todas as idades en diversos ámbitos educativos. Williams expuxo a súa obra de arte en galerías de todo Estados Unidos e recibiu varios premios e subvencións polo seu traballo creativo. Ademais das súas actividades artísticas, Williams tamén escribe sobre temas relacionados coa arte e imparte obradoiros sobre historia e teoría da arte. Apasionalle animar aos demais a expresarse a través da arte e cre que todos teñen capacidade de creatividade.