Pintura "Song of the Lark" de Jules Breton - Unha análise detallada

John Williams 25-09-2023
John Williams

A rticamente evocadora da condición humana, en tantos niveis, pero sorprendentemente simple, a pintura A Canción da Cotovía de Jules Breton representa unha escena rural e un breve momento no tempo que se sente. coma se puidese durar para sempre. Este artigo discutirá esta pintura con máis detalle.

Resumo do artista: Quen foi Jules Breton?

Jules Adolphe Aimé Louis Breton naceu o 1 de maio de 1827, na aldea do norte de Francia chamada Courrières. Estudou no Colexio de San Bertín durante a súa mocidade e despois continuou en 1843 na Real Academia de Belas Artes de Gante. En 1847 trasladouse a París e estudou na École des Beaux-Arts.

Breton estudou e fixo amizade con numerosos artistas aclamados, como Félix De Vigne, Hendrik Van der Haert, Michel Martin Drolling, Gustave Brion. , e outros.

Tamén expuxo no Salón de París en numerosas ocasións, chegando a ser membro do xurado, ademais de Oficial e Comandante da Lexión de Honra. Tamén escribiu varias publicacións. Morreu o 5 de xullo de 1906, cando estaba en París.

Jules Breton, 1890; Jules Breton, dominio público, vía Wikimedia Commons

Song of the Lark (1884) de Jules Breton en contexto

Song of The Lark (1884) é un famoso cadro do realismo de Francia, converteuse nun famoso exemplo da vida rural, do campo e do naturalismo na pintura, seguindo encoa axuda da poesía para celebrar os seus vellos amigos, os campesiños de Artois. Quere tanto, a estes vellos compañeiros do seu primeiro éxito, que ás veces parece temer que non entendamos a súa beleza; non abonda con comprender e admirar a beleza, tamén hai que proclamar as calidades morais destas boas persoas”.

Canción da cotovía (1884) de Jules Breton sobre un postal, Instituto de Arte de Chicago; Autor descoñecido Autor descoñecido, Dominio público, a través de Wikimedia Commons

Acosta ofrece outros exemplos de estudosos que escribiron sobre o significado do cadro, como Henri Chantavoine, un escritor francés, que comparou a moza campesiña á cotovía, calificándoos a ambos como “estes dous campesiños”.

Chantavoine explicou ademais que “a inocencia e a paz da vida rústica, o contento das existencias sinxelas e a alegría da nai natureza sorrindo á esta felicidade pacífica, exprésase deliciosamente”.

Tamén se cría que a cotovía simbolizaba o inicio dunha nova xornada laboral dos campesiños e era considerada como o paxaro dos campesiños. No libro L'Oiseau de Jules Michelet, un historiador francés (1856), describiu a cotovía como “paxaro obreiro” e a ave nacional das Galias.

Ademais, no libro de Acosta. tese, tamén expón a idea de que Breton podería ter retratado a campesiña como a propia cotovía, explicando que a “alondra deo título ben pode referirse tanto ao obxecto da adoración do campesiño como á propia campesiña que canta unha canción da mañá”.

Porén, a cotovía tamén está conectada coa simboloxía relativa á relixión e ao amor e, se o miramos desde ese punto de vista, tamén poderíamos preguntarnos se a moza está namorada ou non. Ademais, no ámbito relixioso, estaba Breton dándolle á nena un aspecto sagrado en canto á súa vida de campesiña?

Jules Breton non só recibiu unha fama considerable cando estaba vivo, senón que despois da súa morte, as súas obras de arte aínda eran demandadas e foron reproducidas como gravados, que foron moi vendidos no mercado en liña. Ademais, The Song of the Lark de Breton tamén deixou unha pegada na cultura pop, converténdose no tema dun libro popular da escritora estadounidense Willa Sibert Cather, titulado do mesmo xeito The Song of the Lark (1915).

Esta novela trata dunha rapaza que desenvolve os seus talentos como músico e cantante, transcorre en Colorado e Chicago.

Portada do libro The Song of the Lark (1915) de Willa Sibert Cather; Despois de Jules Breton, Public domain, a través de Wikimedia Commons

Breton Holding the Beacon for the Beautiful

Recordouse que Jules Breton afirmaba: "Sempre tiven unha paixón por o Fermoso. Sempre crin que o obxectivo da arte eradarse conta da expresión do Fermoso. Creo no Fermoso: síntoo, véxoo! Se o home que hai en min adoita ser pesimista, o artista, pola contra, é preeminentemente optimista”.

No cadro “A canción da alondra” de Jules Breton dánosnos unha imaxe conmovedora dunha moza que está parada nun momento da súa vida no que a beleza é o único que escoita, simplemente necesita pararse por iso. Sexas cales sexan os outros significados que Breton teña pensado para a súa pintura, dánosnos este momento para compartilo con ela, interpretando o momento á nosa maneira.

Bótalle un ollo á nosa historia web de pintura The Song of the Lark aquí!

Preguntas máis frecuentes

Quen pintou O A Canción da Alondra (1884)?

A canción da alondra (1884) foi pintada polo pintor realista e naturalista francés Jules Adolphe Breton. Naceu en 1827 e fíxose famoso polas súas pinturas a gran escala de campesiños e escenas da vida rural e que representan a súa beleza inherente. Tamén foi ben considerado polos seus retratos realistas, empregando técnicas artísticas tradicionais.

Cal é o O Canto da cotovía Valor da pintura?

O valor da pintura Song of the Lark non está dispoñible; con todo, informouse de que moitas das súas pinturas foron vendidas por máis de millóns de dólares. Segundo o Art Institute of Chicago, Song of theLark foi comprada a Jules Breton por George A. Lucas en 1885 e, a través de varias mans, chegou ao Instituto de Arte de Chicago en 1894.

What Is The Song of the Lark (1884) Pintura Significado?

O significado da pintura Song of the Lark trata sobre o comezo dun novo día. A cotovía, á que se fai referencia no título do cadro, é un paxaro, tamén coñecido como paxaro cantor, que simboliza o amencer ou o amor, e ás veces tamén ten significado relixioso.

os pasos doutros artistas realistas famosos como Gustave Courbet e Jean-François Millet.

A continuación proporcionaremos unha breve análise contextual para comprender mellor o significado da pintura A Canción da Alondra . , seguido dunha análise formal, analizaremos a temática e os elementos artísticos utilizados neste cadro.

Artista Jules Adolphe Aimé Louis Breton
Data de pintura 1884
Medio Óleo sobre lenzo
Xénero Pintura de xénero
Época / Movemento Realismo, naturalismo francés
Dimensións 110,6 x 85,8 centímetros
Serie/Versións N/A
Onde se atopa? Art Institute of Chicago
O que vale O prezo exacto non está dispoñible; con todo, foi comprado a Jules Breton por George A. Lucas en 1885 para Samuel P. Avery.

Análise contextual: unha breve panorámica sociohistórica

Jules Breton produciu numerosos cadros durante o século XIX centrados no tema da vida rural e do traballo. Foi un artista destacado en Europa e América, querido polas súas escenas de temática rural. Era o cadro favorito da primeira dama Eleanor Roosevelt, que presentou en 1934 na Feira Mundial de Chicago.e foi unha inspiración para o actor de Hollywood Bill Murray durante un momento difícil da súa carreira.

É seguro dicir que Song of the Lark deixou pegada no mundo, converténdose nun icona idílica en moitos corazóns. Pero como comezou todo? Que había no corazón de Breton que o inspirou a pintar escenas tan naturalistas e rurais?

A Canción da Cotovía (1884) de Jules Breton; Jules Breton, Dominio público , vía Wikimedia Commons

Breton naceu no norte de Francia, en Pa-de-Calais en Courrières; a súa familia estaba involucrada coa terra, o seu pai xestionaba a terra, polo que estivo exposto ao tipo de vida que está preto da natureza. Porén, Breton parecía ter unha predilección polos campesiños e exploraba esta temática nos seus cadros.

Segundo varias fontes sobre a vida do artista, foron varios os aspectos que o impulsaron cara a este tipo de temáticas. . É dicir, os acontecementos da Revolución Francesa de 1848 e o regreso á súa aldea natal de Courrières en dúas ocasións importantes.

Según, Breton mencionou como a revolución afectou non só a si mesmo como artista, senón tamén a outros artistas, afirmou que “había un interese máis profundo pola vida da rúa e dos campos”. explicando ademais como se recoñecían os “gustos e sentimentos dos pobres” e que a arte lles daba “honras”; con isto, está claro que Breton tiña unprofunda reverencia cara aos “pobres”, ou posiblemente, campesiños.

O fin da xornada laboral (entre 1886 e 1887) de Jules Breton; Jules Breton, Dominio público, vía Wikimedia Commons

A primeira ocasión importante que levou a Breton ao regreso á súa aldea natal foi en 1848. Nese momento vivía en París, foi a enfermidade do seu pai, que finalmente morreu; segundo os informes, a familia de Breton tamén experimentou outras dificultades. Debido a estes diversos desafíos aos que se enfrontou Breton, á revolución e á morte do seu pai, segundo dixo, "así foi o que creceu no corazón do meu artista: un afecto máis forte pola natureza, os escuros actos de heroísmo e a beleza de as vidas do campesiñado”.

É importante ter en conta que Breton non produciu inmediatamente pinturas campesiñas de escenas rurais. A súa temática era totalmente diferente e dentro do xénero histórico, mentres que o amor no seu corazón polas imaxes rurais parecía ter aceso antes de cobrar vida.

O perdón de Kergoat en Quéménéven en 1891 (1891) de Jules Breton; Jules Breton, CC BY-SA 3.0, a través de Wikimedia Commons

As pinturas frecuentemente citadas do seu xénero histórico foron Misère et Désespoir (Querer e desesperar) e Faim (Fame) . Estes cadros víronse influenciados pola revolución e os efectos sociais e psicolóxicos na que incorreu. Ademais,os cadros mencionados anteriormente foron descritos tamén co estilo Arte realista .

A segunda ocasión importante que levou a Breton ao regreso á súa aldea natal, que se diría arredor de 1854, foi a súa enfermidade. . Despois de que se mudou, inspirouse máis para producir pinturas con escenas rurais. Unha das súas famosas pinturas desta época, pola que recibiu unha medalla de terceira clase, foi The Gleaners (Les Glaneuses) (1854).

Breton continuou co tema das escenas rurais e explorou o estilo de vida campesiño a través dos seus cadros conmovedores.

The Gleaners (1854) de Jules Breton; Jules Breton, Dominio público, vía Wikimedia Commons

Porén, o seu estilo tamén cambiou co paso dos anos, e volveu a París de novo. Recibiu un gran número de aclamacións polas súas pinturas, non só en Europa senón tamén en América. Algunhas das súas obras de arte tamén foron reproducidas porque eran moi demandadas.

Na publicación, Jules Breton and the French Rural Tradition (1982) de Hollister Sturges, a guerra franco-prusiana durante 1870 e 1871 tamén influíron no bretón e, en definitiva, na sociedade. Ademais, o seu estilo artístico, realmente os seus campesiños, foron descritos como máis “monumental” e “naturalista”. Pintura "A Canción da Alondra",entre outros.

Análise formal: unha breve visión xeral da composición

Jules Breton fíxose popular por representar unha única figura feminina nos seus cadros, e o seu tema foi descrito como "idealizado" e "romántico". ”, non obstante, ao longo do mesmo, todos os cadros de Breton foron informados polas súas habilidades artísticas únicas, así que vexamos máis de cerca o aclamado cadro A Canción da Cotovía .

Materia

O cadro A Canción da Alondra representa a unha rapaza de pé cunha fouce na man dereita (a nosa esquerda) nun estreito camiño de terra do que parece estar nun campo labrado. Detrás dela hai parte do Sol laranxa dourado que sae no horizonte.

Ver tamén: Como usar a pintura gouache: unha guía detallada das técnicas de gouache

A rapaza está de fronte a nós, os espectadores, a súa cabeza está lixeiramente levantada coa mirada enfocada cara arriba, a boca está parcialmente aberta e a súa expresión parece embelesada, ou está profundamente concentrada ou abraiada por algo.

Polo que nos di o título do cadro, a súa atención está no canto da cotovía; supostamente, necesitaba quedarse parada e tomarse un momento para escoitar a beleza do canto do paxaro.

Un primeiro plano da Canción da alondra de Jules Breton. (1884) pintura; Jules Breton, Dominio público, vía Wikimedia Commons

Está claro que a nena é retratada como unha campesiña, o seu vestiario é sinxelo; leva unha saia e unha blusa branca engurrada cunha envoltura azul que parecea cintura, ten unha bandana na cabeza e está descalza. Ademais, a moza parece forte de estatura, podemos ver esta musculatura nos seus ombreiros e brazos.

Un feito interesante sobre esta rapaza é que se chamaba Marie Bidoul e actuou como modelo. para Breton.

Ver tamén: Arte chicano - Descubre a arte mexicano-americana dos pintores chicanos

Se miramos o fondo atopámonos co sol nacente ao lonxe, e case un terzo da pintura está composta polo ceo, os outros dous terzos do a pintura consiste en terra. Ademais, ao lonxe aparecen formas marróns do que parecen casas e cabanas, posiblemente pertencentes aos campesiños.

O fondo da Canción da cotovía de Jules Breton (1884). ) pintura; Jules Breton, Dominio público, a través de Wikimedia Commons

Tamén hai máis follaxe ao fondo, árbores e herba verde, que finalmente se converte no campo marrón, con algo de herba verde medrando aquí e alí. O campo está labrado ou estéril. Atopámonos entón coa rapaza xusto en primeiro plano, de pé no camiño que sae do noso campo de visión por diante e por detrás da nena.

Se miramos detidamente, pode que non o perdamos. ; cara ao bordo superior esquerdo da composición hai unha pequena interpretación dun paxaro voando no ceo.

A alondra (rodeada) na pintura Song of the Lark (1884) de Jules Breton; Jules Breton, Public domain, víaWikimedia Commons

Cor e luz

A luz convértese nunha parte importante da pintura Canto da cotovía co sol nacente como fonte principal. Isto informa aínda máis a mensaxe xeral da pintura, que exploraremos con maior profundidade a continuación. Breton utilizou a miúdo o sol e a luz deste en moitas outras pinturas de mulleres campesiñas. Un exemplo inclúe a súa pintura anterior, The Tired Gleaner (1880) e unha das súas pinturas posteriores The End of the Working Day (1886 a 1887).

The Tired Gleaner (1880) de Jules Breton; Jules Breton, Public domain, a través de Wikimedia Commons

Breton representa a súa escena con tons neutros, como marróns, brancos, verdes, azuis, que dan unha atmosfera de quietud e, sen dúbida, de tranquilidade. a madrugada. Ademais utilizou tons suavizados no ceo ao redor do sol, acentuando as súas vibrantes cores ardentes. Esta era tamén unha característica da pintura do Realismo; As cores máis escuras eran moitas veces máis empregadas que as cores brillantes.

A canción da alondra Significado da pintura

A canción da alondra o significado da pintura reside en o seu título tanto como é na representación da madrugada. A Alondra é un pequeno paxaro cantor e moitas veces foi un símbolo do "amencer" ou do "amencer", dános unha pista do que parece tan namorada a nena do cadro.

Ela está escoitando a mañácanto da cotovía cando se achega o novo día e ela necesita seguir co seu parto. Esencialmente, este cadro tamén podería ser unha celebración, por así dicir, da vida laboral dos campesiños, algo que estaba tan preto do corazón de Breton.

Porén, houbo moitas teorías eruditas arredor da representación de Breton. campesiños e a súa interpretación idealista deles, sobre todo as interpretacións inherentes á natureza, á vida campesiña, á moralidade e á beleza, e como a percepción do que é o campesiño formouse ao longo do tempo a través destas lentes.

Unha copia enmarcada de A Canción da Cotovía (1884) de Jules Breton; Tarzanswing, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons

É importante ter en conta que Breton tamén era un amante da poesía, polo que as súas pinturas poderían ser tamén os seus testemuños poéticos visuais do aspectos máis finos da vida. O feito de que tamén utilizase un modelo para retratar ao campesiño implica ademais a cuestión do realismo e do romanticismo.

Na súa disertación Real e ideal: o realismo de Jules Breton (2018), Taylor Jensen Acosta menciona varias críticas sobre a pintura de Breton The Song of the Lark e o seu simbolismo romántico inherente en comparación con ela como mera pintura realista.

Unha crítica é de André Michel, quen foi un escritor para a Gazette des Beaux-Arts francesa.

Michel escribiu sobre a “sentimentalidade” de Breton, afirmando que “Jules Breton chama

John Williams

John Williams é un artista experimentado, escritor e educador artístico. Obtivo o seu título de licenciado en Belas Artes no Pratt Institute da cidade de Nova York e posteriormente estudou o seu máster en Belas Artes na Universidade de Yale. Durante máis dunha década, ensinou arte a estudantes de todas as idades en diversos ámbitos educativos. Williams expuxo a súa obra de arte en galerías de todo Estados Unidos e recibiu varios premios e subvencións polo seu traballo creativo. Ademais das súas actividades artísticas, Williams tamén escribe sobre temas relacionados coa arte e imparte obradoiros sobre historia e teoría da arte. Apasionalle animar aos demais a expresarse a través da arte e cre que todos teñen capacidade de creatividade.