Wat is hjoeddeistige keunst? - In blik op moderne hjoeddeistige keunst fan hjoed

John Williams 25-09-2023
John Williams

T entiidske keunst is de keunst dy't hjoeddedei makke wurdt. Mar dizze term is kleveriger dan dat, om't de betsjutting fan 'e term Eigentiidske keunst net altyd itselde is as oare keunstbewegingen lykas wy hawwe sjoen yn' e moderne keunsttiid. De term wurdt markearre troch in feroaring yn 'e manier wêrop keunstners nei har keunst meitsje, en wy kinne in protte ynnovaasje sjen yn termen fan' e mediums dy't se brûke en de ideeën dy't se presintearje. Yn dit artikel sille wy it idee fan hjoeddeistige keunst útpakke - nei guon fan 'e tema's fan hjoeddeistige keunst, en ek nei foarbylden fan hjoeddeistige keunst.

Wat is hjoeddeistige keunst?

De definysje fan hjoeddeiske keunst is de keunst makke yn de lêste helte fan de 20e ieu oant no ta. Dizze keunst reagearret op de moderne tiden wêryn wy libje, rjochte op brede kontekstuele kaders - fan politike en kulturele, tema's fan identiteit, en foarútstribjende technology. Keunstners meitsje keunst basearre op konsepten en reagearje op it politike en kulturele libben fan 'e wrâld.

De hjoeddeiske keunst giet net allinnich oer it estetyske genot fan it sjen nei in keunstwurk, mar is folle mear rjochte op it dielen fan ideeën. Eigentiidske keunst wurdt markearre troch har ferskaat oan mediums en stilen.

Skaaimerken fan hjoeddeistige keunst

Hoewol't it wichtichste skaaimerk fan hjoeddeistige keunst is dat d'r gjin echte bepalende skaaimerken fan binne, der binne wat mienskiplike skaaimerken dy't dield wurde troch hjoeddeistige keunst as gehiel.lânskip, en yn dit spesifike keunstwurk wiisde de keunstner op it geweld ûnderfûn troch froulju en har lichems, lykas troch de ierde. Dizze keunstwurken binne lâns in Feministysk tema, mar kinne ek sjoen wurde as Omjouwingskeunst rjochte op 'e ierde en ús behanneling fan ús natuerlike boarnen. Op 'e fraach nei har eigen wurk stelde de keunstner: "Troch myn ierde/lichemskulptueren, wurd ik ien mei de ierde ... ik wurd in útwreiding fan 'e natuer en de natuer wurdt in útwreiding fan myn lichem."

Self (1991) troch Marc Quinn

Artwork Title Self
Artyst Marc Quinn
Jier 1991
Medium Bloed, roestfrij stiel, Perspex, en koelapparatuer
Wêr It Was Made Londen, UK

Self is in selsportret makke troch keunstner Marc Quinn yn 1991. De keunstner brûkte syn eigen lichaamlike materialen om dizze skulptuer te meitsjen - syn eigen bloed. De keunstner smiet syn eigen holle mei tsien pinten fan syn eigen bloed sammele oer in pear moannen. Dit keunstwurk is makke yn in tiid wêryn't de keunstner wraksele mei ôfhinklikens, en dat hat te krijen mei de manier wêrop it byld elektrisiteit nedich hat om syn foarm te behâlden.

De materialiteit fan it keunstwurk is hjir ek tige wichtich - it meitsjen fan it selsportret it materiaal dat it tichtst by syn eigen lichem leit dat de keunstner koe- mei help fan dielen fan syn eigentlike lichem.

Op dizze manier eksperimintearre de keunstner mei nije materialen op in manier dy't it it meast betsjuttend makke. Dit is in geweldich foarbyld fan hjoeddeistige keunst dy't it medium sinfol brûkt. Dit is net allinich in oare boarstbyld fan in holle makke mei elk materiaal, it medium wurdt in diel fan it berjocht.

Dropping a Han Dynasty Urn (1995) troch Ai Weiwei

Artwork Titel Dropping a Han Dynasty Urn
Artyst Ai Weiwei
Jier 1995
Medium Performance Artwork
Wêr't it makke is Sina

Yn 1995 makke de Sineeske keunstner en aktivist dit provosearjende foarbyld fan hjoeddeistich keunstwurk. De keunstner brûkte wat hy in "kulturele ready-made" neamde - in 2000 jier âlde urne út 'e Han-dynasty. Sa't de titel al oanjout, bestie it keunstwurk sels út dat de keunstner in wichtich stik Sineeske skiednis liet falle en ferneatigje. Op 'e fraach oer it keunstwurk, de keunstner, bekend om syn kontroversjele keunstwurken dy't de Sineeske regearing kritisearje, sitearre har lieder Mao Zedong, "De ienige manier om in nije wrâld te bouwen is troch de âlde te ferneatigjen."

Hûndertentûzenen dollars foar de urn betelle hawwen, wie it ferneatigjen net allinnich in ferlies foar de kultuer, mar ek foar de keunstner sels. Guon sizze dat dit keunstwurk wiesels unethysk te meitsjen. Der is ek wat diskusje oft de keunstner in echt stikje âldheid of in nep brûkt hat, mar syn stilswijen oer de saak bliuwt skandalich foar syn publyk.

Yn dit keunstwurk kin men sjen dat de keunstner brûkte it idee fan 'e ready-made, ynspirearre troch Marcel Duchamp's gebrûk fan ready-mades. Dit binne objekten fûn en brûkt yn it deistich libben, dy't wer brûkt wurde foar it meitsjen fan keunstwurken. Yn dizze sin is it ferwizen nei sa'n machtich diel fan 'e Sineeske skiednis as in ready-made op himsels skandalich. De ferneatiging dêrfan is mar ien aspekt fan wat dit keunstwurk sa machtich makket.

Troch de urne te litten lit de keunstner ek kulturele wearden los yn hope op in bettere takomst.

The 99 Series (2014) troch Aïda Muluneh

Artwork Title The 99 Series
Artyst Aïda Muluneh
Jier 2014
Medium Fotografy
Where It Was Made Ethiopia

Aïda Muluneh is in eigentiidske keunstner dy't ek fotografy brûkt. Har portretten yn The 99 Series (2014) beskôgje postkoloniaal Afrika. Se brûkt portretten, meast fan froulju út har wenplak Addis Abeba, op in manier dy't tradisjonele portretten útdaagt. De 99-searje omfettet froulju klaaid yn teatrale klean, mei gesichtenskildere.

De keunstner brûkt dizze portretten en har fotografy om de geslachtsrollen en identiteit fan froulju yn Etioopje oan te pakken. De foto's yn dizze searje binne kalm, mei wyt en read symboalysk.

It wite gesicht wurdt troch de keunstner oantsjut as in masker, dat de wize ynkapselt wêrop foarstelling feroaret foar politike foardielen. De measte hannen op dizze foto's binne read, ferwizend nei dat se bloedbevlekt binne. Dizze hannen besykje it portret te kontrolearjen, de gesichten fan 'e froulju te dekken - ferwizend nei de tsjustere skiednis fan kolonialisme en de manier wêrop dit ynfloed hat op Afrikaanske folken.

Uteinlik analysearret dizze searje hoe't it is foar Muluneh om wês in Afrikaanske frou, altyd beskôge as in bûtensteander oeral wêr't se gie.

Op dizze manier wurdt har eigen persoanlik ferhaal universeel fan tapassing op in protte froulju oer de hiele wrâld en jout in ynsjoch oan oaren dy't it net begripe hoe't it is. Dit ferhaal wurdt beskreaun troch de keunstner as, "in ferhaal dat wy elk drage, fan ferlies, fan ûnderdrukkers, fan slachtoffers, fan ûntbining, fan hearren, fan langstme dat jo it paradys sjogge yn 'e tsjustere ôfgrûn fan 'e ivichheid."

Girl with Balloon (Shredded Painting) (2018) troch Banksy

Artwork Title Girl with Balloon (Shredded Painting) )
Artyst Banksy
Jier 2018
Medium Kunst op doek meiShredder in Frame
Wêr't it makke is Londen, Feriene Keninkryk

Banksy , bekend om syn strjittekeunst, makke nijs yn 2018 doe't hy in keunstwurk te keap hie by Sotheby's yn Londen. Sadree't it keunstwurk ferkocht wie en de feilingmeiwurker mei syn hamer sloech, begûn it keunstwurk te piipjen en waard it keunstwurk troch it ramt fernield.

De keunstner hie temûk in shredder yn it ramt set. Sadree't it ferkocht waard, waard ien fan syn meast ferneamde keunstwurken fuortendaliks ferneatige.

Yn in Instagram-post sei de keunstner letter: "De drang om te ferneatigjen is ek in kreative drang." Banksy is ferneamd om syn krêftige en simplistyske graffiti-keunstwurken en it pranklike fersnipperde keunstwurk lit sjen dat humor ek in wichtich ûnderdiel is fan Modern Contemporary Art.

Hjir hawwe jo leard oer de ferskate skaaimerken fan hjoeddeistige keunst. , en hawwe sjoen wat foarbylden fan de ynspirearjende en spannende keunstwurken makke yn de lêste 60 jier. De foarbylden fan hjoeddeiske keunst hjir litte sjen hoe oars en ferskaat keunstmeitsjen kin wêze, en lit ús in blik krije op de ferhalen en it libben dat oare minsken fan oer de hiele wrâld libje. Fan lânkeunst oant prestaasjes oant ynstallaasjes meitsje artysten elke dei yndrukwekkende nije dingen sadat se in berjocht kinne oerbringe - ús iennichste taak is om te harkjen en te begripen!

Besjoch ús eigentiidske keunstwebferhaal !

FaakStelde fragen

Wat is de definysje fan hjoeddeiske keunst?

Hjoedtiidske keunst is de keunst dy't hjoeddedei makke wurdt - basearre op it libjen fan it libben yn 'e technologysk avansearre wrâld en al har politike en kulturele ferhalen.

Is hjoeddeistige keunst itselde as moderne keunst?

Hjoedtiidske keunst en moderne keunst binne net itselde - sels as de twa wurden synonimen binne. Moderne keunst beskriuwt de tiidperioade yn it meitsjen fan keunst foardat hjoeddeistige keunst ûntstie.

What Are Some Characteristics of Contemporary Art?

Hjoedtiidske keunst is ferskaat yn stilen en techniken, en it wichtichste karakteristyk is dat elke keunstner op har eigen manier wurk makket oer in aspekt fan it libben yn 'e wrâld fan hjoed.

Guon fan dizze skaaimerken omfetsje:
  • Hjoedtiidske artysten binne belutsen by ynnovaasje mei nije ideeën en nije keunstfoarmen, en brûke alles wat se hawwe fan fideospultsjes oant engineering oant plastyske sjirurgy. De keunstners brûke ferskate mediums.
  • Keunstwurken wurde makke mei in konsept derachter, en elk keunstwurk sil in reden hawwe dan bestean as in puur estetysk objekt.
  • Guon eigentiidske keunstners wurkje yn groepen mar der binne gjin grutte bewegings lykas yn it moderne keunsttiidrek.
  • De mediums meitsje diel út fan it betsjuttingsmeitsjen proses dat keunstners foar harsels útfine.
  • Der is ek in beweging nei in minder eurosintryske sicht op keunst, en folle mear keunstners út ferskate dielen fan 'e wrâld wurde erkend en krije mear oandacht.

Is hjoeddeiske keunst itselde as moderne keunst?

De wurden eigentiidsk en modern binne technysk synonimen, mar dizze twa fazen yn de keunstskiednis binne hiel oars. De betsjutting fan hjoeddeiske keunst omfettet folle mear kontekst. Eigentiidske keunst wurdt beskôge as postmodern , wat betsjut dat it nei it modernisme kaam.

Eigentiidske keunst is oars as moderne keunstbewegingen lykas popkeunst of surrealisme. Moderne keunst waard markearre troch keunstners dy't selsferwizend wiene (keunst meitsje oer keunst).

Roze skulptuer fan Isa Genzken, in foarbyld fan hjoeddeiske keunst; Christoph Müller, CC BY-SA 3.0, fia Wikimedia Commons

Artysten makken keunstbewegingen, mei ferlykbere ideeën en technyske útdagings dy't de gedachten fan in protte ferskillende artysten besette. Yn it tiidrek fan hjoeddeistige keunst meitsje keunstners keunst dy't reagearret op 'e unike ûnderfining fan libjen yn' e technologysk foarútstribjende wrâld wêryn wy ússels fine, elk ferhaal unyk. Keunstners meitsje keunstwurken op basis fan har unike ûnderfiningen. D'r binne gjin oerkoepeljende ideeën en ideologyen, en keunstners meitsje gjin nije "-ismen" lykas surrealisme en fauvisme.

Moderne keunstners makken keunstwurken dy't rjochte binne op it keunstwurkproses sels - lykas wannear ympresjonisten keunstwurken makke dy't reagearje op 'e útfining fan' e kamera - ynspireare troch it idee om ljocht op in minuut-to-minút basis te fangen. Hjoeddeiske keunstners hawwe net allegear in oerkoepelend medium dat se ferkenne, en elke keunstner brûkt it medium as in manier om gruttere tema's en ideeën te ferkennen.

Hjoedtiidske keunst reagearret op in manier op ideeën fan 'e moderne wrâld dat past by dit momint yn skiednis en tiid - mei elke keunstner dy't him rjochtet op in libbenslange reis fan keunst meitsje oer de yngewikkeldheden fan libjen yn 'e wrâld op har eigen manier.

Foarbylden fan hjoeddeistige keunstwurken

Wy sille no sjen nei guon fan 'e meast ferneamde moderne hjoeddeistige keunstwurken dy't oant no ta makke binne, en beskriuwe hoe't dizze artysten ynnovearje en nij spannend meitsjekeunstwurken. Dizze keunstwurken binne mar in blik op de ferskate ideeën wêrmei artysten wurkje, mar jouwe in smaak fan it geweldige wurk dat makke wurdt en de spannende en wichtige ideeën wêrmei artysten elke dei wurkje.

Cut Piece (1964) troch Yoko Ono

Artwork Title Cut Piece
Artyst Yoko Ono
Jier 1964
Medium Performance Art wurk
Wêr't it wie Made New York City, USA

Cut Piece (1964) is in ier foarbyld fan hjoeddeiske keunst. It is in performance artwork. Yn 'e jierren '60 waarden artysten lykas Yoko Ono bekend om eveneminten te organisearjen neamd Happenings, wêrby't de keunstner keunstsjoggers en dielnimmers de krêft joech om sels keunst te meitsjen of in hân te hawwen yn keunstmeitsjen.

De measte fan dizze eveneminten wiene mar momint en soene pas letter bestean yn foto's, of yn in lêste keunstwurk dat sûnder de kontekst fan de foarstelling minder betsjutting hawwe soe.

Foto fan keunstner Yoko Ono yn 2011; Earl McGehee - www.ejmnet.com, CC BY 2.0, fia Wikimedia Commons

Cut Piece is ien fan dizze eveneminten, wêrby't de keunstner minsken frege om stikken te snijen út har klean as se roerleas siet. Doe't de keunstner mear en mear bleatsteld waard, waard it publyk rêstiger en mear skrokken, herinnert de keunstner. Ditprovosearjende keunstwurken sette de keunstner ek yn ferskate nivo's fan gefaar, om't se har fertrouwen yn it publyk sette dat se har klean allinich snije en har skjirre net foar oare doelen brûke.

Infinity Mirror Room (1965) troch Yayoi Kusama

Artwork Titel Infinity Mirror Room
Artyst Yayoi Kusama
Jier 1965
Medium Ynstallaasjekeunstwurk
Wêr't it makke is New York City, Feriene Steaten

Kusama's Infinity Mirror Rooms (1965), wêrfan d'r in protte ferskillende farianten binne, wurde beskôge as ynstallaasjekeunstwurken. Mei help fan spegels feroare de keunstner de intense werhelling fan har iere skilderijen yn in trijediminsjonale romte en perceptuele ûnderfining. D'r binne op syn minst tweintich ûnderskate Infinity Mirror Rooms yn 'e wrâld. Dizze keamers meitsje kaleidoskopyske fisioenen mei multymediale aspekten, dy't allegear in frjemde yllúzje meitsje fan 'e keamer ûneinich, en de publyksleden ek ûneinich.

In Infinity Room ynstallaasje troch Yayoi Kusama; Pablo Trincado út Santiago de Chile, Sily, CC BY 2.0, fia Wikimedia Commons

De earste fan dizze keamers , Infinity Mirror Room: Phalli's Field , lit in keamer sjen fol mei hûnderten polka-dotted fallyske foarmen dy't elk bedekkeoerflak fan 'e keamer. It arbeidsyntinsive wurk makke de keunstner oare manieren om it effekt te meitsjen fan folslein omjûn troch dizze lange, rûne objekten. De keunstner is ferneamd keppele oan de polka dot en mei sirkels, en stelt dat it meitsjen fan sirkels har einleaze treast hat.

Dit keunstwurk makke ek de publyksleden it ûnderwerp fan it wurk, en it bestean fan it lichem yn 'e romte feroaret it en jout it mear betsjutting.

Spiral Jetty (1970) troch Robert Smithson

Artwork Titel Spiral Jetty
Artyst Robert Smithson
Jier 1970
Middel Lânkeunst
Wêr't it makke is Great Salt Lake, Feriene Steaten

Spiral Jetty (1970) is in foarbyld fan in Contemporary Land keunstwurk. Dit keunstwurk waard boud op 'e Grutte Sâltmar yn Utah en bestie út modder, sâlt en basaltrotsen dy't boud waarden yn in 1500 foet lange spiraal dy't tsjin de klok yn bûgde.

Dizze spiraal koe wurde fan boppen sjoen ôfhinklik fan it wetterpeil fan de mar. Dit betsjutte dat de ierde sels de betsjutting fan it keunstwurk feroare, om't it soms net bestie of ferburgen wie, en oare kearen liet de ierde ús der in blik op krije.

Spiral Jetty (1970) troch Robert Smithson, leit by Rozel Point yn 'e GrutteSalt Lake, Utah, Feriene Steaten; Skulptuer: Robert Smithson 1938-1973Image:Soren.harward at en.wikipedia, Public domain, fia Wikimedia Commons

Sjoch ek: Ferneamde Dútske keunstners - De bêste en meast ferneamde Dútske skilders

Dit keunstwurk is ien fan 'e meast ferneamde Lân keunstwurken. Lânkeunstners brûke typysk it lân sels as medium, en meitsje wurk dat ynspirearre is troch en bestiet yn 'e ierde, sûnder skealik te wêzen foar de ierde. Dit soarte keunst wie ek frij berucht foar it net ferkeapjen - gjinien koe mooglik in stik fan 'e mar keapje, en dizze dekommersjalisaasje op 'e keunstmerk wie ek in nij aspekt fan Modern Contemporary keunst dy't it makke oars as modernisme.

Rhythm 0 (1974) troch Marina Abramović

Artwork Title Rhythm 0
Artyst Marina Abramović
Jier 1974
Medium Performance Art
Where It Was Made New York City, USA

Yn in ferlykber keunstwurk fan jierren apart makke Marina Abramović de Rhythm 0 (1974) foarstelling. De keunstner joech publyk 72 objekten dêr't se alles mei dwaan koenen dat se fielden dat se woene. Dizze objekten wiene ûnder oaren in skjirre, in roas, skuon, in stoel, learen snaren, in scalpel, in gewear, in fear, in kûgel en wat sûkeladekoek.

De keunstner stie stil foar de seis oeren fan de foarstelling, wylst publykleden waarden hieltyd geweldder. Ien publykslid snijde de nekke fan 'e keunstner iepen, wylst in oar it gewear tsjin 'e holle fan 'e keunstner hold.

It publyk einige yn in gefjocht oer hoe fier bepaalde leden fan it publyk ree wiene om te gean mei har gewelddiedich acts. Oan 'e ein fan 'e foarstelling rûnen al dyjingen dy't meidien hienen fuort om net te konfrontearjen wêr't se oan meidien hiene. Dit keunstwurk waard in skokkend foarbyld fan 'e minsklike natuer, en ek hoe fier't keunst him útsette koe as in tradisjoneel skilderij op in muorre .

The Dinner Party (1974) troch Judy Chicago

Artwork Title The Dinner Party
Artyst Judy Chicago
Jier 1974
Medium Feministyske keunst , ynstallaasjekeunst
Where It Was Made New York City, USA

Judy Chicago's ferneamde keunstwurk wie in grut ynstallaasje keunstwurk. It medium fan ynstallaasje ferwiist nei in keunstwurk wêryn publyksleden folslein ûnderdompele kinne, in keunstwurk wêryn jo kinne rinne. Dizze grutte ynstallaasje befette meardere tafels yn in trijehoekige foarm.

It keunstwurk hat hûnderten komponinten, mar "The Dinner Party" (1974) set in ferbylde banket op wêr't de keunstner 39 froulju út 'e skiednis útnoege. om letterlik en figuerlik “in sit oan tafel te hawwen”.

Der binne plakynstellingenfoar froulju út skiednis en mytology - fan Sacajawea, Susan B. Anthony, en Emily Dickinson, oan 'e Primordial Goddess. Dizze plakynstellingen jouwe meast stilisearre bylden fan froulike anatomy lykas vulvas. Dit keunstwurk makke nochal in skok mei de blatante werjefte fan froulike anatomy en de bulkiness fan alle hûnderten dielen dy't it wurk meitsje.

Sjoch ek: Hoe bergen te tekenjen - In realistyske tutorial foar berchtekening

Dit keunstwurk is bekend wurden as ien fan 'e wichtichste stikken feministyske keunst yn 'e skiednis en is permanint te sjen yn it Brooklyn Museum yn 'e Feriene Steaten fan Amearika.

Alma, Silueta en Fuego (1975) troch Ana Mendieta

Artwork Title Alma, Silueta en Fuego
Artyst Ana Mendieta
Jier 1975
Medium Fotografy, lânkeunst en lichemskeunst
Wêr't it makke is Feriene Steaten

Ana Mendieta wie in lânkeunstner en neamde harsels ek in Body-artyst dy't fotografy brûkte om har wurk te fangen. Yn it hjoeddeiske tiidrek begûnen keunstners ek digitale en fotografyske middels te brûken om har ideeën te meitsjen en wer te jaan, en it brûken fan fideo is gewoan wurden.

“Alma, Silueta en Fuego” (1975) is allinnich mar ien keunstwurk yn in searje wêryn't de keunstner har eigen silhouet brûkte, kamouflearre yn natuerlike omjouwings.

Se makke fergelikingen tusken de froulike figuer en de

John Williams

John Williams is in betûfte keunstner, skriuwer en keunstûnderwizer. Hy helle syn Bachelor of Fine Arts-graad oan it Pratt Institute yn New York City en folge letter syn Master of Fine Arts-graad oan Yale University. Al mear as in desennia hat hy keunst leard oan studinten fan alle leeftiden yn ferskate edukative ynstellings. Williams hat syn keunstwurk útstald yn galeryen oer de Feriene Steaten en hat ferskate prizen en subsydzjes krigen foar syn kreatyf wurk. Njonken syn artistike aktiviteiten skriuwt Williams ek oer keunst-relatearre ûnderwerpen en jout workshops oer keunstskiednis en teory. Hy is hertstochtlik oer it stimulearjen fan oaren om harsels te uterjen troch keunst en is fan betinken dat elkenien de kapasiteit hat foar kreativiteit.