Jasper Johns - Expression abstraite, néo-dada et artiste pop

John Williams 29-07-2023
John Williams

Les peintures du peintre expressionniste abstrait Jasper Johns sont des œuvres d'art ludiques et provocantes qui examinent les approches que nous utilisons pour voir et comprendre le monde qui nous entoure. Les œuvres de Jasper Johns ont rejeté l'art déconnecté de la vie ordinaire en faisant des marqueurs de base, tels que des cibles et des drapeaux, le point central de son art minimaliste. Des années 1950 à nos jours, les peintures de Jasper Johns ont eu un impact considérable sur la vie des gens et sur la société.sur pratiquement toutes les tendances créatives.

Biographie de Jasper Johns

Nationalité Américain
Date de naissance 15 mai 1930
Date du décès N/A
Lieu de naissance Augusta, Géorgie

Expliquant les styles contrastés des Expressionnisme abstrait Les œuvres de Jasper Johns ont effectivement jeté les bases de l'adoption du Pop Art par la société de consommation en supprimant les barrières habituelles entre les beaux-arts et la vie ordinaire.

La répartition expressive de la peinture dans les tableaux de Jasper Johns évoque la plupart des œuvres de l'expressionnisme abstrait, mais il ne les remplit pas de la complexité philosophique ou métaphysique de ses contemporains.

L'enfance

Jasper Johns est né le 15 mai 1930 à Augusta, en Géorgie, et a grandi dans les régions rurales de la Caroline du Sud avec ses grands-parents lorsque ses parents se sont séparés alors qu'il était bébé. Les œuvres d'art de sa grand-mère étaient exposées dans la maison de son grand-père, où il est resté jusqu'à l'âge de neuf ans, et ont été sa seule rencontre avec l'art pendant son enfance.

Johns a commencé à dessiner dès son plus jeune âge avec l'idée vague de devenir peintre, mais n'a commencé à étudier l'art de manière formelle qu'à l'université.

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Il a parlé de son rêve de jeunesse de devenir peintre en disant : "Je n'avais aucune idée de ce que cela signifiait. Je crois que j'ai mal interprété cela comme indiquant que je pourrais être dans une meilleure situation que celle dans laquelle je me trouvais". À l'adolescence, Johns a déménagé chez sa tante Gladys, qui lui a donné des cours particuliers, ainsi qu'à deux autres enfants, dans une salle de classe d'une seule pièce.

Johns s'est ensuite réconcilié avec sa mère et a obtenu le diplôme de major de son lycée.

Formation initiale

À partir de 1947, Johns fréquente l'université de Caroline du Sud après avoir obtenu son diplôme d'études secondaires. En 1948, il se rend à New York sur les conseils de ses tuteurs et effectue un trimestre à la Parsons School of Design. Malheureusement, la Parsons ne lui convient pas et il abandonne ses études, ce qui le rend disponible pour l'appel militaire. Il est recruté dans l'armée en 1951 et y sert pendant deux ans.années.

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En 1953, lorsque Johns retourne à New York après avoir reçu une libération honorable de l'armée, il rencontre le jeune peintre Robert Rauschenberg, qui l'introduit dans le monde de l'art. De 1954 à 1961, les deux artistes entretiennent une relation romantique et créative passionnée.

"Les deux artistes ont finalement emménagé ensemble, ont partagé des ateliers et ont été les spectateurs de l'un et de l'autre lorsque peu d'autres personnes étaient enthousiastes à l'égard de leurs œuvres.

Photographie de l'artiste américain Jasper Johns recevant la médaille de la liberté le 15 février 2011 ; Vidéographe de la Maison Blanche pour la Maison Blanche d'Obama, Public domain, via Wikimedia Commons

Ils ont profondément influencé l'art de l'autre en partageant des concepts et des approches qui s'écartaient de la tendance alors dominante de l'expressionnisme abstrait. Tous deux étaient impliqués dans l'université et rejetaient le discours psychologique et existentialiste qui entourait l'école d'art dominante de New York à l'époque. Pendant cette période, Johns a commencé à peindre ses images de drapeaux américains et ses cibles sur la toileavec de la cire encaustique, en utilisant un procédé qui mélange des lambeaux de papier journal et des restes de matériel sur papier.

Ces efforts mêlent des gestes dadaïstes à des éléments de l'art minimal et de l'art conceptuel. Selon Johns, l'inspiration pour "Flag" (1955) lui est venue un soir de 1954 alors qu'il rêvait de créer un drapeau américain géant. Le lendemain, il a transformé le rêve en réalité, et il a finalement terminé plusieurs toiles sur le même sujet.

En 1958, Rauschenberg et Johns s'envolent pour Philadelphie afin de visiter l'exposition Duchamp au Philadelphia Museum, où les readymades de l'aîné des créateurs dada les impressionnent énormément.

En 1959, Duchamp visite l'atelier de Johns, établissant un lien direct entre l'avant-garde du XXe siècle et la vague actuelle de peintres américains. La technique créative de Johns s'est développée à la suite de ces rencontres, en intégrant de nouvelles techniques dans ses propres œuvres.

Période de maturité

Bien qu'il n'ait présenté que son travail Cible verte (1955) dans une exposition collective au Musée juif en 1957, Johns a eu sa première exposition solo en 1958, lorsque Rauschenberg l'a recommandé au galeriste émergent et éminent, Leo Castelli. L'exposition solo comprenait l'œuvre fondamentale de Johns, le Drapeau (1955), ainsi que des pièces déjà vues au cours des années précédentes.

L'exposition de la galerie Castelli a séduit certains visiteurs, comme l'artiste Allan Kaprow, mais en a laissé d'autres perplexes.

Bien que les surfaces de la peinture aient les propriétés du goutte-à-goutte de la L'œuvre de Willem de Kooning et les toiles gestuelles de Jackson Pollock, l'expressionnisme émotionnel de ces œuvres faisait défaut. Malgré les doutes initiaux, la première exposition personnelle de Johns a reçu un accueil critique extrêmement favorable et l'a propulsé sous les feux de la rampe. Le directeur du Musée des sciences de l'homme de l'Université d'Ottawa a fait appel à Johns pour l'aider à se faire connaître. Art moderne a acheté trois œuvres pour l'institution, ce qui était sans précédent pour un artiste jeune et obscur.

En tant que Pop Art s'est épanouie autour de lui, Johns a abandonné ses peintures vibrantes de mouvements et de motifs reconnaissables au profit d'une palette plus sombre. Certains commentateurs attribuent son détournement des couleurs au profit des noirs, des gris et des blancs qui caractérisent nombre de ses peintures depuis le début des années 1960 à la conclusion tumultueuse de son partenariat avec Rauschenberg. Malgré le fait qu'ils n'aient pas quitté la vie commune, Johns est resté fidèle à sa vision des choses.Les ateliers de New York sont restés ouverts jusqu'en 1961, mais leur connexion s'était déjà détériorée en 1959.

La même année, Rauschenberg ouvre un atelier en Floride et, peu après, Johns ouvre un atelier sur l'île d'Edisto en Caroline du Sud.

Bien qu'ils aient passé un certain temps seuls à New York, ils se sont progressivement éloignés l'un de l'autre. La fin d'une relation aussi importante et influente a eu un effet psychologique considérable sur Johns, qui s'est enfoui dans son art. Il a déclaré en 1963 qu'il "avait l'impression d'arriver à un endroit où il n'y avait pas de place pour rester". Malgré ces réserves, il a continué à élargir le champ d'action et à brouiller les pistes.interprétations de ses peintures.

Pendant cette période, il fait partie de la Merce Cunningham Dance Company, dont il est le directeur artistique de 1967 à 1980.

Période tardive

Après l'incendie de son studio d'Edisto Island en 1968, Johns passe son temps entre St. Martin Island et Stony Point, New York ; au début des années 1970, il achète des locaux dans les deux endroits. Pendant cette période, Johns adopte le thème des hachures dans son répertoire, et cette approche domine sa production jusqu'au début des années 1980.

Tout au long des années 1980 et 1990, les œuvres de Johns adoptent un ton plus contemplatif et ajoutent davantage de matériel autoréférentiel, même si, comme Johns l'a intelligemment noté, "il y a une phase où j'ai commencé à utiliser des images de mon existence quotidienne, mais tout ce que vous utilisez provient de votre existence quotidienne", ce qui implique que ses œuvres ont toujours comporté un aspect autobiographique.

Dans les années qui suivent sa séparation avec Rauschenberg, Johns reste progressivement reclus, n'accordant presque jamais d'interviews et gardant une présence publique très modeste, tout en restant en contact étroit avec un nombre limité d'élites du monde de l'art. Johns fait à nouveau parler de lui en 2013, lorsque son aide d'atelier James Meyer est accusé d'avoir volé pour 6,5 millions de dollars de peintures dans un dossier d'œuvres incomplètes.que Johns avait interdit de vendre.

Meyer a volé 22 pièces dans le studio de Johns à Sharon, dans le Connecticut, et a tenté de les vendre par l'intermédiaire d'une galerie anonyme à New York, en disant qu'il s'agissait de cadeaux de Johns. Johns n'a fait aucune remarque sur le vol, bien qu'il ait licencié Meyer peu de temps après avoir découvert les pièces en question. œuvres d'art volées.

Les œuvres de Jasper Johns

Johns a brouillé la frontière entre les beaux-arts et la culture dominante en utilisant des matériaux mis au rebut, des coupures de journaux et même des produits de masse, ce qui a rapproché l'art contemporain de la scène de consommation américaine du milieu du siècle et a donné naissance à un grand nombre d'artistes Pop dans les années 1960.

En utilisant des thèmes quotidiens tels que les cibles et les drapeaux, Johns s'est essayé à la fois à l'abstraction et à l'art. l'art figuratif.

Les cibles et les drapeaux sont naturellement plats et, lorsqu'ils sont utilisés comme sujet de peinture technique, ils mettent l'accent sur la planéité de la vitre. Il ne confère pas à l'œuvre la même profondeur que ses prédécesseurs.

Il imite plutôt le coup de pinceau gestuel et expressif, considérant la marque de l'artiste comme un signe ou un dispositif supplémentaire qui s'ajoute à la multitude d'interprétations de ses œuvres.

Drapeau (1955)

Date d'achèvement 1955
Moyen Collage et huile sur contreplaqué
Dimensions 107 cm x 154 cm
Localisation Musée d'art moderne

En représentant une image familière et banale - le drapeau américain - la première peinture importante de Jasper Johns s'écarte de la tradition de l'expressionnisme abstrait de l'art non objectif. De plus, au lieu d'appliquer de la peinture à l'huile sur le panneau avec un pinceau, Johns a créé le drapeau à l'aide d'une surface très dynamique formée de journaux déchiquetés imbibés d'encaustique, ce qui a permis de faire apparaître des morceaux de texte.à travers la cire.

En se solidifiant, la cire liquide et colorée fixe les fragments de papier journal dans des marques esthétiquement distinctes qui rappellent les coups de pinceau expressifs de l'expressionnisme abstrait. La fascination de Johns pour la sémiotique, ou l'examen des symboles et des signes, est exprimée par les gouttelettes et les mouvements apparemment gelés.

En substance, Johns a fait référence aux coups de pinceau expressifs des Action Artists, les transformant en une métaphore de la créativité artistique plutôt qu'en une manière directe de s'exprimer. Cette expérimentation a lancé sa recherche, tout au long de sa carrière, sur "pourquoi et comment nous percevons la réalité de la manière dont nous la percevons".

Aujourd'hui encore, l'emblème du drapeau américain a une multitude d'implications et de connotations qui varient d'une personne à l'autre, ce qui en fait le sujet idéal pour le premier voyage de Johns dans l'examen graphique des "choses que l'esprit connaît déjà".

Avec ses sujets faussement banals, il a délibérément érodé les barrières entre les beaux-arts et la vie en général.

Drapeau a été peinte par Johns pendant la lutte pour les droits civiques. Certains observateurs, à l'époque comme aujourd'hui, peuvent y lire des sentiments patriotiques ou de liberté, tandis que d'autres n'y percevront que colonialisme et tyrannie. Johns a été l'un des premiers peintres à confronter les spectateurs aux dualités inhérentes à l'emblème national.

Faux départ (1959)

Date d'achèvement 1959
Moyen Huile sur toile
Dimensions 171 cm x 137 cm
Localisation Collection privée

Jasper Johns a utilisé des mots pour engager le spectateur dans une conversation avec cette peinture. Les mots "orange, rouge, jaune et bleu" sont inscrits au pochoir en de multiples endroits sur la surface de la toile parmi les zones de couleurs gestuelles. Le changement de sujet, des indicateurs non verbaux des cibles et des marqueurs à la communication elle-même, a poussé Johns à approfondir la sémiologie et la façon dont les êtres humains comprennent et décodent les signes.et des symboles.

Comme il l'indique, "les couleurs des cibles et des drapeaux sont disposées selon un certain modèle. Je voulais développer une technique pour appliquer la couleur de manière à ce qu'elle soit choisie par un autre moyen". Johns a abstrait chaque teinte et les phrases qui les décrivent en se concentrant sur elles et en éliminant les connotations habituelles qui les accompagnent.

Au lieu de peindre chaque mot à la main, Johns a utilisé un pochoir acheté en magasin - un procédé prêt à l'emploi pour créer une image sans montrer la touche de l'artiste. Pendant qu'il travaillait, il a tracé au pochoir les phrases de couleur au-dessus et au-dessous des nombreuses couches de peinture.

La plupart des mots ont été transformés en objets par Johns en les peignant dans des teintes sans rapport avec celle qu'ils représentent linguistiquement ; par exemple, "RED" apparaît en orange vif au milieu du tableau sur une surface jaune. La contradiction entre les phrases et les teintes a été découverte par Johns, transformant leur rôle d'identification en un simple agrégat de symboles prêts à être utilisés.réévaluation.

Johns utilise la méthodologie gestuelle qui consiste à appliquer des parties spécifiques de couleur à l'œuvre d'art par des mouvements aléatoires du bras au lieu d'un placement préexistant pour chaque coup de pinceau spécifique, influencé par l'intrigue de John Cage sur le rôle de la probabilité dans le processus artistique, une méthode qu'il appelle le "marquage au pinceau".dans un spectacle pyrotechnique, qui soulignait et masquait à la fois les phrases aux teintes inquiétantes dispersées dans le tableau, produisant ainsi un conflit sémiotique.

En introduisant des mots dans son vocabulaire visuel, Johns a élargi sa communication avec les spectateurs pour y inclure le rôle des signaux visibles et parlés. Ces recherches sont des précurseurs évidents de l'analyse des mots et des concepts du mouvement de l'art conceptuel de la fin des années 1960.

Bronze peint (1960)

Date d'achèvement 1960
Moyen Bronze peint
Dimensions 34 cm x 20 cm
Localisation Musée Ludwig, Cologne

Dans cette sculpture en bronze, Johns brouille la frontière entre les objets découverts et la reproduction créative. Willem de Kooning aurait ricané que le galeriste Leo Castelli pouvait vendre n'importe quoi, même deux canettes de bière, ce qui l'a incité à créer cette œuvre d'art. Johns a relevé le défi inhérent à la remarque de De Kooning, en coulant et en peignant à la main deux canettes de Ballantine Ale en bronze, qui ont été vendues par Leo Castelli à l'artiste.vendu immédiatement.

Le bronze reflétant la teinte naturelle des canettes de bière, Johns a obtenu une impression de trompe-l'œil. Néanmoins, il a légèrement atténué l'effet en laissant ses coups de pinceau apparents sur les étiquettes peintes, produisant ainsi une imperfection qui n'est perceptible que si l'on y prête une attention particulière.

Jasper Johns a créé une canette ouverte sur laquelle il a apposé l'emblème de Ballantine et le mot Florida. L'autre canette est scellée, sans étiquette et totalement inaccessible. Certains commentateurs voient dans les contrastes entre les canettes une métaphore du lien entre Johns et Rauschenberg.

La boîte ouverte représentait le célèbre et extraverti Rauschenberg, qui a commencé à investir une grande partie de son temps dans son atelier de Floride en 1959, tandis que la boîte scellée symbolisait Johns et son visage public silencieux et imperméable.

D'autres soutiennent une narration moins personnelle qui dépeint simplement la vie ordinaire, la boîte fermée faisant référence au préalable, au potentiel, et la boîte ouverte à l'après-coup, aux répercussions. De toute évidence, Johns n'a jamais indiqué sa lecture préférée, ce qui laisse place à l'interprétation. À bien des égards, la représentation par Johns d'objets produits en masse préfigure le style Pop Art.

Periscope (1962)

Date d'achèvement 1962
Moyen Huile sur toile
Dimensions 137 cm x 101 cm
Localisation Collection de l'artiste

Dans cette œuvre, Johns a incorporé certains de ses motifs et symboles antérieurs dans une palette limitée de noir, de gris et de blanc. La moitié d'un cercle est représentée dans le bord supérieur droit de l'œuvre. En 1959, Johns a commencé à utiliser une méthode consistant à coller une latte de bois sur l'œuvre, généralement une règle ou un châssis de toile, pour former un cercle dessiné au compas. Le gadget a tiré à travers la peinture, faisant une cible.Il a cependant perturbé les anneaux concentriques de la cible par une impression de sa main tendue.

L'empreinte de la main suggère que la main de l'artiste a été remplacée par un instrument mécanique. La main de l'artiste est une forme récurrente dans une série d'œuvres réalisées par Johns entre 1962 et 1963, dont "Periscope", qui est centrée sur le poète Hart Crane, dont l'œuvre a fortement influencé Johns.

Crane se serait engagé à l'âge de 32 ans, alors qu'il revenait des tropiques, en sautant d'un bateau dans le golfe du Mexique. Il a levé la main au-dessus des eaux juste avant de disparaître sous les flots.

L'empreinte de la main de Johns peut donc être considérée comme un lien visuel avec le suicide de Crane. Exécutée peu après la fin de son partenariat avec Rauschenberg, elle représente la douleur personnelle de Johns à la suite de leur séparation. Le périscope dans le nom fait également allusion à l'œuvre de Crane Cap Hatteras (En 1961, non seulement il s'installe dans un atelier près du Cap Hatteras, mais le vers poétique suit également les modifications des souvenirs avec le temps.

Après leur séparation, Johns s'est très probablement associé au concept de transition et de perte, qu'il a dépeint avec la main qui le saisit, des phrases en miroir et des coups de pinceau voyants qui imitent les vagues se brisant autour d'un homme en train de se noyer.la lutte psychologique.

Selon quoi (1964)

Date d'achèvement 1964
Moyen Huile sur toile
Dimensions 200 cm x 487 cm
Localisation Collection privée

Cette œuvre d'une taille vertigineuse a été réalisée par Johns en reliant plusieurs toiles entre elles et en ajoutant différents objets trouvés à la couche de peinture : une chaise, un moulage de membres, une autre toile étendue avec une charnière, un lettrage en métal et un portemanteau.

Il a repris des méthodes utilisées dans des œuvres antérieures, telles que le "marquage au pinceau", les désignations de couleurs au pochoir, un couvercle à charnière qui peut être scellé et des parties du corps moulées. Il a également élargi son vocabulaire visuel en insérant au centre du tableau des morceaux de pages d'actualité sérigraphiées relatant le Kremlin.

Alors que Robert Rauschenberg et Andy Warhol Utilisant la sérigraphie pour reproduire des images dans des peintures sans montrer la main de l'artiste, Johns a fébrilement coloré dans et autour des titres de l'écran, soulignant le concept de la main de l'artiste et des gadgets pour faire des répliques mécaniques.

Les nombreuses parties se combinent pour fournir des couches d'interprétations possibles, comme dans de nombreuses œuvres d'art de Jasper Johns. Alors que de nombreuses parties semblent faire allusion à un message caché, une allusion manifeste rappelle au public l'hommage de Jasper Johns à son maître, Marcel Duchamp Une image indistincte de Duchamp et son monogramme "MD" se trouvent sur le panneau à l'extrême gauche.

"J'ai tracé le profil, je l'ai suspendu à une corde et j'ai projeté son ombre, ce qui l'a déformé et lui a fait perdre sa forme carrée. J'ai délibérément modifié l'œuvre de Duchamp afin de créer une sorte de parodie de son travail".

"Comme d'habitude, il invite le public à participer à l'élaboration du sens en exposant diverses pièces sans indiquer clairement leurs relations.

Cadavre et miroir II (1974)

Date d'achèvement 1974
Moyen Pétrole et sable
Dimensions 146 cm x 191 cm
Localisation Institut d'art de Chicago

En 1972, Johns découvre un nouveau thème, la hachure, qu'il poursuivra au cours de la décennie suivante. Les artistes utilisent traditionnellement la hachure, un assortiment de lignes, pour produire des gradations d'ombre dans le dessin et la gravure ; les lignes plus serrées créent des ombres plus profondes, tandis que les lignes plus espacées créent des ombres plus légères.

Dans le style fantaisiste qui le caractérise, Johns a abstrait et répété le thème sur la toile dans des teintes vives pour créer un tableau abstrait et palpitant.

"Je l'ai remarqué pendant une seconde, mais j'ai tout de suite su que j'avais l'intention de l'utiliser", a déclaré M. Johns en voyant le motif sur une voiture qui passait. Il présente toutes les caractéristiques qui suscitent mon intérêt : littéralité, répétition, aspect intense, ordre et absurdité, et le danger d'une absence totale de sens".

Bien que le motif soit "stupide" et dépourvu de signification, le titre de Johns Cadavre et miroir I J'ai l'impression qu'il y a quelque chose d'autre à l'œuvre. Surréaliste L'activité Cadavre exquis, un jeu collaboratif formé par des actions créatives séquentielles, et l'œuvre iconique et mystérieuse de Marcel Duchamp.

La généalogie et les intérêts esthétiques de Johns sont doucement suggérés par des liens avec le surréalisme et le dadaïsme.

Alors que les lignes des tableaux sont quelque peu picturales, leur répétitivité implique une froideur ou une technicité dénuée de sentiments, le titre, avec ses références à la mort et à la perception, implique quelque chose de plus gris et de plus intellectuel, générant une tension entre la structure et le sujet que Johns ne cesse d'exploiter.

Caténaire (1999)

Date d'achèvement 1999
Moyen Encaustique sur toile
Dimensions 64 cm x 85 cm
Localisation Collection de l'artiste

Après une nouvelle rétrospective au milieu des années 1990, Johns commence une série de caténaires - des courbes générées par une longueur de fil ou de chaîne se balançant librement entre deux points fixes. Dans Catenary, un fil de ménage est suspendu entre deux pièces de bois en porte-à-faux de part et d'autre de la toile. Des ombres sont produites sur le riche fond gris foncé à la fois par le fil et les bandes de bois.

En passant à l'encaustique, la surface monochrome de Johns préserve les traits expressifs de la distribution, produisant un épais palimpseste de traces, provocant et opaque.

La courbe de base rappelle les ponts et les liens qu'ils créent, mais elle évoque aussi des formes naturelles, comme les creux et les courbes du corps humain. Certains commentateurs ont vu dans la réaction de la corde à la gravité une métaphore de l'évolution de la vie, ou des interconnexions et des restrictions qui viennent avec l'âge. Mis à part le jouet en bois, la corde a été conçue pour être utilisée dans des situations d'urgence,

L'échelle de Jacob fait référence au récit biblique dans lequel Jacob a rêvé d'une échelle reliant le ciel et la terre. Les allusions abondent dans l'ensemble de l'œuvre, comme c'est typiquement le cas dans l'œuvre de Johns, mais elles tournent toutes autour des concepts de connectivité. Le peintre a tracé au pochoir une série de lettres sans espace entre elles au bas du tableau, dans le même gris que la toile de fond, et l'on peut deviner le nom.et l'année de l'œuvre, mais seulement au prix d'un effort.

Dans cette décision de composition délicate, mais amusante, Johns revient sur des questions qui le préoccupent depuis des décennies : la complexité de la signification et de l'interprétation, la confusion des figures et du sol, l'abstraction et la représentation, et l'intention de faire participer le spectateur au-delà d'un regard passif.

L'héritage de Jasper Johns

En tant que membre du mouvement Néo-Dada, Johns a franchi le fossé stylistique entre le Pop Art et l'Expressionnisme abstrait à la fin des années 1950, continuant à élargir ses thèmes, ses matériaux et ses techniques jusqu'à aujourd'hui.

Des peintres pop comme James Rosenquist et Andy Warhol ont profité du passage pionnier de Johns dans la sphère de la culture, en présentant des objets quotidiens et des produits de masse comme des sujets appropriés pour le grand art.

Johns a jeté les bases de la Art conceptuel dans les années 1960 avec ses recherches sur les significations changeantes des images et du symbolisme. Le travail créatif en expansion de Johns a contribué à l'émergence de tendances et d'organisations telles que le Body Art, et le Art de la performance Alors que les peintres pop ont immédiatement absorbé l'image du monde extérieur de Johns, le style de bricolage du postmodernisme est l'héritier de son souci d'appropriation, d'interprétations multiples et de jeu sémiotique.

Enfin, Johns et ses pairs du Néo-Dada ont transformé l'avant-garde américaine, annonçant l'expérimentation et l'implication du public qui allaient définir l'art dans la seconde moitié du XXe siècle.

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Questions fréquemment posées

Qui était Jasper Johns ?

Jasper Johns est largement considéré comme l'un des peintres les plus importants du XXe siècle, et il est resté essentiel pour l'art américain. Johns, avec son partenaire de l'époque, Robert Rauschenberg, a contribué à établir une nouvelle direction définitive dans le monde de l'art, qui a été surnommée Néo-Dada à l'époque. L'utilisation remarquable par Johns de l'iconographie commune, comme il l'a formulé, des choses que l'esprit connaît déjà(drapeaux, chiffres, cartes), a rendu le familier inhabituel et a eu une influence massive sur le monde de l'art, devenant une pierre de touche pour le Pop, le minimalisme et l'art conceptuel.

Quel genre d'art Jasper Johns a-t-il produit ?

Au milieu des années 1950, Jasper Johns a fait sa grande percée en tant que peintre lorsqu'il a commencé à intégrer des motifs célèbres et populaires dans ses tableaux, une démarche explosive à une époque où l'on pensait que la peinture progressiste était uniquement abstraite. Les surfaces luxuriantes et picturales des tableaux de Johns datant du milieu du siècle dernier ressemblent à celles de l'expressionnisme abstrait, mais Johns les a réalisées à l'aide de procédures laborieuses et intensives.Tout au long de ses 60 ans de carrière, Johns a expérimenté une variété de médiums et de techniques, ce qui lui a permis d'étudier l'interaction entre les matériaux, la signification et la représentation dans l'art.

John Williams

John Williams est un artiste, écrivain et professeur d'art chevronné. Il a obtenu son baccalauréat en beaux-arts du Pratt Institute de New York et a ensuite poursuivi sa maîtrise en beaux-arts à l'Université de Yale. Pendant plus d'une décennie, il a enseigné l'art à des étudiants de tous âges dans divers contextes éducatifs. Williams a exposé ses œuvres dans des galeries à travers les États-Unis et a reçu plusieurs prix et subventions pour son travail créatif. En plus de ses activités artistiques, Williams écrit également sur des sujets liés à l'art et enseigne des ateliers sur l'histoire et la théorie de l'art. Il est passionné d'encourager les autres à s'exprimer à travers l'art et croit que tout le monde a la capacité de créativité.