Vanitas - muistutus ihmisen kuolevaisuudesta Vanitas-maalausten kautta

John Williams 30-09-2023
John Williams

V anitas oli 1500- ja 1600-luvuilla alkanut taidemuoto, joka oli olemassa symbolisena taideteostyyppinä, joka osoitti elämän ja nautintojen ajallisuutta ja turhuutta. Tunnetuin Vanitas-aiheesta syntynyt tyylilaji oli asetelma, joka oli uskomattoman suosittu Pohjois-Euroopassa ja Alankomaissa. Vanitas-taideteokset syntyivät aikana, jolloin uskonnollinenjännitteitä Euroopassa, kun se nousi protestanttisen itsetutkiskelun tehtävän puolustajaksi.

Mikä on Vanitas?

Vanitas on peräisin Alankomaista 1500- ja 1600-luvuilla, ja siitä tuli hyvin laajalle levinnyt taideteos. Hollantilainen mestarimaalaus Vanitas-taiteenlajissa käytettiin asetelmaelämän muotoa, jotta tuotetuissa taideteoksissa voitaisiin tuoda esiin elämän katoavaisuus ja elämisen turhamaisuus.

Tuohon aikaan Euroopassa vallitsi suuri kaupallinen rikkaus ja säännölliset sotilaalliset konfliktit, jotka tarjosivat maalareille mielenkiintoisia aiheita ja ajatuksia pohdittavaksi. Taiteilijat alkoivat ilmaista kiinnostustaan elämän lyhyyttä, maallisten nautintojen merkityksettömyyttä sekä vallan ja kunnian turhaa etsintää kohtaan. Nämä teemat ylikorostuivat sitten maalauksissa, joita tehtiin ja jotkapidettiin olennaisina ominaisuuksina myöhemmissä Vanitas-taideteoksissa.

Vanitas-teeman suosion kasvaessa kukoisti hyvin synkkä asetelmamaalauksen muoto, sillä teosten tarkoituksena oli muistuttaa katsojia heidän omasta lähestyvästä kuolevaisuudestaan. Vanitas-taiteilijat omistautuivat viestimään varakkaalle yleisölle, etteivät esimerkiksi nautinnot, rikkaus, kauneus ja auktoriteetti ole loputtomia ominaisuuksia.

Kaikki on turhuutta (1892), jossa elämä, kuolema ja olemassaolon merkitys kietoutuvat toisiinsa. Kuvassa on nainen katsomassa budoaaripeiliin, joka muodostaa pääkallon muodon; Charles Allan Gilbert, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Katso myös: Kasvitieteellinen kuvitustaide - tarkkoja visuaalisia kuvauksia kasveista

Tämä jyrkkä muistutus katoavaisuudesta näkyi eri Vanitas-maalauksissa tiettyjen esineiden sisällyttämisellä. Näissä maalauksissa arkipäiväistyivät maalliset esineet, kuten kirjat ja viini, jotka oli sijoitettu merkityksellisten symbolien, kuten pääkallojen, kuihtuvien kukkien ja tiimalasien, viereen. Kaikki nämä esineet välittivät maalauksissa ajan kulumisen teemaa, jokakorosti entisestään kuolevaisuuden alati läsnä olevaa todellisuutta.

Koska Vanitas-maalausten tavoitteena oli osoittaa sekä maallisten pyrkimysten turhuutta että kuoleman varmuutta, maalaustyylejä oli kahdenlaisia. Ensimmäiseen luokkaan kuuluivat maalaukset, joissa keskityttiin kuolemaan sisällyttämällä niihin esineitä, kuten pääkalloja, kynttilöitä, loppuun palaneita lamppuja ja kuihtuneita kukkia. Toiseen luokkaan kuuluivat maalaukset, joissa pyrittiin vihjaamaan kuoleman vääjäämättömyydestä ja symbolisoimaan kuolemaa.maallisten nautintojen katoavaisuus rahan, kirjojen ja korujen kaltaisten esineiden avulla.

Toinen tärkeä symboli, jota käytettiin molemmissa luokissa, oli tiimalasit, avoimet taskukellot ja kellot, jotka viittasivat ajan kulumiseen. Nämä esineet pyysivät katsojia ymmärtämään, että aika on kallisarvoinen voimavara, ja nuhtelivat hienovaraisesti niitä, jotka näyttivät tuhlaavan aikaansa.

Niinpä monissa Vanitas-maalauksissa yhdistettiin molemmat kategoriat ja luotiin taideteoksia, jotka olivat sekä kuoleman että katoavaisuuden symboleja.

Ritarin unelma (n. 1650), Antonio de Pereda, jossa 1600-luvun herrasmies, pukeutuneena ajan vaatteisiin, istuu unessa, kun enkeli näyttää hänelle nautintojen, rikkauksien, kunnian ja loiston katoavaisuuden; Antonio de Pereda, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Ensi silmäyksellä Vanitas-maalaukset ovat uskomattoman silmiinpistäviä, sillä niiden sommitelmat ovat hyvin kaoottisia ja järjestäytymättömiä. Kangas on tyypillisesti täynnä esineitä, jotka vaikuttavat aluksi sattumanvaraisilta, mutta lähempää tarkasteltaessa esineiden tyypissä ja läheisyydessä on paljon symboliikkaa ja ne ovat olemassa tyylillisenä valintana.

Vaikka Vanitas-maalaukset sisältävätkin asetelman elementtejä, ne eroavat suuresti toisistaan, koska ne ovat hyvin symbolisia. Taiteilijat eivät luoneet maalauksia yrittäessään esitellä erilaisia esineitä tai osoittaakseen taiteellista taitoaan, sillä molemmat piirteet tulivat ilmi, mitä enemmän maalausta tarkasteltiin ja tarkkailtiin.

Tänä aikana syntyneet maalaukset olivat olemassa symbolisena kuvauksena maailman epävarmuudesta ja korostivat ajatusta, että mikään ei voi mitenkään kestää rappiota ja kuolemaa vastaan. Vanitas-taideteoksissa oli siis vakava viesti, sillä niiden tavoitteena oli julistaa katsojille lajityypin ajatuksia ja ideoita.

Sen lisäksi, että Vanitas on ollut suosittu koko aikansa ajan, se on edelleen vaikuttanut joihinkin taideteoksiin, joita nykyään nähdään postmodernissa taideyhteiskunnassa. Tunnettuja taiteilijoita, jotka ovat kokeilleet Vanitas-tyyliä, ovat muun muassa seuraavat Andy Warhol ja Damien Hirst, jotka käyttivät pääkalloja teoksissaan.

Samoin kuin nykypäivän Vanitas-taideteosten nykyaikaisissa kuvauksissa, lajityypin viesti on edelleen sama: Tämä on ainoa elämä, joka meille annetaan, joten älä anna sen mennä ohi, ennen kuin pystyt nauttimaan siitä täysin siemauksin.

Vanitas-taiteen määritelmän ymmärtäminen

Määritelmää etsiessämme meidän on ensin ymmärrettävä termin etymologia. Sana vanitas on latinalaista alkuperää, ja sen sanottiin tarkoittavan "turhuutta", "tyhjyyttä" ja "arvottomuutta". Lisäksi "vanitas" liittyi läheisesti latinankieliseen sanontaan "vanitas". memento mori Tämän sanonnan sanottiin olevan olemassa taiteellisena tai allegorisena muistutuksena kuoleman varmuudesta, mikä oikeutti pääkallojen, kuolevien kukkien ja tiimalasien sisällyttämisen luotuihin Vanitas-maalauksiin.

Näin ollen Vanitas-taiteen asianmukainen määritelmä kattaisi taideteokset, jotka puhuvat kuolevaisuuden väistämättömyydestä ja maallisen nautinnon hyödyttömyydestä. Tämä tapahtui pääasiassa sisällyttämällä teoksiin erilaisia symbolisia esineitä, jotka oli suunniteltu muistuttamaan katsojia näistä ajatuksista.

Vanitas muistuttaa meitä turhuuksista

Termi vanitas Vanitas-maalausten ajatuksena pidettiin turhamaisuutta, sillä ne luotiin muistuttamaan ihmisiä siitä, että heidän kauneutensa ja aineellinen omaisuutensa eivät sulje heitä pois heidän väistämättömästä kuolevaisuudestaan.

Termi on alun perin peräisin Raamatusta Saarnaaja 1:2, 12:8 alkusanoissa, jotka kuuluvat: "Turhuuksien turhuus, sanoo saarnaaja, turhuuksien turhuus, kaikki on turhuutta." Kuningas Jaakon kirjassa heprean sana hevel käännettiin virheellisesti tarkoittamaan "turhuuksien turhuutta", vaikka se itse asiassa tarkoittaa "turhaa", "hyödytöntä" ja "merkityksetöntä". Tästä virheestä huolimatta, hevel viittaa myös katoavaisuuden käsitteeseen, joka oli tärkeä ajatus Vanitas-maalauksissa.

Kallo kapealla alueella (n. 1500-luvun alkupuolisko) Barthel Bruyn vanhempi, jossa näemme anatomisesti oikean kallon sijoitettuna kivinurkkaan. Lehden voi kääntää lukemaan: "Ilman kilpeä, joka pelastaisi sinut kuolemalta, elä kunnes kuolet"; Barthel Bruyn vanhempi, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Vanitaksen ja uskonnon suhde

Vanitas-maalauksia ei pidetty vain pelkkänä taideteoksena, vaan ne sisälsivät myös merkittäviä moraalisia viestejä, joiden vuoksi niitä pidettiin eräänlaisena uskonnollisena muistutuksena. Maalaukset oli suunniteltu ensisijaisesti muistuttamaan niitä katsovia elämän ja sen nautintojen vähäpätöisyydestä, sillä mikään ei kestänyt kuoleman tuomaa pysyvyyttä.

Aiheensa vuoksi on kyseenalaista, olisiko Vanitas-taideteos ollut yhtä suosittu ilman vastareformaatiota ja kalvinismia, jotka nostivat sen valokeilaan. Molemmat liikkeet, katolinen ja protestanttinen, syntyivät samaan aikaan, kun Vanitas-maalauksen suosio alkoi kasvaa.

Nykyään kriitikot pitävät näiden liikkeiden tuloa lisävaroituksina elämän turhuuksista, sillä ne korostivat omaisuuden vähentämistä ja voittokulkuja, jotka korostivat entisestään sitä, mitä Vanitas-genre edusti.

Protestantismin vaikutus

1500-luvulla tapahtunut protestanttinen uskonpuhdistus aiheutti huomattavan muutoksen uskonnollisessa ajattelussa koko Euroopassa. Maanosa alkoi jakautua katolilaisuuteen ja protestantismiin, mikä toi paljon epävarmuutta moniin uskonnollisiin kysymyksiin. Tämä johti siihen, että katolilaiset kannattivat pyhien kuvien hävittämistä, kun taas protestantit uskoivat, että nämä kuvat voivat ollahyödyllistä Jumalan ja muiden pyhien aiheiden yksilölliselle pohdinnalle.

Alankomaiden tasavalta, joka oli vapautumassa katolisista espanjalaisista hallitsijoistaan, muuttui ylpeäksi protestanttiseksi valtioksi 1600-luvun alkuun mennessä. Protestantismiin liittyvä individualistinen harkintakyky auttoi hollantilaisia taiteilijoita suuntautumaan vanitas-taiteen lajityyppiin, sillä he halusivat ilmaista uskonnollisia tunteitaan sopivalla taidemuodolla.

Vanitas-genre rakentui siis protestanttiselle etiikalle, mikä näkyi maalauksissa esiin tulleissa ajatuksissa ja teemoissa. Vanitas muistutti yksilöitä siitä, että maallisten asioiden houkuttelevuudesta huolimatta ne olivat katoavia ja riittämättömiä suhteessa Jumalaan. Näin ollen nämä maalaukset korostivat katsojien kohtaamaa väistämätöntä kuolevaisuutta ja yrittivät muistuttaa katsojia toimimaanJumalan mukaisesti.

Exitus Acta Probat Cornelis Galle nuoremman teos "Tulos oikeuttaa teon" (n. 1627-1678), joka kuvaa kuoleman allegorian. Alla on seuraava kaiverrus: "Kuolema on oikeassa". Quid terra cinisque superbis Hora fugit, marcescit Honor, Mors imminet atra. Kääntäen tämä tarkoittaa: "Mistä tuhkat ovat ylpeitä? Aika lentää, kyseenalainen kunnia, kuolema ja musta."; Cornelis Galle the Younger, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Vanitas ja realismi

Vanitas-taide oli uskomattoman realistista, sillä se perustui vahvasti maallisiin käsitteisiin, jotka poikkesivat suuresti katolisen taiteen mystisestä tekniikasta. Tämän vuoksi tämä Vanitas-taiteen laji oli tärkeä ohjaamaan katsojan mielen kohti taivasta kuvaamalla esineitä, jotka olivat olemassa maan päällä.

Realismia on havaittavissa myös Vanitas-maalauksissa, sillä ne olivat poikkeuksellisen monimutkaisia ja tarkkoja. Taideteosten lähempi tarkastelu paljasti taiteilijoiden kohonneen taidon ja omistautumisen, sillä he korostivat katsojan elämän kohteita yrittäessään tehdä maalauksesta mahdollisimman merkityksellisen ja sovellettavan.

Realistisen tyylin avulla Vanitas-taiteilija pystyi eristämään ja sitten korostamaan teosten pääviestiä, joka keskittyi arkisten asioiden turhamaisuuteen. Realismi näissä teoksissa auttoi katsojia ymmärtämään ja järjestämään ajatuksiaan elämän ohikiitävistä puolista, mikä oli suuri vastakohta varsinaisen maalauksen epäjärjestykselle.

Vanitas ja asetelma

Yksi Vanitas-genren tärkeimmistä piirteistä oli se, että sitä pidettiin alagenrenä asetelmamaalaus Tyypilliset asetelmamaalaukset koostuivat elottomista ja tavallisista esineistä, kuten kukista, elintarvikkeista ja maljakoista, ja teoksen huomio kiinnittyi pelkästään näihin esineisiin.

Vanitas- asetelmamaalauksessa käytettiin kuitenkin näitä perinteisesti asetelmissa esiintyviä esineitä korostamaan täysin erilaista ajatusta.

Vanitas-asetelman sanottiin opettavan katsojille tärkeän ja moraalisen opetuksen, kun taiteilijat asettivat tavalliset turhuudet vastakkain yksilön mahdollisen kuoleman kanssa. Näin pyrittiin aluksi vetoamaan katsojiin, ennen kuin heidät saatiin nöyrtymään siihen, miten he kohtelevat muita ja maailmaa, kun he olivat täysin pohtineet ja ymmärtäneet teoksen.

Nature morte de chasse ou Attirail d'oiseleur ("Metsästysstillelu" tai "Still Life of Fowling Equipment", ennen vuotta 1675), Cornelis Norbertus Gysbrechts; Cornelis Norbertus Gijsbrechts, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Vanitas-taideteoksen ominaisuudet

Luoduissa Vanitas-maalauksissa ilmeni tiettyjä piirteitä, jotka mahdollistivat sen sisällyttämisen lajityyppiin. Nämä piirteet keskittyivät aiheisiin ja motiiveihin, joita tutkittiin kussakin teoksessa ja joita käsitellään jäljempänä.

Teemat

Vanitas-maalauksissa esiintyvillä teemoilla oli paljon yhteistä keskiaikaisten vainajien muistotilaisuuksien kanssa. Ennen tätä maalaustaiteen lajityyppiä tämä pakkomielle kuolemaan ja rappioon vaikutti sairaalloiselta. Kuitenkin sen jälkeen, kun päällekkäisyys latinankielisen lauseen memento mori , näistä aiheista maalauksissa tuli hitaasti epäsuorempia ja siten hyväksyttävämpiä.

Asetelman tyylilajin suosion kasvaessa myös Vanitas-tyyli nousi. Vaikka sen aiheet olivat edelleen katsojille järkyttäviä ja synkkiä, ne alkoivat olla helpommin ymmärrettävissä, sillä niiden avulla muistutettiin vain elämän ja nautintojen väliaikaisuudesta sekä kuoleman tosiasiallisesta varmuudesta.

Vanitas-taiteen tyyli esitti keskeisten periaatteidensa lisäksi moraalisen perustelun sille, että kauniita esineitä maalattiin makaabereissa ympäristöissä, sillä viesti, joka maalauksilla pyrittiin välittämään, oli paljon tärkeämpi kuin itse esineet.

Kukkia ja pieniä olentoja - Vanitas (1700-luvun jälkipuolisko), jossa Abraham Mignon, jossa ainoa linnun luuranko on hädin tuskin näkyvissä elävän ja vaarallisen luonnon (käärmeet, myrkylliset sienet) keskellä, symboloi turhamaisuutta ja elämän lyhyttä kestoa; Abraham Mignon, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Motiivit

Vanitas-maalauksen lajityypille on olemassa useita perustavanlaatuisia motiiveja. Maalauksen maantieteellisestä sijainnista riippuen taiteilijat painottivat useita erilaisia motiiveja, sillä eri alueilla suosittiin erilaisia motiiveja.

Vanitas-maalauksissa esiintyi lukuisia symboleja, ja jokaisessa luokassa käytettiin samantyyppisiä motiiveja. Rikkauden kuvaamiseen käytettiin muun muassa kultaa, kukkaroita ja koruja, kun taas tiedon kuvaamiseen käytettiin kirjoja, karttoja ja kyniä.

Nautinnon kuvaamiseen käytetyt motiivit olivat ruokaa, viinikuppeja ja kankaita, ja kuoleman ja rappion symboleina käytettiin tyypillisesti pääkalloja, kynttilöitä, savua, kukkia, kelloja ja tiimalaseja.

Symboliikka Vanitas-maalauksissa

Tärkein symboli, joka oli aina läsnä lukuisissa Vanitas-maalauksissa, oli tietoisuus ihmisen kuolevaisuudesta. Riippumatta siitä, mitä muita esineitä maalauksiin sisällytettiin, viittaus kuolevaisuuteen tehtiin aina selväksi. Useimmiten tämä kuvattiin pääkallon avulla, mutta myös muilla esineillä, kuten kuihtuvilla kukilla, palavilla kynttilöillä ja saippuakuplilla, saavutettiin sama vaikutus.

Vanitas asetelma, jossa on pääkallo, nuotteja, viulu, maapallo, kynttilä, tiimalasi ja pelikortteja, kaikki verhotulla pöydällä. (1662) kirjoittanut Cornelis Norbertus Gijsbrechts; Cornelis Norbertus Gijsbrechts, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Myös ajan käsitteeseen liittyviä symboleja otettiin mukaan, ja niitä kuvattiin tyypillisesti kellon tai tiimalasin avulla. Vaikka mätänevät kukat saattavat puhua kuolemasta, ne viittaavat myös ajan kulumiseen, joten niitä voidaan käyttää molempiin käsitteisiin. Kuoleman lisäksi Vanitas-maalaukset herättävät kuitenkin ehkä eniten käsitteitä, jotka ovat karu totuus.

Tehtyjen Vanitas-taideteosten asetelmissa tutkittiin arkipäiväisten harrastustemme toivottomuutta kuolevaisen olemassaolomme edessä.

Kuuluisat Vanitas-taiteilijat ja heidän teoksensa

Vanitas-maalaukset olivat aluksi asetelmia, jotka maalattiin muotokuvien taakse suorana ja selkeänä varoituksena kuvattavalle elämän katoavaisuudesta ja kuoleman vääjäämättömyydestä. Lopulta näistä varoituksista kehittyi oma genrensä ja niistä tuli merkittäviä taideteoksia.

Liikkeen alussa taideteokset näyttivät hyvin synkiltä ja synkiltä. Liikkeen suosion kasvaessa taideteokset alkoivat kuitenkin hieman vaalentua kauden loppua kohden. Alankomaalaisen taiteen tunnusomaisena taiteellisena tyylisuuntana pidetty useat taiteilijat tulivat tunnetuiksi Vanitas-teoksistaan. Alla olevassa luettelossa tarkastelemme joitakin tunnetuimpia ja vaikutusvaltaisimpia taideteoksia.Vanitas-kaudelta.

Hans Holbein nuorempi: Suurlähettiläät (1533)

Maalasi saksalainen Hans Holbein nuorempi, Suurlähettiläät Tässä teoksessa Holbein kuvaa Ranskan Englannin suurlähettilästä ja Lavaurin piispaa, jotka nojaavat Vanitas-symboleilla koristeltuun hyllyyn.

Suurlähettiläät (1533), Hans Holbein nuorempi; Hans Holbein, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Näihin esineisiin kuuluvat aurinkokello, maapallo, kirjoja ja soittimia. Kun näitä esineitä tarkastellaan suhteessa näihin kahteen mieheen, selviää, että he ovat koulutettuja, matkustaneet ja myöhemmin altistuneet maailman ihanuudelle.

Näiden esineiden ajatellaan symboloivan heidän hallussaan olevaa tietoa, jota pidettiin ohimenevänä verrattuna pysyvään tietoon siitä, että kuolema oli vielä tulossa.

Huomattavin Vanitas-symboli tässä maalauksessa on etualalle sijoitettu pääkallo. Tämä pääkallo on kuitenkin vääristynyt, mikä tarkoittaa, että sen voi nähdä tarkasti vain yhdestä tietystä näkökulmasta. Tämä vääristymä luo suuren mysteerin kuoleman ajatuksen ympärille tässä taideteoksessa, koska sen voi nähdä useasta eri näkökulmasta. Kun pääkalloa pystyy katsomaan kunnolla, se on olemassa kuinmuistutus kuolevaisuudesta ja lähestyvästä kuolemasta, mutta kun sitä tarkastellaan toisesta näkökulmasta, katsojat jättivät sen usein huomiotta ja olivat hämmentyneitä siitä, mikä se oli.

Pieter Claesz: Vanitas asetelma viulun ja lasipallon kanssa (c. 1628)

Yksi Alankomaiden kultakauden suurimmista taidemaalareista oli Pieter Claesz, joka maalasi Vanitas Asetelma viulun ja lasipallon kanssa. Tämä teos osoittaa Claeszin taiteellista mestaruutta useiden Vanitas-aiheiden kuvaamisessa.

Katso myös: Giotto di Bondonen "Kristuksen valitus" - Analyysi

Vanitas-Stillleben mit Selbstbildnis (Pieter Claeszin "Vanitas-tyynielämä, jossa viulu ja lasipallo", n. 1628; Pieter Claesz, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Tässä taideteoksessa katsojan silmää ohjaa eri yksityiskohtiin kuvattu myöhempi valo. Täysin tyhjä kaatunut lasi heijastaa ikkunaa, ja se näkyy myös maalauksen vastakkaisella puolella olevan lasipallon heijastuksena. Sen ajateltiin symboloivan maallisten nautintojen lyhytaikaisuutta, jota korostettiin vielä sisällyttämällä siihensammunut kynttilä, kello ja kallo.

Vaikka jokainen esine oli aluksi sattumanvarainen, se valittiin tähän kokoelmaan huolellisesti, sillä ne olivat olemassa latinankielisen lauseen edustajina. memento mori muistuttaakseen katsojia kuolemasta. Claesz oli tunnettu rajoitetuista väreistä, joita hän käytti Vanitas-asetelmissaan, eikä tämä maalaus ole poikkeus. Koko maalauksen koko maalaus koostuu ruskeasta ja vihreitä sävyjä lukuun ottamatta sinistä nauhaa, joka lisää teoksen synkkää ja synkkää tunnelmaa.

Antonio de Pereda: Turhamaisuuden allegoria (1632 - 1636)

Hyvin vähän tiedetään Espanjalainen taiteilija Antonio de Pereda, joka maalasi yhden tunnetuimmista Vanitas-aiheisista asetelmista. Tämä teos, jonka nimi on nimeltään Turhamaisuuden allegoria , viittaa tyylikkäästi turhaan vallan tavoitteluun, kuten hienojen tavaroiden ympäröimä enkeli osoittaa. Hänen vieressään on rahaa ja hienoja koruja, mutta enkeli ei tunnu välittävän tästä rikkaudesta. On kuin hän ymmärtäisi maalauksen piilomerkityksen, jonka maalaus yrittää välittää, ennen kuin katsoja ehtii tajuta sitä.

Turhamaisuuden allegoria (1632-1636), jonka on laatinut Antonio de Pereda; Antonio de Pereda, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Vaikka tiimalasi, kynttilänjalka ja pääkallo kuvaavat kuoleman väistämättömyyttä, tämä maalaus ei välitä katsojalle suoraan sairauden ja epätoivon teemoja. Tämä johtuu mahdollisesti siitä, että enkeli näyttää olevan tietoinen katoavaisuudestaan luonnollisessa maailmassa, sillä hän tietää, että hänen läsnäolonsa on ikuinen tuonpuoleisessa.

Vallan hyödyttömyyttä kuvaa jälleen enkeli, jolla on kädessään Espanjan kuningasta esittävä cameo, joka osoittaa maapalloa. Tämän liikkeen sanottiin viittaavan ihmisten pyrkimysten, kuten "hajota ja hallitse" -strategian, hyödyttömyyteen, ja sen tarkoituksena oli varoittaa yksilöitä kaikkien heidän toimiensa toivottomuudesta, jotta he voisivat lopettaa ne.

Jan Miense Molenaer: Turhamaisuuden allegoria (1633)

Turhamaisuuden allegoria, Jan Miense Molenaerin maalaama teos, jonka sanotaan olevan erinomainen esimerkki Vanitas-taiteesta. Teos kuvaa kolmea henkilöä, joiden ajatellaan olevan nainen, hänen poikansa ja palvelijansa. Maalauksessa on useita symboleja, jotka viittaavat ylellisyyden, tuhlailun ja tyytyväisyyden teemoihin. Näitä ajatuksia kuvaavat soittimet, sormus naisen sormessa, seinällä roikkuva karttatausta sekä äidin ja pojan vaatteet.

Turhamaisuuden allegoria (1633) Jan Miense Molenaer; Jan Miense Molenaer, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Kaikesta tästä yltäkylläisyydestä huolimatta naisen ja hänen poikansa välisestä suhteesta välittyy tunne turhuudesta ja merkityksettömyydestä. Nainen istuu ja tuijottaa vakavana kaukaisuuteen, kun hänen poikansa yrittää vangita hänen huomionsa. Samalla hän näyttää pitelevän sormusta ja peiliä, jotka ovat hänen turhamaisuutensa symboleja.

Vaikuttaa siltä, että vaikka poika kuinka yritti kiinnittää äitinsä huomion, hän ei voi pelastaa tätä hänen elämänsä merkityksettömyyden orjuudesta. Elämän merkityksettömyyttä korostaa entisestään kallo, jonka varassa äiti lepuuttaa jalkojaan, sillä se otettiin mukaan muistutukseksi tulevasta kuolemasta ja rappeutumisesta.

Willem Claesz: Asetelma ostereita (1635)

Hollantilainen taidemaalari Willem Claesz tunnettiin innovatiivisuudestaan asetelmissa, joita hän maalasi yksinomaan koko uransa ajan. Asetelma ostereita , tehdään epätavallinen otos Vanitas-maalauksista. Syynä tähän on se, että siihen ei sisälly näennäisen ilmeisiä Vanitas-symboleja ja -esineitä. Sen sijaan Claesz kuvasi yksinkertaisesti rikkauden esineitä, kuten ostereita, viiniä ja hopeista tazza.

Asetelma, jossa on ostereita, hopeinen tazza ja lasiesineitä (1635) Willem Claesz; Willem Claesz. Heda, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Vaikka nämä esineet ovat tunnettuja rikkaudestaan, ne näyttävät olevan täysin sekaisin, sillä astiat on kaadettu ja ruoka on jätetty ennenaikaisesti. Hienovarainen Vanitas-motiivi on edustettuna kuoritun sitruunan sisällyttämisellä, joka paljastaa sen sisältämän katkeruuden, ja sen sanotaan olevan symbolinen kuvaus ihmisen ahneudesta. Tämän lisäksi osterit näyttävät tyhjiltä sekä ruoasta että ruoasta.ja elämää, ja kääritty paperinpala on otettu kalenterista. Molempien esineiden sanotaan kuvaavan ajan kulumista.

Claeszin tässä maalauksessa valitsema väripaletti on sekä tumma että rajoittava, mikä oli yleinen valinta suurimmassa osassa tämän ajan Vanitas-maalauksia. Nämä värit valittiin pääasiassa niiden pohdiskelevien ominaisuuksien ja synkän tunnelman luomiseksi. Ainoa valonlähde, joka on otettu mukaan, tehtiin muistuttamaan katsojia heidän omasta lähestyvästä kuolemastaan.

Judith Leyster: Viimeinen pisara (The Gay Cavalier) (1639)

Viimeinen pisara, Judith Leysterin maalaama teos tarjoaa ainutlaatuisen esimerkin tuon ajan Vanitas-maalauksista. Kaksi miestä, jotka teoksen otsikon perusteella mielletään homoiksi, kuvataan antautumassa nautinnoilleen juomisen ja tanssimisen avulla.

Viimeinen pisara (The Gay Cavalier) (1639), kirjoittanut Judith Leyster; Philadelphia Museum of Art, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Näiden miesten takana taustalla näkyy luuranko, joka kiinnittää katsojan huomion. Luuranko pitää käsissään tiimalasia ja kalloa, mikä luo hyvin makaaberin tunnelman. Tästä luurangon sävystä huolimatta luuranko ja sen käsissä olevat esineet herättävät ajatuksia katoavaisuudesta ja kuoleman väistämättömyydestä.

Hahmojen ilo vastakohtana luurangon kauheudelle antaa katsojalle vahvan Vanitas-viestin. Viesti periaatteessa kehottaa ihmisiä elämään elämän hetkissä niin kauan kuin se on mahdollista, sillä aika kuluu niin nopeasti ja ennen kuin he huomaavatkaan, kuolema on heidän yllään.

Harmen van Steenwyck: Still Life: Allegoria ihmiselämän turhuuksista (1640)

Hollantilainen taidemaalari Harmen van Steenwyck kuului Vanitas-maalauksen johtaviin taiteilijoihin, ja hänestä tuli yksi aikansa parhaista asetelmamaalareista. Still Life: Allegoria ihmiselämän turhuuksista on erinomainen esimerkki Vanitas-maalauksesta, sillä se oli itse asiassa asetelmaksi naamioitu uskonnollinen teos.

Still Life: Allegoria ihmiselämän turhuuksista (n. 1640) Harmen van Steenwyck; Harmen Steenwijck, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Kallon lisääminen viittaa siihen, että edes rikkaimmat ihmiset eivät voi välttyä kuoleman ja taivaallisen tuomion väistämättömyydeltä. Kronometri, joka on kello, symboloi sitä, että ajan kuluminen tuo meidät lähemmäs kuolemaa. Toinen mielenkiintoinen symboli on simpukankuoren lisääminen, joka oli aikanaan harvinainen keräilyesine. Sen ajateltiin symboloivan maallista rikkautta.ja turhuudesta, joka liittyy näiden rikkauksien etsimiseen, ja tätä osoittavat myös kangas, kirjat ja välineet.

Jokainen maalauksen esine oli valittu huolellisesti, jotta se välittäisi tehokkaasti Vanitaksen sanoman, joka on tiivistetty Matteuksen evankeliumissa Uudessa testamentissa. Sanoman mukaan katsojan tulisi varoa antamasta liikaa merkitystä rikkaudelle, aineellisille esineille ja elämän tyydytyksille, sillä näistä esineistä voi tulla esteitä pelastuksen tiellä.

Joris van Son: Allegoria ihmiselämästä (1658 - 1660)

flaamilainen taiteilija Joris van Son, joka maalasi Allegoria ihmiselämästä , joka käsitteli Vanitas-teemaa esteettisesti kauniilla tyylillä. Ensisilmäyksellä tämän taideteoksen kauneus vangitsee välittömästi, kun sitä kuvaa runsas kukkien ja hedelmien kirjo. Maalauksessa käytetyt värit lisäävät lämpöä, mikä saa ruusut, viinirypäleet, kirsikat ja persikat näyttämään vielä hienommilta kuin miltä ne näyttävät.

Allegoria ihmiselämästä (n. 1658-1660), tekijä Joris van Son; Joris van Son, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Tarkemmin tarkasteltuna taustalla näkyy kuitenkin pääkallo, tiimalasi ja palava kynttilä. Nämä Vanitas-esineet on sijoitettu keskelle taideteosta, ja ne ovat sen jälkeen toimettomina elinvoiman ja elämän elinvoimaisen seppeleen varjossa.

Aistillisten hedelmien, kukkivien kukkien ja tummien ja epämääräisten, ajallisuutta osoittavien esineiden välille syntyy suuri kontrasti.

Sen lisäksi, että kuvassa on elämän rappeutuminen, kypsät hedelmät ja värikkäät kukat näyttävät olevan puhkeamispisteessä ja kutsuvat katsojaa koskettamaan niitä ennen niiden väistämätöntä rappeutumista. Kahden ajatuksen sisällyttäminen keskeisen rappeutumisen teeman ympärille kuvaa tässä maalauksessa esiintyvää henkistä merkitystä. Vaikka rappeutuminen viittaa edelleen ihmiselämään, se myös kehystää ja täydentää sitä.Vanitas-objektit ennen kuin kumpikaan heistä kuolee. Näin ihmiselämän lyhyys ja ihmisen kyky nousta kuoleman yläpuolelle nousevat vahvana teemana esiin.

Edwaert Collier: Vanitas - asetelma, jossa on kirjoja, käsikirjoituksia ja pääkallo (1663)

Hollantilainen kultakauden taidemaalari Edwaert Collier tunnettiin lähinnä asetelmistaan, kuten hänen vaikuttava teoksensa nimeltään Vanitas - asetelma, jossa on kirjoja, käsikirjoitus ja pääkallo. Vanitas-taiteilijana Collier oli maalatessaan tämän teoksen vain 21-vuotias, mikä on osoitus Collierin suuresta taiteellisesta lahjakkuudesta.

Vanitas - asetelma, jossa on kirjoja, käsikirjoituksia ja pääkallo (1663) Edwaert Collier; Evert Collier, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Tässä maalauksessa Collier yhdisti monia klassisia Vanitas-symboleita, kuten pääkallon keskellä, avoimen taskukellon, kirjoja, soittimen, silmälasit ja tiimalasin. Näiden elementtien sisällyttämisellä Collier välitti viestin siitä, että elämä kaikessa loisteliaisuudessaan on pohjimmiltaan merkityksetöntä sen katoavaisuuden vuoksi. Aivan kuten hiekka on myösCollier osoitti, että ihmiset, musiikki ja sanat kuihtuvat lopulta pois.

Tämän teoksen katsottuaan katsojia kannustetaan tarttumaan nykyhetkeen ja elämään elämää mahdollisimman iloisesti ja nautinnollisesti, sillä ajan mittaan nautinnot eivät ole enää mahdollisia. Collierin Vanitas-asetelma on olemassa varoituksena maailman turhamaisuudesta ja varoittaa katsojia nauttimaan elämästä ennen kuin on liian myöhäistä.

Pieter Boel: Allegoria maailman turhuuksista (1663)

Pieter Boel, toinen merkittävä flaamilainen Vanitas-taiteilija, erikoistui koko uransa ajan runsaisiin asetelmiin. Allegoria maailman turhuuksista teosta pidetään Vanitas-tyylin mestariteoksena, koska siinä on kiinnitetty huomiota yksityiskohtiin ja se on epätavallisen suuri.

Allegoria maailman turhuuksista (1663) Pieter Boel; Pieter Boel, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Teosta katsellessaan katsojan silmä huomaa välittömästi barokkisen loiston, jota edustaa teokseen sisältyvä laaja symbolinen sisältö. Kun tätä loistoa tarkastellaan lähemmin, Boelin kuvaama loisto näyttää lepäävän sarkofagin päällä, joka sijaitsee vähitellen hajoavassa kirkossa. Useat esineet, kuten rintapanssari ja nuolisäiliö, viittaavatsotilaallisen tappion ylimielinen luonne.

Näiden esineiden vastakohtana on erilaisia älyllisiä Vanitas-esineitä, kuten kirjoja ja asiakirjoja. Rikkauden esineitä kuvaavat myös piispan mitra, tiara, kruunattu turbaani ja hermeliinikantinen silkkipuku. Vaikka nämä rikkauden symbolit viittaavat poliittiseen ja uskonnolliseen valtaan, on olemassa ristiriita.

Mitä pidemmälle näissä esineissä kulkee, sitä enemmän nämä esineet muistuttavat vahvasti siitä, että kuolema voittaa kaiken, tapahtui mitä tahansa.

Vanitas-taiteen perintö

Alankomaiden kultakauden loppua kohti Vanitas-taiteen laji alkoi menettää yleistä suosiotaan. Tämä johtui siitä, että Vanitaksen merkitys menetti voimansa, minkä lisäksi uskonnollisen taistelunhaluisen uudistuksen henki menetti voimansa. Kuitenkin asetelmamaalauksen kehitys, joka tapahtui tuona aikana, vaikutti myöhemmin suurestituleville taiteilijasukupolville.

Mielenkiintoista on, että Vanitaksen sanottiin syntyneen itse ristiriidasta. Maalaamalla ja luomalla kauniin taideteoksen luotiin turhamaisuus, joka varoitti katsojia muiden turhuuksien vaaroista elämässä. Vanitas säilyi näin ollen merkittävänä taiteenlajina 1600-luvulla, sillä se ohjasi ja keskitti yksilöiden mieliä kohti ajatuksia, jotka heijastivat kuolemaa.ja näennäisen arvottomasta mutta silti riemukkaasta elämisestä.

Vanitaksen jalanjäljissä jatkui esteettisen kauneuden lisääminen taideteoksiin. Vanitaksen loputtua asetelmat olivat hämmästyttävän kauniita kuvaukseltaan, kunnes ne kokivat uuden merkityksenmuutoksen 1800-luvun loppupuolella. Tätä johti ennen kaikkea taiteilijat Paul Cézanne ja Pablo Picasso, jotka alkoivat kokeilla erilaisia esteettisiä mahdollisuuksia, joita asetelman sommittelu tarjosi.

Kun tarkastelee erilaisia maalauksia, jotka muodostivat tämän tyylilajin, on helppo silti miettiä: Mikä on Vanitas? Vanitas-kausi taiteen sisällä keskittyi pohjimmiltaan luomaan taideteoksia, jotka korostivat elämän katoavaisuutta ja kuoleman väistämättömyyttä katsojille. Vanitas-maalausten viesti oli siis se, että vaikka maailma voi olla välinpitämätön ihmiselämää kohtaan, sen kauneus voi silti ollanautitaan ja pohditaan ennen kuin kuoleman aiheuttama lopullinen rappeutuminen tapahtuu.

Tutustu Vanitas asetelmataiteen webstoryyn täällä!

John Williams

John Williams on kokenut taiteilija, kirjailija ja taidekasvattaja. Hän suoritti Bachelor of Fine Arts -tutkinnon Pratt Institutesta New Yorkissa ja jatkoi myöhemmin maisterin tutkintoa Yalen yliopistossa. Yli vuosikymmenen ajan hän on opettanut taidetta kaiken ikäisille opiskelijoille erilaisissa koulutusympäristöissä. Williams on esittänyt taideteoksiaan gallerioissa ympäri Yhdysvaltoja ja saanut useita palkintoja ja apurahoja luovasta työstään. Taiteellisen harrastuksensa lisäksi Williams kirjoittaa myös taiteeseen liittyvistä aiheista ja opettaa taidehistorian ja -teorian työpajoja. Hän on intohimoinen kannustaa muita ilmaisemaan itseään taiteen kautta ja uskoo, että jokaisella on kykyä luovuuteen.