Ranskassa 1800-luvun puolivälissä alkanut realismi hylkäsi ulospäin aikaisemman taidesuuntauksen romantiikan, koska sen ei enää sanottu kuvaavan tarkasti yhteiskunnan elämää. Ranskan vallankumouksen jälkeen taiteilijat alkoivat etsiä taidetyyliä, joka pystyisi uskollisesti ja totuudenmukaisesti kuvaamaan uusia nykyajan aiheita ja tilanteita realismin tekniikoiden ja elementtien avulla.Monet taiteilijat siirtyivät realismiin, ja sen myötä syntyi paljon tämän tyylisiä taideteoksia.

Mitä realismiliike edusti?

Pääasiassa ranskalaisena taidesuuntauksena tunnettu realismi syntyi 1850-luvulla vuoden 1848 vallankumouksen jälkeen. Joskus "naturalismiksi" kutsutussa taiteellisessa tyylissä keskityttiin kuvaamaan aiheita mahdollisimman tarkasti ja välttämään samalla kaikkia keinotekoisuuteen, mielikuvitukseen ja maan ulkopuolisiin elementteihin viittaavia viitteitä, jotka olivat aiemmin suosittuja taiteessa.

Realismia on kuvattu tyylittelyn täydelliseksi välttämiseksi, ja siitä tuli yhä suositumpi monilla seuraavilla taidejaksoilla. .

Teollinen vallankumous aiheutti suuria yhteiskunnallisia muutoksia, sillä se vahvisti Ranskassa "oikeuden työhön". Tämä kapina toi esiin ajatuksen tavallisista ja työväenluokan yksilöistä, nykyaikaisista puitteista ja arkisista kohtauksista aiheina, joita oli syytä kuvata taiteessa. Tämä johti siihen, että näillä alueilla ilmeneviin realistisiin piirteisiin alettiin kiinnittää enemmän huomiota,kun perinteisen korkeataiteen ulkopuolelle jääviä aiheita pidettiin yhtäkkiä arvokkaina.

Nukkuva kehrääjä (1853), Gustave Courbet; Gustave Courbet, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Kun yhteiskunta sopeutui näihin muutoksiin, taiteilijat katsoivat, että tarvittiin erilainen taidemuoto kuvaamaan tätä uutta elämänvaihetta sen sijaan, että vain tehostettaisiin todellisuutta vääristäviä kohtauksia. Realismille oli ominaista ennennäkemätön huomio tavallisiin aiheisiin, ja se muutti länsimaisen taidemaailman ihanteet täysin.

Realismi kapinoi ulkokohtaista sisältöä ja liioiteltuja tunteita vastaan ja päätti pikemminkin korostaa tavallisten työläisten ja tavallisten ihmisten olemassaoloa, jotka osallistuivat todelliseen maailmaan liittyvään konkreettiseen toimintaan.

Realistista tyyliä harjoittavat taiteilijat keskittyivät naturalistisempiin piirteisiin ja hylkäsivät kokonaan kaikki romanttiseen liikkeeseen liittyvät standardit. Ennen realismin kehittymistä romantiikka hallitsi ranskalaista kirjallisuutta ja taidetta 1700-luvun lopusta noin vuoteen 1850 asti. Romanttisia teoksia määrittivät kohonnut tunnetila, allegorinenRealismin taiteilijat pyrkivät kuvaamaan kohteensa ja maisemansa juuri sellaisina kuin ne koettiin.

Mastodonin hautaaminen (1806), kirjoittanut C. W. Peale; Charles Willson Peale, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Koska realismi keskittyi yksilöihin ja alueisiin, jotka olivat aiemmin jääneet huomiotta muissa taiteen tyyleissä ja lajeissa, realismi meni niin pitkälle, että se kuvasi jopa elämän epämiellyttävimpiä ja kurjimpia puolia. Realistiset maalaukset olivat siis todellinen heijastus yhteiskunnassa tapahtuneista muutoksista, sillä ne kertoivat suurelle yleisölle muutoksista, jotka eivät muuten olisi tulleet julki. Tämä johtimonet kriitikot pitivät näitä teoksia karkeina, sillä niiden suorasukainen varmuuden tunne oli usein epämiellyttävää katsottavaa.

Realismi oli hienovarainen mutta uskomattoman suora ero romantiikan liikkeestä, sillä tuotetuissa maalauksissa ei enää ylistetty elämää. Vaikka kiinnostus elämän näennäisen tavallisiin puoliin ei ehkä ole nykyään yhtä merkittävää, realismi merkitsi suurta muutosta taiteen historiassa.

Kaikista tämän liikkeen piirissä toimineista taiteilijoista vain muutama osoittautui merkittäväksi, kuten Gustave Courbet, Honoré Daumier ja Jean-François Millet.

Realismiliikkeen keskeiset elementit

Keskittyen nykyaikaisiin aiheisiin ja asetelmiin, realismin maalaukset ja taiteilijat pyrkivät kuvaamaan kaikkien yhteiskuntaluokkien ihmisiä samassa valossa, niin että yhtä ryhmää ei jatkuvasti suosittu toisten kustannuksella. Kuvia, jotka sopivat klassiseen idealismiin, draamaan ja kaikenlaiseen sentimentaalisuuteen, vältettiin suurelta osin. Pikemminkin korostettiin elämän kaoottisia puolia, sillä ne tulivat esiin täysinja poisti teennäisen kauneuden elementin kokonaan.

Sunnuntain päivällistä varten (1888), kirjoittanut William Harnett; William Harnett, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Sisällä kuvataide maailmassa, illusionistisen realismin sanottiin kuvaavan kaikkia muotoja, näkökulmia ja tarkkoja yksityiskohtia, kuten valoa ja värejä, luodakseen mahdollisimman tarkan kuvan. Siten nämä naturalistiset teokset antoivat illuusion siitä, miltä todellisuus näytti 1850-luvulta lähtien. Tämän historian ajanjakson sanottiin myös antavan tilaa muiden taiteellisten suuntausten, kuten amerikkalaisen regionalismin, kehitykselle,Sosiaalinen realismi ja keittiörealismi.

Realismin olennaisin elementti oli keinotekoisuuden täydellinen välttäminen kaikissa taideteosten osa-alueissa.

Yhtenä ensimmäisistä kerroista taidehistoriassa ihmissuhteita ja tunteita kohdeltiin maalauksissa kunnioittavasti, sillä niiden annettiin olla olemassa aidosti sellaisina kuin ne olivat ilman mitään muutoksia. Pyrkiessään vangitsemaan aiheiden ja tunteiden tarkan ja yksityiskohtaisen esityksen realismin maalaukset ja taiteilijat kapinoivat liioittelua vastaan, sillä tavallisen elämän ei ajateltu olevan niin tavanomaista.liioiteltu.

Matkakumppanit (1862) kirjoittanut Augustus Egg; Augustus Egg, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Realismin taiteilijoiden valitsemat aiheet osoittivat pohjimmiltaan vallankumouksen mukanaan tuomia yhteiskunnallisia muutoksia. Taiteellinen painopiste, joka oli aiemmin ollut varattu yläluokalle, siirtyi yhtäkkiä tavallisten ihmisten tavalliseen elämään. Tämä johtui siitä, että näiden ihmisten ajateltiin antavan tarkimman kuvan siitä, millaista elämä todella oli tämän ajanjakson aikana.taiteilijat esittivät taideteoksissaan jopa elämän kurjimpia ja epäjärjestyksessä olevia elementtejä.

Realismin tyyli levisi lopulta lähes kaikkiin taiteenlajeihin ja vaikutti myöhemmin muun muassa seuraavien taiteiden syntyyn Impressionismi Realismitaiteilijoiden suosimat aiheet johtivat siihen, että yläluokan ja keskiluokan mesenaatit ja kriitikot eivät koskaan täysin hyväksyneet liikettä, sillä he pitivät näiden teosten lisääntyvää avoimuutta järkyttävänä ja häiritsevänä.

Realismi aloitti yleisen siirtymisen pois "ihanteesta" kohti "tavallista", kun taiteilijat tunsivat olevansa vapaita kuvaamaan todellista elämää, josta puuttui kaikki estetiikka ja universaalit totuudet.

Top 15 kaikkien aikojen kuuluisinta realistista maalausta ja taiteilijaa

Realismin taidesuuntaus oli uskomattoman merkittävä ajanjakso taiteessa, sillä sen painotus tavallisuuteen aloitti uuden aikakauden taiteellisessa tutkimuksessa. Tämän vuoksi on olemassa monia realismiaiheisia esineitä, jotka vangitsevat liikkeen todellisen olemuksen. Kaikista tehdyistä taideteoksista useat realistiset maalaukset erottuvat edukseen, sillä niiden uskotaan auttaneen liikkeen kehityksessä.Seuraavassa esittelemme 15 parasta realismimaalausta ja taiteilijaa, jotka ovat peräisin tältä ajalta.

Kivenmurtajat - Gustave Courbet

Realismin ihanteet kiteytyy maalaukseen Kivenmurtajat, jonka ranskalainen taiteilija Gustave Courbet vuonna 1849. Realismiryhmän johtajana Courbet'lta tilattiin useita teoksia, jotka kaikki ovat saavuttaneet yhtä suurta mainetta liikkeen huippuaikoina. Näytettyään tämän teoksen Pariisin Salonissa vuonna 1850 Courbet sai valtavasti vastareaktioita yleisöltä ja kriitikoilta. Tämän reaktion sanotaan kuitenkin myös käynnistäneen merkittävän muutoksen realismin kehityksessä.

Kivenmurtajat (1849), Gustave Courbet; Gustave Courbet, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Osoitteessa Kivenmurtajat Courbet kuvasi kahta talonpoikaa, jotka näyttivät rikkovan kiviä tienrakennustöitä varten. Antamalla katsojille kuvan näiden työläisten arkielämästä Courbet pystyi kuvaamaan aidosti kohtauksen, joka oli tapahtunut todellisessa maailmassa ja jossa ei siis ollut mitään mahtipontisia elementtejä.

Työntekijöiden selkä katsojista poispäin kääntyneenä Courbet lisäsi työhönsä anonymiteetin tunnetta, kun hän kieltäytyi keskittymästä kuvan siihen osaan, joka yleensä herättäisi eniten huomiota.

Kuvaamalla fyysisesti raskaaksi ja vakavasti alipalkatuksi tunnetun kohtauksen, jossa henkilöiden kasvot olivat piilossa, Courbet osoitti räikeää poikkeamista perinteisen maalaustaiteen pitkään vallinneista tavoista. Enemmän huomiota kiinnitettiin miesten riekaleisiin vaatteisiin ja heidän suhteeseensa maahan, mikä poikkesi suuresti siitä taiteesta, johon yhteiskunta oli tottunut. Kivenmurtajat sanottiin olevan liian tavallista taidetta tarkastelevalle aristokraattiselle yhteiskunnalle, sillä talonpoikaiselämän kuvaukset eivät ansainneet yläluokan huomiota.

Kyntö Nivernais'ssa - Rosa Bonheur

Yksi tunnetuista naispuoliset realismin taiteilijat oli Rosa Bonheur, jota pidetään yleisesti koko 1800-luvun tunnetuimpana naismaalarina. Hänen teoksensa, Kyntö Nivernais'ssa Vuonna 1849 maalattua teosta pidetään yleisesti hänen parhaana työnään. Bonheur jatkoi tuotantoeläinten ja maaseutumaisemien kuvaamista suurimmassa osassa maalauksiaan, jotka saivat kiitosta äärimmäisestä realismista. Kyntö Nivernais'ssa oli hallituksen tilaama, ja se voitti ensimmäisen mitalin saman vuoden Salonissa.

Kyntö Nivernais'ssa (1849), kirjoittanut Rosa Bonheur; Rosa Bonheur, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Maalauksen otsikon mukaan Bonheur kuvasi kauden ensimmäistä kyntöä, joka tehtiin yleensä alkusyksystä maan pinnan muokkaamiseksi talvea varten. Hänen teoksessaan kaksitoista härkää kyntää rauhallisesti maata valmistautuessaan, mutta teoksen painopiste näyttää kuitenkin olevan maiseman rauhallisuudessa. Kyntö Nivernais'ssa kertoo armollisen tarinan talonpoikien loputtomista vaikeuksista, kuten heidän työstään, elämästään ja perinteistään. Maalauksen tunnelma saa aikaan nöyrän realismin tunteen.

Esittämällä kuvan häristä ja miehistä, jotka työskentelevät yhdessä korjuun parissa, Bonheur kommentoi ihmisen ja luonnon välistä suhdetta.

Kuvassa on saumaton kohtaus, jossa eläimet esiintyvät työn todellisina sankareina, jättäen miehille vain vähän tilaa tulla huomioiduksi. Bonheurin teos on siis talonpoikien tekemän maataloustyön ylistys, jossa tämä yleinen toiminta on nostettu arvoonsa houkuttelevan kohtauksen ansiosta. Mielenkiintoista on, että tämä realismimaalaus oli yksi niistä harvoista, jotka saivat aikaan vankkaa huomiota.kriitikoiden ylistys.

Hautaus Ornansissa - Gustave Courbet

Hautaus Ornansissa , joka on maalattu vuosina 1849-1850, on Gustave Courbet'n tunnetuin valmistunut maalaus. Valtavan kokonsa vuoksi teos herätti sekä kriitikoiden että yleisön suosiota ja tuomiota, kun se alun perin asetettiin näytteille, sillä se käsitteli tavanomaisia provinssin hautajaisia, joihin oli liitetty realismia epämairittelevia elementtejä. Teoksen mitat ovat 3,1 metriä kertaa 6,6 metriä, Hautaus Ornansissa kritisoitiin voimakkaasti sen suuruuden vuoksi, sillä tämän kokoinen maalaus oli perinteisesti varattu sankarillisille ja uskonnollisille kohtauksille nykymaalauksessa.

Hautaus Ornansissa (1849-1850), Gustave Courbet; Gustave Courbet, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Courbet kuvaa vuoden 1848 isosetänsä hautajaisia, jotka pidettiin Ornansissa, Ranskassa syyskuussa. Vaikka Courbet kuvasi synkkää tapahtumaa, hän uhmasi kuitenkin kaikkia kuolemaan liittyviä odotuksia esittämällä hautajaiset niin realistisesti. Perinteisesti tällaiset tapahtumat sisälsivät sekä surun että kauneuden hetkiä, jotta katsojien oli helppo kuvitella edesmenneen sielu armollisesti...Sen sijaan Courbet painottaa enemmän surijoita, jotka näyttävät kiinnittävän vähän huomiota pappiin.

Hautaus Ornansissa Teoksesta on poistettu kaikki keinotekoiset surun merkit, joten surijoiden kasvot näyttävät luonteeltaan liioitellummilta, ja kriitikot syyttivät Courbet'ta uskonnon tarkoituksellisesta väheksymisestä, kun hän pyrki maalauksessaan luomaan epämiellyttävää tunnelmaa.

Luomalla taustan, joka koostuu useista nimettömistä henkilöistä, Courbet pystyi kuvaamaan niinkin arkista asiaa kuin hautajaistilaisuus, jossa on tuntemattomia henkilöitä, ilman henkisiä arvoja ja suuressa mittakaavassa.

Hevosmessut - Rosa Bonheur

Toinen Rosa Bonheurin kuuluisista realistisista maalauksista on Hevosmessut , joka on maalattu vuosina 1852-1855. Koska suurin osa hänen teoksistaan keskittyi eläimiin, tämä maalaus ei poikkea tästä, sillä painopiste on maalauksen etualalla olevassa hevosryhmässä. Hevosmessut pidetään yleisesti ikonisimpana realismin taideteoksena, joka on tuotettu liikkeen huippuaikana. Monumentaalisen kokoisena Bonheur omistautui vuoden ajan vetohevosten tutkimiselle.

Hevosmessut (1852-1855) Rosa Bonheur; Rosa Bonheur, CC0, Wikimedia Commonsin kautta.

Naamioituneena mieheksi puolentoista vuoden ajan, jotta hän ei kiinnittäisi huomiota itseensä, Bonheur osallistui Pariisin Boulevard de I'Hôpitalin hevosmarkkinoille ja teki loputtomasti luonnoksia eläimistä. Näissä piirroksissa käytettiin sekä yksinkertaisia viivapiirroksia että yksityiskohtaisempia elementtejä. Vaikka Bonheur kuvasi hevoskauppiaita, jotka myivät hevosiaan kiireisesti markkinoilla, varsinainen keskipiste tämäntyö oli hevosten voimakas voima, kauneus ja vahvuus, jonka hän onnistui vangitsemaan.

Taitavaa liikkeen käsittelyä ja kesyttämättömiä eläimiä ympäröivää pimeän ja valon pyörrettä vastapainona olivat rauhalliset ja asiantuntevat ohjaajat, jotka johtivat hevosia kankaalla. Vaikka maalaus on uskomattoman kiireinen, Bonheur onnistui tasapainottamaan keskellä olevan liikkeen ja etualalla näkyvän yksinkertaisuuden ja hiljaisuuden.

Tämä maalaus osoittautui erittäin suosituksi, sillä sitä kehuttiin sen virheettömistä yksityiskohdista sekä hevosissa että ratsastajissa, ja se sai maailmanlaajuista mainetta vuoden 1853 Salonissa.

La rencontre (Bonjour Monsieur Courbet) - Gustave Courbet

Viimeinen Gustave Courbet'n teos, joka on sisällytetty tähän luetteloon, on seuraava La rencontre (Bonjour Monsieur Courbet) , joka on maalattu vuonna 1854. Maalaus on yksi ensimmäisistä maalauksista, joka sai kiistanalaisen "avantgardistisen" leiman, ja se osoitti Courbet'n halukkuuden riskeerata maineensa etsiessään uutta visuaalisen ilmaisun menetelmää. Tämä uusi realismin menetelmä auttoi häntä murtamaan vanhoja lähestymistapoja taiteen tekemiseen, mikä näkyy eri elementeissä La rencontre .

La rencontre (Bonjour Monsieur Courbet) (1854) Gustave Courbet; Gustave Courbet, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Tässä suuressa maalauksessa Courbet loi eräänlaisen omakuvan kuvaamalla itsensä kankaan oikealla puolella tapaamassa Alfred Bruyas'ta, joka oli hänen työnsä tärkeä mesenaatti ja tukija. Kuvaamalla itsensä matkamiehenä, joka oli juuri kohdannut kaksi aatelismiestä, Courbet korosti itsensä kuvaamisen kautta itsestään tärkeilevän käsityksen.

Sijoittamalla itsensä suoraan valoon pää hieman taaksepäin suunnattuna Courbet antaa ymmärtää, että teoksen painopisteen pitäisi kohdistua häneen, ja hänen mukanaan oleva keppi korostaa hänen suurta voimaansa.

La rencontre on merkittävä Courbet'n rikkomien rajojen vuoksi, sillä tässä teoksessa hän aloitti uuden tahdin taiteelliselle tutkimukselle. Koska molemmat miehet näyttävät olevan maaseudulla maalaamassa, Courbet vertaili heitä heidän asenteensa kautta. Hän ehdotti, että hän oli Bruyasta paljon parempi, sillä hän kantoi kaikki taidetarvikkeensa repussaan, kun taas Bruyas tarvitsi palvelijan, joka veiNäin ollen tämä teos korostaa ajatusta, että sekä Bruyas että teoksen katsojat ovat Courbet'n alueella.

Gleaners - Jean-François Millet

Taiteilija, jota pidettiin yhtenä kuuluisista realistisista maalareista, oli Jean-François Millet. Hän maalasi Gleaners vuonna 1857, jota pidetään yleisesti yhtenä koko realismin tärkeimmistä teoksista. Vaikka Millet keskittyikin maisemiin, siivous palasi hänen mieleensä toistuvasti yli seitsemän vuoden ajan. Siivous kuvaa raadollista työtä, jossa pellolle sadonkorjuun jälkeen jääneet viljanjämät poistetaan, ja tämä työ kuuluu naisille ja naisille.lapset.

Gleaners (1857) Jean-François Millet; Jean-François Millet, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Gleaners on Millet'n paras taideteos, koska se kuvaa alemman luokan todellisuutta. Tässä maalauksessa hän kuvasi kolme tavallista naista, jotka tekivät hyvin tavallista työtä työväenluokassa. Koska keräilytyön katsottiin tuolloin kuuluvan yleisesti Ranskan yhteiskunnan alimpaan luokkaan, Millet kuvasi tämän vaivalloisen työn tavalla, joka asetti nämä työntekijät huomiomme keskipisteeseen.

Millet huomauttaa näin, ettei tätä työvoiman keskeistä osaa pidä unohtaa, sillä ilman heitä sato ei syntyisi.

Köyhyydestään huolimatta Millet antoi hiljaisen arvokkuuden naisille, jotka yksitoikkoisuudesta huolimatta vastasivat tehtäväänsä vahvalla sisukkuudella. Millet piti keräilyä ikuisena teemana, minkä vuoksi hän yhdisti Gleaners Vanhasta testamentista poimittuihin tarinoihin. Tästä uskonnollisesta yhteydestä huolimatta hänen maalauksensa osoittautui hyvin epäsuosituksi, kun se esiteltiin Salonissa vuonna 1857. Sen tylsä ja arkinen aihe suututti yleisön suuresti sen nähtyään, sillä sitä ei pidetty huomion arvoisena.

Angelus - Jean-François Millet

Toinen Jean-François Millet'n parhaista realistisista maalauksista on hänen teoksensa Angelus , jonka hän maalasi vuosina 1857-1859. Tämä teos osoitti Millet'n halun valottaa ranskalaisten talonpoikien elämää ja heidän kärsimiään vastoinkäymisiä, jotta aristokraattiseen yhteiskuntaan kuuluvia ihmisiä voitaisiin valistaa elämästä heidän sosiaalisen piirinsä ulkopuolella. Tämä maalaus syntyi, kun se oli nimenomaan taidekeräilijä Thomas Gold Appletonin tilaama, mutta hän ei koskaan, kuten tunnettua, tehnyt sitä.tuli noutamaan työn, kun se oli saatu valmiiksi.

Angelus (1857-1859) Jean-François Millet; Jean-François Millet, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Osoitteessa Angelus , Millet kuvasi kahta maatyöläistä, jotka rukoilevat Angelus -rukousta pää kumarassa pellolla tehdyn raskaan työpäivän jälkeen. Molemmat näyttävät nojaavan perunakorin yli, kun vasemmalla oleva mies pitää hattua käsissään ja oikealla oleva nainen kädet tiukasti rukouksessa.

Angelus oli roomalaiskatolisuuden aikaan tunnettu vapautusrukous, ja tämä maalaus osoittaa yksinkertaisen hartauden ja rukouksen, jolla yhteiskunnan alin luokka rukoilee pelastusta.

Auringon laskiessa tässä kaukaisuudessa, Angelus merkitsi hetkeä, jolloin rukous alkoi kello 18.00, sillä taustalla olevasta kirkosta olisi kuulunut kello, joka merkitsi päivän päättymistä. Riekaleisista vaatteistaan ja kumarista olkapäistään huolimatta työläisillä on hiljainen arvokkuus. Tämä taideteos vaikutti surrealisti Salvador Dalíhin, joka sen sijaan näki työläisten rukoilevan haudatun lapsensa puolesta. Vuonna 1963 Louvre teki röntgenkuvauksen, joka koskiteoksen, jossa itse asiassa näkyi arkun kaltaisen geometrisen muodon piilotettu ääriviiva.

Vanha muusikko - Édouard Manet

Vaikka sitä tutkitaan useimmiten impressionismin yhteydessä, Ranskalainen taiteilija Édouard Manet tuotti uransa aikana muutamia merkittäviä realismiaiheisia teoksia. Manet'ta pidetään keskeisenä hahmona siirtymävaiheessa impressionismista realismiin, ja hän maalasi erinomaisen modernisti, mikä johti siihen, että hän kuvasi työväenluokkaa realistisissa maalauksissaan. Vanha muusikko , jonka hän maalasi vuonna 1862, on suurin Manet'n koskaan tekemä maalaus, jossa näkyy selvästi Gustave Courbet'n vaikutus hänen taiteelliseen tyyliinsä tuolloin.

Vanha muusikko (1862), Édouard Manet; Édouard Manet, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Vanha muusikko on hieno esimerkki Manet'n kyvystä vangita arkielämän vaikutelmia. Maalauksessa on useita henkilöitä, jotka seisovat teoksen keskellä olevan muusikon ympärillä, joka on soittamassa viulua heidän kuunneltavakseen. Muusikon on arveltu olevan Jean Lagrène, joka oli tuolloin paikallisen mustalaisyhtyeen johtaja.

Tässä kohtauksessa kuvattuja henkilöitä tutkittiin jatkuvasti, sillä kukaan heistä ei näyttänyt muodostavan yhtenäistä ryhmää.

Aivan maalauksen oikeassa reunassa näkyy turbaniin ja pitkään kaapuun pukeutunut itämainen mies, joka seisoo suoraan vastapäätä nuorta, kengätöntä äitiä ja hänen vastasyntynyttä lastaan. Jo pelkästään näitä kahta hahmoa tarkastelemalla voidaan havaita, että heidän vaatetuksensa ja myöhemmät yhteiskuntaluokkansa eroavat toisistaan huomattavasti, mikä korostaa läsnä olevaa eripuraa. Vanha muusikko sisälsi useita viittauksia Manet'n muihin maalauksiin, kuten silinterihattuisen miehen, joka esiintyi myös hänen maalauksessaan vuodelta 1859, Absintin juoja .

Kolmannen luokan vaunut - Honoré Daumier

Pidetään yhtenä kuuluisimmista realistisista taidemaalareista oli Ranskalainen taiteilija Honoré Daumier, joka loi vuosina 1862-1864 maalaussarjan nimeltä Kolmannen luokan vaunu. Hyvin graafisena taidemaalarina tunnettu Daumier luonnehti usein alemman luokan toimeentuloa ja teollistumisen vaikutusta moderniin kaupunkielämään Ranskassa. Daumier maalasi muitakin junakohtauksia ensimmäisen ja toisen luokan vaunuosastoista, mutta vieläpä Kolmannen luokan vaunut osoittautui näistä kolmesta teoksesta vaikutusvaltaisimmaksi.

Kolmannen luokan vaunut (1862-1864), jonka on kirjoittanut Honoré Daumier; Honoré Daumier, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Daumierin toistuva teema, joka näkyy tässä teoksessa, on vaikutus, joka kaupungistumisella oli Pariisin työväenluokan asukkaisiin. Samalla kiinnittäen kuitenkin erityistä huomiota julkisen liikenteen muotoon, Kolmannen luokan vaunut painottaa enemmän tapaa, jolla sosiaalista hierarkiaa pidettiin edelleen voimassa aikana, joka oli muka niin moderni.

Kuvaamalla alemman luokan jäseniä kolmannen luokan vaunuissa, mikä ei ollut mitenkään harvinaista, Daumier kommentoi Ranskassa edelleen vallitsevaa sosiaalipolitiikkaa.

Vaunuissa olevat henkilöt vaikuttavat uupuneilta pitkän työpäivän jälkeen, ja maalauksen painopiste on etualan puupenkillä istuvissa hahmoissa. Ikkunasta tihkuu pehmeä valo, joka korostaa hoitavaa äitiä, vanhaa rouvaa ja nukkuvaa poikaa, jotka huokuvat rauhallisuutta, jota ei useinkaan ole nähty julkisissa liikennevälineissä. WealthierMatkustajat näyttävät istuvan heidän takanaan, ja heidät erottaa penkki, joka jakaa nämä kaksi luokkaa toisistaan, mikä viittaa edelleen Ranskassa vallinneeseen jakoon.

Olympia - Édouard Manet

Manet'n toinen merkittävä ja oletettavasti realistinen maalaus oli Olympia Manet oli hyvin mieltynyt naisen muotoon ja kuvasi muutamissa teoksissaan monia alastonkuvia. Hänellä oli myös taipumus keskittyä ranskalaisen yhteiskunnan elämään, mikä näkyy myös hänen maalauksissaan. Within Olympia , Manet käytti kahta suosikkiaihettaan, kun hän esitti alastomana poseeraavan alemman luokan prostituoidun. Teos herätti heti näyttelyssä ollessaan kiistanalaisuutta oletettavasti mauttoman kohtauksen vuoksi.

Olympia (1863), Édouard Manet; Édouard Manet, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Nainen, jonka nimen arveltiin olevan Olympia, nähdään loikoilemassa avoimella sängyllä tavalla, joka kutsuu katsojaa liittymään hänen seuraansa. Taustalla nähdään palvelustyttö tuomassa hänelle kukkia, jotka olivat luultavasti lahja rakastajalta. Manet loi jyrkän vastakohdan näiden kahden naisen välille ei ainoastaan heidän ihon väri vaan siitä, että palvelustyttö näytti olevan täysin pukeutunut työasuunsa, kun taas prostituoitu makasi siinä täysin alasti. Tästä haavoittuvuudesta huolimatta nainen vaikuttaa kuitenkin täysin rauhalliselta vaatteiden puuttumisensa kanssa.

Häpeilemätön ja haastava katse, jolla nainen puhutteli katsojia, oli Manet'n tapa haastaa yläluokan yhteiskunnan tekopyhät käsitykset säädyllisyydestä.

Valitsemalla prostituoidun kuvan Manet kommentoi hyvin avoimesti tuon ajan porvarillista yhteiskuntaa, joka piti mieluummin salassa tällaista säädytöntä toimintaa, vaikka se oli tunnettu osa yhteiskuntaa. Näin ollen, Olympia on tehty tarkoituksella provosoivaksi, sillä Manet'n tarkoituksena oli järkyttää vuoden 1865 Salonissa esiintyviä katsojia, jotka muuten kerääntyivät katsomaan tätä maalausta.

Proomukuljettajat Volgalla - Ilja Repin

Realismia edustava venäläinen taidemaalari oli Ilja Repin, joka maalasi muun muassa Proomukuljettajat Volgalla vuosina 1870-1873. Repinin katsotaan olleen vastuussa realismin käyttöönotosta Venäjällä, ja hän oli suuri sosiaalirealismin kannattaja, mikä näkyy joissakin hänen taideteoksissaan. Nähtiin kritiikkinä ihmistyön tuottoa kohtaan, Proomukuljettajat Volgalla keskittyi tavallisten merimiesten ja satamatyöläisten vaikeuksiin Volgan tunnetuissa satamissa tuona aikana.

Proomukuljettajat Volgalla (1870-1873) kirjoittanut Ilja Repin; Ilya Repin, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Repin istui kuukausia Volgajoen varrella ja dokumentoi laivoja ja niiden ahkeria merimiehiä. Proomukuljettajat Volgalla Näin hän pystyi luomaan uskomattoman tarkan kuvauksen näiden merimiesten työelämästä, jotka raatoivat kannella tarmokkaasti joka ikinen päivä. Tässä teoksessa Repin kuvasi 11 miespuolista veturinkuljettajaa, jotka ulkonäkönsä perusteella näyttävät olevan eri etnisistä taustoista, vetämässä hitaasti proomua Volgajokea ylävirtaan.

Fyysinen uupumus näkyy näiden miesten kävelytavassa, sillä he ovat väsymyksen takia kaksinkerroin. Joen ja rannan lämpimät sävyt muodostavat kontrastin heidän säänkestävään ihoonsa ja tummaan varjoon, jonka heidän ruumiinsa muodostavat, kun he ryhmittyvät yhteen. Vain yksi mies erottuu ryhmästä kirkkaanväristen vaatteidensa ja nuorekkaan ulkonäkönsä vuoksi. Hän on näyttäytyy pystymmän näköisenä kuin hänen toverinsa.työntekijät, koska hän näyttää vapautuvan siteistään.

Tämä esitys kuvasi riiston vastaisen protestin henkeä ja ihmisarvon palauttamista.

Whistlerin äiti - James McNeill Whistler

Amerikkalainen taidemaalari James McNeill Whistler oli tunnettu siitä, että hän hylkäsi realismin ja kehitti oman modernin maalaustyylinsä. Hänen merkittävin teoksensa on maalattu vuonna 1871 ja se sai nimekseen Whistlerin äiti , vaikka se tunnetaan myös nimellä Harmaa ja musta järjestely Ei Tästä maalauksesta tuli ensimmäinen amerikkalainen teos, jonka Ranskan hallitus osti vuonna 1891, mikä nosti huomattavasti Whistlerin mainetta taiteilijana ja takasi hänelle monia varakkaita amerikkalaisia mesenaatteja.

Whistlerin äiti (1871) James McNeill Whistler; James McNeill Whistler, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Whistlerin äiti on ensisilmäyksellä varsin synkkä ja vakava, mutta taidekriitikot ja yleisö ovat vuosien mittaan olleet innostuneita Whistlerin kyvystä kuvata äitiään niin yksityiskohtaisesti. Pitkään mustaan mekkoon ja valkoiseen pitsilakkiin pukeutuneena on epäselvää, oliko hänen äitinsä surussa vai yksinkertaisesti pukeutui vain vaatimattomaan, ajan muodin mukaiseen asuun.

Profiilissa istuvaa "Whistlerin äitiä" on kutsuttu "Amerikan Mona Lisaksi", sillä se on yhtä salaperäinen ja taitava kuin Da Vincin maalaus.

Whistler, joka asui tuolloin poikansa kanssa, pyysi äitiään poseeraamaan hänelle sen jälkeen, kun eräs malli oli perunut heidän sovitun kuvaussessionsa. Koska äiti oli tuolloin 67-vuotias, Whistler muutti sommittelua niin, että äiti voitiin maalata istuma-asennossa hänen mukavuutensa vuoksi. Tulkittu äitiyden symbolina, Whistlerin äiti on niin tärkeä maalaus, koska se oli yksi harvoista teoksista, joita porvarillinen yhteiskunta arvosti ja jotka samalla koskettivat massoja, koska se vaati vain vähän selityksiä.

Gross-klinikka - Thomas Eakins

Toinen amerikkalainen realismimaalari, jonka olemme sisällyttäneet listallemme, on Thomas Eakins, joka maalasi Gross-klinikka Vuonna 1875. 1800-luvun puolivälissä tapahtui paljon lääketieteellistä kehitystä, joka johti maailmaa muuttaneisiin innovaatioihin. Eakins oli tuona aikana hyvin kiinnostunut lääketieteestä, ja hänen teoksensa on tilannekuva Jefferson Medical Collegessa pidetystä luennosta. Koko ajan, Gross-klinikka on pahamaineisesti kutsuttu yhdeksi parhaista amerikkalaisista maalauksista.

Gross-klinikka (1875), Thomas Eakins; Thomas Eakins, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Eakins' tunnetaan yhtenä maailman tärkeimmistä lääketieteellisistä instituuteista 1800-luvulla, ja se on ikuistanut oppitunnin, jota tuolloin 70-vuotias luennoitsija, tohtori Samuel D. Gross pitää. Mustaan takkiin pukeutunut Gross nähdään keskellä sommitelmaa, kun hän oletettavasti pitää luentoa vieressä parhaillaan tapahtuvasta leikkauksesta huoneelle, joka on täynnä innokkaita opiskelijoita. Grossin' yliolkapäässä, työn oikealla puolella, on hänen klinikkavirkamiehensä tohtori Franklin West, joka teki muistiinpanoja meneillään olevasta ortopedisestä operaatiosta.

Vasemmassa yläkulmassa Eakins asettui yleisön joukkoon. Hänen sanotaan vaikuttaneen tähän hänen omilla anatomia- ja ruumiinavauskursseillaan, sillä hän kiinnitti suurta huomiota leikkauksen yksityiskohtiin. Suurta taiteellista taitoa osoittava maalauksen tieteellinen ponnistus oli terävässä ristiriidassa vasemmassa alakulmassa olevan ainoan läsnäolevan naisen tunnereaktion kanssa.

"The Gross Clinic" -elokuvaan suhtauduttiin tarkkaan sen ruman luonteen vuoksi, sillä yleisö kamppaili ymmärtääkseen teoksen sisältämän todellisuuden totuuden.

Nighthawks - Edward Hopper

Maalattu vuonna 1942, lähes sata vuotta sen jälkeen, kun realismi saavutti huippunsa, Nighthawks pidetään edelleen tärkeänä realistisena maalauksena. . yhdysvaltalainen taiteilija Edward Hopper oli tunnettu realismin käytöstään, sillä tyylilajin yleinen tyyli oli muuttunut hyvin vähän kuluneesta ajasta huolimatta. Nighthawks pidetään yhtenä kaikkien aikojen tunnistettavimmista amerikkalaisista maalauksista, sillä se kuvaa tyypillistä maisemaa toisen maailmansodan jälkeisestä Amerikasta.

Nighthawks (1942) Edward Hopper; Edward Hopper, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

1940-luvulla teollistuminen oli muuttanut elämää länsimaissa. Hopperin maalauksessa hän kuvasi neljä yksinäistä henkilöä yöllisessä, niukasti sisustetussa keskustan ruokalassa. Kuvassa näkyy yksi ainoa valonlähde, joka valaisee koko huoneen, valuu ulos jalkakäytävälle ja muodostaa voimakkaan kontrastin kadun muihin varjoihin nähden. Vaikka sitä pidettiin melko yksinkertaisena, Hopperinlavastuksen ja dramaattisen valaistuksen manipulointi havainnollistivat vieraantumisen, masennuksen ja monitulkintaisuuden teemoja, joita sodan jälkeisessä Amerikassa oli.

Mikään luvuista ei ole Nighthawks Hopper kuvasi tämän kuvauksen avulla niitä vaikeita elämäntilanteita ja kamppailuja, joita yksilöt kokivat Yhdysvaltain historian synkkinä päivinä, kun sodan kauhut ja turmeltuneisuus muuttivat yhteiskuntaa pysyvästi.

Maalattu avoimella kerronnalla, Hopper vaati katsojia täydentämään tarinaa, mikä oli tyypillistä Hopperin tyylille tuohon aikaan.

Christinan maailma - Andrew Wyeth

Luettelomme viimeisen maalauksen, joka myös maalattiin kauan realismin päättymisen jälkeen, teki A merikkalainen taiteilija Andrew Wyeth. Christinan maailma, maalattu vuonna 1948, on yksi tunnetuimmista Amerikkalaiset maalaukset Wyethin sanotaan kuvanneen Anna Christina Olsonia, joka oli hänen tuttavansa, joka kärsi rampauttavasta rappeuttavasta lihassairaudesta.

Wyeth kuvasi Olsonin, joka istuu korkeassa ruohikossa ja katsoo kohti yksinäistä maalaistaloa, niin, että hän ei pysty kävelemään tilansa vuoksi. Vaikka näyttääkin siltä, että hän vain loikoilee pellolla, Olson yritti ryömiä ja liikkua avuttomasti pellon poikki kohti taloa. Christinan maailma Wyeth maalasi Olsonin, jolla oli suuri halu nähdä maailmaa, mutta ei kuvannut synkkää maisemaa, vaan hän maalasi Olsonin, jolla oli suuri halu nähdä maailmaa, kuten hänen halukkuutensa ryömiä pellon poikki osoittaa.

Vaikka Wyeth lisäsi kuvaan pienen määrätietoisuuden tunteen, Olson jäi silti rajoittumaan vain pelkkään ruohotilkkuun kohtauksen sisällä. Olsonin laihat kädet ja jalat sekä hänen pieni kehonsa luovat häneen haavoittuvuutta. Tätä korostaa entisestään hänen vartalonsa kääntyminen poispäin katsojista niin, ettemme edes näe hänen kasvojaan. Tässä teoksessa Wyeth pystyi tekemäänluovat aavistuksen tunnetta, sillä ei ole varmaa, mitä ruohikossa oleva hahmo aikoo tehdä päästäkseen maalaistaloon.

Taidehistorian realismiliike osoittautui uskomattoman vaikutusvaltaiseksi, mikä käy ilmi siitä, millaisia taideteoksia tuolta ajanjaksolta on peräisin. Vaikka luettelomme kuuluisista realistisista taidemaalareista ja heidän ikonisista taideteoksistaan ei ole missään nimessä tyhjentävä, olemme käsitelleet 15 tärkeintä maalausta, jotka tyypillisesti tunnistetaan, kun keskustellaan realismin tärkeistä periaatteista. Jos olet nauttinut lukemisesta.näistä maalauksista, kehotamme sinua tutustumaan tarkemmin joihinkin tuntemattomampiin realistisiin maalauksiin, joita tuotettiin tällä aikakaudella.

Tutustu realismin taiteilijoiden webstoryyn täällä!