M itä on naivistinen taide ja mikä on naivistisen taiteen määritelmä? Naivistista maalaustaidetta voidaan kuvata taiteilijoiden, kuten Henri Rousseaun, kehittämäksi hienostelemattomaksi taidetyyliksi. Naivistista taidetta luonnehditaan tyypillisesti kuvataiteeksi, jonka on tehnyt henkilö, jolla ei ole pätevän taiteilijan saamaa muodollista koulutusta. Kun ammattitaiteilija jäljittelee tätä tyyliä, tuote on useinjota kutsutaan primitivismiksi.

Naivistisen taiteen tutkimusmatka

Toisin kuin kansantaide, naivistinen taide ei aina nouse erillisestä laajalle levinneestä kulttuuritaustasta tai perinteestä; itse asiassa ainakin teollistuneissa talouksissa paikallisen kuvataiteen perinnön tuntemus on ollut väistämätöntä painovallankumouksesta lähtien, jolloin se levisi massapainon ja muiden tiedotusvälineiden kautta.

Naivi taiteilija on tietoinen kuvataiteen normeista, kuten erityisistä näkökulmista ja sommittelusäännöistä, mutta ei pysty tai halua käyttää niitä täysin.

Henri Rousseaun Leijonan ateria (noin 1907) on esimerkki naiivista taiteesta; Metropolitan Museum of Art, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Outsider-taide puolestaan viittaa teoksiin, jotka ovat peräisin samankaltaisesta ympäristöstä, mutta joilla on vain vähän kosketuspintaa perinteiseen taideyhteisöön. Naivistisen taiteen määritelmä sekä sen rajaaminen muihin kategorioihin, kuten outsider-taiteeseen, on herättänyt keskustelua. Naivistinen taide viittaa itseoppineen taiteilijan luomiin kuvataideteoksiin, kuten veistoksiin ja maalauksiin, kun taas kansantaiteella tarkoitetaan tuotteita, joilla onTämä erottelu on kuitenkin kyseenalaistettu.

Toinen ilmaisu, jota voidaan käyttää erityisesti maalausten ja rakentamisen yhteydessä, on "maakunnallinen", joka viittaa sellaisten taiteilijoiden työhön, jotka ovat saaneet jonkin verran muodollista opetusta, mutta joiden tuotos jää vahingossa kaupunkien tai hovin normien alapuolelle.

Naivististen maalausten ominaisuudet

Ulkopuolista taidetta, jonka on luonut henkilö, jolla ei ole ammattikoulutusta tai tutkintoa, kutsutaan joskus naivistiseksi taiteeksi. Tämä oli totta ennen 1900-lukua, mutta nykyään on olemassa naivistisen maalaustaiteen akatemioita. Naivistinen taide on nykyään vakiintunut taidemuoto, jolla on gallerioita kaikkialla maailmassa. Maalaustaiteen muodollisilla elementeillä on epämiellyttävä yhteys naivistisen taiteen piirteisiin, erityisesti epäonnistumiseennoudattaa kolmea näkökulman periaatetta.

• Asioiden koko pienenee suhteessa niiden etäisyyteen.
• Värit haalistuvat, kun etäännyt niistä.
• Etäisyyden myötä yksityiskohtien terävyys heikkenee.

Tuloksiin kuuluu, että perspektiivin vaikutukset ovat geometrisesti virheellisiä. Kaikissa sommitelman suunnitelmissa ei ole heikennetty taustaa, ja kuvioita on paljon. Yksityiskohtiin, erityisesti taustan yksityiskohtiin, jotka pitäisi tummentaa pois, kiinnitettiin yhtä paljon huomiota.

Naiivin taiteen tunnusmerkkinä pidetään yksinkertaisuutta, ei niinkään vivahteikkuutta.

Nooan arkki (ennen vuotta 1942) Alfred Wallis; Alfred Wallis, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Koska siitä on kuitenkin tullut niin tunnettu ja tunnustettu tyyli, monet yksilöt voidaan luokitella pseudo-naveiksi tai primitivismiksi. Kun otetaan huomioon autodidaktisuuden nousu koulumenetelmäksi nykyaikana, tiukkaa naiiviutta on harvoin nähtävissä joukossaan nykytaiteilijat .

Elävät taiteilijat eivät ehkä aina hyväksy naiiveja kategorisointeja, mutta tämä todennäköisesti muuttuu, kun arvokkaampia signaaleja tulee saataville.

Liikkeet

Kukaan ei tiedä, milloin ensimmäiset naivistiset maalarit ilmestyivät paikalle, mutta taiteen varhaisimmista ilmenemismuodoista aina "modernin mestariteoksen" päiviin asti naivistiset taiteilijat ovat jättäneet meille kiistattomia merkkejä luovasta toiminnastaan. Joka tapauksessa voidaan sanoa, että naivistisella taiteella on ollut "virallinen" asema 1900-luvun taiteen kronikoissa siitä lähtien, kun vuonna 1912 julkaistiin almanakka Der Blaue Reiter.Almanakan toimittajat, Franz Marc ja Wassily Kandinsky esitteli kuusi kopiota Henri Rousseaun teoksista ja suhteutti ne muihin taiteellisiin esimerkkeihin.

Useimmat asiantuntijat kuitenkin uskovat, että naivistinen maalaustaide "löydettiin" vuonna 1885, kun taidemaalari Paul Signac tunnisti Henri Rousseaun potentiaalin ja alkoi järjestää hänen töitään näytteillepanoja useissa tunnetuissa gallerioissa.

Tiikeri trooppisessa myrskyssä (yllättynyt!) (1891) Henri Rousseaun teos, joka sijaitsee National Galleryssa Lontoossa, Englannissa; Henri Rousseau, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Pyhän sydämen taidemaalarit

Saksalaisen taidekriitikon ja keräilijän Wilhelm Uhden katsotaan järjestäneen ensimmäisen naivistisen taidenäyttelyn Pariisissa vuonna 1928, johon osallistuivat muun muassa André Bauchant, Camille Bombois, Henri Rouseau, Séraphine Louis ja Louis Vivin.

Sacred Heart -taiteilijat olivat heidän yhteinen nimensä.

Kosovski Boj (Kosovon taistelu) Janko Brašić; Slobodan Štetić, CC BY-SA 3.0, Wikimedia Commonsin kautta.

Earth Group

Vuosina 1929-1935 Zagrebissa työskenteli kroatialaisia taidemaalareita, arkkitehtejä ja ajattelijoita käsittänyt Maaryhmä. Ryhmä oli marxilaislähtöinen ja sai osittain vaikutteita "Neue Sachlichkeitista", mikä johti tyylitellympiin muotoihin ja naivististen maalausten luomiseen. Ryhmän taidemaalareihin kuuluivat muun muassa Edo Kovaevi, Krsto Hegedui, Omer Mujadi ja Oton Postrunik sekä kuvanveistäjä ja kuvanveistäjä Oton Postrunik.Frano Krini ja arkkitehti Drago Ibler.

Earth-ryhmä etsi ratkaisuja yhteiskunnallisiin ongelmiin.

Malakanien juhla Niko Pirosmani, joka sijaitsee Sighnaghin museossa Georgiassa; Orfeus , Public domain, Wikimedia Commonsin kautta

Heidän opetussuunnitelmassaan korostettiin itsenäisen luovan ilmaisun arvoa ja vastustettiin samalla ulkomaisten suuntausten ajattelematonta jäljittelyä. He uskoivat, että taiteen tekemisen sijaan taiteen tekemisen vuoksi taiteen tulisi edustaa elämän realiteetteja ja modernin yhteisön tarpeita.

Hiebinen koulu

Noin vuodelta 1930 peräisin oleva ilmaisu, joka liittyy kroatialaisiin naivistimaalareihin, jotka työskentelivät Hlebinen alueella tai sen ympäristössä lähellä Unkarin rajaa. Siellä oli tuolloin vain muutama mutamainen mutkitteleva kuja ja yksikerroksisia rakennuksia, mutta se tuotti niin suurenmoisen sadon maalareita, että siitä tuli melkein synonyymi jugoslavialaiselle naivistiselle maalaustaiteelle.

Hlebine on pieni ja viehättävä kunta Pohjois-Kroatiassa, jossa 1920-luvulla eräät maanviljelijät loivat omaleimaisen ja melko innovatiivisen maalaustyylin.

Domino Players (Juego de Domino) José Rodríguez Fuster; Soydcuba, CC BY-SA 3.0, Wikimedia Commonsin kautta.

Ajan johtavat intellektuellit, kuten runoilija Antun Gustav Mato ja Kroatian kirjallisuuden tunnetuin hahmo Miroslav Krlea, kannattivat omaleimaista, länsimaisista vaikutteista vapaata kansallista esteettistä tyyliä. Näitä ajatuksia noudatti Krsto Hegedui, tunnettu hlebineiläinen kuvataiteilija, joka perusti Hlebine-taidekoulun vuonna 1930 etsiäkseen kansallista "maaseudun luovaa ilmaisua". Ivan Generali oliHlebine-koulun ensimmäinen opettaja ja ensimmäinen, joka loi oman tyylinsä ja saavutti korkean taiteellisen tason.

Toisen maailmansodan jälkeen seuraava Hlebine-taiteilijasukupolvi keskittyi mieluummin tyyliteltyihin, mielikuvitukseen perustuviin maalaiselämän kuvauksiin. Generali pysyi hallitsevana hahmona ja rohkaisi uusia maalareita, kuten poikaansa Josip Generalia.

Huomattavia naivistisia maalauksia

Naiiville taiteelle on ominaista tekniikan ja näkemyksen lapsellinen yksinkertaisuus, minkä vuoksi modernistit, jotka haluavat irrottautua perinteisen järjestelmän sisällä tuotettujen teosten tekaistusta hienostuneisuudesta, ovat ylistäneet sitä.

Henri Rousseau on tunnetuin nykyaikainen naivistinen taiteilija, joten aloitamme yhdellä hänen teoksistaan.

Unelma (1910) kirjoittanut Henri Rousseau

Nuori tyttö on viety viidakkoon, jossa paikallinen muusikko puhaltaa hänelle serenadia puhallinsoittimella. Yadwigha, joka on puoliksi verhoutunut viidakon varjoihin, kurottautuu muusikon puoleen ja katselee kaunista viidakon vehreyttä, jossa on lootuksen terälehdet, papukaijoja, kädellisiä, norsu, kaksi leijonaa ja käärme. Eedenin puutarha-ajattelua vihjaa käärme, joka lähestyy viheriötä.Vaaleanpunainen käärme luikertelee pensaiden läpi, ja sen käärmeen muoto jäljittelee naisen jalkojen ja lantion muotoja.

Tässä teoksessa alaston malli istuu sohvalla, jossa yhdistyvät koti ja eksoottisuus. "Unelma" osoittaa, miksi surrealistit arvostivat Rousseaun maalausta sen hämmästyttävän yksityiskohtien huomion, loistavien värien ja absurdistisen kuvasekoituksen vuoksi.

Unelma (1910) Henri Rousseaun teos, joka sijaitsee New Yorkin modernin taiteen museossa Yhdysvalloissa; Henri Rousseau, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Viidakon kasvillisuus oli maalattu ainakin 22:lla eri vihreän sävyllä. Runoilija ja kriitikko Guillaume Apollinaire oli innostunut taideteoksesta. "Maalaus huokuu kauneutta, se on varmaa", hän huudahti. "Tänä vuonna en usko, että kukaan nauraa."

Aiheen yksitoikkoisuuden vuoksi - nainen makaa alasti sohvalla tropiikissa - tämä kuva on selvästi unta.

On kuitenkin epäselvää, kuvaako teos Yadwighan vai Rousseaun unta. Osa kuvan riemua on kuitenkin siinä, miten vapaasti se on tulkittavissa. Rousseau sai inspiraationsa retkiltään Pariisin luonnonhistorialliseen museoon ja Jardin des Plantesiin, jonka tuloksena syntyi teoksessa näkyvä rehevä viidakko, villieläimet ja salaperäinen torvisoitin: "Kun olen näissä kasvihuoneissa ja näen epätavallisiamuista paikoista peräisin olevaa kasvistoa, tuntuu kuin olisin astunut uneen", taiteilija kertoo vierailuistaan.

Kuoleman alus (1942) kirjoittanut Alfred Wallis

Alfred Wallisin pääkysymys Kuoleman alus on jättiläismäinen musta laiva, josta nousee tummanharmaata höyryä. Laivan liikkuessa jäätävän valkoisen veden yllä nähdään viisi mustiin pukuihin ja lippiksiin pukeutunutta merimiestä. Tämä kuva, joka on otsikoitu osuvasti, on erinomainen esimerkki Wallisin elämänsä loppuvaiheessa luomista teoksista. Ne ilmentävät taiteilijan tuolloin vallinnutta voimakasta melankoliaa.

Wallis teki näitä maalauksia keskellä yksinäisyyttä, kärsi heikkenevästä näöstä ja vakavasta henkisestä rappeutumisesta.

St Ives (noin 1928) Alfred Wallis; Sailko, CC BY 3.0, Wikimedia Commonsin kautta.

Tarkkaa päivämäärää, jolloin Wallis sai nämä viimeiset parannukset valmiiksi, ei tiedetä, mutta ne on tehty joko silloin, kun Wallis asui Madronin köyhäintalossa, tai juuri ennen kuin hänet sijoitettiin sinne, mitä hän oli pelännyt jo pitkään. Kuoleman alus kumoaa käsityksen, jonka mukaan Wallis ei kykenisi "naiivina" taiteilijana tuottamaan syvällistä ja monimutkaista symboliikkaa. Laiva on kuoleman ja tuhon airut, joka kuvaa pikemminkin metaforisesti kuin kirjaimellisesti Wallisin taiteen aiheita.

Se on yhdistelmä niistä kokemuksista, joita Wallis oli kokenut merellä ja St. Ivesin rannikolla.

Rikkinäinen pylväs (1944) Frida Kahlo

Frida Kahlon omakuvissa keskitytään yleensä fyysiseen ja psyykkiseen kipuun sen jälkeen, kun hän loukkaantui vakavasti liikenneonnettomuudessa ollessaan 18-vuotias. Kun hänen terveytensä heikkeni, tämä teema nousi uudelleen esiin ja voimistui huomattavasti hänen elämänsä loppupuolella. Hänen graafiset kuvansa itsestään tuskissaan antavat hätkähdyttävän kuvan hänen taistelustaan fyysisten vaikeuksien ja ahdistuksen kanssa.

Kahlon teos "The Broken Column" syntyi pian sen jälkeen, kun hän oli ollut selkäleikkauksessa. Tämä oli vain yksi monista lääketieteellisistä hoidoista, joita hän joutui elämänsä aikana käymään läpi korjatakseen aiemmasta vammastaan johtuvia ongelmia.

Toisin kuin aiemmin käyttämänsä kipsikipsit, Kahlo joutui käyttämään teräskorsettia maalatessaan. Kahlo nähdään kuvassa autiota ja pirstaleista ympäristöä vasten, joka näyttää käyneen läpi yhtä paljon myllerrystä ja tragediaa kuin taiteilijakin. Hänen selkärankansa on kuvattu hajonneena ja pirstoutuneena joonialaisena kivipylväänä, koska hänen lähes koko pituudeltaan syvä ja rosoinen halkeama-alaston vartalo.

Hänen selkärankansa näyttää olevan romahtamaisillaan erityisesti tyvestä. Erikokoiset kynnet tunkeutuvat hänen koko vartaloonsa ja kasvoihinsa, mikä pahentaa hänen kipuaan. Kyyneleet valuvat hänen poskiaan pitkin vuolaasti.

Kahlo maalasi itsensä aluksi alastomaksi käyttämänsä joustavan lääketieteellisen tukivyön lisäksi, mutta lisäsi sitten valkoisen kirurgisen näköisen peitteen peittämään alapuoliskonsa. Hänen rintansa ovat paljaat, ja hänen aistillisuutensa paistaa läpi ruumiinsa silpomisesta huolimatta. Kynsien ja lakanoiden kuvauksessa on myös vahvoja kristillisen vertauskuvallisen marttyyrikuoleman sävyjä. Kahlon kasvoissa on voiman jaVaikka hänen kehoaan on silvottu ja kidutettu, on selvää, että hänen henkeään ei ole vahingoitettu.

Tähän päättyy tarkastelu lapsellisesta ja epäluonnollisesta tyylistä, joka tunnetaan nimellä naivistinen taide. Termiä käytetään kuvaamaan maalauksia, jotka on tehty enemmän tai vähemmän kehittyneissä kulttuureissa ja joista puuttuvat perinteiset esitystaidot. Värit ovat loistavia ja luonnottomia, perspektiivi on epätieteellinen ja käsitys on lapsellinen tai kirjaimellinen.

Usein kysytyt kysymykset

Mitä on naivistinen taide?

Termi naivistinen taide keksittiin 1800-luvulla (sitä ennen naivistisia kuvia voitaneen pikemminkin luokitella kansantaiteeksi tai yksinkertaisesti epäammattimaisiksi teoksiksi), ja ensimmäinen merkittävä kannattaja oli luultavasti amerikkalainen Edward Hicks. Naivistisesta maalaustaiteesta tuli kuitenkin muotia vasta 1900-luvun alussa. Henri Rousseau oli ensimmäinen naivistinen taidemaalari, joka saija hän on edelleen ainoa, jota pidetään suurena mestarina, mutta monet muutkin ovat ansainneet kunnioitusta. nykytaide .

Mitä on primitivismi?

Ilmaisua käytetään usein vaihdellen naivistisen kanssa, mutta tämä voi olla harhaanjohtavaa, koska primitivismi voi viitata sekä renessanssia edeltävältä ajalta peräisin oleviin maalauksiin että sivistymättömien heimojen taiteeseen. Kansantaide ja sunnuntaimaalari ovat kaksi muuta sanaa, joita käytetään toisinaan vaihdellen. Monet aloittelevat taiteilijat eivät maalaa naivistisella tavalla, joten heillä on omat ongelmansa.