Minimalistinen taide - Tutustuminen minimalistiseen taideliikkeeseen

John Williams 30-09-2023
John Williams

M inimalistinen taide eli minimalistinen taide on kuvataiteen ja muotoilun liike, joka keskittyy taideteoksen ensisijaisiin elementteihin. Se keskittyy taiteen ympärillä olevan tilan valtaukseen ja siihen, miten se on vuorovaikutuksessa katsojan kanssa ja päinvastoin, jättäen pois kaikki tarpeettomat elementit. Minimalismi sai alkunsa ennen kaikkea New Yorkissa 1960-luvun alussa toisen maailmansodan jälkeisenä liikkeenä, vastauksena subjektiiviseen luonteenAbstrakti ekspressionismi.

Johdatus minimalistiseen taiteeseen

Minimalismi Taideliike Se sai alkunsa Amerikassa New Yorkissa 1960- ja 1970-luvuilla, kun jotkut taiteilijat kokivat, että abstraktin ekspressionismin subjektiivisuus oli liian monimutkainen tapa kuvata taidetta.

Abstraktia ekspressionismia pidettiin liian henkilökohtaisena ja taiteilijan tunnetilaa ja sisäistä maailmaa ilmaisevana, ja siveltimien kirjaimellinen käyttö kuvasi taiteilijan sisäistä tilaa. Esimerkkejä tästä tyylilajista löytyy, kun tarkastellaan taiteilijoita kuten Jackson Pollock , Franz Kline ja Willem de Kooning, jotka olivat abstraktin ekspressionismin edelläkävijöitä 1940- ja 1950-luvuilla.

Nuorempi taiteilijaryhmä johti minimalistista taidesuuntausta. He kääntyivät pois abstraktin ekspressionismin jokseenkin kiireisestä itseilmaisusta "sisällyttämällä" tarkoituksella vähemmän taiteeseensa ja luomalla näin minimalistisempia abstrakteja taideteoksia. Kuuluisa sanonta "vähemmän on enemmän" kuvaa minimalistista taidetta - olipa se sitten enemmän tai vähemmän, tässä taidesuuntauksessa on kuitenkin varmasti paljon enemmän.

Minimalistisia ajatuksia parhaiten kuvaavat sanat ovat reduktionistinen, yksinkertainen, puhdas, sileä ja melkeinpä kaikki, mikä ilmaisee taideteoksen perustavanlaatuiset näkökohdat.

Frank Stella on tunnettu taiteilija, taidegrafiikan tekijä ja kuvanveistäjä, hänet tunnetaan yhtenä minimalismin taidesuuntauksen edelläkävijöistä. Valmistuttuaan Princetonin yliopistosta Stella muutti New Yorkiin vuonna 1958. Hän oli mukana abstraktissa ekspressionismissa, mutta oli ristiriidassa sen subjektiivisten ja metaforisten näkökohtien kanssa. Stella työskenteli parikymppisenä asuntomaalarina ja alkoi käyttää maaliaja siveltimillä luodakseen minimalistista taidettaan.

Hän uskoi, että minimalistinen maalaus oli "tasainen pinta, jossa oli maalia - ei mitään muuta", joka kuvasi kirjaimellisesti väriä ja muotoa pinnalla ilman mitään muuta "piilotettua" merkitystä tai muuta "piilotettua" merkitystä. symboliikka joita on nähty aiempien taidesuuntausten teoksissa. Hänen sarjansa nimeltä Mustat maalaukset (1959) kuvaa tätä ajatusta: se koostuu kankaasta, jonka poikki on vedetty mustia viivoja tai kaistoja eri kuvioina, ja kankaan valkoinen tausta on kuvattu samalla tavalla viivoina tai kaistaleina mustan värin välissä.

Frank Stella sai vaikutteita muiden minimalististen taiteilijoiden, kuten Jasper Johnsin ja Barnett Newmanin, teoksista, joiden teokset näyttivät tiloissaan litteämmiltä. Donald Judd , toinen minimalismin taidesuuntaukseen kuuluva taiteilija, julkaisi artikkelin otsikolla Erityiset kohteet vuonna 1965. Juddin ohella myös muut taiteilijat julkaisivat erilaisia artikkeleita, esimerkiksi Robert Morris, joka kirjoitti artikkelin nimeltä Muistiinpanoja veistoksista vuonna 1966 ja Sol LeWitt, joka kirjoitti Kohdat Käsitteellinen taide vuonna 1967.

Edellä mainitut julkaisut pyrkivät kaikki kuvaamaan minimalismin tyyliä ja luonnetta sekä sitä, miten minimalistista taidetta tehdään, estetiikasta ja muodosta lähtien, miten tiettyä taideteosta tulkitaan olosuhteiden ja kontekstin perusteella ja miten ideointi- ja käsitteellistämisprosessi on yhtä tärkeää kuin esteettinen vetovoima.

Minimalismin taiteen perusteet

Vaikka minimalismista tuli hallitseva taidesuuntaus Amerikassa 1960-luvulla, sen periaatteet ja piirteet löytyvät 1900-luvun taidesuuntauksista ja taideteoksista, ja muut lähteet yhdistävät sen 1900-luvun taitteeseen. Incoherents Pariisissa vuonna 1882 järjestetyssä taidenäyttelyssä oli esillä ranskalaisen runoilijan ja näytelmäkirjailijan Paul Billhaud'n maalaus nimeltä Nègresin taistelu tunnelissa (Combat de Nègres dans un Tunnel) ("Negroes Fight in a Tunnel", 1884), joka on väriltään ja sommittelultaan täysin musta.

Samoin Kazimir Malevitšin maalaus nimeltä Musta neliö vuodelta 1915 viittaa myös varhaiseen minimalistiseen maalaustaiteeseen, sillä se on kirjaimellisesti musta neliö valkoisella pohjalla. Musta neliö oli ensimmäinen lisäys Malevitšin tekemien neljän eri teoksen sarjaan. hänen erityisestä taideteoksestaan, Musta neliö Malevitš totesi, että "nollasta, nollassa, alkaa todellinen olemisen liike", ja siirtyi täysin taideteoksen luomisen perusluonteeseen.

Musta neliö (1915) Kazimir Malevich; Kazimir Malevich, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Muut Bauhausin kaltaiset taidesuuntaukset ja De Stijl vaikuttivat minimalistisiin taiteilijoihin erityisesti silloin, kun näiden taidesuuntausten teoksia oli esillä New Yorkissa. Bauhaus-liike sai alkunsa Saksassa vuonna 1919. Taidekouluna se tutki erilaisia minimalistisia maalaustaiteen ideoita, käsitöitä, muotoilua ja myöhemmin arkkitehtuuria keskittyen ajatuksiin toiminnallisuudesta ja estetiikasta.

Hollantilaiset De Stijl -taide liike, joka sai alkunsa Alankomaissa vuonna 1917, keskittyi taiteen luomisen perusasioihin pitäytymällä perusväreissä, joihin kuuluivat vain mustat ja valkoiset. Lisäksi taiteilijat käyttivät ensisijaisesti perustavimpia muotoja ja muotoja vaaka- ja pystytasoilla.

Katso myös: Simone Leigh - Katsaus Simone Leighin taideteoksiin ja veistoksiin

Minimalistisen taiteen tärkeitä käsitteitä

Yksi minimalistisen taiteen tärkeimmistä ominaisuuksista on, että se on kapina ekspressionistisen taiteen ekspressiivistä ja abstraktia luonnetta vastaan, jotkut jopa kutsuvat sitä luonteeltaan kapinalliseksi, koska se pyrkii välittämään täysin värien ja muotojen yksinkertaisimmat ja perustavanlaatuisimmat merkitykset, toisin sanoen se ei aio tehdä mitään muuta merkitystä kuin vain sen, mitä silmällä nähdään - siellä ontaiteessa tai muotoilussa ei ole metaforia tai korkeampaa merkitystä.

Objektiivinen vs. subjektiivinen

Taiteen objektiivinen luonne herää henkiin subjektiivisen luonteen sijaan; taiteilijan henkilökohtainen tulkinta jää niin sanotusti "taka-alalle", ja maalauksen, muodon tai muodon synnynnäinen laatu on minimalistisen taiteen ensisijainen olemassaolon syy. Sellaiset sanat kuin "hylkääminen" tai "kapina" ovat selkeitä minimalistisen taiteen tunnuksia, jotka osoittavat sen radikaalin lähestymistavan yhtenä 1900-luvun taiteenlajeista.liikkeet.

Yksiväriset värit

Toinen minimalistisen taiteen tunnusmerkki on värien käyttö, yksivärisävyjen noudattaminen ja pääväri Tämä tekee teoksesta neutraalimman lähestymistavan, eikä väristä tule enemmän kuin mitä se on. Toisin sanoen värejä ei käytetä henkilökohtaisen ilmaisun välittämiseen, vaan vaikutuksen ja teoksen välittämiseen sellaisena kuin se on.

Kerääntyvä tuska iskee alla... (1982-1983), kirjoittanut John Francis Murphy; John Francis Murphy, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Geometriset muodot ja muodot

Minimalismitaidetta määrittelevät geometriset muodot, olipa kyseessä sitten kankaalle maalattu taide tai veistos. Muodot ovat usein abstrakteja, eivätkä ne aina ole esteettisesti miellyttäviä tai aistikkaita, mutta tämä kaikki tekee minimalismista ja siitä, miten se etääntyy perinteisemmästä tavasta tehdä taidetta ja veistoksia, jotka usein kertovat tarinaa, tai kuten jotkut sanoisivat, kerrontaa.

Tässä tapauksessa muoto tai muoto ei kuitenkaan pyri kertomaan tarinaa, ja tarinan määrittäminen on katsojan tehtävä.

Kaupalliset materiaalit ja taiteelliset materiaalit

Usein minimalistinen taide luotiin tavallisilla kaupallisilla maaleilla, siveltimillä ja erilaisilla muilla teollisilla materiaaleilla. Tämä korostaa entisestään minimalismin periaatteita, joiden mukaan se ei ole henkilökohtaista tai ilmaisuvoimaista, vaan "se mitä näet, on sitä mitä näet", kuten Frank Stella niin osuvasti totesi taiteestaan ja viime kädessä itse minimalistisesta taideliikkeestä.

Minimalistisen taiteen edustus tyyleissä ja medioissa

Minimalistinen taide on edustettuna eri tyylilajeissa, jotka vaihtelevat kuvataiteesta, kuvanveistosta, sisustuksesta, installaatioista ja arkkitehtuurista. Seuraavassa käsitellään sitä, miten tämä taidesuuntaus näyttäytyy näissä tyylilajeissa, ja mainitaan myös merkittäviä taiteilijoita, jotka ovat mukana.

Kuvataide

Kuvataide eli maalaustaide on käynyt läpi satoja vuosia kestäneitä esitystapoja, mutta kun kyse on minimalismimaalauksista, huomaat litteän kaksiulotteisuuden ja geometristen muotojen maailman, ikään kuin kolmiulotteinen esine olisi litistetty kankaalle. Usein nämä maalaukset ovat värimaailmaltaan yksinkertaisia, mutta ne luovat illuusion syvyydestä ja tilasta, mikä puolestaan luo kokoHaluaisit olettaa, että sommitelmalla on merkitystä, mutta se tulee täysin omista ennakkokäsityksistäsi taiteesta.

Ironista kyllä, vaikka minimalistinen taide oli kapinallinen vastaus abstraktille ekspressionismille, monet taiteilijat olivat mukana ja saivat inspiraatiota eri taiteilijoiden maalauksista abstraktista ekspressionismista. Esimerkkinä tällaisesta minimalistisesta taiteilijasta on Barnett Newman, joka loi sommitelmia, joissa väriä levitettiin tasaisesti. Hänen siveltimenjälkensä ei myöskään noudattanut samoja kuvioita, joita näkee monissa muissa taiteilijoissa. abstraktit maalaukset ajasta.

Newman oli myös yksi edelläkävijöistä vuonna Väri kenttämaalaus 1940- ja 1950-luvuilla New Yorkissa. Tässä lähestymistavassa väriä käytettiin eri tavalla, ja maalia levitettiin suurempina, katkeamattomina kuvioina tai muotoina sen sijaan, että teos olisi ollut täynnä tunteita herättäviä siveltimenvetoja. Minimalistitaiteilijat, kuten Frank Stella, tukeutuivat myös värikenttäliikkeen kannattajiin, sillä liikkeet limittyivät läheisesti toisiinsa tuona aikana.

Wasko, Mies yössä (Barnett Newmanille) (1988), kirjoittanut Ryszard Wasko; Ryszard Wasko, CC BY-SA 3.0, Wikimedia Commonsin kautta.

Veistos

Minimalistinen kuvanveisto on suuri osa tätä liikettä, ja esineiden kolmiulotteisuus on hyvä esimerkki siitä, mistä tässä liikkeessä on kyse. Ensisijainen piirre on se, että esineet ovat yksinkertaisia ja muodoiltaan täysin perustavanlaatuisia. Esimerkiksi kuutio on kuutio, ja minimalistiset taiteilijat pyrkivät kuvaamaan esineen puhtaasti sellaisena kuin se on, eikä antamaan sille mitään muuta merkitystä.Lisäksi taiteilijat leikittelivät ajatuksella siitä, miten katsoja näkee esineen sen osien ja niiden muodostaman kokonaisuuden kannalta.

Kun tarkastellaan esimerkkiä kuutiosta, mieleen tulee minimalisti Sol LeWittin sitaatti eräästä hänen kirjoituksestaan, jossa hän sanoi: "kuution mielenkiintoisin ominaisuus on se, että se on suhteellisen epäkiinnostava". Lisäksi minimalistinen veistos on esine, joka on riippumaton sen luoneista taiteilijoista; toisin sanoen se voi seistä yksin eikä tarvitse taiteilijaa antamaan sillemerkitys.

Minimalistisia esineitä on erimuotoisia ja -kokoisia, ja niiden luomisessa käytetään monenlaisia materiaaleja. Taiteilijat käyttivät usein muun muassa muovia, metalleja, kuten alumiinia, puuta, kuten vaneria, lasikuitua ja jopa betonia. Veistoksesta ei tule sentimentaalista, ja laajalti saatavilla olevien materiaalien käyttäminen edesauttaa tätä.

Minimalistisessa veistoksessa on kuitenkin yksi suhde, joka erottuu, ja se on sen suhde tilaan, jonka se ottaa haltuunsa. Joissakin lähteissä sanotaan, että minimalistiset veistokset olisivat usein lattialla tai seisoisivat tiellä. Niin persoonatonta kuin minimalistinen taide onkin, joissakin taiteilijoissa on kuitenkin viitteitä tarkoituksellisesta sijoittelusta, ja ehkäpä tämä on vain kannanottoa eikä mitään muuta.myös vuorovaikutteisuutta, sillä jotkin kappaleet on tehty siirrettäviksi erilaisiin asetelmiin.

Donald Juddin betoniveistos "Untitled" (1984) Chinati-säätiössä; Valokuva:Emanue3Sculpture: Donald Judd, Public domain, via Wikimedia Commons

Löydämme tämän Carl Andren teoksen esimerkeistä. Vipu (1966), joka on 137 palokivirivistö, jotka on sijoitettu neliönmuotoisesti vierekkäin ja näennäisesti kiinnitetty seinän yhdelle puolelle. Robert Morrisin teos Peilikuutiot (1965) on toinen esimerkki minimalistisesta veistoksesta, joka täyttää tilan ja antaa katsojan olla vuorovaikutuksessa sen kanssa. Morrisin neljä kuutiota on sijoitettu yhtä etäälle toisistaan niin, että katsojalla on riittävästi tilaa kävellä niiden läpi ja niiden ympärillä, ja epäilemättä peilien luomat heijastukset lisäävät vaikutusta.

Tämä osoittaa jälleen kerran, että minimalistinen taide on yksinkertaisesti joukko muotoja, materiaaleja, värejä ja tekstuureja, joilla ei ole muuta luontaista merkitystä kuin se, mitä se on siinä tilassa, jonka se täyttää. Kun katsoja on vuorovaikutuksessa sen kanssa, on kyseenalaista, syntyykö sillä merkitystä vai ei.

Sisustussuunnittelu

Edellä esitetyn perusteella minimalistisesta taiteesta ja veistoksesta tulee osa tilaa, jossa se on. Näin ollen se voi parantaa tilaa käyttämällä tätä ominaisuutta sisustussuunnittelun alalla. Riippuen taideteoksen tai, kuten sitä myös kutsutaan, esineen muodosta ja koosta, se voi sopia melkein minne tahansa huoneeseen, oleskelutilaan tai toimistoon - olipa se sitten lattialla, seinällä tai seinää vasten, nurkkaan sijoitettuna,tai jopa jääkaappiin.

Koska minimalistinen taide on monipuolista ja noudattaa muodon ja värin yksinkertaisuutta, se voi lisätä tilan tunnelmaa ja tehdä siitä joko rauhallisen tai särmikkäämmän, riippuen värien ja muotojen käytöstä. Useimmiten minimalistisissa veistoksissa on selkeät, puhtaat ja sileät linjat, reunat ja tekstuurit, jotka täydentävät yhtä lailla muita taideteoksia sisätilassa.

Asennukset

Minimalistisen taiteen installaatiot näkyvät pääasiassa valoinstallaatioina, joissa taiteilijat leikittelevät sillä, miten valo vaikuttaa tilaan, jossa se on. Käyttämällä loisteputkia taiteilijat painottavat valoa enemmän kuin itse putkea luodakseen vaikutuksen. Taiteilija Dan Flavin käytti tätä tekniikkaa sarjassaan nimeltä "Valo ja valo". Kuvakkeet vuonna 1961, joka koostui matalista laatikoista, joiden sivuilla ja reunoilla oli loisteputkia.

Tämä näkyy myös monissa hänen muissa installaatioissaan, joissa hän käyttää tilaa ilmoittaakseen, mihin ja miten hänen installaationsa sopii. Flavin käsittelee valoinstallaatioitaan dokumenttielokuvassa nimeltä Amerikkalainen taide 1960-luvulla Hän sanoo: "Vaikka installaation on näytettävä hyvin vakaalta, se on helposti ymmärrettävissä pienellä hämmentävällä paradoksilla, sillä valaisimet toimivat kulmista ja kulmien kanssa".

Nimetön (Don Juddille, koloristi) 1-5 (1987) Dan Flavin; Grand Parc - Bordeaux, Ranska, Ranska, CC BY 2.0, Wikimedia Commonsin kautta.

Arkkitehtuuri

Minimalismia sovelletaan myös arkkitehtuuriin, ja kuten aiemmin todettiin, siihen vaikuttivat De Stijlin kaltaiset liikkeet, jotka keskittyivät käyttämään suoria pysty- ja vaakasuoria viivoja, jotka olivat muodoltaan ja muodoltaan mahdollisimman yksinkertaisia, olipa kyse sitten maalaustaiteesta tai arkkitehtuurista. Näin ollen minimalistinen taide noudattaa muun muassa De Stijlin ajatuksia. Minimalistisessa arkkitehtuurissa pyritään jättämään pois kaikki elementit, joitarakennuksen, jotka näyttävät "ylimääräisiltä", ja pysyä puhtaasti vain olennaisissa elementeissä, jotka muodostavat rakenteen ja antavat sille sen laadun.

Minimalistinen arkkitehtuuri näyttää usein geometrisilta muodoiltaan ilman koristeita. Lisäksi muodot tai muodot toistuvat paljon, mihin usein viitataan "sarjallisuutena". Tämä tarkoittaa yksinkertaisesti taideteoksen tai esineen elementtien sijoittamista sarjaan, jossa ensisijaisena tavoitteena on yksinkertaisuuden välittäminen.

Tämä johtaa minimalistisen arkkitehtuurin tärkeimpään vaikuttajaan: japanilaiseen kulttuuriin. Minimalistinen arkkitehtuuri on hyödyntänyt monia japanilaisessa ideologiassa esiintyviä käsitteitä, kuten harmoniaa, kauneutta ja hiljaisuutta. Näitä kaikkia sovelletaan rakenteissa ja estetiikassa, jotka johtavat paljaaseen minimiin, mutta tarkoituksenmukaisesti. Saksalainen arkkitehti Ludwig Mies van der Rohe keksi termin "Less is More" kuvaillessaan tapaa, jolla hän luo arkkitehtuurinsa. Hän käytti rakennuksessa vain olennaisia osia, mikä puolestaan saavutti toiminnallisen ja visuaalisen tarkoituksen.

Arkkitehti Arne Jacobsenin suunnittelemat paloportaat Kööpenhaminassa, Tanskassa (1954-1955); seier+seier, CC BY 2.0, Wikimedia Commonsin kautta.

Kuuluisia minimalistisia taiteilijoita

Minimalistisia taiteilijoita on runsaasti, ja jokainen heistä on ainutlaatuinen siinä, miten he kuvaavat ja sijoittavat maalauksiaan, veistoksiaan ja "esineitään" maailmaan. Seuraavassa käsittelemme vain muutamaa merkittävää taiteilijaa, jotka viitoittivat tietä minimalismille taidesuuntauksena. Nämä taiteilijat eivät ole tunnettuja ainoastaan minimalistisista ja "esineistään". abstrakti taide , mutta myös heidän panoksensa radikaalien uusien ideoiden ja teorioiden esittämiseen taiteelle 2000-luvulla.

Donald Judd (1928-1994)

Donald Judd oli yhdysvaltalainen taiteilija, taidekriitikko ja teoreetikko. Palvelettuaan armeijassa hän opiskeli vuodesta 1948 alkaen lukuisissa yliopistoissa, suoritti filosofian kandidaatin tutkinnon ja jatkoi teoreettisia opintojaan taidehistorian maisterin tutkinnolla. Judd uskoi kiihkeästi siihen, että taiteen on oltava riippumatonta taiteilijasta ja taideteoksen vuorovaikutuksesta fyysisen tilan tai ympäristön kanssa.oli hänen työnsä ja filosofiansa keskeinen piirre.

Judd käytti taiteessaan teollisia materiaaleja, esimerkiksi terästä, pleksilasia, muovia ja rautaa. Näiden materiaalien yhdistelmä loi taideteokseen persoonattoman tunnelman. Tämä oli myös hyvin erilainen kuin abstraktissa ekspressionismissa nähty henkilökohtainen tunnelma. Ironista kyllä, Judd ei pitänyt itseään minimalistina, vaan sen sijaan hän tavoitteli ympäristöönsä sijoitettujen esineiden tärkeyttä ja sitä, kuinkaympäristö itse ilmoitti objektille.

Juddin teoksiin kuuluu muun muassa hänen varhainen teoksensa nimeltä Untitled (1968), joka on alumiininen suorakulmio, jossa on ruskea Vaikka Judd loi maalauksia, häntä veti enemmän kuvanveisto, sillä hän uskoi, että tila oli tärkeämpi kuin maaleilla kankaalle luotu tila. Juddin muita Untitled (1972) teos on toinen kuparista valmistettu laatikkomainen muoto, jonka sisäpuoli on värjätty täysin punaiseksi. Puulattialle asetettuna metallin kylmyys muuttuu kutsuvammaksi ja lämpimämmäksi puun heijastuksen ansiosta.

Juddin Untitled (1973) hän loi sarjan kuutta pleksilasista ja messingistä valmistettua laatikkoa, jotka oli sijoitettu vierekkäin vaakasuoraan ja samassa etäisyydessä toisistaan. Muodojen sarjamuotoinen sijoittaminen vierekkäin on toistuva teema Juddin teoksissa, ja se korostaa hänen aikomustaan luoda tietynlaista liikettä muotojen, materiaalien ja niiden värien yhteispelistä.

Nimetön (DJ 85-51) (1985), Donald Juddin maalattu alumiiniveistos; Wmpearl, CC0, Wikimedia Commonsin kautta.

Judd viittasi teoksiinsa "erityisiksi esineiksi" - itse asiassa hänen samanniminen esseensä pyrki kuvaamaan sitä, miten minimalistista taidetta tehdään ja miten esineet ovat maalauksen ja veistoksen modaliteettien välissä, näennäisesti päällekkäin niiden käytössä. Termi "erityisiksi esineiksi" viittaa esineeseen, jota ei kutsuta veistokseksi tai maalaukseksi, vaan pelkästään "esineeksi", joka on luotu.jolla on tietty muoto, kohdistus ja sijoittelu.

Tämä muutos nimikkeistössä on uraauurtava ja selkeä kannanotto pois perinteisistä taideteosten nimeämiskäsityksistä.

Sol LeWitt (1928-2007)

Sol LeWitt syntyi Amerikassa ja opiskeli kuvataiteen kandidaatin tutkinnon Syracusen yliopistossa vuonna 1949. Lisäksi hän sai matkoillaan Euroopassa tutustua vuosisatojen takaiseen rikkaaseen taidehistoriaan ja taiteilijoihin. Sotapalveluksen jälkeen hän avasi oman taidestudionsa vuonna 1953 New Yorkissa samalla kun hän opiskeli School of Visual Artsissa. Hänen koulutuksensa ja uransa on ollut pääosin taiteentiloissa, aina MOMA:n (Museum of Modern Art) virkailusta tunnetun arkkitehdin I.M. Pein graafisena suunnittelijana työskentelyyn.

LeWitt on ollut merkittävä taiteilija ei vain minimalistisen taiteen liikkeen Vaikka hänet tunnetaan maalauksistaan, hänen veistoksensa ja installaationsa ovat hallinneet taidetilaa sekä kirjaimellisesti että kuvainnollisesti. Hänen rakennelmansa vaihtelevat kooltaan ja muodoltaan, vaikka hänen vaikutteensa onkin peräisin kuution muodosta, jonka huomaa helposti hänen teoksiaan katsellessa.

LeWittin Seinärakenne Sininen (1962) kuvaa pientä neliötä suuremman neliön sisällä, joka on myös kankaan muoto. öljymaalaus Tässä teoksessa LeWitt ei tuhlaa liikaa värejä ja pitää muodon mahdollisimman yksinkertaisena. Teosta pidetään leikkinä perinteisille taideteoksille ja konvention idealle, jota korostaa entisestään neliön keskellä oleva punainen napakymppi.

Seisova avoin rakenne Musta (1964) on rakenteellinen esimerkki LeWittin aiemmista installaatioista. Se viittaa teoksen minimiin, sillä siinä näkyy vain runko, tai kuten sitä yleisesti kutsutaan, "luuranko". Huomaamme, että kuution muoto on toistuva teema tässä luurankorakenteessa, samoin kuin se, että hänen teoksensa muistuttaa ihmisen kokoista muotoa, sillä se on 96 tuumaa korkea.

LeWitt käytti usein terästä tai alumiinia, mutta myös häkää ja betonia muiden installaatioiden luomiseen. Esimerkkinä tästä on hänen teoksensa nimeltään Kuutio vuodelta 1985, joka on tehty sementistä Baselin puistossa Sveitsissä. LeWitt uskoi taideteoksen idean syntyyn ja tutki teoksen idean ja sen yhteyttä taiteilijaan. Hän uskoi lisäksi, että idea on yksi taideteoksen tärkeimmistä osista.

Sol LeWittin Nelipuolinen pyramidi (1965) National Gallery of Artin veistospuutarhassa; David Washingtonista, DC, CC BY 2.0, Wikimedia Commonsin kautta.

Robert Morris (1931-2018)

Robert Morris syntyi Kansasissa, mutta asui suurimman osan elämästään New Yorkissa. Hän oli moniulotteinen minimalistinen taiteilija ja häntä pidetään keskeisenä minimalismin teoreetikkona. Hän oli erikoistunut kuvanveistoon, käsitetaiteeseen, installaatioihin ja erilaisiin muihin taidemuotoihin, kuten Maataide Morris on opiskellut tekniikkaa, taidetta ja filosofiaa eri yliopistoissa Kansasissa ja Oregonissa.

Morrisin veistoksissa tutkittiin yksinkertaisia geometrisia muotoja suuressa mittakaavassa, kuten kuutioita ja erilaisia suorakulmaisia muotoja. Katsojasta tuli osa prosessia sen suhteen, miten hän oli vuorovaikutuksessa taideteoksen kanssa, erityisesti kävellessään suuren teoksen ympärillä. Robert Morris kirjoitti vuonna 1966 esseen otsikolla Muistiinpanoja kuvanveistosta , jossa tutkitaan edellä mainittua prosessia, jossa katsellaan rakennetta ja ollaan vuorovaikutuksessa sen kanssa, ja sitä, miten katsoja tulkitsee sitä "intuitiivisesti".

Labyrintti (1999) Robert Morris; Adrián Estévez (Estevoaei), CC BY-SA 4.0, Wikimedia Commonsin kautta.

Laatikko, jossa on oma ääni (1961) on puinen kuutio tai laatikko, jossa on äänitallenne sen valmistuksen äänistä: äänitys kestää kolme ja puoli tuntia. Tämä teos havainnollistaa ja osoittaa taideteoksen yksinkertaisuuden ja perusluonteen yhdessä sen valmistusprosessin kanssa.

Toinen Morrisin teos on hänen Nimetön (L-palkit) Nämä kolme rakennetta ovat materiaaliltaan ja muodoltaan yksinkertaisia ja pelkistettyjä, eikä niillä ole muuta merkitystä kuin että ne ovat vain kolme vierekkäin aseteltua puukappaletta, ja ne ovat siten esimerkkinä minimalistisen taiteen luonteesta ja taiteilijan ja teoksen välisestä suhteesta.

Dan Flavin (1933-1996)

New Yorkin Jamaikalla syntynyt Dan Flavin kasvoi katolisissa kouluissa ja palveli veljensä kanssa Yhdysvaltain ilmavoimissa vuosina 1954-1955. Tänä aikana hän opiskeli taidetta Marylandin yliopistossa Koreassa ja jatkoi taideopintojaan Hans Hofmannin kuvataidekoulussa New Yorkissa vuonna 1956. Hän opiskeli myös taidehistoriaa New School for Social Researchissa ja FineTaide (maalaus ja piirustus) Columbian yliopistossa.

Flavin sai vaikutteita myös abstraktin ekspressionismin ajatuksista, ja hän tutki erilaisten medioiden käyttöä ja käytti usein kadulta löytyviä tölkkejä kollaaseissaan. Flavin on tunnettu installaatioistaan, joissa hän käytti erityisesti loisteputkia ja hehkulamppuja. Kuvakkeet sarja kuvaa kahdeksaa neliönmuotoista teosta, jotka hän on tehnyt eri puulajeista ja joiden sivuilla on hehkulamppuja.

Muita keskeisiä teoksia ovat hänen Henkilökohtaisen ekstaasin diagonaali (Diagonaali 25. toukokuuta 1963) , joka kuvaa keltaista loisteputkea, joka melkein ulottuu lattiasta vinossa seinälle ja näyttää kasvavan kuin köynnös, mutta tässä tapauksessa se on valo. Teos on tehty romanialaisen taidemaalarin ja kuvanveistäjän ja modernin kuvanveiston edelläkävijän Constantin Brâncuşin kunniaksi.

Flavinin valoinstallaatioissa tutkitaan tilan, värin ja valon keskinäistä suhdetta, ja hän käytti tätä medioiden yhteispeliä eri paikoissa galleriatilassa, mukaan lukien erilaisten muotojen kokoaminen. Muita esimerkkejä tästä ovat hänen Greens Crossing Greens (1966), joka kuvaa kokoelmaa, tai kuten Flavin sitä kutsui, "estettä", joka koostuu loisteputkista, jotka näyttävät suurilta vihreiltä aidoilta, jotka risteävät toistensa kanssa.

Dan Flavinin taideinstallaatio, Untitled (1980); Kmtextor, CC BY-SA 4.0, Wikimedia Commonsin kautta.

Katso myös: Kuuluisia Ranskan vallankumouksen maalauksia - Ranskan vallankumouksen taide

Carl Andre (1935 nykyhetkeen)

Carl Andre on yhdysvaltalainen kuvanveistäjä ja kuvataiteilija. Hän opiskeli Phillips Academyssa Andoverissa ja muutti armeijan jälkeen New Yorkiin vuonna 1956. Hän on tunnettu veistoksistaan, jotka näyttävät ruudukkomaisilta ja rakenteeltaan lineaarisilta. Hänen geometriset kuviot on yleensä luotu lattialle, jolloin niistä tulee teoksen alusta tai sokkeli, ja ne houkuttelevat katsojia paneutumaan teokseensaeri tavalla kuin perinteisemmällä tavalla katsomalla maalausta tai kävelemällä rakennuksen ympärillä.

Andre kutsuu itseään "materialistiksi", koska hän käyttää laajasti erilaisia materiaaleja ja tutkii kunkin käyttämänsä materiaalin olemusta, joka vaihtelee tiilien, levyjen, harkkojen ja erilaisten teollisuuspohjaisten materiaalien välillä. Menetelmä, jota Andre käyttää rakenteidensa luomisessa, muistuttaa enemmänkin rakentamisprosessia, ja hän luo nämä rakenteet sen mukaan, missä ympäristössä ne ovat,joka puolestaan vaikuttaa sen kokoon ja muotoon.

Carl Andren veistos, 43 Roaring forty (1968) KMM:ssä Otterlossa Alankomaissa; Gerardus, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta

Frank Stella (1936 nykypäivään)

Frank Stella on Amerikkalainen taiteilija erikoistunut maalaukseen, taidegrafiikkaan ja kuvanveistoon. Hän valmistui Princetonin yliopistosta pääaineenaan historia. Hänet tunnetaan hyvin osallistumisestaan minimalismiin, mutta hän on ollut myös osa Clement Greenbergin Post-Painterly Abstraction -näyttelyä, joka korosti avoimempia ja selkeämpiä pintoja vastakohtana abstraktille ekspressionismille ominaisten näennäisesti ruuhkautuneiden pintojen sijaan.liikkuminen.

Vaikka vaikutteita abstrakteilta ekspressionisteilta kuten Jasper Johns ja Barnett Newmanin kanssa, kun hän muutti New Yorkiin vuonna 1958, Stellan abstrakteissa teoksissa ei ollut samanlaisia metaforisia ja metafyysisiä sävyjä kuin monien abstrakti ekspressionistien teoksissa. Eräitä hänen keskeisiä teoksiaan ovat olleet hänen Mustat maalaukset (1959) sarjassa, esimerkiksi, Die Fahne Hoch! (1959), joka tarkoittaa "korotettu lippu".

1960-luvulla Stella otti käyttöön lisää värejä paletissaan sekä leikitteli erilaisilla käyrillä ja kankaiden muodoilla. Hän alkoi käyttää kupari- ja alumiiniväriä ja käytti kankaita muissa muodoissa, kuten U- tai L-muodossa. Esimerkkinä tästä on hänen teoksensa Epäsäännöllinen monikulmio ja Suuntima sarjan, joka on saanut inspiraationsa Lähi-idän ympyränmuotoisista kaupungeista, joissa hän on vieraillut.

Frank Stellan kukkien muotoinen teräsveistos, Amabil (1995), joka sijaitsee POSCO-keskuksen ulkopuolella Soulissa, Etelä-Koreassa; Ian Muttoo Mississaugasta, Kanadasta, CC BY-SA 2.0, Wikimedia Commonsin kautta.

Minimalistista taidetta 1900-luvun jälkeen

Post-minimalismi syntyi 1960-luvun lopulla ja 1970-luvun alussa, ja termin otti käyttöön taidekriitikko ja taidehistorioitsija Robert Pincus-Witten. Niin paljon kuin se olikin vastareaktio joihinkin minimalismin periaatteisiin, se sisälsi elementtejä ja vaikutteita liikkeestä. Taiteilijat loivat erilaisia taideteoksia, joista jotkut painottivat tarkoituksellisemmin taiteen perinteistä, ekspressiivistä luonnetta, ja jotkut taiteentäysin persoonattomia aineellisessa esityksessään.

Kuten kaikki päättyy, niin myös minimalistinen taidesuuntaus 1960-luvun loppupuolella. Monet taiteilijat jatkoivat kehittymistään omilla ainutlaatuisilla taiteilijamatkoillaan eivätkä sitoutuneet pysymään tietyn taidesuuntauksen piirissä. Tämä ei kuitenkaan pysäyttänyt sitä, mitä minimalismi taiteessa tarkoitti, ja lopulta se loi uusia perusteita ja ponnahduslaudan taiteelle ja taiteilijoille, jotka menevät 21. vuosisadalle.vuosisadalla, ja se ulottui moniin muihin taidemuotoihin, kuten musiikkiin, kirjallisuuteen ja elokuviin.

Tutustu minimalismitaiteen webstoryyn täällä!

Usein kysytyt kysymykset

Mitä on minimalistinen taide?

Minimalistinen taide, josta käytetään myös nimitystä minimalismi, syntyi taidesuuntauksena 1960-luvun alusta 1970-luvun alkuun. Siihen kuului joukko nuorempia ja vanhempia taiteilijoita, jotka asuivat pääasiassa New Yorkissa. Se syntyi vastareaktiona edeltäjänsä abstraktin ekspressionismin ekspressiivisempään ja metafyysisempään luonteeseen. Siksi siitä käytetään myös nimitystä minimalistinen abstrakti taide.että abstrakti ekspressionismi on vaikuttanut myös moniin taiteilijoihin.

Mikä on minimalismin merkitys taiteessa?

Minimalismi taiteessa tarkoittaa siirtymistä pois perinteisistä käsityksistä, joiden mukaan taiteen on tarkoitettava jotakin enemmän kuin mitä se on. Katsojia rohkaistaan näkemään taideteos sellaisena kuin se on ja miten se täyttää tilan. Usein minimalistiset taideteokset luodaan yksinkertaisuudella ja minimaalisilla muodoilla ja viivoilla, jolloin teos pelkistetään vain olennaisiin ominaisuuksiinsa.

Mitkä ominaisuudet määrittelevät minimalistisen taiteen?

Minimalistisen taiteen ominaispiirteet keskittyvät enemmän monokromaattisten värien käyttöön. Näitä värejä on yleensä vain yksi tai kaksi, mukaan lukien mustan ja valkoisen hallitseva käyttö. Mukana on erilaisia geometrisia muotoja, kuten neliöitä ja suorakulmioita, jotka on sijoitettu toistensa rinnalle toistuviin sekvensseihin, jota kutsutaan sarjallisuudeksi. Muita ominaisuuksia ovat "esineiden" sijoittaminen pysty- ja vaakasuorille tasoille,usein myös lattia sokkelien sijasta, ja niissä käytetään teollisia materiaaleja, kuten puuta, metallia, muovia, betonia ja valoja.

John Williams

John Williams on kokenut taiteilija, kirjailija ja taidekasvattaja. Hän suoritti Bachelor of Fine Arts -tutkinnon Pratt Institutesta New Yorkissa ja jatkoi myöhemmin maisterin tutkintoa Yalen yliopistossa. Yli vuosikymmenen ajan hän on opettanut taidetta kaiken ikäisille opiskelijoille erilaisissa koulutusympäristöissä. Williams on esittänyt taideteoksiaan gallerioissa ympäri Yhdysvaltoja ja saanut useita palkintoja ja apurahoja luovasta työstään. Taiteellisen harrastuksensa lisäksi Williams kirjoittaa myös taiteeseen liittyvistä aiheista ja opettaa taidehistorian ja -teorian työpajoja. Hän on intohimoinen kannustaa muita ilmaisemaan itseään taiteen kautta ja uskoo, että jokaisella on kykyä luovuuteen.