Renessanssiaika tunnetaan sen kiihkeästä taiteellisesta panoksesta Euroopan historiaan. Ajanjakso, joka muodostui lukemattomista poikkeuksellisista taideteoksista, Leonardo da Vincin kaltaisista Mona Lisa osoitteeseen Aatamin luominen Renessanssiliike vaikutti myöhempiin liikkeisiin ja inspiroi merkittävästi taiteen kehitystä. Tässä artikkelissa tutustumme 10 kuuluisimpaan renessanssiajan muotokuvaan, jotka on tehty 1400-1700-luvuilla.

Renessanssin muotokuvia

Renessanssiliike, joka ulottui Euroopassa 1300-1700-luvuille, keskittyi kuvauksissaan realismiin, kun se siirtyi keskiajan abstrakteista muodoista. Renessanssitaiteen muotokuvat esittivät ihmisiä heidän todellisessa muodossaan ja heijastivat humanistisen liikkeen kehitystä.

Taideteokset eivät olleet erityisen ylellisiä, ja itse asiassa useimpien renessanssin muotokuvien taustat olivat melko yksinkertaisia. Maalauksen keskiöön nousi aihe. Taiteilijat maalasivat realistisia kuvia heille poseeraavista ihmisistä, eivätkä vain tallentaneet heidän piirteitään vaan esittivät elävän kuvan edessä olevasta henkilöstä.

Renessanssin aikana otettiin käyttöön öljyvärimaalaus, josta tuli lopulta taiteilijoiden standardi kaikkialla maailmassa, toisin kuin temperamaalaus, joka oli ollut aiempi taiteellinen standardi.

Aikaisemmin muotokuvia oli olemassa osana suurempia sävellyksiä, kuten raamatullisia tai historiallisia kertomuksia, sitten se oli 1400-luvun aikana, että Renessanssin taide Vaikka renessanssiajan muotokuvamaalaukset kuvasivat usein korkeamman yhteiskunnallisen aseman omaavia ihmisiä, tämän liikkeen aikana ensimmäistä kertaa historiassa periaatteessa kuka tahansa saattoi teettää itsestään muotokuvan, kunhan vain pystyi maksamaan siitä.

10 kuuluisinta renessanssin muotokuvaa

Muotokuvataide kukoisti humanistisen liikkeen nousun myötä renessanssin aikana. Tämä palautti antiikin klassisen ihmiskäsityksen ja korosti yksilön kehittymistä, ja kuvaukset olivat erottuvia. Ihmisfiguurien tarkkaan kuvaamiseen kiinnitettiin enemmän huomiota. Taiteilijat keskittyivät realistisuuteen ja pukujen yksityiskohtaiseen kuvaamiseen.Muotokuvan elpyminen renessanssin aikana johti siihen, että taiteilijat saivat aikaan runsaasti taiteellista panosta, jota juhlitaan edelleen. Tässä on luettelo 10 kuuluisimmasta renessanssin muotokuvasta.

Mies punaisessa turbaanissa (1433) Jan van Eyckin teos

Jotkut tutkijat ovat pitäneet Jan van Eyckiä modernin muotokuvan uranuurtajana, koska hän on kuvannut seuraavat henkilöt Mies punaisessa turbaanissa . On esitetty, että arvoituksellinen maalaus on kuuluisan taiteilijan omakuva, joka edusti uutta lajityyppiä. Renessanssin kuuluisista muotokuvamaalauksista van Eyckin innovatiivista kohteen asennon sijoittelua pidetään yhtenä ensimmäisistä esimerkeistä kolmen neljäsosan näkymästä.

Kohteen katse on suunnattu katsojaan, mikä viittaa siihen, että van Eyck oli keskittynyt luomaan omaa kuvaansa.

Muotokuva miehestä punaisessa turbaanissa (1433) Jan van Eyck; Jan van Eyck, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Renessanssin aikana keksitty omakuvan tyylilaji, jonka mies itse keksi, osoitti taiteilijan tyyliä ja lahjakkuutta. Kohteen näyttävä punainen turbaani tummaa taustaa vasten luo silmiinpistävän kontrastin. Jos katsot tarkkaan, huomaat uskomattoman yksityiskohtaiset eloisat korostukset siellä, missä materiaalin poimut vangitsevat valoa, ja tummia varjoja rypyissä - nämä olivathyvin ominaista van Eyckin taiteelliselle tyylille.

Jan van Eyck kykeni saavuttamaan erinomaisen monimutkaisen realismin, jota ei ollut aiemmin tunnettu renessanssin muotokuvamaalausten taiteessa.

Hänen ihmislihan kuvauksensa oli niin naturalistinen, että vaikutti siltä, kuin hän olisi luonut uuden taiteellisen välineen. Van Eyckin keksinnöksi öljyvärimaalauksen teki taidehistorioitsija ja firenzeläinen taidemaalari Van Eyck. Giorgio Vasari 1500-luvulta; tämä myytti jatkui 1800-luvulla. Vaikka myytti kumottiin, häntä on sittemmin kutsuttu "öljymaalauksen isäksi".

Arnolfini-muotokuva (1434), Jan van Eyckin maalaus

Toinen Jan van Eyckin maalaus, jota kunnioitettu Jan van Eyck on tehnyt, koska hänen huolellista työtään ihailtiin suuresti, on seuraava. Arnolfini-muotokuva, Jan van Eyckin kaksoismuotokuvaa pidetään yleisesti yhtenä Euroopan taiteen historian kiehtovimmista maalauksista. On esitetty, että Jan van Eyckin kaksoismuotokuva esittää italialaista kauppiasta Giovanni di Nicolao di Arnolfiniä ja hänen vaimoaan Costanzaa.

Van Eyckin maalaus on yksi renessanssin kuuluisimmista muotokuvista, eikä se ole mitenkään yksinkertainen, vaan sen tarkoituksena on tietoisesti välittää erilaisia viestejä kuvattavistaan.

Arnolfini-muotokuva (1434) Jan van Eyck; Jan van Eyck, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Van Eyck valitsi tarkkaan jokaisen esineen, jonka hän sisällytti Arnolfini-muotokuva pariskunnan yhteiskunnallisen aseman ja varallisuuden osoittamiseksi jäljittelemättä kuitenkaan aristokratian asemaa. Mieshenkilö Giovanni nostaa kätensä ylös näennäisesti tervehdykseksi. Hämmästyttävää kyllä, näiden kahden kohteen välissä olevalla takaseinällä on kupera peili, jossa näkyy kaksi huoneeseen astuvaa miestä, joista toisella on käsi koholla.

Kysymys kuuluu, voisiko peilissä oleva mies olla itse van Eyck, jota hänen palvelijansa hoitaa? Suoraan peilin yläpuolella on van Eyckin allekirjoitus.

Jos katsot tarkkaan, maalauksesta paljastuu sen uskomaton yksityiskohtaisuus, joka osoittaa van Eyckin mestarilliset taidot. Huomaa Giovannin vasemmalla puolella olevat appelsiinit, jotka heijastavat ikkunan kiillotettua puuta. Sängyn vieressä roikkuvien helmien ohella ne heijastavat sekä heijastuksia että varjoja takana olevaan seinään. Jan van Eyck hyödynsi öljyvärimaalausta ja sen eri tekniikoita.sallittu, mikä auttoi häntä kuvaamaan hahmoja ja esineitä yksityiskohtaisesti ja syvillä, täysillä väreillä.

Naisen muotokuva (c. 1435) esittäjä Robert Campin

"Flémallen mestariksi" kutsuttu flaamilainen taiteilija Robert Campin oli yksi flaamilaisen maalaustaiteen varhaisimmista mestareista ja johtajista. Campinin Naisen muotokuva (n. 1435) kuuluu pariin vaikuttavaan muotokuvapariin nimeltä Mies ja nainen, joiden oletetaan muodostaneen siivet... diptyykki Tästä kertoi kunkin maalauksen marmoroitu kääntöpuoli, joka viittaa siihen, että niitä ei ollut tarkoitettu seinää vasten ripustettaviksi.

Miehen ja naisen muotokuvien uskotaan esittävän avioparia.

Miehen muotokuva (c. 1435) Robert Campin; Robert Campin, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Naisen muotokuva on erityisen mielenkiintoinen; Campinin taiteellinen sommittelu sijoittaa hänen vasemman silmänsä maalauksen keskelle, mikä antaa hänelle hallitsevan aseman katsojan ja kuvatilan silmissä.

Campinin käyttämät värit olivat melko hillittyjä; pääasiassa valkoista, mustaa ja ruskeaa, mutta hän pystyi silti välittämään tytön optimistisen ja voimakkaan persoonallisuuden.

Kohteen iho on sileä, ja hänen kirkkaat silmänsä ovat avoinna. Hänen silmänsä ovat kulmissa ylöspäin kaartuvat, ja tätä jäljittelevät ja vahvistavat hänen päähineensä kaarevuudet ja poimut. Tausta on täysin piirteetön.

Naisen muotokuva (c. 1435) Robert Campin; Robert Campin, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Kohteen asettaminen kiinteää mustaa taustaa vasten saa hänet näyttämään kolmiulotteiselta ja eläväiseltä. Hän on hyvin pukeutunut, mutta hänen vaatteensa eivät ole liian rikkaat, mikä viittaa siihen, että pariskunta oli varakas kaupunkilainen. Vaikka Campinin työt ovat melko hyvin dokumentoituja, kun otetaan huomioon hänen menestyksekäs uransa, yksikään hänen teoksistaan ei ole päivätty tai signeerattu, joten varmuus siitä, että nämä ovat hänen teoksiaan, ei ole tarkka.Maalauksen osoittaminen Campinille perustuu tyylillisiin syihin.

Muotokuva miehestä ja naisesta Casementin luona (n. 1435 - 1440), Filippo Lippi

Mitä tulee Italian renessanssi muotokuvia, Filippo Lippin Muotokuva miehestä ja naisesta Casementin luona oli hyvin innovatiivinen aikansa. Maalaus osoittaa tyypillistä tyyli muotokuvan alkaen varhaisrenessanssi se heijasteli klassisen antiikin heräämistä henkiin kuvaamalla kohteen profiilin. Muotokuva miehestä ja naisesta Casementin luona on varhaisin säilynyt esimerkki kaksoismuotokuvasta Italiasta.

Kun muotokuvassa oli kohteen profiili, taiteilijan mahdollisuudet kuvata kohteen kasvojen ilmeitä olivat rajalliset.

Siksi taiteilija mukautuisi käyttämällä symboliikkaa kuvaamaan aiheen ominaisuuksia. Lippin teoksessa Muotokuva miehestä ja naisesta Casementin luona, hän kuvasi kohteensa vaaleaihoisena, kalliisiin vaatteisiin puettuna edustamaan tämän puhtautta ja rikkautta. Lippin kuvaus kauneudesta merkitsi tämän hyveellisyyttä. Kohteiden arvellaan olevan Angiola di Bernardo Sapiti ja Lorenzo di Ranieri Scolari, jotka avioituivat vuonna 1439.

Muotokuva naisesta ja miehestä ikkunan luona (n. 1440) Filippo Lippi; Filippo Lippi, CC0, Wikimedia Commonsin kautta.

Lippin renessanssityylisessä muotokuvassa kohde on kotiympäristössä, ja se on itse asiassa varhaisin esimerkki muotokuvasta, jossa kohde on kotiympäristössä ja jossa näkymä paljastaa maiseman. Se oli todennäköisesti yksi ensimmäisistä häämuotokuvista.

Koehenkilöiden katseet eivät kohtaa toisiaan, sillä katse oli vaatimattomuuden merkki.

Avioliitto merkitsi sitä, että naisesta tulisi osa aviomiehen taloutta, kuten Lippin renessanssityylisen muotokuvan sommittelun lisäksi osoittaa myös Scolarin vaakuna, josta Lorenzo pitää kiinni. Angiolan hihaan on kirjailtu tunnuslause, lealta, tarkoittaa "uskollisuutta".

Lippi sisällytti maalauksiinsa taitavasti topografisia elementtejä, kuten Angiolan takana olevassa ikkunassa näkyy. On kuin hän dokumentoisi Scolarin perheen omaisuutta, johon kuului maisemasta näkyvä omaisuus, hienoja koruja ja hyveellinen vaimo. Muotokuva miehestä ja naisesta Casementin luona oli erittäin vaikutusvaltainen teos italialaisen renessanssin muotokuville, jotka seurasivat sitä. Lippin nerokkuus tunnustettiin hänen mestarillisessa sommittelussaan, värityksessään ja koristeellisissa yksityiskohdissaan.

Nuoren tytön muotokuva (n. 1465 - 1470), tekijä Petrus Christus

Petrus Christus oli varhaisalankomaalainen taidemaalari, ja hänen teoksensa on yleisesti katsottu olevan yksi upeimmista. Pohjoinen renessanssi muotokuvamaalauksia, Nuoren tytön muotokuva Mitä tulee renessanssin aikaisiin kuuluisiin muotokuviin, Nuoren tytön muotokuva merkitsi merkittävää tyylillistä edistystä nykyaikaisessa muotokuvataiteessa.

Tunteeton istuja katsoo suoraan katsojaa arvoituksellisella katseella, hän on viehättävä mutta näennäisen hauras, ja hän on sijoitettu vaatimattomaan, lähes kolmiulotteiseen asetelmaan, joka antaa hänen monitahoisen ilmeensä hallita kehystä.

Nuoren tytön muotokuva (n. 1465 - 1470) Petrus Christus; Petrus Christus, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Christus irrottautui perinteistä, kun hän käytti perinteisen tumman taustan sijasta realistista ilmavaa taustaa, joka olisi helposti voinut olla tytön koti. Nuorella tytöllä on kalliita koruja ja vaatteita, ja hänen itsevarmuutensa viittaa hänen aatelisuuteensa. Hänen kiehtovaa katsettaan korostaa hänen silmiensä hienovarainen vääränlainen asento, jota kehystävät hänen heikosti nypityt kulmakarvansa.

Oli suhteellisen ennenkuulumatonta, että maalauksen kohde tunnusti yleisönsä, jopa italialaisissa renessanssiajan muotokuvissa, mitä jotkut tutkijat kuvailivat hermostuttavaksi.

Christusin kuvaus nuoresta tytöstä, jonka opaalinhohtoinen iho ja intensiivinen katse hänen Nuoren tytön muotokuva, oli erittäin vaikutusvaltainen sen valmistumista seuranneina vuosikymmeninä, ja sitä pidettiin esikuvana myöhemmille renessanssin kuuluisille muotokuvamaalauksille. Vaikka kuvatun henkilöllisyydestä tiedetään hyvin vähän, hänen valaiseva läsnäolonsa ja selkeä kauneutensa erottavat tämän taideteoksen muista. Nuoren tytön muotokuva on harvinainen ihme, joka muodostaa Christuksen mestariteoksen.

Mona Lisa (n. 1503 - 1506) Leonardo da Vinci

Tämä on tullut tunnetuksi nimellä maailman kuuluisin maalaus Francesco Del Giocondo tilasi Leonardo da Vincilta mestariteoksen vaimostaan Lisa Gherardinista. Mona Lisa on tunnustettu yhdeksi renessanssin aikakauden arvostetuimmista muotokuvista, ja se on kiistatta yksi renessanssitaiteen hienoimmista muotokuvista.

Arvostaan ja merkittävyydestään huolimatta tätä maalausta, kuten Leonardo da Vincin muitakaan teoksia, ei ole päivätty eikä signeerattu.

Kohde istuu tyylikkäästi tuolissa rinta ja kasvot katsojaan päin. Hänen asentonsa on johdettu istuvan Madonnan pyramidisommitelmasta. Siinä on yhteyden tunne, jonka tuntee katsojan katsellessa silmiin Mona Lisa Hänen käsivartensa ja käsinojan, jolla ne istuvat, jokseenkin suojaava sijoittelu etäännyttää hänet katsojasta.

Mona Lisa (n. 1503-1506) Leonardo da Vinci; Leonardo da Vinci, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Vaimea värimaailma: da Vincin mestarillinen hallinta sfumato, maalaustekniikka, jossa sävyt tai värit käytännössä sulavat toisiinsa, koska ne on sekoitettu niin hienovaraisesti; ja maalauksen sommittelu antaa vaikutelman seesteisyydestä. Giorgio Vasarin kirjoittaman da Vincin elämäkerran mukaan arvoituksellinen hymy, jonka Mona Lisa on tunnettu Lisa Gherardinin huvittuneisuudesta trubaduurien ja muusikoiden suhteen, joita taiteilija oli palkannut viihdyttääkseen häntä.

Leonardo da Vinci viivytteli maalauksen parissa; on arveltu, että hän jatkoi sen työstämistä vuoteen 1517 asti.

Kohteen käsien sijoittaminen vaati nimittäin melkoista harkintaa, mutta se ei ollut turhaa, sillä monet asiantuntijat pitävät niitä lähes yhtä arvokkaina kuin kasvoja. Kontrasti hänen rauhallisten, eleganttien, lähes elottomien käsiensä, hymyn jälkien ja lumoavan katseensa välillä saa aikaan sen, että näyttää kuin ne kuuluisivat eri kehoihin.

Da Vincin maalauksen arvo on yli miljardi dollaria. Valitettavasti tämä on merkinnyt loistavalle maalaukselle sitä, että sen on nyt oleskeltava paksun luodinkestävän lasin takana barrikadin takana sen suojelemiseksi. Vaikka miljoonat ihmiset parveilevat Louvressa nähdäkseen sen itse, heille jää vain välähdys siitä.

Nuoren miehen muotokuva (n. 1517 - 1518), tekijä Andrea del Sarto.

Andrea del Sarto oli kuuluisa firenzeläinen taiteilija, jota kuvailtiin "virheettömäksi maalariksi". Nuoren miehen muotokuva on yksi harvoista jäljellä olevista del Sarton renessanssin kuuluisista muotokuvista, sillä niitä on säilynyt vain pieni määrä. Sitä pidetään yhtenä del Sarton mestariteoksista. Nuoren miehen muotokuva on maalattu aikana, jolloin Leonardo, Michelangelo ja Rafael olivat jättäneet Firenzen kaupungin, mikä teki del Sartosta johtavan firenzeläisen taidemaalarin. Nuoren miehen muotokuva kuvaa keskeytynyttä hetkeä, jolloin lukemassa ollut nuori mies kääntyy katsojaa kohti.

Miehen henkilöllisyys on edelleen tuntematon, vaikka jonkin aikaa sen uskottiin olevan del Sarton omakuva.

Nuoren miehen muotokuva (n. 1517-1518), Andrea del Sarto; Andrea del Sarto, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Poseeraus kuvaa spiraalimaista juoksevuutta, joka on peräisin Leonardon työstä sekä sfumato Sinisen hihan veistoksellinen muoto on hyvin vakuuttava, ja se muodostaa keskipisteen, jonka ympärillä poseeraus pyörii. Hienovarainen väripaletti sisältää sinililaa, vaalean harmaata, valkoista, ruskeaa ja mustaa.

Dramaattinen valaistus ja värien rajoittaminen lisäävät muotokuvan yleistä voimakkuutta.

Del Sarto mallinnti muotoa sulattamalla valoa ja väriä eikä käyttämällä mustan sävyjä. Hänen kiehtovuutensa tunnelman ja värin vaikutuksiin sekä tunteiden luonnolliseen ilmaisuun ja epämuodolliseen poseeraukseen erotti hänet firenzeläisistä taidemaalareista. Del Sarton tyyli, joka sisälsi rajoitetun väripaletin, pelkistetyn sommittelun, psykologisen intensiteetin jakeskeytyneen hetken hahmottamista, kehittyi edelleen seuraavassa maalarisukupolvessa, kuten Giovanni Moronin teoksessa "Kauan kestänyt hetki". Kuvanveistäjä Alessandro Vittorian muotokuva.

Omakuva (1548), kirjoittanut Caterina van Hemessen

Caterina van Hemessen oli flaamilainen taidemaalari, jonka säilyneet kuuluisat renessanssiajan muotokuvamaalaukset on kirjattu varhaisimpina esimerkkeinä flaamilaisen naistaiteilijan todennettavissa olevista teoksista. Hemessen oli vain 20-vuotias, kun hän valmistui Omakuva. Istujan vastikkeeton katse on vangitseva, kun hän katsoo katsojan ohi peilikuvaansa peilistä.

Meidät vetää puoleensa latinankielinen teksti, joka hallitsee istuvan kasvojen ja hänen edessään olevan maalaustelineen välistä tilaa ja joka on suomennettu seuraavasti: "Minä, Caterina van Hemessen, olen maalannut itseni / 1548 / Hänen ikänsä on 20 vuotta".

Hemessen kuvasi itsensä puolipitkänä pitelemässä sivellintä tammipaneeliin. Hän on vasta aloittanut taiteellisen työskentelynsä, sillä kuvattuun maalaukseen on piirretty hänen kasvonsa. Pehmeät punaiset samettihihansikkaat osoittivat hänen yhteiskunnallista asemaansa ja antoivat hänelle henkilökohtaisen arvokkuuden tunteen, mutta ne olisivat olleet epäkäytännölliset siveltimien ja öljyjen kanssa työskennellessä.

Omakuva (1548), kirjoittanut Caterina van Hemessen; Catharina van Hemessen, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Muotokuvassa on muutamia tarkoituksellisia ristiriitaisuuksia, kun se tutkii peilikuvamaisuutta. Hemessen esimerkiksi sijoittaa pääpiirroksen hänen päähänsä taulun vasemmalle puolelle, maalaustelineelle, maalauksen sisällä, kun taas maalauksessa näemme istujan pään taulun oikealla puolella.

Tämä viittaa siihen, että hän on huolehtinut siitä, että kehyksen ulkopuolella olevan peilin, johon hän näyttää katsovan, aiheuttama optinen inversio on korjattu.

Hemessenin Omakuva sai häneltä huomattavaa arvostusta, ei ainoastaan varhaismodernin naisen omakuvan kuvituksena, vaan myös taiteilijan kuvaamisesta maalaustelineen ääressä. Hemessen oli ensimmäinen taiteilija, joka teki näin, sillä taiteilijoiden esittäminen arkielämässä oli tuolle ajalle hyvin epätyypillistä. Oli harvinaista, että taiteilijat kuvasivat työvälineitä, joita he käyttivät ammatissaan. Hemessenin panos renessanssin kuuluisaan tyyliinmuotokuvat ovat muokanneet nykyaikaista näkemystämme taiteellisesta temperamentista.

Omakuva Bernardino Campin kanssa (c. 1559) esittäjä Sofonisba Anguissola

Renessanssin nainen, Sofonisba Anguissola, tuli tunnetuksi yhtenä ensimmäisistä merkittävistä naispuolisista taiteilijoista tällä kaudella. Anguissolan hienostunut Omakuva Berardino Campin kanssa on maalaus maalauksen sisällä, jossa taiteilija Bernardino Campi maalaa muotokuvaa oppilaastaan, nuoresta Anguissolasta. Kaksoismuotokuvan uskotaan olevan peräisin 1550-luvun lopulta, jolloin Anguissola olisi ollut parikymppinen, ja sitä pidetään taiteellisena riemuvoittona.

Sen sommittelu osoittaa, että Anguissola seisoo kehyksen ulkopuolella ja maalaa opettajaansa.

Omakuva Bernardino Campin kanssa (c. 1559) Sofonisba Anguissola; Sofonisba Anguissola, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Omakuva Berardino Campin kanssa tekee hänen asiantuntemuksensa katsojalle selväksi; hänen luova taiteellisuutensa paljastuu samoin kuin hänen taitava tila-illuusion hallitseminen ja hänen kykynsä jäljitellä maalauksessa ilmaisua, lihaa, kangasta ja tekstuuria. Anguissolan molempien muotokuvien kuvaaminen maalauksessaan antaa ymmärtää, että hän oli parempi taiteilija kuin opettajansa Berardino.

Anguissola kuvaa opettajansa naturalistisesti, kun tämä sitouttaa katsojan katseellaan, kun taas Anguissolan maalaus, joka on oletettavasti hänen opettajansa, on jäykkä ja yksinkertainen.

Anguissolan valtavat kyvyt mahdollistivat sen, että hän pystyi voittamaan sukupuoleen perustuvat esteet. Hän oli kansainvälisesti vertaansa vailla. Anguissola loi itselleen paikan alalla, jota muutoin hallitsivat pitkälti miehet ja jonka tunnustivat Anthony van Dyckin ja Michelangelon kaltaiset taiteilijat.

Portrait of a Noble Woman (c. 1580), jonka on luonut Lavinia Fontana.

Lavinia Fontana on tunnettu upeista naismaalauksistaan sekä vaikuttavista ja poikkeuksellisista taidoista taiteilijana. Fontana's Portrait of a Noble Woman Tutkijat ovat vakuuttuneita siitä, että muotokuvan nainen oli nuori bolognalainen aatelisnainen ja että maalaus oli hänen avioliittokuvansa.

Maalauksen jalokivet ja vaatteet vastaavat korkea-arvoiselle morsiamelle tyypillisiä esineitä, sillä bolognialaiset morsiamet käyttivät 1500-luvulla punaisia pukuja.

Portrait of a Noble Woman (n. 1580) Lavinia Fontana; Lavinia Fontana, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Tumma tausta varmistaa, että huomio kiinnittyy maalauksen kohteeseen. Fontana ihaili suuresti koristeiden ja kankaiden kuvauksiaan. Morsiamen vyöstä roikkuu varallisuuden osoituksena minkin kaltaisen eläimen, minkin, turkki, jonka pää ja tassut on koristeltu taidokkaasti jalokivillä. Fontanan huolellinen yksityiskohtaisuus, jolla hän kuvasi elämän suuria tapahtumia vartenaatelisnaiset, kuten morsian vuonna Portrait of a Noble Woman, Se sai Bolognan aateliset hakeutumaan hänen luokseen, jotta he saisivat arvokkaan kuvan omasta persoonallisuudestaan.

Fontana sai isältään koulutusta muotokuvataiteen alalla ja vaikutti Italian taiteen kentällä. Tunnustettuna käsityötaidostaan hän sai mainetta Italiassa ja sen ulkopuolella. Fontana teki taiteellaan todellisen uran, ja hänestä tuli itse asiassa ensimmäinen nainen Länsi-Euroopassa, joka perusti tulonsa yksinomaan tilauksiin.

Tässä artikkelissa esitellyt 10 kuuluisinta renessanssiajan muotokuvaa osoittavat, millainen vaikutus ja vaikutus edellä mainituilla taiteilijoilla ja heidän teoksillaan oli itse liikkeeseen ja sitä seuranneisiin taiteilijoihin. Tämän ajanjakson taiteellinen panos oli runsas, ja sitä juhlitaan edelleen tänä päivänä. Nämä renessanssiajan muotokuvat olivat innovatiivisia ja inspiroivia! Jos artikkelimme herätti kiinnostuksesi,Selaa sivuillamme, meillä on paljon lisää artikkeleita eri taideaiheista, joista uskomme sinun nauttivan!

Lue myös renessanssiajan muotokuvat -verkkotarinamme.

Usein kysytyt kysymykset

Mitä ovat renessanssimuotokuvat?

Renessanssityyliset muotokuvat olivat maalauksia, joita tehtiin 1400-1700-luvuilla, renessanssin aikana. Taiteilijat maalasivat realistisia kuvia henkilöistä, jotka poseerasivat heille, eivätkä vain tallentaneet heidän piirteitään, vaan esittivät elävän kuvan edessä olevasta henkilöstä. Renessanssin aikana otettiin käyttöön öljyvärimaalaus, josta lopulta tuliVaikka renessanssiajan muotokuvamaalaukset kuvasivat usein korkeamman yhteiskunnallisen aseman edustajia, tämän liikkeen aikana ensimmäistä kertaa historiassa periaatteessa kuka tahansa saattoi teettää itsestään muotokuvan, kunhan vain pystyi maksamaan siitä.

Mikä tekee renessanssista muotokuvan?

Renessanssiajan kuuluisat muotokuvat keskittyivät kuvauksissaan realismiin, kun ne siirtyivät keskiajan abstrakteista muodoista. Renessanssiajan taidemuotokuvat esittivät ihmisiä heidän todellisessa muodossaan ja heijastivat humanistisen liikkeen kehitystä. Antiikin klassisen ajan ihmiskohtaloiden viehätysvoima palautui, mikä korosti yksilön kehitystä, ja muotokuvissa kuvattiinTaideteokset eivät olleet erityisen ylellisiä. Itse asiassa useimpien renessanssiajan muotokuvien taustat olivat melko yksinkertaisia. Maalauksen kohteena oleva henkilö oli maalauksen keskipisteenä.