R embrandt Harmenszoon van Rijniä pidetään taiteen historian jättiläisenä. Hollantilainen taiteilija oli yksi Hollannin monipuolisimmista ja taitavimmista maalareista. Rembrandt oli poikkeuksellinen taidemaalari, joka tunnettiin parhaiten muotokuvistaan sekä raamatullisista ja historiallisista kertomuksista, joita hän kuvasi hollantilaisen kulta-aikakauden aikana. Jos sinua kiinnostaa tietää enemmän tästä poikkeuksellisesta taiteilijasta.taiteilija, jatka lukemista paljastaaksesi valintamme Top 10 kuuluisimmista Rembrandtin maalauksista, kun palaamme hänen 1600-luvun mestariteoksiinsa!

Kuka oli Rembrandt?

Rembrandt Harmenszoon van Rijnin teoksesta Elämä kesti vuodesta 1606 vuoteen 1669, ja noina vuosina hän loi runsaan kokoelman valtavia taideteoksia. Häntä pidetään yhtenä Hollannin kultakauden arvostetuimmista taiteilijoista, ja lisäksi häntä pidetään yhtenä Euroopan historian merkittävimmistä taidemaalareista.

Rembrandtin taiteelle oli ominaista sen loistavat värit, runsas siveltimen käyttö sekä valon ja varjon loistava hyödyntäminen; näiden elementtien yhdistelmä johti Rembrandtin maineikkaaseen maalaustyyliin sellaisena kuin me sen nykyään tunnemme.

Rembrandtin taide kattoi useita eri tyylilajeja. Hänen tuottoisan uransa aikana hän on kuuluisin muotokuvistaan sekä historiallisista ja raamatullisista kohtauksistaan. Häntä arvostettiin siitä, että hän pystyi vangitsemaan ihmisen ilmeen vivahteet, mikä auttoi häntä kuvaamaan tarkasti kuvattaviensa tunnelmia teoksissaan.

Omakuva (1659) Rembrandt van Rijn; Rembrandt, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Rembrandtin muotokuviin kuului ryhmämuotokuvia, jotka olivat tuohon aikaan Alankomaissa erittäin suosittuja. Rembrandtin taiteen panos on antanut meille joitakin historian suurimpia ryhmämuotokuvia. Kaiken lisäksi Rembrandtin muotokuvat koostuivat suurelta osin omakuvista. Niissä hän dokumentoi menestyksekkäästi ikääntymistään uransa alkuvaiheista myöhempiin vuosiinsa.

Rembrandtin muotokuvissa hän hallitsi taidon vangita sekä kohteensa, myös itsensä, tarkan kuvan, sillä hän ei tunnetusti antanut kuvauksissaan armoa, että kohteensa tietynlaisen ilmeen sillä hetkellä.

Rembrandtin maalaukset osoittivat hänen syvällistä psykologista ymmärrystään ihmisistä ja heidän ympäristöstään sekä hänen omistautumistaan kristilliselle uskolleen. Nämä tekijät ruokkivat hänen elämäänsä ja hänen uskomatonta työtään.

Rembrandt käytti spontaanisti ja herkästi erilaisia tekniikoita ja materiaaleja kehittäessään teoksiaan, joilla kullakin oli oma sanomansa. Hänen mestarillinen lähestymistapansa varjoihin, väreihin ja sommitteluun loi taidetta, joka oli voimakkaasti liikuttavaa, mutta osoitti samalla inhimillisen kokemuksen luonnollisimpia ilmenemismuotoja. Hän vangitsi emotionaalisen syvyyden ja sitoutti katsojan teoksiinsa. Tämä vakiinnutti hänen asemansayhtenä Euroopan historian suurimmista taiteilijoista.

Top 10 kuuluisinta Rembrandtin maalausta

Kuuluisia Rembrandtin maalauksia ihaillaan niiden huomattavan realististen kuvausten vuoksi, jotka kuvaavat inhimillisten tunteiden monimutkaisuutta kaikkine vivahteineen. Rembrandtin maalaukset muodostavat yli 300 taideteoksen kokoelman; monet niistä vaikuttivat myöhempiin taiteilijoihin Rembrandtin tunnusomaisella maalaustyylillä. Rembrandtin taide on hyvin tunnettua, ja pitkän pohdinnan jälkeen olemme koonneet yhteen valikoimankuuluisimmista Rembrandtin maalauksista.

Alla on luettelo Rembrandt van Rijnin 10 ikonisimmasta maalauksesta.

Tohtori Nicholaes Tulpin anatomian oppitunti (1632)

Tohtori Nicholaes Tulpin anatomian oppitunti pidetään yhtenä Rembrandtin varhaisista riemuvoitoista. Rembrandt oli tämän mestariteoksen maalatessaan vain 26-vuotias, ja hänellä oli vasta neljä muotokuvaa. Maalauksessa hollantilainen kirurgi tohtori Nicholaes Tulp pitää vuotuisen julkisen anatomian oppitunnin seitsemälle kirurgille teloitetun rikollisen Aris Kindtin ruumiista.

Amsterdamin kirurgikilta tilasi taideteoksen lautakuntasaliinsa, ja nykyään se on Mauritshuisin taidemuseossa.

Rembrandtin mestarillisesti sommitellussa teoksessa tohtori Tulp havainnollistaa oppilailleen, miten käsivarren lihakset ovat yhteydessä toisiinsa. Rembrandt loi kohtaukseen dynamiikkaa käyttämällä kontrastia, tummuuden ja valon käyttöä, josta tuli hänelle suosittu tyyli ja joka oli varsin vahvasti esillä hänen tulevissa taideteoksissaan. Tohtori Nicholaes Tulpin anatomian oppitunti oli Rembrandtin ensimmäinen merkittävä toimeksianto.

Tohtori Nicolaes Tulpin anatomiatunti (1632) Rembrandt van Rijn; Rembrandt, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Rembrandt rikkoi perinteitä kuvaamalla visuaalisesti dramaattisen kohtauksen ja sijoittamalla ruumiin keskelle maalausta. Teoksen sommittelu on pyramidin muotoinen, ja tohtori Tulp hallitsee muotokuvan oikeaa puolta. Maalauksen harmonia on poikkeuksellisen hyvin suunniteltu mittasuhteiden ja ruumiin sijoittelun kanssa, ja se ohjaa katseet maalauksen keskelle.

Tämän teoksen värit on rajattu häiriötekijöiden välttämiseksi, ja maalauksessa leikitellään vain tumman ja vaalean kontrastilla, lukuun ottamatta ruumiin veristä kättä.

Tämäntyyppisestä maalauksesta, ryhmämuotokuvasta, tuli osa hollantilaista perintöä. Pitkään jatkunut ja ainutlaatuinen perinne kunnioitti ja dokumentoi järjestöjen tai kiltojen jäseniä. Rembrandt sai tästä muotokuvasta suurta suosiota. Tohtori Nicholaes Tulpin anatomian oppitunti on luultavasti yksi Rembrandtin tunnetuimmista maalauksista. Siihen on viitattu, kopioitu ja plagioitu monta kertaa.

Myrsky Galilean merellä (1633)

Upea maalaus, Myrsky Galilean merellä pitää paikkansa Rembrandtin ainoana merimaisemakuvana, ja se on edelleen taidemaailman pieni mysteeri. Maalaus oli aiemmin Bostonissa, Yhdysvalloissa, Isabella Stewart Gardnerin museossa, mutta vuonna 1990 maalaus varastettiin, ja se on edelleen kadoksissa. Myrsky Galilean merellä on kuvaus Raamatun kertomuksesta, jossa Jeesus tyynnyttää myrskyn Galilean merellä.

Jos kiinnität huomiota pimeisiin, vaahtoaviin, hurjiin aaltoihin, jotka terrorisoivat pientä venettä, huomaat Peter Paul Rubensin, flaaminkielisen barokin merkittävimmän taiteilijan vaikutuksen.

Maalauksen sommitelma on jaettu kahteen kolmioon veneen maston vinosta asennosta. Vasemmanpuoleisessa kolmiossa kultainen valo valaisee tummaa pilveä ja aaltojen reunoja ja korostaa dramaattista kohtausta. Oikeanpuoleisessa kolmiossa sekoittavan hälinän keskellä on siniseen pukeutunut hahmo, joka katsoo suoraan katsojaa.

Myrsky Galilean merellä (1633) Rembrandt van Rijn; Rembrandt, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Sinipukuinen hahmo on ainoa, joka on suoraan tekemisissä katsojan kanssa, ja hänellä on taiteilijan itsensä piirteitä. Rembrandt maalasi usein itsensä taiteeseensa. Hän kutsui katsojan jakamaan taiteensa tunnekokemuksen. Sen sijaan, että Rembrandt olisi passiivisesti todistanut maalauksiaan, hän kehotti katsojaa osallistumaan myrskyisään kohtaukseen. Rembrandtin kuvaus koski Myrsky Galilean merellä on suurenmoisen yksityiskohtainen ja kuluttava.

Hahmojen monipuoliset ilmeet, runsaat värit ja hiottu siveltimen työstö ovat tyypillisiä hänen aiemmalle tyylilleen.

Maalaus on esiintynyt lukuisia kertoja populaarikulttuurissa: se on ollut esillä tunnettujen fiktiivisten televisiosarjojen jaksoissa, kuten esim. Musta lista tai Sneaky Pete että sitä on käytetty merkittävien kirjojen, kuten Peter L. Bernsteinin klassikon, kansikuvana, Jumalia vastaan: Riskin merkittävä tarina , Rembrandtin maalauksia juhlitaan edelleen ja ne vaikuttavat edelleen populaarikulttuurissa. Valitettavasti tämä uskomaton taideteos on kadoksissa vielä tänäkin päivänä.

Belsassarin juhla (c. 1635 - 1638)

Tarkka päivämäärä Belsassarin juhla on tuntematon, mutta monien lähteiden mukaan se sijoittuu vuosien 1635 ja 1638 välille. Belsassarin juhla edustaa Rembrandtin pyrkimystä vakiinnuttaa asemansa suurikokoisia barokkimaalauksia maalaavana taiteilijana. Maalaus kuvaa Vanhan testamentin tarinaa Belsassarista. Rembrandt kuvaa juhlaillallista, jossa Belsassar jakoi rienaavasti viiniä pyhitettyihin astioihin, jotka hänen isänsä Nebukadnessar oli ryöstänyt Jerusalemin temppelistä.

Rembrandtin maalaustyyli tässä teoksessa on poikkeuksellinen, eikä sitä voi verrata hänen muihin teoksiinsa. Väripaletti on Belsassarin juhla on huomattavan rikas, se käsittää voimakkaita pigmenttejä, kuten atsuriittia, vermillionia, okraa ja smalttia. Rembrandtin taitava valon ja varjon käyttö saa aikaan sen, että hahmot ikään kuin nousevat esiin ja vetäytyvät tummiin varjostettuihin alueisiin. Rembrandtin kohtaus on toiminnan, yllätyksen ja pelon kuvaus.

Kunkin hahmon sommittelu, dramaattiset ilmeet ja taantuvat asennot saavat katsojan osallistumaan kohtaukseen.

Belsassarin juhla (1636) Rembrandt van Rijn; Rembrandt, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Aluksi, Belsassarin juhla maalausta ei pidetty riemuvoittona. Englantilainen Derbyn jaarli omisti maalauksen vuodesta 1736 lähtien, eikä sitä juuri tunnettu Englannin ulkopuolella. Kun se esiteltiin vuonna 1857 Manchesterissa Art Treasures -näyttelyssä, kriitikot eivät ottaneet sitä hyvin vastaan.

Ihailun puute muuttui 1900-luvun lopulla, kun Rembrandtin historiallisia maalauksia alettiin arvioida uudelleen.

Kun Kansallisgalleria hankki maalauksen vuonna 1964, siitä tuli pian erittäin suosittu, ja siitä tuli suosikki kaupallisissa tuotteissa, kuten levynkansissa, kun sitä käytettiin kuvituksena. Sitten vuonna 2014 kuva Belsassarin juhla oli National Galleryn kokoelman kolmanneksi eniten lisenssejä saanut.

Danaë (1636)

Danaë maalausta pidetään yhtenä Rembrandtin kokoelman parhaista alastonmaalauksista. Maalauksessa on kuvattu kreikkalaisen mytologian sankarin Perseuksen äitiä, prinsessa Danaëa. Kuva on käytännössä elävän kokoinen, ja siinä Danaë toivottaa tervetulleeksi hänet hedelmöittäneen Zeuksen, joka ilmestyi kultaisen valon muodossa. Danaë maalattiin ensimmäisen kerran vuonna 1636, mutta Rembrandt muokkasi sitä huomattavasti 1640-luvulla.

Venäjän Katariina II osti teoksen 1770-luvulla, ja se on edelleen Eremitaasimuseossa Pietarissa.

Danaë (1636) Rembrandt van Rijn; Rembrandt, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Danaë makaa sängyssään alasti. Sen sijaan, että Rembrandt olisi ihannoinut hänen hahmoaan, hän pyrki vangitsemaan intohimon, jolla hän toivottaa rakastajansa tervetulleeksi. Hahmo oli mallinnettu Rembrandtin vaimon Saskian mukaan, mutta hän muutti myöhemmin hahmon kasvoja niin, että se muistutti rakastajattarensa Geertje Dricxin kasvoja. Rembrandt muutti laajoilla muutoksilla hahmon pään sijoittamista sekä ojennettuja jalkoja ja käsiä, muun muassa hahmon päähän.muita asioita.

Vuonna 1985 maalaus joutui ilkivallan kohteeksi, jolloin sitä viillettiin kahdesti veitsellä ja kaadettiin rikkihapolla, mutta vuoteen 1997 mennessä se oli täysin restauroitu.

Kultainen valo tulvii vasemmalta ja luo tämän taivaallisen valaistuksen, joka suihkuaa Danaën vartalolle. Rembrandt saavuttaa maalauksellaan aistillisuutta ja pehmeyttä, ja vaikka Danaë on tämän teoksen aiheena, kultainen valo valtaa vaikuttavasti tilan ja on tarinan ytimessä. Maalausta pidetään yhtenä Rembrandtin upeimmista muotokuvista. Ei ole montaakaanRembrandtin kokoelmassa on useita mytologisia kohtauksia, mutta tämä erottuu edukseen. Hänen alastonkuvansa hellyys ja valon mestarillinen kuvaus tekevät Danaë erottuu näyttävänä taideteoksena.

Yövartio (1642)

Yövartiota pidetään yhtenä merkittävimmistä... Alankomaiden kultakauden maalauksia ja Rembrandtin kuuluisin maalaus. Rembrandtin maalaus on melkoinen spektaakkeli; pelkästään kokonsa puolesta se on lähes neljä metriä korkea. Sillä on useita muita virallisempia nimiä, jotka ovat huomattavasti pidempiä, kuten esimerkiksi Frans Banning Cocqin ja Willem van Ruytenburchin ampumaseura. Ei ole yllätys, että osuva nimi Yövartio Se tarttui ja siitä tuli sen epävirallinen nimi.

Yllättäen, Yövartio ei itse asiassa kuvaa yökohtausta, toisin kuin pitkään uskottiin. 1940-luvun puolivälissä maalausta puhdistettaessa paljastui, että kohtaus oli itse asiassa päivällä. Yövartio siirrettiin 1700-luvulla, maalausta leikattiin.

Tämä johti sommittelun muuttumiseen ja joidenkin hahmojen häviämiseen, jolloin keskeisiksi hahmoiksi muodostuivat kaksi miestä, joiden nimet muodostavat maalauksen alkuperäisen otsikon, sekä taustalla oleva nainen.

Yövartio (1642) Rembrandt van Rijn; Rembrandt, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Rembrandt käyttää dramaattista valaistusta, mikä tekee valon ja varjon välisestä kontrastista voimakkaan, ja hänen taitava liikkeen hahmottaminen ryhmämuotokuvassa poikkeaa tuolloin suositusta tyypillisestä staattisesta sotilasmuotokuvasta. Rembrandt päätti esittää hahmojen joukon vilkkaana ja vangita sotilaat liikkeessä sen sijaan, että hän olisi esittänyt ryhmän muodollisessa tilassa,komea poseeraus.

Hahmojen suuruus saa ne näyttämään elävän kokoisilta. 34 hahmoa näyttää siltä, että ne liikkuvat kohti katsojaa.

Maalauksen voimakkuus tulee Rembrandtin mestarillisesta valon ja varjon käytöstä, realistinen ja dynaaminen kuvaus on entistäkin vaikuttavampi maalauksen ja sen hahmojen suuruuden vuoksi, ikään kuin ne jakaisivat tilan katsojan kanssa. Rembrandt oli uransa huipulla, kun hän loi Yövartio. Tämä kunnianhimoinen teos osoittautui jälleen menestykseksi, ja sitä pidetään yhtenä tunnetuimmista ryhmämuotokuvamaalauksista.

Bathsheba kylvyssä (1654)

Toinen elävän kokoinen kangas esittää Rembrandtin kuvauksen raamatullisesta Batsebasta. Maalaus valmistui vuonna 1654, ja se kuvaa Vanhan testamentin kohtausta, jossa kuningas Daavid näkee Batseban kylpemässä ja viettelee hänet, minkä seurauksena hän tulee raskaaksi. Bathsheba kylvyssä, alaston itse oli osa maalauksen aihetta, mikä oli tuohon aikaan vielä suhteellisen epätavallista, varsinkin kun esitettiin ei-idealisoitua kehoa.

Rembrandtilla ei kuitenkaan ollut tiukkaa rajaa arkielämän ja taiteen välillä.

Vaikka tämä erityinen kohtaus on maalattu ennenkin, Rembrandtin versio tuo erilaisen näkökulman tiukan kuvakeskittymänsä ja eroottisen elinvoimaisuuden kuvaamisen kautta. Tämä saavutettiin käyttämällä elinvoimaista ja rikasta väritystä ja paksuja siveltimenvetoja. Bathsheban hahmo on matalassa epäselvässä tilassa, hänen hahmonsa on valaistu, kun taas tausta jää hämärään pimeyteen. Hänen vartalonsaon hienovaraisesti varjostettu, ja häntä koristavat hienot korut ja kauniit kankaat.

Bathsheba kylpyammeensa ääressä (1654) Rembrandt van Rijn; Rembrandt, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Rembrandt kuvaa Bathseban mietteliästä harkintaa, kun hän pitää kirjettä kädessään. Kuningas Daavid oli pyytänyt Bathsebaa tulemaan hänen eteensä, ja hänen ilmeensä paljastaa, että vaikka Bathseba on kiinnostunut, hän on myös huolissaan, koska meneminen kuningas Daavidin luo merkitsisi hänen miehensä pettämistä. Kerman, kuparin ja kullan sävyjen värit luovat valoisan ympäristön.

Valon ja varjon pehmeä kontrasti ja teoksen psykologinen monimutkaisuus tekivät maalauksesta erittäin suositun, ja siitä tuli tutkimus viettelystä ja viattomuudesta.

Rembrandtin kuvaus paljastaa näkemyksen Batseban moraalisesta dilemmasta, jota on kuvattu länsimaisen maalaustaiteen valtavaksi saavutukseksi. Bathsheba kylpyammeensa ääressä inspiroi monia 1800- ja 1900-luvun taiteilijoiden taideteoksia, kuten Frédéric Bazillen teos "Sotilaat". La Toilette ja Edgar Degasin Nainen kampaamassa hiuksiaan. Rembrandtin Bathseba-kuva on toinen ehdokas kokoelmansa hienoimmaksi alastonkuvaksi.

Tuhlaajapojan paluu (c. 1661 - 1669)

Rembrandtin viimeisten maalausten joukossa on mm. Tuhlaajapojan paluu. Maalauksen sanotaan valmistuneen juuri ennen hänen kuolemaansa vuonna 1669. Elämänkokoinen taideteos kuvaa Raamatun tarinaa, jossa tuhlaajapoika palaa isänsä luokse anoen anteeksiantoa ja katuen menneitä syntejään. Maalaus ylittää muiden taiteilijoiden teokset. Barokin taiteilijat sen kyky herättää inhimillistä myötätuntoa ja uskonnollista tunnelmaa.

Katsoja voi todistaa tämän maalauksen kokonaisuutta ja sitä, mitä se edustaa, kotiinpaluun symbolia, inhimillisen kokemuksen synkkyyttä, jota hellyys kirkastaa, ja ihmiskunnan syntisiä ja väsyneitä tekoja, jotka turvautuvat Jumalan armoon.

Kriitikot ovat ihailleet maalausta sen hiljaisen ja liikuttavan laadun vuoksi, sillä se kuvaa isän ja pojan välisen suhteen hellyyttä, joka jakaa intiimin siteensä katsojan kanssa.

Tuhlaajapojan paluu (n. 1669), maalannut Rembrandt van Rijn; Rembrandt, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Monet uskovat, että isän ilmeessä näkyy useita tunteita samanaikaisesti, kuten rakkaus, armo ja suru. Isähahmon ilmeiden syvyys ja monimutkaisuus erottuvat tässä maalauksessa. Tuhlaajapojan paluu osoittaa Rembrandtin valtavan lahjakkuuden, sillä hän käytti ilmeikkäitä värejä ja valaistusta tuodakseen esiin tarinan sanoman anteeksiannosta.

Tuhlaajapojan paluu Tätä Rembrandtin kuuluisista maalauksista pidetään yhtenä hänen koskettavimmista teoksistaan, koska se kuvaa isän ja pojan välistä voimakasta sidettä.

Kriitikot pitävät tätä uskomatonta taideteosta barokkitaiteen suurena saavutuksena.

Drapers' Guildin syndikit (1662)

Drapers' Guildin syndikit tunnetaan myös nimellä Näytteenottoviranomaiset. Tätä maalausta on kuvailtu Rembrandtin viimeiseksi hämmästyttäväksi ryhmäkuvaksi. Ryhmäkuva esittää Amsterdamin rapukudontakillan syndikaatteja, lukuun ottamatta taustalla olevaa hattutonta miestä, joka oli palvelija, joka arvioi killan jäsenille tarjottujen kutojien kankaiden laatua. Amsterdamin rapukudontakilta tilasi maalauksen kiltatalolleen, jossa sijaitsivatMaalaus on nyt Amsterdamin Rijksmuseumissa.

Rembrandt käytti uskomattomia yksityiskohtia vangitakseen muotokuvan hahmojen erilaiset ilmeet ja antaen jokaiselle yksilölle oman persoonallisuutensa.

Drapers' Guildin syndikit (1662) Rembrandt van Rijn; Rembrandt, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Hän käytti sommittelukeinoja antaakseen muotokuvalle voimakkaan yhteenkuuluvuuden tunteen. Viidelle virkamiehelle on annettu maalauksessa yhtä suuri merkitys, mikä osoittaa Rembrandtin taitoja. Heidän taustalla oleva palvelijansa sijoittuu maalauksen keskelle, mutta teoksen kokonaisuus onnistuu kuitenkin pysymään yhtenäisenä muodollisin ja psykologisin keinoin.

Sommittelun hienovaraisuus saavutetaan Rembrandtin taidokkaalla horisontaalien hyödyntämisellä, joka yhdistää ryhmän loistavasti.

Kontrastin käyttö, miesten univormujen terävästä valkoisesta ja mustasta, ja hehkuvat värit, pöydällä olevan maton kullanruskeat ja runsas punainen, auttavat luomaan harmoniaa koko maalaukseen. Rembrandt oli mestari maalaamaan ryhmämuotokuvia ja Drapers' Guildin syndikit Se on arvostettu, ja sitä pidetään yhtenä Rembrandtin tunnetuimmista maalauksista tässä tyylilajissa.

Omakuva kahden ympyrän kanssa (c. 1665 - 1669)

Rembrandtin muotokuvat muodostavat suuren osan hänen teoksistaan. Itse asiassa hänellä oli yli 40 omakuvaa. Omakuva kahden ympyrän kanssa maalausta pidetään yhtenä hänen parhaista omakuvistaan, ja se on omiaan hänen myöhempien töidensä joukossa. Maalaus kuvaa häntä työssä, kädessään maulitikku, paletti ja siveltimet. Taustalla on kaksi salaperäistä puoliympyrää.

Vuosien mittaan kriitikot ovat esittäneet ympyröiden merkityksestä erilaisia teorioita, jotka vaihtelevat maailmankartan ja symbolisten merkitysten välillä. Niiden todellinen merkitys on kuitenkin edelleen tuntematon.

Maalauksessa on alueita, jotka vaikuttavat keskeneräisiltä, kuten hattu ja kasvot, joissa maali on levitetty paksusti nopeilla siveltimenvedoilla. Päivämäärän ja allekirjoituksen puuttuminen viittaa lisäksi siihen, että teos saattaa olla keskeneräinen. Vaikka teos ei ehkä ollutkaan valmis, se vaikutti silti myöhempiin taiteilijoihin. Rembrandtin tekniikka nopeine siveltimenvetoineen, hänen eläväinen, kiireinen ja levotonkäsi toistettiin Édouard Manet 1800-luvulla.

Omakuva kahden ympyrän kanssa (n. 1665-1669) Rembrandt van Rijn; Rembrandt, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Rembrandt seisoo uhmakkaasti toinen käsi lantiollaan antaen vaikutelman, että hän on mestari työssään vakuuttamassa nerokkuuttaan. Rembrandt sitoutuu katsojaan tuijottamalla häntä suoraan. Hän kuvasi kasvojaan realistisesti ja haavoittuvasti varjostaen niitä samalla pehmeästi, mikä viittaa siihen, että hänen älykäs mielensä oli aktiivisesti utelias ja arvosteleva. Rembrandt teki enemmän omakuvia kuin aikansa kollegansa,ylittää heidät lukumäärältään ja luultavasti myös taidoiltaan.

Hän kiinnitti säännöllisesti huomiota omien kasvojensa yksityiskohtaiseen tutkimiseen ja jätti jälkeensä perinnöksi yksityiskohtaisia omakuvia etsauksina, piirustuksina ja maalauksina, jotka dokumentoivat tehokkaasti hänen ikääntymistään uransa alkuvaiheista aina myöhempiin vuosiin saakka.

Juutalainen morsian (c. 1665 - 1669)

Rembrandtin Juutalainen morsian maalattiin jossakin vuosien 1665 ja 1669 välisenä aikana. Maalaus sai nimensä 1800-luvun alussa eräältä amsterdamilaiselta taidekeräilijältä. Hän ehdotti, että maalaus olisi kuvaus juutalaisesta isästä, joka lahjoittaa kaulakorun tyttärelleen tämän avioitumispäivänä. Toinen tulkinta viittasi siihen, että maalaus kuvaisi Rembrandtin poikaa Tiitusta ja tämän vaimoa tai raamatullisia hahmoja Iisakia ja Iisakia.Rebekka: Yleisesti hyväksytyn käsityksen mukaan muotokuva on pariskunnasta.

Hahmojen identiteettien epäselvyys ja spekulaatiot johtuvat maalauksen kontekstin puutteesta; maisemaa ei ole, joten pariskunnan hetken intiimiys on keskiössä.

Se korostaa maalauksen yleismaailmallista aihetta, pariskuntaa hellyydessä ja rakkaudessa. Juutalainen morsian on esimerkki historiallisesta muotokuvasta, joka kuvaa muotokuvia, joissa suojelijat on kuvattu mytologisina tai raamatullisina hahmoina korostamaan heidän hyveellisyyttään, uskollisuuttaan ja hurskauttaan. Tämä muotokuvamenetelmä oli suosittu 1600-luvulla Alankomaiden kultakaudella.

Juutalainen morsian (n. 1665-1669) Rembrandt van Rijn; Rembrandt, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Osoitteessa Juutalainen morsian , maalilla on sama merkitys sommittelussa kuin maalauksen hahmoilla. Rembrandt jätti maalin karkeaksi siveltimeksi. Vaikka hahmojen kasvot ovat sileät ja kermaiset, vaatteiden kohdalla Rembrandt käytti palettiveitsensä pigmenttikerroksia saavuttaakseen teksturoidun ilmeen, joka jäljittelee monimutkaisten pitsin, rehevien brokadien, herkkien taitosten ja hohtavien korujen ulkonäköä.Rembrandt kokeili erilaisia efektejä seuraamalla pigmenttien erilaisia kuivumisnopeuksia.

Koostumus Juutalainen morsian pidetään yhtenä poikkeuksellisimmista fyysisen ja henkisen rakkauden ilmauksista. Rembrandt vangitsi teokseensa raa'at tunteet. Tämä psykologisesti ilmeikäs taideteos kuuluu Amsterdamin Rijksmuseumin pysyvään kokoelmaan.

Ei ole helppoa tiivistää taiteilijan elämäntyötä suosikkilistalle, varsinkaan kun hänen panoksensa taiteeseen on ollut monumentaalinen. Toivomme kuitenkin, että nautit lukemisesta 10 kuuluisimman Rembrandtin maalauksen top 10 -valikoiman läpi, se ei todellakaan ole tyhjentävä, mutta valitsimme hänen merkittävimmät ja merkittävimmät teoksensa, jotka ovat edelleen voimassa.nautit tämän artikkelin lukemisesta, suosittelemme, että jatkat sivustomme tutkimista. On niin monia taideaiheita, joista valita!

Usein kysytyt kysymykset

Miksi Rembrandt on kuuluisa?

Rembrandt oli kuuluisa muotokuvistaan, myös omakuvistaan, sekä raamatullisista ja historiallisista kertomuksista. Hän loi yli 300 teosta Alankomaiden kultakaudella. Rembrandtia pidetään yhtenä Hollannin monipuolisimmista ja taitavimmista taiteilijoista. Häntä pidetään yleisesti yhtenä Euroopan historian merkittävimmistä maalareista.

Mistä Rembrandt tunnettiin parhaiten?

Rembrandtin ylistettyä maalausta "Yövartija" vuodelta 1642 pidetään eräänä kuuluisimmat maalaukset Tässä rohkeassa teoksessa Rembrandt päätti esittää hahmojen joukon vilkkaassa kohtauksessa ja vangita sotilaat liikkeessä, mikä oli uutta kontrastin taitavalla käytöllä ja liikkeen hahmottamisella.

Mikä oli Rembrandtin tyyli?

Rembrandtin taide kuuluu Alankomaiden kultakauteen. Vaikka hänen 1600-luvulla tuottamansa teokset kuvaavat monenlaisia aiheita ja tyylejä, hänen työnsä on suurelta osin luokiteltu barokkityyliin.