B puute ja valkoinen maalarit käyttävät värin puuttumista maksimoimaan vaikutuksen. Mustan ja valkoisen jyrkkä kontrasti on osoittautunut tehokkaaksi korostamaan vastakkaisia todellisuuksia ja ihanteita maailmastamme erilaisissa taiteellisissa kuvauksissa kautta historian. Monet meistä tuntevat tunteen, että valkoinen symboloi puhtautta, kun taas musta merkitsee jotakin synkempää. No, nämä taiteilijat meJatka lukemista löytääksesi listamme 10 kuuluisimmasta mustavalkoisesta maalauksesta!

Luettelomme kuuluisista mustavalkoisista maalauksista

Tiukimmassa merkityksessä valkoinen on värin puuttumista, mutta on myös totta, että musta ja valkoinen ovat samalla spektrillä. Neutraalissa harmaa väri spektri, musta ja valkoinen ovat äärimmäisissä vastakkaisissa päissä, mikä viittaa siihen, että maalauksen värien rajoittaminen mustaan ja valkoiseen tekee maalauksesta monokromaattisen. Musta ja valkoinen voivat siis myös olla yhtä, sopusoinnussa sen sijaan, että ne aina osoittaisivat selkeää eroa.

Tutustutaanpa siihen, miten nämä eri taiteilijat ovat taitavasti lavastaneet upeita mustavalkoisia taideteoksia.

Odalisque Grisaille (n. 1824 - 1834) Jean-Auguste-Dominique Ingres'n teos

Jean-Auguste-Dominique Ingresin upea maalaus Odalisque in Grisaille on epätäydellinen toisto hänen suuresti ylistetystä Grande Odalisque (1814), teos, joka oli perustavanlaatuinen hänen ihanteellisen kauneuden abstraktiolleen. Harmaan sävyillä toteutetut maalaukset luotiin yleensä ohjeeksi kaivertajille, jotta he pystyivät tunnistamaan sävyeroja mustavalkoisia jäljennöspainoksiaan varten. Odalisque Grisaille on edelleen tuntematon, koska sitä ei virallisesti yhdistetty Grande Odalisque.

Odalisque Grisaille (noin 1824-1834), Jean-Auguste-Dominique Ingres; Jean Auguste Dominique Ingres, CC0, Wikimedia Commonsin kautta.

Ingresin huolellinen uudelleenkäsittely on yksinkertaistettu koostumus verrattuna hänen Grande Odalisque Ingres sijoitti hahmon mustan taustan eteen, mikä kannustaa katsojaa kiinnittämään enemmän huomiota itse hahmoon. Makaavan naisen motiivi on ollut suosittu jo renessanssista lähtien. Ingresin käyttämät kiemurtelevat viivat korostavat naisen vartalon herkkiä kaaria.

Naisen koko vartaloa myötäilevä rytmikäs kaari osoittaa Ingresin taiteellisia valintoja naisen vartalon tyylittelemiseksi, sillä hänen vartalonsa on vääristynyt illusorisesti.

Ingres säilyttää kuvauksessaan tasaisen tason, jotta naisen hahmo pysyy koristeellisena. Odalisque Grisaille paljastaa Ingresin mestarillisen taidon, sillä se osoittaa hänen asiantuntemuksensa abstraktion tasolla. Maalaus on olemassa puhtaana kuvana. Ingresin vapaus ihmismuodon kanssa kannusti muita taiteilijoita kokeilemaan, ja hänen perintönsä teki Ingresistä merkittävän edelläkävijän. moderni taide .

Musta neliö (1915), Kazimir Malevich

Kunnioitusta herättävä maalaus Musta neliö venäläinen avantgarde taiteilija Kazimir Malevich oli ensimmäinen neljästä muunnelmasta. Malevitš työskenteli usein poikkeuksellisen yksinkertaisilla käsitteillä. Hänen kuuluisa mustavalkoinen abstrakti taiteensa on kuvaus suuresta mustasta neliöstä, joka hallitsee pellavaa, jolle se on maalattu. Ajan myötä Malevitšin Musta neliö Malevitš esitteli teoksen ensimmäisen kerran Petrogradissa 0.10-näyttelyssä vuonna 1915. Musta neliö taiteilijat, kuraattorit, historioitsijat ja Malevitš kutsuivat sitä taiteen "nollapisteeksi".

Musta neliö (Black Suprematic Square) (1915) Kazimir Malevich; Kazimir Malevich, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Malevitš ilmoitti, että hänen työnsä oli osa Suprematismi liike Ainoa kuvallinen elementti sommittelussa on itse neliö, mutta hienovaraisuudet, kuten näkyvät sormenjäljet, siveltimenvedot ja maalin alla olevien halkeamien läpi kurkistavat värit, tekevät maalauksesta suurenmoisen.

Pelkästään mustan maalin painavuus valkoisella pellavalla antaa visuaalisen painon tunteen ja vahvistaa itse neliön merkitystä tavallista taustaa vasten ja sen herättämiä tunteita.

Musta neliö sai mullistavan merkityksen, ja sitä pidetään pitkälti yhtenä 1900-luvun tärkeimmistä taiteellisista saavutuksista. Vaatimattomalta vaikuttava teos oli suhteellisen pieni, mutta kun se asetettiin näytteille, se herätti kuohuntaa. Musta neliö siitä tuli reduktionismin perimmäinen julistus, sillä se poisti kaiken figuratiivisuuden, luonnolliset kuvat ja tarinankerronnan ja osoitti, että sisältö ei ole tärkeää ja että tunne on tärkeintä.

Hevosen kallo ja valkoinen ruusu (1931) Georgia O'Keeffe (1931)

Georgia O'Keeffen Hevosen kallo ja valkoinen ruusu on yksi hänen kuuluisimmista mustavalkoisista maalauksistaan kankaalle. Hänen näyttävä maalauksensa heijasteli hänen kokemuksiaan New Mexicossa ja hänen kiehtovuuttaan aavikkoa kohtaan sekä sieltä löytämiään valkaistuja luita, sillä taiteilija vietti yhä vähemmän aikaa New Yorkissa.

Hevosen kallosta tuli uusi tutkimusmatka hänen työhönsä, mutta kukkamotiivi oli hänelle tuttu ja sitä hän käytti uudelleen töissään. O'Keeffe kuvaa kuolemaa mustavalkoisena, jossa on ripaus elämää.

Kontrastin käsitettä tutkitaan edelleen hänen kuvitellessaan kallon, joka on tuttu kuoleman yksityiskohta, valkoisen ruusun, elämän symbolin kanssa leikitellessään yksivärisellä paletilla. O'Keeffen teos tutkii erilaisia käsityksiä, joita käytämme perspektiivin määrittämiseen, kun hän yhdistää nämä kaksi esinettä omaleimaiseksi tyyliksi. O'Keeffen mustan ja valkoisen käyttö näyttää edelleen viittaavan elämän haurauteen.itse.

Hevosen kallo ja valkoinen ruusu on yksi modernin ajan suurimmista yksivärisistä taideteoksista. O'Keeffen teos oli tärkeä osa amerikkalaisen modernismin edistymistä ja sen suhdetta amerikkalaiseen modernismiin. Avantgardistiset liikkeet O'Keeffe vangitsi esineiden voiman ja tunteet tekemällä luonnosta abstraktin.

Hänet on tunnustettu ensimmäiseksi amerikkalaiseksi naispuoliseksi modernistiksi, ja hänen teoksensa ovat vaikuttaneet amerikkalaisen taiteellisen maiseman ikonografiaan ja mytologiaan.

Guernica (1937) Pablo Picasso

Useimmat meistä ovat kuulleet tämän nimen ennenkin, Pablo Picasso , loi mestariteoksensa Guernica Tämä kuuluisa mustavalkoinen maalaus on yksi Picasson voimakkaimmista poliittisista kannanotoista, jonka hän loi välittömästi reaktiona natsien tuhoisiin pommituksiin, jotka hän aloitti Espanjan sisällissodan aikana Espanjan Baskimaalla sijaitsevassa Guernicassa. Picasso käytti Guernica osoittamaan sodan kauhua ja tuhoa sekä sen viattomille ihmisille aiheuttamia traumoja.

Stedelijk-museon työntekijät sijoittamassa maalausta Guernica (1937) Picasson teos seinällä, 1956; Herbert Behrens / Anefo, CC0, Wikimedia Commonsin kautta.

Picasson valinta mustavalkoiseksi maalaukseensa tehostaa sen dramaattisuutta ja antaa maalaukselle kuvanomaisen laadun, ikään kuin se olisi osa valokuvatallennetta. Se myös korostaa sodan olemusta pahana, joka pelkistää ympäröivän elämän hyvän ja pahan kaksijakoisiksi kompositioiksi. Guernica Picasso kuvaa ihmisten ja kaupunkikuvan raunioita, jotka ovat saksalaisten pommien pudottua raunioiksi. Siinä äiti itkee lapsensa ruumiin äärellä, ja kuvaan sisältyy myös kauhistuttavaan kohtaukseen joutuneen hevosen tuska.

Picasson maalaukset on tunnustettu omaleimaisten allegoristen teosten symboleiksi.

Guernica on saanut monumentaalisen merkityksen ja toimii pysyvänä muistutuksena sodan onnettomuudesta. Guernica on tullut sodanvastaisen liikkeen symboliksi ja rauhan ruumiillistumaksi. Kun maalaus valmistui, se esiteltiin ympäri maailmaa lyhyellä kiertueella, jonka seurauksena se sai kriitikoiden suosiota.

Zebra (1937) Victor Vasarely

Victor Vasarelyn mustavalkoinen abstrakti taide oli 1900-luvulla optisen taiteen liikkeen uranuurtajia. Vasarely kuvasi mustalla pohjalla kaksi toisiinsa kietoutunutta seepraa, joiden raajat ovat päällekkäin. Niiden muodon muodostavat valkoiset raidat määrittelevät ne ja antavat vaikutelman tilavuudesta, sillä hahmojen ympärillä ei ole ääriviivoja tai rajoja. Päällekkäiset raajat jäljittelevät kuvionshakkilauta, joka antaa tilallisen syvyyden tunteen ja luo energian tunteen.

Vasarely, yksi merkittävimmistä mustavalkotaiteilijoista, keskittyi hallitsemaan viivojen käyttöä sekä valon ja varjon vuorovaikutusta perspektiivin luomiseksi maalauksissaan.

Valkoisten raitojen ja mustan taustan välinen kontrasti synnyttää monimutkaisen suhteen sen välillä, mikä on todellista ja mikä abstraktia. Näemme kaksi seepraa, mutta samalla hetkellä ne katoavat toisiinsa ja hajoavat abstrakteiksi muodostelmiksi. Vasarelyn optisten temppujen käyttö luo mestariteoksen, joka on täynnä kiivasta liikettä ja voimaa.

"Optisen taiteen isoisäksi" kutsutun Vasarelyn teos Zebra Vasarely ei pyrkinyt tekemään mustavalkoisesta abstraktista taiteestaan merkityksellistä tai emotionaalista viestiä, vaan hän pyrki leikkimään katsojan käsityksillä.

Vasarely jatkoi seeprojen käyttöä visuaalisena motiivina myöhemmissä teoksissaan, ja erityisesti vuonna 1965 hän loi tähän maalaukseen perustuvan veistoksen.

Mahoning (1956) Franz Kline

Franz Kline oli taiteilija, joka liittyi abstraktiin ekspressionistiseen liikkeeseen 1940- ja 1950-luvuilla. Vaikka osa hänen maalauksistaan sisälsi väriä, hän oli yksi New Yorkin koulukuntaan kuuluneista merkittävistä mustavalkomaalareista. Vaikka hän tutki samankaltaisia taiteilijaväyliä kuin muutkin ryhmään kuuluneet taiteilijat, hän pystyi erottautumaan muista muista taiteilijoista erottuvalla tavalla.tyyli, josta hän sai kriittistä suosiota. Kline maalaus Mahoning on monumentaalinen taideteos, jossa on mustia silmiinpistäviä emalipiirroksia valkoista taustaa vasten.

Tässä maalauksessa on karkeaa siveltimen työskentelyä ja pigmenttipisteitä, jotka osoittavat Kline siveltimen vapaan liikkeen kankaalla.

Vaikka maalauksen ulkoasu näennäisesti viittaa välittömyyteen, Kline on suunnitellut liikkeet tarkoituksellisesti. Mahoning oli ensin alustava luonnos puhelinluetteloon, jota täydennettiin sitten kankaalle. Tähän maalaukseen Kline sisällytti kollaasikomponentteja, jotka saattoivat viitata hänen alkuperäiseen piirustukseensa, sillä hän kiinnitti paperinpaloja kankaalle ja maalasi niiden päälle kerroksittain mustaa maalia.

Sommittelun voimakas sisäinen rakenne on ristiriidassa kankaan kehyksen kanssa, ja voimakkaat diagonaalit näyttävät leikkaavan maalauksen reunoja.

Kline työskenteli harkitusti ja omaleimaisesti, hän erottui sukupolvensa muista taiteilijoista. Hän pyrki luomaan tuntuvan sitoutumisen katsojaan. Katsojan oli tarkoitus kokea hänen maalaustensa läsnäolo ja rakenne. Klenen hallitsevia teoksia on kokoelmissa eri puolilla maailmaa, muun muassa Museum of Modern Artissa New Yorkissa ja Tate Galleryssa Lontoossa.

Järjen ja kurjuuden avioliitto, II (1959) Frank Stella

Järjen ja kurjuuden avioliitto, II muodostivat osan Frank Stellan kuuluisista mustavalkoisista maalauksista kankaalle, the Mustat maalaukset Stellan maalauksessa on paksuja mustia kaistaleita, jotka muodostavat käänteisen U:n muotoisia kaistaleita, jotka kulkevat samansuuntaisesti toistensa ja kankaan reunojen kanssa. Mustat kaistaleet on erotettu toisistaan ohuilla valkoisilla maalaamattomilla kaistaleilla, jotka toimivat maalin välisinä aukkoina. Mustat kaistaleet ovat saman paksuisia kuin Stellan käyttämä pensseli, ja ne ovat leveydeltään yhtenäisiä.

Stella päätti olla käyttämättä ekspressiivistä siveltimenjälkeä vuonna Järjen ja kurjuuden avioliitto, II , sillä hän halusi maalauksellaan olevan järjestäytyneen rakenteen, joka olisi tunnistettavissa tasopinnaksi ja kolmiulotteiseksi pinnaksi. Järjen ja kurjuuden avioliitto, II edustaa maalauksen tekoa ja sen tuottamaa tulosta, jossa se, mitä sinä katsojana näet, on se, mitä siellä on. Se on maalin peittämä pinta, ei kuva jostain muusta. Stellan omien sanojen mukaan "se, mitä näet, on sitä, mitä näet".

Stella ei jätä tilaa eleille; hänen teoksistaan on poistettu emotionaalinen tai temaattinen sisältö.

Vuorottelevat geometriset kuviot Järjen ja kurjuuden avioliitto, II osoittaa, että maalaus on vain sitä, kankaalle maalattu kangas. Hän käytti kotimaalarin sivellintä, teollista emalia ja erityisen paksua paarretta korostaakseen tätä tosiasiaa. Stella lähestyi maalauksiaan poikkeuksellisen kirjaimellisesti, ja hänet on tunnustettu ja ylistetty työstään post-maalauksellisen abstraktion ja minimalismin alueella.

Liike neliöissä (1961) Bridget Riley

Liike neliöissä oli Bridget Rileyn ensimmäinen merkittävä siirtymä kohti menestystä abstraktiossa. Rileyn kuuluisat mustavalkoiset teokset kannustavat katsojaa pohtimaan tunteita, joita teos herättää. Hänen maalauksensa edustivat optisen taiteen liikettä, joka hyödynsi optisia illuusioita maalatessaan liikettä kaksiulotteisiin pintoihin.

Riley tutkii tuttujen muotojen, kuten raitojen, soikioiden ja tässä tapauksessa neliöiden, rakenteellisia yksiköitä, joita hän käyttää erilaisissa kokoonpanoissa tutkiakseen psykologisia ja fyysisiä reaktioitamme.

Rileyn monumentaalisen mustavalkoisen abstraktin taiteen taustalla oli ajatus siitä, että kaikki tuntevat neliön, sen muodon, kulmat ja koon, joka antaa vakaan ja symmetrisen kuvan. Sitten hän lähestyi neliön käsitettä yrittäessään löytää jotain uutta, kun otetaan huomioon menestys Liike neliöissä on turvallista sanoa, että hän kaivoi esiin jotain uskomatonta! Hän sai kuuluisan mustavalkotaiteensa valmiiksi yhdellä istumalla ja loi kontrastin maalaamalla vuorotellen jokaisen neliön mustaksi, jolloin hän loi liikkuvan kuvan.

Riley asetti neliön maalauksen pääkomponentiksi, joka moduloi koko taulun.

Neliön korkeus säilyy koko ajan, mutta kunkin neliön leveys pienenee, kun ne lähestyvät keskustaa maalauksen kummaltakin puolelta, ja näin Riley jäljittelee liikettä. Hän luo loistavan kuvan kahdesta toisiinsa taipuvasta pinnasta. Liike neliöissä Rileyn kokeilut rohkaisevat meitä kyseenalaistamaan vakauden ja varmuuden.

Nimetön (musta harmaalla) (1969) Mark Rothko

Mark Rothko oli yksi sukupolvensa merkittävimmistä taiteilijoista. Rothko hyödynsi monia eri taiteellisia tyylejä, kunnes hän kehitti pehmeät, suorakulmaiset maalikenttänsä huomatessaan pinottujen värilohkojen ekspressiivisen potentiaalin. Rothkoon vaikutti vahvasti Friedrich Nietzsche ja hänen venäläis-juutalainen perimänsä. Hänen abstraktissa taiteessaan hän keskittyi syvyyteen, tasapainoon ja mittakaavaan. Se oli täynnä emotionaalistasisältöä, jonka hän halusi katsojien kokevan tiedostamattomalla tasolla. Nimetön (musta harmaalla) on yksi hänen kuuluisimmista mustavalkoisista maalauksistaan kankaalle.

Rothko kyllästää suuret kankaansa mustan ja harmaan hunnuilla. Luodakseen värien, tekstuurin ja sävyjen hienovaraisia vaihteluita hän levitti useita kerroksia ja muutti siveltimen työskentelyä kehittääkseen voimakkaita tai hienovaraisia modulaatioita.

Mustan eri sävyjen kerrostuminen luo valovoimaisen, kuluttavan mustan lohkon. Selkeä ero harmaan välillä, joka näyttää haalistuvan lähestyessään mustaa, lisää maalauksen arvoituksellista tunnetta. Maalaus on hätkähdyttävän monitulkintainen, ja sen tyhjät, lohduttomat kuvat lisäävät rikasta visuaalista kokemusta.

Rothko käytti abstrakteja kuvia ja värejä ilmaistakseen tunteensa ihmisen tilasta ja paljastaakseen, että - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - -. Nimetön (musta harmaalla) Hänen kykynsä sijoittaa tunteensa uudelleen kankailleen teki hänestä laajalti suositun taiteilijan, sillä hän nosti abstraktin maalauksen asemaa.

Rothkon vaaleiden ja tummien värien vastakkainasettelu oli havaittavissa oleva yritys osoittaa hänen käsityksiään modernin elämän vaikeuksista ja ristiriidoista, ja se viittasi yleismaailmallisiin inhimillisiin tunteisiin.

Apocalypse Now (1988) kirjoittanut Christopher Wool

Christopher Woolin kuuluisissa mustavalkoisissa maalauksissa näkyi vaikutteita eri taiteenlajeista. Kuuluisan mustavalkoisen taiteilijan Apocalypse Now taideteos on taiteellinen muunnos sitaatista samannimisestä elokuvasta. Francis Ford Coppolan elokuvassa vuodelta 1979 luutnantti Richard M. Colbyn viimeisessä kirjeessä vaimolleen lukee: "Myy talo. Myy auto. Myy lapset." Woolin taideteos kyseenalaistaa epäsuorasti käsitteen "puhdas ilmaisu" tai "korkea taide" osoittamalla, että abstrakti taide voi myös saada tietoa ja inspiraatiota ympäröivästä elämästä.ja joukkotiedotusvälineet.

Wool käyttää lihavoituja kirjaimia, jotka muuten olisivat tuttuja, tavalla, joka saa ne näyttämään oudoilta ja tunnistamattomilta sijoittamalla ne ruudukkojärjestelmään.

Hän onnistuu häiritsemään lukemisen helppoutta, mikä saa katsojan kyseenalaistamaan kykynsä päätellä teoksen merkitys. Wool kehottaa katsojaa näkemään kirjaimet sekä abstrakteina muotoina että merkityksiä välittävinä asioina. Tämä kannustaa katsojaa tarkastelemaan omia esteettisiä havaintojaan ja tapaansa hahmottaa ympäröivää maailmaa.

Woolin kumoukselliset ja kokeelliset maalaukset ovat johtaneet siihen, että jotkut kriitikot ovat ylistäneet häntä, mutta toiset ovat myös hylänneet hänet pinnalliseksi. Silti hän on varmasti tehnyt itselleen nimeä taidemaailmassa. Tämän mustavalkoisen taiteilijan Apocalypse Now maalaus myytiin Christie'sin huutokaupassa 26 485 000 dollarilla nimettömälle ostajalle. Christie'sin huutokauppatalo kuvaili maalausta ajattomaksi, vaikuttavaksi, vaikuttavaksi ja teokseksi, joka säilyttää merkityksensä tänäkin päivänä. Wool on vakiinnuttanut paikkansa "must-have-taiteilijana" innovatiivisella taiteellisuudellaan.

Vuosisatojen ajan taiteilijat ovat rajoittaneet palettejaan ja sitoutuneet mustavalkoisuuteen keinona tehdä taiteestaan monimutkaisempaa ja vivahteikkaampaa. Nämä listallamme olevat kuuluisat mustavalkoiset maalaukset osoittavat, kuinka paljon voidaan saavuttaa värin puuttumisella. Jos pidit tästä artikkelista, sinun kannattaa tutustua muuhun osaan verkkosivuistamme! Meillä on laaja valikoima taideaiheita, joista osa varmasti herättää mielenkiintoa.kiinnostuksesi!

Tutustu mustavalkoisiin maalauksiimme täällä!

Usein kysytyt kysymykset

Miksi mustavalkoisia maalauksia kutsutaan?

Mustavalkoiset taiteilijat tuottavat maalauksia, joita kutsutaan yksivärisiksi maalauksiksi. Yksivärinen tarkoittaa yhtä väriä; taideteoksen kannalta se viittaa taiteeseen, joka sisältää vain yhden värin. Neutraalin harmaan värispektrin äärimmäisissä vastakkaisissa päissä on musta ja valkoinen, mikä viittaa siihen, että maalauksen värien rajoittaminen mustaan ja valkoiseen tekee maalauksesta yksivärisen.

Miksi taide on mustavalkoista?

Paljon voidaan saavuttaa rajoittamalla maalauksen paletti vain mustaan ja valkoiseen. Värin puuttuminen voi kannustaa kiinnittämään huomiota maalauksen eri elementteihin, kuten arvoon, valaistukseen, sommitteluun ja muotoon. Mustavalkoiset maalarit käyttävät värin puuttumista vaikutuksen maksimoimiseksi. Mustan ja valkoisen jyrkkä kontrasti on osoittautunut tehokkaaksi korostamaan vastakkaisiatodellisuutta ja ihanteita maailmastamme erilaisissa taiteellisissa kuvauksissa kautta historian.