"A bandon every hope, all ye who enter here" - lainaus yhdestä italialaisen kirjallisuuden vaikutusvaltaisimmista teoksista, La divina commedia (joka tunnetaan nykyisin nimellä Jumalallinen komedia: Inferno ), jonka kirjoitti kuuluisa toscanalainen runoilija Dante Alighieri (n. 1308-1321), oli ratkaiseva koetinkivi monille renessanssin taiteilijoille ja filosofisille ajattelijoille Euroopan taidehistoriassa. Seuraavissa taideteoksissa käydään läpi 10 kuuluisinta helvetin kuvausta renessanssin ajalta.

La Divina Commedia : Danten Inferno ja renessanssitaide

On olemassa monia näkemyksiä siitä, miltä helvetti näyttää, ja sinun näkemyksesi saattaa kuulostaa jotakuinkin samalta kuin seitsenpäinen peto, helvetin tulinen kuoppa, sieluja kidutetaan manalassa ja ehkä jopa oma henkilökohtainen huoneesi, jossa joudut kohtaamaan syvimmät ja pimeimmät pelkosi... Kuulostaa helvetiltä, eikö vain? Ihmiskunnan historian aikana on tullut lähes luonnoksi yrittää liittäämerkityksen ja määritellä ihmiselämän keskeiset periaatteet, jotka kattavat elämän, kuoleman, tragedian ja käsittämättömät tuonpuoleiset tapahtumat.

Ihmiset ovat aikojen alusta lähtien kohdanneet selviytymiseen liittyviä haasteita, ja sen seurauksena heidän on täytynyt vastata tällaisiin tilanteisiin liittyviin epävarmoihin kysymyksiin.

Varhaisia kuvauksia inhimillisestä tilasta ja kärsimyksestä löytyy kristillisestä teologiasta, ikonografiasta ja filosofiasta 1300-luvun alkupuolelta. Danten Jumalallinen komedia on runo, joka kuvaa Danten matkaa helvetin yhdeksän kehän läpi. Runo on kirjoitettu Italian poliittisten levottomuuksien aikana, ja siinä hahmotellaan hyvin yksityiskohtaisesti Danten kohtaaminen helvetin yhdeksän kehän kanssa - jokaisen kohtaamisen myötä kärsimys lisääntyy. Tuolloin filosofialla ja oivalluksilla hengellisestä maailmasta ja sen vaikutuksesta ihmiskuntaan oli suuri merkitys.avainasemassa monien taiteilijoiden, runoilijoiden ja luovien yksilöiden toimeentulon kannalta.

Danten runolla oli epäilemättä valtava vaikutus seuraavaan impressionismiin, joka ympäröi taiteilijan tulkintaa helvetistä uskonnollisten kertomusten mukaisesti ja taiteilijoiden kohtaamaa välitöntä henkilökohtaista helvettiä heidän kapinoidessaan akatemiaa ja sen perinteitä vastaan.

Helvetin kartta (vuosina 1480-1490) Sandro Botticelli; Sandro Botticelli, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Kuuluisia kuvauksia helvetistä taiteessa

The Jumalallinen komedia sai aikaan käänteen kohti monimuotoisia kuvauksia helvetistä taiteessa ja sen monista assosiaatioista jumaluuteen, pelkoon, eksistentiaaliseen filosofiaan, uskontoon ja taiteen historiallisen kerronnan muutokseen koko renessanssin ajan. Seuraavat maalaukset esittelevät merkittäviä taiteilijoita, jotka eivät ole ainoastaan osoittaneet hienostunutta, dynaamista käsityötaitoa helvetin taideteosten tulkinnassa ja luomisessa, vaan ovat myös olleetjotka ovat jossain määrin taiteen helvettikuvausten mestareita, koska ne perustuvat uskonnollisten kertomusten hahmottelemiin kehittyviin uskomusmalleihin.

Viimeinen tuomio (1306) Giotto di Bondonen tekemä kuva

Padovassa, Italiassa sijaitsevassa Scrovegnin kappelissa on useita hienosti toteutettuja freskoja, jotka on tehnyt Giotto di Bondone, yksi länsimaisen taidehistorian suurimmista maalareista. Nykyaikana kutsutaan Giudizio Universale , Viimeinen tuomio on osa sykliä, jossa maalatut freskot osana Giotton ja hänen avustajiensa Italian renessanssin käännekohdassa toteuttamaa suurta hanketta, jonka tarkoituksena oli vangita taiteilijan arvostettu taito Scrovegnin kappelin yhtä arvostettuun arkkitehtuuriin, joka on nykyään Unescon kulttuuriperintökohde.

Viimeinen tuomio (1306) Giotto di Bondonen tekemä kuva Arena-kappelissa (Cappella Scrovegni) Padovassa, Italiassa; Giotto, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Ensisijainen huomio kiinnittyy pääaiheeseen, Jeesus Kristus Kristusta ympäröivät enkelit, jotka puhaltavat trumpetteihin, mikä on merkki Kristuksen toisen tulemisen saapumisesta, ja hänet ympäröi jumalallinen monivärinen halo tai taivaallinen portaali, jossa hänen nähdään asettavan toisen jalkansa eteenpäin niin, että hän näyttää astuvan ulos tuomiotaan julistamaan.

Fresko on jaettu kahteen erilliseen osaan, jotka kuvaavat kahden maailman vastakkainasettelua - tuomio Kristuksen puolella ja tuomio helvetissä.

Lähikuva helvetistä teoksessa Viimeinen tuomio (1306), jonka on kirjoittanut Giotto di Bondone ; © José Luiz Bernardes Ribeiro

Maalauksen oikeassa alareunassa rangaistuksen ja pääsyn helvettiin saaneet on kuvattu raahattaviksi väkisin viileän sävyisiin kivivärejä sisältäviin kiviraunioihin - täysin vailla elämää. Giotton tapauksessa helvetin rangaistukseen kuuluu joukko kidutusmekanismeja; demoniset entiteetit ja lohikäärmeen kaltaiset olennot aiheuttavat fyysisiä vammoja ja syövät niiden sielut, jotka eivät oleseurata Kristuksen jalanjälkiä.

Ruumiita on ripustettu ja ripustettu toisiinsa, ruumiita roikkuu oksista, ja kuin painajaisesta, sarvipäinen peto kynsijaloillaan syömässä kirottua sielua samalla, kun se roikkuu tiukasti kahden ihmissielun ympärillä, joiden oletetaan olevan seuraavana vuorossa.

Yksityiskohta helvetistä Viimeinen tuomio (1306), Giotto di Bondone; © José Luiz Bernardes Ribeiro

Tämän helvettikuvauksen merkitys on siinä, että se herättää helvettiin liittyvän pelon ja ajatuksen siitä, että ihminen pysyy tajuissaan, kun häntä vainoavat epäpyhät olennot, joilla on paholaismainen virne. Giotto kuvittaa taitavasti useimmat helvetin hahmot tajuissaan - he ovat selvästi elossa todistaakseen omaa kärsimystään ja kanssasynnintekijöidensä kärsimyksiä.

Helvetille ei ole annettu selkeää rakennetta, kun sitä verrataan pyhyyden ja "hyvyyden" kuvaukseen, joka näkyy pyhiin pukeutuneiden henkilöiden kautta, joita korostavat älykkäästi heidän hurskas kätensä ja rauhallinen käytöksensä Kristuksen hyväksymisessä.

Viimeinen tuomio (1431) kirjoittanut Angelico Giovanni da Fiesole

Kohtaamaan helvetin, on joutunut tuomittavaksi. Tullakseen vaikutusvaltaiseksi maalariksi ja erottuakseen joukosta, on katsottava vanhoja mestareita. Matkamme läpi näennäisen kauhistuttavan taiteen seuraa toista toscanalaisen taiteilijan, Angelico Giovanni da Fiesolen, postuumisti tunnetun Fra Giovannin, klassista teosta. Michelangelo kuvaa alastomia hahmoja, mutta Fra Giovanni piirtää selkeämmän kuvan.jyrkistä eroista niiden välillä, jotka saavat tuomion kohti taivasta, ja niiden välillä, jotka saavat kadotuksen helvettiin, kuten kuvassa oikeassa alakulmassa on kuvattu Viimeinen tuomio (1431).

Viimeinen tuomio (1431), tekijä Angelico Giovanni da Fiesole; Fra Angelico, CC BY-SA 4.0, Wikimedia Commonsin kautta.

Kaikki Kristusta seuraavat hahmot näyttävät olevan pukeutuneita ja lähes rauhassa tuomion ajatuksen kanssa. Toisaalta taulun oikealla puolella on muutamia alastomia hahmoja, jotka ovat helvetin ja sen hallitsijan mielikuvituksellisten piinausten orjia, joita kuvaa synkkä, sarvipäinen olento, joka ahmii syntisten lihaa.

Fra Giovannin asiantunteva perspektiivin ja valon käyttö, yksityiskohtien moitteeton huomioiminen ja saumaton siirtyminen myöhäisgoottilaisesta tyylistä varhaisrenessanssin tyyliin tekivät hänen teoksistaan ja hänen vaikutuksestaan Firenzen renessanssin aikaisiin suuntauksiin niin syvällisiä.

Yksityiskohta helvetistä Viimeinen tuomio (1431), tekijä Angelico Giovanni da Fiesole; Fra Angelico, CC BY-SA 4.0, Wikimedia Commonsin kautta.

Hänen asemansa dominikaanimunkkina ja valaistajana, vakiintuneena taiteilijana ja mentorina saadut oivallukset mahdollistivat sen, että hän pystyi kuvaamaan helvetin kauhistuttavan luonteen todellisen tuntemuksen. Tyylillisesti Giovannin kullattu lähestymistapa uskonnollisten hahmojen esittämiseen lujittaa entisestään hänen jälkensä taidehistoriaan ja on nähtävissä kauniisti toteutettuna muissa teoksissa. kuuluisat taideteokset kuten Neitsyt Marian kruunajaiset (1432). Kristuksen kukistaminen (1434) ja San Marcon alttaritaulu (1443).

Ristiinnaulitseminen ; Viimeinen tuomio (1440 - 1441) Jan van Eyckin kirjoittama teos

Tietenkin on ehkä suurempi synti olla mainitsematta yhtä kuvallisen illusionismin taitavimmista mestareista, Jan van Eyckiä, jonka toimikausi on ollut uskonnolliset maalaukset ja merkittävin panos Pyhän Bavon katedraaliin, joka on Gentin alttaritaulu (1432), on sellainen, josta voi ammentaa loistoa.

Van Eyckin huomiota yksityiskohtiin yhdistettynä hänen mielikuvitukseensa helvetistä on varmasti mielen silmään vaikuttava.

Taito, jolla hän kuvaa ihmishahmoja, sekä syvyyden ja tilan asiantunteva käyttö tekevät hänen teoksistaan paitsi suurenmoisia, myös yksinkertaisia, teemaltaan ja kerronnaltaan yksinkertaisia.

Ristiinnaulitseminen ; Viimeinen tuomio (1440-1441) Jan van Eyck; Jan van Eyck, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Kaksi merkittävää raamatullista tapahtumaa rinnakkain, Ristiinnaulitseminen Jerusalemissa, ja Viimeinen tuomio, vain vahvistavat itse Raamatun pääteeman merkitystä - Jeesuksen Kristuksen uhri ihmiskunnan puolesta ja synnin puhdistaminen, jota vastakohtana on Kristuksen toinen tuleminen tuomitsemaan epäpyhät.

Metropolitan Museum of Artin tutkimusten mukaan molemmat taulut erotettiin toisistaan jossain vaiheessa historiaa, mikä tarkoittaa, että ne eivät aina olleet yhdessä, vaan alun perin ne olivat osa triptyykkiä tai pyhäkön tai tabernaakkelin sisäänkäyntiä.

Näin maalauksen luonne korostuu paitsi sen luomisessa myös sen matkassa ja uudelleen löytämisessä.

Dante ja kolme valtakuntaa (1465) Domenico Di Michelino

Myös inspiraationa Jumalallinen komedia on kuuluisa Firenzessä syntynyt taiteilija, Domenico di Michelino, joka on suosituin hänen Kristillisiä maalauksia ja tunnettu fresko kunnianosoituksena Danten kunniaksi, Firenzen valaiseva komedia ( La commedia illumina Firenze ), joka sijaitsee Firenzen katedraalissa.

Monissa renessanssiajan helvettimaalauksissa on yhteisiä elementtejä, jotka on otettu raamatullisista viitteistä ja tietenkin Danten elävästä kuvauksesta kiirastulesta ja helvetin yhdeksästä kehästä.

Dante ja hänen runonsa tai Dante ja kolme valtakuntaa (1465) Domenico Di Michelino; Domenico di Michelino, CC0, Wikimedia Commonsin kautta.

Osoitteessa Dante ja kolme valtakuntaa, Michelino kuvittaa kuvassaan Danten kiirastulesta, joka on sijoitettu taustalle ja johtaa aina taivaaseen asti. Toinen huomionarvoinen seikka on se, että tuona aikana maailman pohjapiirroksen kartoittaminen sisälsi hyvin paljon taivaallisia järjestelmiä, kuten filosofit ja tähtitieteilijät havaitsivat. Taiteilija kiinnittää huomionsa aikakautensa pyhään kaupunkiin, Firenzeen vuodelta 1465.taivaallinen yötaivas kiirastulen oikealla puolella, ikään kuin yritys helvetin portille.

Tämä tilausteos on kunnianosoitus siitä vaikutuksesta, joka Danten runolla oli Firenzen taiteilijoihin ja heidän henkilökohtaiseen kasvuunsa, kun he kehittivät kykyjään kilpaillessaan Saloniin pääsystä.

Polyptyykki, etupuoli: Maallinen turhamaisuus ja jumalallinen pelastus (1485) Hans Memling

Olet ehkä kuullut latinankielisen lauseen Memento Mori Hans Memling viittaa Hieronymus Boschin tavoin himoon ja turhamaisuuteen ominaisuuksina, jotka vaikuttavat kuolevaisuutemme arviointiin. Tämä triptyykki, Maallinen turhamaisuus ja jumalallinen pelastus , joka on myös polyptyykki - melko pieni kannettava triptyykki, joka näyttää olevan ainoa laatuaan, joka tunnetaan tuon ajan eurooppalaisessa taiteessa.

Kolmelle tammipaneelille maalattu, vasemmalta Memling maalaa ruumiin - ei aivan luita ja pölyä, eikä myöskään aivan vainajaa - mutta hyvin paljon kuoleman merkkinä.

Polyptyykin etupuoli, Maallinen turhamaisuus ja jumalallinen pelastus (1485) Hans Memling; Hans Memling, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Keskellä on kauniisti tasapainossa oleva alaston naishahmo, joka katsoo peiliinsä ja ihailee peilikuvaansa ja kauneuttaan. Venus peilin kanssa - turhamaisuus. Hänen alapuolellaan on kaksi koiraa ja aarnikotka. Koirat symboloivat himoa, kun taas aarnikotka viittaa siihen, että sitä käytetään monissa rakkautta ja avioliittoa kuvaavissa romanttisissa maalauksissa.

Kuoleman kannalta keskeistä on turhuuden ja himojen täyttämä elämä, ja synnin todellinen lopputulos kuvataan helvetiksi - tämä ei ole kovin lempeä muistutus synnin seurauksista ja nyökkäys moraalin ja kuolevaisuuden yhteydestä.

Maallisten ilojen puutarha (1490 - 1500), Hieronymus Bosch

Kuuluisa hollantilainen taidemaalari Hieronymus Bosch kuvasi kolmelle taululle jakautuneissa monimutkaisissa maisemissa ja mielikuvituksellisissa riemukkaissa hahmoissa oman versionsa siitä, mikä näyttäisi olevan yhteys nautinnon ja "maallisten nautintojen" sekä helvetin levottomuutta herättävän kuvauksen välillä.

Tässä Bosch esittää helvetin kuvien kautta, jotka kuvaavat tuhoa, himoa, rangaistusta, ahmimista, musiikillista kidutusta, sotaa, pimeyttä ja tyytymättömiä kasvoja helvetin sekasorron keskellä.

Maallisten ilojen puutarha (1490-1500) Hieronymus Bosch; Hieronymus Bosch, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Tämän teoksen tekee niin merkittäväksi se, että vaikka se esittää yksinkertaisen kuvauksen luomakunnasta ja Jumalan antamasta lisääntymistehtävästä, maalaus pitää taitavasti sisällään myös alkuperäiseen tehtävään liittyvän kadotuksen - himon kuin pääsynnin ja ihmisen liiallisen nautinnon maallisissa nautinnoissa, mikä johtaa lopulta helvettiin.

Bosch on yksi monista renessanssin ajan kuuluisista taidemaalareista, joiden töissä käsiteltiin helvetin kuvausta ja ajan ideologiaa.

Oikea sisempi siipi Maallisten ilojen puutarha (1490-1500), Hieronymus Bosch, joka kuvaa helvettiä; Hieronymus Bosch, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Viimeinen tuomio (1536 - 1541) Michelangelo

Klassinen. Unohtumaton. Historiallinen. Kuuluisien helvettimaalausten mukaisesti on hyödyllistä katsoa kohti yhtä ikonisimmista renessanssin taiteilijat Michelangelo, joka tunnetaan Sikstuksen kappeliin antamistaan panoksista. Michelangelon panos taidehistoriaan on edelleen lähde monille tutkijoille, jotka tutkivat renessanssin ajan helvettimaalauksia.

Vaikka se ei olekaan ensisijainen viittaus helvettiin, sen yhteyttä tuomioon ei kuitenkaan voi jättää huomiotta, sillä matka helvettiin tai taivaaseen edellyttää tuomiota.

Viimeinen tuomio (1536-1541) Michelangelo; Michelangelo, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

The Viimeinen tuomio Michelangelo ei ole historiallisesti merkittävä vain siksi, että se on kuuluisan Sikstuksen kappelin fresko, vaan se on myös uskonnollinen koetinkivi - huolellisesti muotoiltu kuva taivaan, Jeesuksen Kristuksen (Jumalan pojan), tuomion ja helvetin monimutkaisuudesta.

Tavallaan toista ei voi olla ilman toista, ja Michelangelo tiesi, millainen painoarvo tällä maalauksella olisi ja millainen se olisi.

Saatana (1847) kirjoittanut George Frederic Watts

Niin paljon kuin Kristus on ensisijainen hahmo useimmissa uskonnollisissa maalauksissa, hänen vastustajansa, paholainen, esiintyy myös monissa renessanssin helvettimaalauksissa. Kun paholainen tulee mieleen, saatat ajatella sarvipäistä petoa, mahdollisesti puoli-ihmisen näköisen hahmon ruumiissa, jolla on punainen suomuinen iho ja lepakon siivet. Ajatus paholaisen maalaamisesta vastaa ajatusta pelon lietsomisesta.

Tällä kertaa ei keskitytä helvetin seurauksiin vaan enemmänkin sen hallitsijaan ja siihen, miten kauhistuttavaa paholainen on.

Sallimalla itsensä muiden mestareiden ja vakiintuneiden taiteilijoiden, kuten Titian ja Michelangelon jälkeen englantilainen taidemaalari ja kuvanveistäjä George Frederic Watts esitteli helvetin mestarin, Saatanan, joka ei ole maalattu sarvipäisenä olentona, vaan hahmona, joka näyttää hyvin rakennetulta lihaksikkaalta mieheltä, joka kääntää kasvonsa poispäin helvetin tulen aalloista.

Tapa, jolla englantilainen taidemaalari kuvaa paholaista, herättää katsojan miettimään, että paholainen itse joutuu ehkä kohtaamaan ahdistusta ja epämukavuutta helvetin kuilujen keskellä. Pelkästään liekkien perusteella voi päätellä, että uuniin upotetun hahmon täytyy sijaita helvetissä, ja näin ollen kuvauskohteena on itse Saatana, mutta ilman helvetin tulelta suojaavaa vaakakuppia. Hän on melkeinpähaavoittuvuutta, turhautumista ja toivottomuutta, kuten helvetin kuvauksilta taiteessa odotetaan.

Saatanan kasvojen kiehtovuuden lisäksi Watts ei ehkä voinut kuvitellakaan kuvaavansa paholaisen identiteettiä - Watts itse oli erikoistunut muotokuviin ja hänelle oli kertynyt vahvaa menestystä sekä miesten että naisten muotokuvissa kaikista kuvakulmista. Ajatuksen ruokaa?

Dante ja Virgile (1850), William-Adolphe Bouguereau

Palatakseni Danten runoon, edellä on kuvattu seuraavaa Dante ja Virgile William-Adolphe Bouguereaun esittämänä. , ranskalainen akateeminen taidemaalari, joka sai Prix de Rome -stipendin nuorille roomalaisille taiteilijoille. Monet taiteilijat ovat ottaneet mallia seuraavista teoksista Jumalallinen komedia, mutta kukaan ei ole tehnyt sitä niin realistisesti, syvällisesti ja hienostuneesti värin käyttämällä kuin Bouguereau.

Maalauksessa viitataan Danten kahdeksanteen helvetin piiriin, jossa kaksi ikuiseen kadotukseen tuomittua sielua taistelee.

Dante ja Virgile (1850) William-Adolphe Bouguereau; William-Adolphe Bouguereau, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Bouguereau maalaa hyökkääjän, joka puree ilkeästi toisen - harhaoppisen - kaulaa, kuten runossa kuvataan. Kohtaus näytti innoittaneen Bouguereauta toteuttamaan taidokkaasti ja valtavin yksityiskohdin raskaan taistelun kuolemaan, jota kuvaavat vääristyneet lihasten liikkeet, aggressiivinen tahto, tuska ja epätoivo helvetin salaperäisten katsojien ympäröimänä.

Todella räikeä kohtaus maalarille, jonka näyttelyn pysäyttäjiin kuuluivat hienot siveltimenvedot, lempeät kasvot ja hienostuneet naishahmot.

Omakuva helvetissä (1903) Edvard Munch

Tunnistat tämän norjalaisen luovan taiteilijan ehkä hänen siveltimenvedoistaan ja värien käytöstään, Huuto (1893), Edvard Munchiin vaikuttivat suuresti eurooppalaiset impressionistit, kuten Èdouard Manet ja Paul Gauguin - vain muutama niistä lukuisista tapaamisista, joita taiteilija kohtasi näiden arvostettujen henkilöiden kanssa.

Impressionismi on yksi monista länsimaisen taidehistorian historiallisista liikkeistä, joka syntyi ratkaisuksi tai turvasatamaksi taiteilijoille, jotka Salon oli hylännyt tyylivalintojensa, aiheidensa ja ennen kaikkea kuvaustensa vuoksi.

Impressionismi sisälsi ensimmäisen vaikutelman tosielämän aiheista, mutta 1900-luvun alun ekspressionismi mahdollisti enemmän tunteita herättävien elementtien esiinmarssin.

Munchin tunneilmaisu, jota hänen pitkät, usein virtaavat siveltimenvedot, lähes lapsenomaiset raapaisevat pastellivärit ja tietty yksityiskohtien puute kuvaavat, eivät niinkään korostaneet maalaustaitoa maalaamisen itsensä vuoksi vaan enemmänkin kulissien takana olevia tunteita sillä hetkellä, jolloin ne tapahtuivat.

Omakuva helvetissä (1903) Edvard Munch; Edvard Munch, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Vaikka se ei olekaan suora viittaus uskontoon perustuviin maalauksiin, Omakuva helvetissä voidaan pitää helvetin taideteoksena, sillä se kuvaa taiteilijaa kuvitteellisena helvetissä. Koska Munch on vahvasti sidoksissa tunnemaalaukseen, voi varmasti viitata hänen kuvitteelliseen tilaansa maalatessaan helvetin syvyyksiin vangittua omakuvaa. Munch kuvaa itsensä alastomana, maalauksen ensisijaisena kohteena, jonka suora katse pitää sisällään katsojan katseen.

Katse ei ole ratkaiseva vain siksi, että se herättää tunteen katsojan katsomisesta sisäänpäin tai taiteilijan katsomisesta ulospäin, ikään kuin syyllisyydentunteena - vaan se on myös tapa, jolla Munch vaikuttaa melkein liikkumattomalta, ikään kuin jähmettyneenä omaan, itse aiheutettuun helvettiinsä.

Tässä kohtaa tulee esiin henkilökohtaisen helvetin käsite ja miksi impressionismin ja kapitalismin käänne ja Ekspressionismi näytti monipuolistavan näennäisen kauhistuttavan taiteen tulkintoja. Katse on laajenemisen jyrkkyys ja peili paitsi katsojalle, myös itsereflektoivalle kysymykselle katsojalle. Helvetin yksinäisen taustan vangitsemana Munch maalaa myös lihaa ikään kuin kellastuneena ja melkeinpä sairautta ajatellen - ehkäpä helvetin sisäisempää fyysistä kadotusta kokemuksena hänentodellisuus.

Älköön tämä olko loppu tutkiskelustasi maailman kuuluisimpien helvettimaalausten parissa. Muita samanhenkisiä ja syvällisiä taiteilijoita, joiden teokset vetävät vertoja Hieronymus Boschin ja Edvard Munchin taidoille ja vaikutuksille, ovat muun muassa Pieter Bruegel, William Blake, Franz von Stuck, John Martin ja Sandro Botticelli.

Usein kysytyt kysymykset

Milloin renessanssi tapahtui ja mikä on sen merkitys?

Renessanssilla (ranskankielinen sana) tarkoitetaan Euroopan historian ajanjaksoa, jonka arvioidaan alkaneen keskiajalta 1600-luvulle. Sen uskotaan yleisesti alkaneen Italiassa 1300-luvun tienoilla, ja se on yksi merkittävimmistä kehityksen ja radikaalien filosofisten, poliittisten ja tieteellisten muutosten ajanjaksoista.

Mitä eroa on impressionismilla ja ekspressionismilla?

Impressionismi on erillinen taideliike ekspressionismista. Impressionismin arvioidaan ilmestyneen Pariisissa noin vuonna 1860 itsenäisenä liikkeenä, joka irrottautui Salonin ihanteista. Impressionismi palveli ympäristön tai hetkellisen tilannekuvan vangitsemista esineestä, henkilöstä, ihmisryhmästä tai yleisestä aiheesta reaaliajassa, sellaisena kuin se on nähty taiteilijan silmin sillä hetkellä, eikä se keskity niinkään kohteen yksityiskohtien vangitsemiseen, silläToisaalta ekspressionismi sisältää enemmän tunteita, jotka taiteilija heijastaa teoksen kohteeseen. Ekspressionismi syntyi Saksassa vuonna 1905, ja se sisälsi elementtejä, jotka pyrkivät pois fyysisestä kuvauksesta ja enemmän kohti tunneilmaisua.

Mitä on kuvallinen illusionismi?

Kuvallinen illusionismi voidaan ymmärtää viittauksena visuaaliseen esittämiseen maalausten, kirjallisuuden, visuaalisten kuvien, elokuvan, teatterin tai minkä tahansa median tai menetelmän avulla, jonka avulla katsoja voi tarkastella kuvaa. Illusionismi taiteessa viittaa taideteokseen, joka luo illuusion todellisesta esineestä siten, että se herättää tunteen siitä, että esine on elävä. Kuvallinen illusionismi liittyy käsi kädessä kognitioon, katsojan havaintoon kuvallisesta esityksestä ja visuaaliseen kuvastoon liittyviin illuusioihin. Tähän voi kuulua myös katsojan mielen huijaus, kun hän kohtaa kuvauksen todellisesta kohtauksesta, joka onsaa katsojan tuntemaan, että maalaus olisi itse asiassa elossa.