C ollage-taideteos on ollut olemassa jo kauan ennen kuin sitä kuvaavaa nykyaikaista termiä oli olemassa. Monet taiteilijat ovat käyttäneet sitä abstraktiokykynsä ja tulkinnallisen potentiaalinsa vuoksi. Kun taiteilijat yhdistävät irrallisia elementtejä kollaasiksi, he luovat uusia merkityksiä. He muuttavat tutut asiat uusiksi, omituisiksi ja irrationaalisiksi muodoiksi.

Kollaasi taideteos

Pablo Picasso ja Georges Braquen katsotaan usein olleen kollaasin synnynnäisiä tekijöitä. He olivat ensimmäisiä, jotka käyttivät massamediaa synteettisissä kubistisissa kollaaseissaan. Nämä varhaiset reaalimaailman materiaalien käyttökohteet innoittivat monia taiteilijoita, kuten surrealistia Max Ernstia ja dadaistia Hannah Höchiä, seuraamaan esimerkkiä.

Sittemmin kollaasista on tullut yksi helpoimmin lähestyttävistä taidemuodoista, ja se on ruokkinut keskustelua korkeasta ja matalasta taiteesta.

Mikä on kollaasi?

Kollaasi kuvaa sekä taiteen tekemisen prosessia että lopputuotetta. Suosittu kollaasitaide materiaaleja ovat esimerkiksi aikakauslehti- ja sanomalehtileikkeet, valokuvat, muiden taideteosten osat, värilliset tai käsintehdyt paperin palat, kangas, muut tekstuurit tai löydetyt esineet. Kollaasi on tyypillisesti kaksiulotteinen, ja se tehdään liimaamalla materiaaleja tasaisille pinnoille, kuten paperille, kartongille tai kankaalle.

Termi kollaasi tulee ranskankielisestä sanasta coller, joka tarkoittaa "liimata" ja jonka keksivät 1900-luvun alussa kubistitaiteilijat Georges Braque ja Pablo Picasso.

Nimetön (Hampurin kohojuna) (1929) Kurt Schwitters; Kurt Schwitters, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Decoupage on eräänlainen kollaasityyppi, joka luokitellaan yleensä käsityöksi, koska sillä on koristeellisia tavoitteita. Assemblaasi liitetään usein veistoksellisiin ja löydettyihin esineisiin. Materiaalien liimaustekniikkaan pinnalle voi sisältyä kerroksittaisia tekstuureja, jotka luovat kuvion, ja syvyyttä, joka on usein päällystetty lakalla tai vastaavilla tiivisteaineilla suojaamiseksi.

Kollaasitaiteen historia

Kollaasitaiteen alkuperä voidaan jäljittää vuosisatojen taakse vuoteen 105 jKr., jolloin käsityöläiset keksivät ensimmäisen kerran valmistusmenetelmät Kiinan itäisellä Han-kaudella. Pian sen jälkeen oli todisteita kollaasitekniikoiden käytöstä.

Kuitenkin vasta 10. vuosisadalla Japanissa liimapaperia alettiin virallisesti käyttää kalligrafiassa.

Kiinalaiset sellutehtaat levisivät nopeasti muualle Aasiaan, Afrikkaan, Lähi-itään ja olivat saapuneet Eurooppaan 1100-luvulla. Varhaiset liimat, kuten arabialainen iholiima, valmistettiin kasvihartseista, eläinten luista, vuodista ja nahoista. Taiteellinen liimaustekniikka kuvien luomiseksi ilmestyi 1200-luvulla keskiajalla. Kuva on Pyhä Dorothea (n. 1450-1500 jKr.) osoittaa, että puut, reunus ja Pyhän Dorotein puku oli koristeltu kristalleilla ja kimalteilla.

Merz Piirustus 47 (1920) Kurt Schwitters; Kurt Schwitters, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

1400- ja 1500-luvuilla uskonnolliset kuvat käsikirjoituksissa, goottilaiset katedraalit , ja aateliset vaakunat koristettiin yleisesti lehtikullalla, jalokivillä ja muilla arvoesineillä. Paperikollaasitaiteen muodot, kuten siluetti, tulivat 1800-luvulla suosituiksi kotimaisina uutuuksina, jotka olisivat olleet kohtuuhintaisia ja laajemman ihmisjoukon saatavilla.

1900-luvun alussa kollaasi nousi modernin taiteen eturintamaan. Se vakiinnutti paikkansa kuvataiteessa noin vuonna 1912, jolloin se yhdistyi kubismin, konstruktivismin ja futurismin kaltaisten taidesuuntausten kanssa. Dada, joka alkoi vuonna 1916 Zürichissä, Sveitsissä, sopi erityisen hyvin kollaasitaiteen muotoon.

Dadan taiteellinen ja kirjallinen liike syntyi vastauksena ensimmäisen maailmansodan (1914-1918) katastrofeihin ja modernin massamediakulttuurin koneellistumiseen. Dada-taiteilijat kokeilivat erilaisia kollaasitekniikoita ja haastoivat käsityksiä siitä, miltä taide voisi näyttää ja mistä se voisi olla tehty.

Kymmenen kuuluisaa kollaasitaiteilijaa

Kollaaseja tekeviä taiteilijoita ei yhdistä tekniikka tai tietty estetiikka, vaan heidän vaistonsa ovat muokanneet tapaa, jolla näemme ja teemme kuvia, sekä sitä, miten ymmärrämme niitä, käyttämällä tätä muokattavaa ja ilmaisuvoimaista välinettä.

Jotkut kuuluisimmista kollaasitaiteilijoista ovat kyenneet herättämään sekä vakavaa monimutkaisuutta että kunnioituksetonta absurdiutta, usein samanaikaisesti.

Henri Matisse (1870 - 1954)

Yksi 1900-luvun rakastetuimmista taidemaalareista Henri Matisse teki pitkän uran keskeisenä hahmona Moderni taide . Kun hänellä todettiin syöpä, hän alkoi käyttää pyörätuolia ja oli usein vuodepotilaana.

Niinpä vuonna 1941, uransa loppupuolella, Matisse alkoi käyttää avustajiaan kuuluisien leikkeleidensä tekemiseen.

Suuret valkoiset paperiarkit maalattiin. Sitten nämä värikylläiset arkit leikattiin muodoiksi ja järjestettiin sommitelmiksi. Matisse loi kollaasit asettamalla leikatut, yksinkertaistetut, litteät, värilliset muodot paperille. Henri Matisse nautti sommittelun löytämisestä työskentelyn aikana. Muodot muistuttivat toisinaan automaattisesti ihmishahmoja, toisinaan ne olivat eläimellisiä. Toisinaan taas leikkaukset piti taivutella Matissen mieleisiksi motiiveiksi, kuten tähdiksi, kaloiksi tai tanssiviksi muodoiksi.

Leikattujen muotojen dynaamiset värit antavat sommitelmalle leikin tunteen. Kuviot, mittakaava ja värit osoittavat, että Matisse viittasi vapautumiseen, liikkeeseen ja eleisiin. Hänen prosessinsa puhutteli nostalgista ajatusta kohoamisesta ja pyyhkäisystä. Jopa pyörätuolissa taiteilija leikki, ja hän halusi, että hänen leikattujen muotojensa tuloksena syntyneet leikkaukset kiinnostavat ja inspiroivat katsojaa.

Nämä myöhäiset teokset kuitenkin usein kuitataan pinnallisiksi yleisön iloksi, eivätkä ne ole osoitus vakavasti otettavasta taiteilijasta, ja jopa silloin, kun Matissen leikkauksia ylistetään niiden lapsellisuuden vuoksi. Tämä ei kuitenkaan vähentänyt Matissen uuden kuvakielen riemua, kuten kaksi vuotta ennen hänen kuolemaansa valmistuneessa teoksessa "Uima-allas" (1952).

Pablo Picasso (1881 - 1973)

Talvella 1912-1913 taiteilijat Georges Braque ja Pablo Picasso alkoivat liimata materiaaleja, kuten kaappien vuoria ja tapetteja, taideteoksiinsa, jolloin syntyivät ensimmäiset modernin taiteen kollaasit. He leikkasivat paperinpaloja haluttuun muotoon ja liimasivat ne sitten yhteen nimellä "Papiers Colliers" (kollaasit).

Tällä uudella tekniikalla, jossa he liimasivat tekstuureja tai maalattuja paperinpaloja sommitelmiinsa, he sitoutuivat outoon todellisuuden ja illuusion väliseen vuorovaikutukseen.

Valokuva Pablo Picassosta, otettu tammikuussa 1962; Argentiina. Revista Vea y Lea , Public domain, Wikimedia Commonsin kautta

Picasson asetelma, jossa on tuolin kanylointi (1912) oli kubistin pyrkimys kuvata todellisuutta turvautumatta illusionismiin. Perinteisten maalaustapojen sijasta köydellä kehystetty öljy kankaalle -teos oli ensimmäinen kerta, kun Picasso sisällytti kollaasin teoksiinsa.

Aihe, jota varten Asetelma tuolin kanssa Caning on tyypillinen pariisilainen kahvilapöytä. Sen päällä on lasia, viipaloitu sitruuna ja korkeaan analyyttiseen tyyliin maalattu piipun varsi. Ruokotuolin kuvio on maalattu valtavan yksityiskohtaisesti, ja varsinainen paksu kuvioitu köysi on käytetty kehys.

Kuvan muodostava materiaalikokoonpano sisältää lehtileikkeitä, julisteiden palasia, hiekkaa, rautalankaa, sanomalehteä, lautasliinan reunaa ja sitruunan kuorta. Picasso piirsi ja maalasi löydettyjen materiaalien päälle vastakkain taidetta koskevien rajojen kanssa.

Kurt Schwitters (1887 - 1948)

Saksalainen taiteilija Kurt Schwitters aloitti akateemisella tyylillä ja työskenteli eri tyylilajeissa ja medioissa, kuten kubismissa, konstruktivismissa, futurismissa ja dadaismissa. Schwitters kääntyi lopulta pois dadaismista hollantilaisen De Stijl -liikkeen hyväksi. Hän työskenteli runouden, typografian parissa ja oli installaatio- ja installaatiotoiminnan uranuurtaja. performanssitaide Hänen Merz-kuvissaan on vain muoto, ei sisältöä.

Schwitters tuotti ainutlaatuisella tavalla kuvia, joissa yhdistettiin öljyvärimaalausta kankaalle ja assemblaasia. Hän liimasi ja naulasi materiaaleja pintoihinsa. Erilaiset materiaalit sisälsivät mustetyynyn leimoja, lippujen tumppeja, tulitikkuaskarteluja, sanomalehtiä, valokuvaleikkeitä, roskia ja muita arkipäiväisiä esineitä.

Kollaasi Das Undbild (1919), joka sijaitsee Centre Georges Pompidoussa Pariisissa, Ranskassa; Kurt Schwitters, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta

Schwittersille materiaalilla ei ollut merkitystä, vaan hän pyrki kokoamaan nämä arkipäivän esineet kubistisiksi kollaaseiksi ja löytämään rikkaan ja monimutkaisen materiaalijärjestelyn, joka mitätöi esineiden yksilölliset piirteet ja loi uusia kuvasymboleita.

Ajan myötä Schwitters luopui kokonaan maaleista, jotka olivat toimineet hänen materiaaliensa sideaineena.

Wenzel Kind Mz 151 (1921) perustuu olemassa olevaan kuvaan, jota Schwitters ei ollut juurikaan muuttanut. Se on jäljennös eräästä Rafaelin maalaus mutta Schwittersin minimaaliset interventiot muuttavat kuvaa ja sen merkitystä. Hän alkoi yhä enemmän hämärtää kollaasin ja löydetyn taiteen rajoja. And-kuva (1919) pidettiin readymade-teoksena, vaikka se on yhdistelmä kollaasia, maalausta ja löydettyjä esineitä.

Hannah Höch (1889 - 1978)

Saksalainen taiteilija Hannah Höch pidettiin valokuvamontaasimenetelmän alullepanijana. Aiemmin urallaan hän oli ollut yhteydessä dadaan, ja vuonna 1919 Höch työskenteli suuressa berliiniläisessä kustantamossa, jossa hän inspiroitui ympärillään olevasta painetusta kuvamateriaalista. Toimistossaan lukuisia julkaisuja selaillessaan hän alkoi leikata niistä itseään kiinnostavia kuvia. Hän järjesteli kuvat räikeiksi, mutta joviaalisiksi kokonaisuuksiksi.vastakkainasetteluita, mutta samalla osoittaen maltillisuutta ja hyväksyen negatiivisen tilan.

Tunnetuin Hannah Höchin kollaasi on "Cut With the Kitchen Knife through the Beer-Belly of the Weimar Republic" (1920), joka on kooltaan 90 x 144 senttimetriä. Maskuliininen estetiikka saavutettiin sotakoneiden, hammasrattaiden lentokoneiden ja aseiden leikkauksilla. Höchin kiehtovuus koneita kohtaan kuvastaa teollistumisen nopeatempoista tuhoa.

Valokuva Hannah Höchistä, otettu vuonna 1974; Dietmar Bührer (Wikipedia), CC BY-SA 4.0, Wikimedia Commonsin kautta.

Teoksen nimi kuvaa Höchin kritiikkiä niin sanottua kaljamahabrigadia kohtaan. Teos on tehty talvella 1919, ja se kuvastaa ensimmäisen maailmansodan jälkeistä kaoottista siirtymävaihetta Saksan instituutiossa.

Koko oikean yläkulman vyöhyke kuvaa silinterihattuja, kuuluisia poliittisia hahmoja, miespuolisia dadaisteja ja valtion virkamiehiä, ja keskellä paukkuu kuva itse Keisari Vilhelm II:sta. Höch korvasi hänen oikean silmänsä vauvalla ja teki viiksistään painijan jalat. Kuva on polttava syytös maskuliinisuudesta.

Hänen leikkauksensa olivat peräisin tunnetuista sanoma- ja aikakauslehdistä. Albert Einsteinin kaltaisten tuttujen hahmojen käyttö olisi ollut katsojille järkyttävää. Omaksumalla Höch sekoitti ja loi uudelleen uuden lausuman ja purki perinteisiä käsityksiä kuvan tekemisestä.

Man Ray (1890 - 1976)

Ranskalainen taidemaalari Man Rayn varhainen työ Paysage Fauve, Maisema (1913) puhui kubistista kieltä. Hänen kubistiset maisemakuvansa olivat jo lähellä kollaasia, mutta kun taiteilija muutti Pariisiin, hänen teoksistaan tuli selvästi kubistisia. Surrealistinen .

Tässä vaiheessa unenomaiset kohtaukset ja vääristyneet biomorfiset hahmot löysivät tiensä Rayn kokoonpanoon.

Köysitanssija säestää itseään varjoillaan (1916) on varsin abstrakti. Nähtyään vaudeville-esityksen taiteilija oli käyttänyt rakennuspaperia tanssijan rakentamiseen. Valmistuttuaan hän sattui pitämään prosessin jäänteistä. Niinkin paljon, että jäänteistä tuli hänen tulevien maalaustensa perusta.

Man Ray käytti myös mielenkiintoisesti valokuvaa luodakseen kollaasitaidetta, joka ei ollut valokuvamontaasi. Vuonna 1922 julkaistussa uraauurtavassa kirjassaan Les Chaps Delicieux eli "Herkulliset pellot" Man Ray esitteli Rayographit, jotka tunnetaan paremmin nimellä fotogrammit. Fotogrammit tuotetaan tekniikalla, jossa esineitä asetetaan valoherkälle paperille, joka valotetaan ja luodaan oudon läpinäkyvä kollaasi.valokuvaus on peräisin 1800-luvulta, Man Rayn lähestymistapa oli virkistävä.

Kun kootut esineet altistettiin valolle, esineiden alla oleva valokuvapaperi ei altistunut.

Man Ray valitsi esineitä, joiden läpikuultavuus vaihteli, mikä lisäsi abstraktia estetiikkaa. Mitä läpinäkymättömämpiä esineet olivat, sitä negatiivisemmalta tila näytti, vaikka kyse oli kollaasitaiteesta, joka viime kädessä käsitteli negatiivisuutta. Kamerattomia valokuvia, esineettömiä esineitä ja negatiivisen tilan negatiiveja.

Max Ernst (1891 - 1976)

Surrealistit tunnettiin siitä, että he käyttivät kollaaseja kuvaamaan ihmismielen sisäistä toimintaa. Ranskassa toimiva modernien taiteilijoiden ryhmä tuotti kollaaseja, joissa keksittiin absurdeja, unenomaisia kohtauksia. Alun perin primitivismin ja dadan innoittamana Max Ernst oli yksi tunnetuimmista surrealistisista kollaasitaiteilijoista.

Max Ernstin kollaaseista tulee ihmisen ja mekaanisten piirteiden yhdistelmiä, jotka kuvaavat modernin teollisen sodankäynnin verilöylyä.

Hänen kuvansa Murhaava lentokone (1920) on kollaasi, joka kuvaa ihmisen ja ensimmäisen maailmansodan hävittäjälentokoneen hybridiä, kun kaksi sotilasta kantaa etualalla yhtä haavoittunutta. Ernstin lähdemateriaaleina olivat muun muassa populaarilehdet ja koulutarvikeluettelot. Hän loi uusia merkityksiä yhdistelemällä ristiriitaisia kuvia, jakamalla tai monistamalla niitä ja käyttämällä niitä piirroksina.

Hänen valokuvamontaasitekniikkansa poisti käsityön etsiessään sopivaa tapaa ilmentää anti-taidettaan, jossa hän kohtasi osallisen asemansa porvarillisessa yhteiskunnassa.

Hänen hallusinatoriset kuvituksensa osoittivat värien ja viivojen mestaruutta, jonka avulla Ernst muutti arkisten julkaisujen sivut draamaksi, joka paljasti hänen "salaisimmat toiveensa". Figuraation elementit nousivat esiin alitajuisesti. Niin automaattisesti, että ne näyttivät absurdeilta ja provosoivat uusia tapoja nähdä.

Romare Bearden (1911 - 1988)

Afroamerikkalaisen taiteilijan Romare Beardenin ura kattoi monia tyylejä ja välineitä, mutta hänet tunnetaan parhaiten kollaasikuvituksistaan. Hän alkoi kokeilla kollaasin muotoa 1960-luvun puolivälissä kansalaisoikeusliikkeen huipulla.

Kokeiltuaan abstraktiota Beardenin työ muuttui esittävämmäksi yrittäessään tutkia afroamerikkalaista identiteettiä, naisten kokemuksia, rakennettuja ympäristöjä ja epäoikeudenmukaisuutta. Hänen varhaiset teoksensa kuvasivat usein kohtauksia Yhdysvaltojen eteläisestä Amerikasta ja tarjosivat kollaasia tuottavana tilana rotuidentiteettiä koskevien kysymysten pohtimiseen.

Beardenin kollaaseissa, jotka perustuvat joukkotiedotusvälineistä peräisin oleviin elementteihin, on räväkkä mittakaavan logiikka. Hänen hahmoillaan on suuret päät, ja muut ruumiinosat ovat vääristyneet. Hänen reunansa eivät ole huolimattomia, mutta ne eivät ole näkymättömiä, ja ne vaikuttavat osaltaan sommitelmiin, jotka ovat tavallisesti tiheitä ja joissa on monimutkaisia ja rohkeita taustoja.

Nuoret opiskelijat (1964) on yksi tällainen varhainen kollaasi, jossa Bearden kuvaa vilkasta katua minimaalisella negatiivisella tilalla. Kasvot on rakennettu useista kuvista, jotka viittaavat Beardenin kubistiseen menneisyyteen. Carolina Shell (1974) Bearden sovelsi maalauksellista otettaan kollaasiin. Hänen värinkäyttönsä abstrahoi hahmoja entisestään eloisassa ykseyden kohtauksessa.

Kyky tuottaa kollaasitaidetta, joka on sekä esteettistä että poliittista, on Beardenin tyylin vahvuus.

David Hockney (1937 - nykyään)

Monet brittiläisen taiteilijan David Hockneyn kuvista voidaan luokitella kollaasitaiteeksi, vaikka niitä ei varsinaisesti voi pitää valokuvamontaasina tai assemblaasina. Sen sijaan, että hän leikkaisi valokuvista uuden kuvan luomiseksi, David Hockney olisi pitänyt valokuvata kuvat hajanaisesti ja rakentaa kollaasi sen jälkeen, kun ne oli saatu painosta.

Olipa kyseessä sitten ratti, kädet, jalat tai Grand Canyon, Hockney kokosi kollaaseja, jotka leikittelivät perspektiivillä, kehystyksellä, linjalla ja reunoilla ja muodostivat useita näkökulmia yhdeksi kohteeksi, joka näkyi hänen läheisyytensä kautta. Vaikka nämä ovat leikkaamattomia valokuvia, katsoja onnistuu lukemaan ne yhden osan summina.

Vierailu Christopherin ja Donin kanssa Santa Monica Canyonissa (1984) oli Hockneyn yritys kerronnalliseksi kollaasiksi, joka jälleen hämärtää valokuvauksen, maalauksen ja kollaasin välistä rajaa. Useat otokset muodostavat yhden suuren kuvan, joka näyttää Hockneyn vierailun ystäviensä luona osoitteessa 145 Adelaide Drive. Keltainen tie, joka vei hänet sinne, kieri ympäri ja ympäri, ja autot ovat pysäköitynä talon ulkopuolelle, jossa on myös iso palmu.

Hockney sijoitti hahmonsa talon molemmille puolille ja kuvasi matkaa Christopherin ja Donin taloon pilkottavalla tavalla. Heidän olohuoneestaan näkee ikkunasta toisen talon. Kollaasin alaosassa tämä talo näkyy yhä uudelleen ruokapöydän vieressä, television ohi, Christopherin työhuoneessa ja jälleen seuraavassa kerroksessa. Tämä ulkopuolinen talo näkyyChristopherin ja Donin talon eri huoneissa.

Tämä on maalaus, joka on syntynyt perspektiiviä käsittelevistä valokuvista.

Kara Walker (1969 - nykyään)

Kara Walker on yhdysvaltalainen nykytaiteilija, jonka teokset herättävät pohdintaa ja kiistoja. Hänen hallitsevia teemojaan ovat seksuaalinen hyväksikäyttö, rotusuhteet, väkivalta ja valta. Walker tuo kauhuestetiikan museotiloihin ja kyseenalaistaa teoksissaan sitä, miten katsojat osallistuvat visuaalisiin kertomuksiin, jotka haastavat amerikkalaisen revisionistisen historian.

Kun Walker huomasi, että hänellä oli paljon mustaa paperia, hän keksi leikkauksen. Pehmeällä pastellivärillä hän piirtää kuvansa suurille mustille paperinpaloille ja leikkaa positiivisen tilan pois veitsellä. Leikkaukset liimataan sitten paperille, kankaalle, puulle tai suoraan gallerian seinälle vahalla.

Walkerin leikkaukset omaksuvat viktoriaanisen muotokuvan siluettitekniikan. Näin ne koodaavat uudelleen fysiognomian kaltaisten rodullistettujen pseudotieteiden ja minstrelien kaltaisten visuaalisten kulttuurien historiallisia kehyksiä.

Hänen leikatut hahmonsa heijastavat stereotyyppisiä käsityksiä rodusta tavalla, joka viittaa poliittiseen satiiriin.

Osoitteessa Täydennykseni, viholliseni, sortajani, rakkauteni... (2007 - 2008) kuvataan mustan täysikuun valaisemaa kohtausta lahden rannalla. Etelän kaunotar kumartuu suutelemaan hovimiestä espanjalaisen sammaleen alla, kun hänen hameensa alta työntyy esiin pari laihaa jalkaa. Lähellä lapsi kuristaa ankkaa ja naisen vartalo on kuin vene. Toinen nainen näyttää ulostavan vauvoja. Kuvan keskellä esipuberteetti-ikäinen musta tyttö antaaorjanomistajan pojan suihinotto, kun isäntä itse on oudossa vuorovaikutuksessa mustan naisen kanssa.

Wangechi Mutu (1972 - nykyisin)

Wangechi Mutu on afrikkalainen nykytaiteilija joka tunnetaan parhaiten suurikokoisista kollaaseista, jotka on rakennettu lehtileikkeistä, maaleista ja muista materiaaleista. Mutun lähdemateriaali on peräisin muun muassa muoti-, lifestyle-, pornografia- ja autolehtien medioista. Taiteilijan kollaasitaideteoksissa tämä kiiltävä lehtien kuvamaailma sekoittuu esimerkiksi historiallisiin lääketieteellisiin kuvituksiin.

Hänen prosessinsa alkaa kuvien etsinnällä. Hän on tietoinen mustien naisten puutteellisesta edustuksesta joukkotiedotusvälineissä ja tuottaa kuvia mustista naisista vastatakseen tähän puutteeseen. Hänen kollaasiensa keskeisenä hahmona on usein musta nainen, jolla on eläimelliset piirteet. Abstraktit kuviot tuovat orgaanista ja surrealistista ihmishahmoihin.

Mutu leikkaa kuviin ruumiinosia. Hän vertaa sitä leikkaukseen, jossa hän liittää yhteen erilaisia todellisuuksia. Nämä materiaalit liimataan yhteen, jolloin syntyy samanaikaisesti houkuttelevia ja vastenmielisiä kuvia.

Ihmisen ja luonnon sekoittaminen toisiinsa antaa hänen kollaaseilleen surrealistista ilmettä.

Untitled (2004) kuvaa naista, jonka vartalo koostuu erilaisista leikatuista elementeistä, muun muassa eri lehdistä poimituista auton pyöränsorkista. Väkivaltainen punainen roiske muistuttaa katsojaa olemaan tarkkana Mutun houkuttelevasta kuvasta, jossa ei ole kyse halusta vaan mustiin naisiin kohdistuvasta väkivallasta ja mustien naisten poistamisesta.

Leikkaa, kopioi ja liitä

1980-luvun lopulla ja 1990-luvun alussa tietokone mullisti vanhat leikkaus- ja liittämistekniikat. Kollaasi muodosti perustan nykyaikaiselle graafiselle suunnittelulle, muokattavalle grafiikalle ja kuvankäsittelyohjelmistoille. Nykyään visuaaliset elementit voidaan joko skannata tietokoneelle tai ne voidaan hankkia internetistä, jolloin uudet kuvat rakennetaan ja niitä muokataan digitaalisilla ohjelmistoilla.

Kollaasitaiteessa on yleensä käytetty materiaaleja, kuten aikakauslehtiä ja sanomalehtiä, koska ne ovat olleet halpoja, saatavilla ja tunnistettavia. Kollaasitaideteokset voivat olla nopeita ja helppoja koota, mikä tekee siitä suositun muodon taiteilijoiden ja harrastajien keskuudessa. Tästä syystä sitä on myös kritisoitu alhaiseksi taiteeksi tai kitschiksi. Kuitenkin sen menetelmät ja materiaalit tekevät kollaasista keskeisen työkalun taiteilijoille, jotka tutkivat käsityksiä.identiteettiä, politiikkaa ja tavarakulttuuria.

Usein kysytyt kysymykset

Olivatko Hannah Höch ja Raoul Haussman rakastavaisia?

Kyllä. Vaikka dadaistien suhde kesti seitsemän vuotta, Raoul Haussman mainitsi Hannah Höchin vain lyhyesti muistelmissaan.

Mikä on kollaasi?

Kollaasi on taideteos, jossa paperinpaloja, valokuvia, kankaita tai muita materiaaleja on liimattu alustalle.

Mikä on kollaasiruno?

Kollaasirunot tunnetaan myös nimellä dada-runot, ja ne voivat olla riehakkaita ja anarkistisia. Raoul Haussman oli tunnettu esittelemästään versiosta, jota hän kutsui vasemmistolaiseksi äänirunoksi.

Mikä on siluetti?

Paperista leikatut muotokuvat juontavat juurensa Katariina de Medicin 1500-luvun lopun Ranskan hoviin, mutta nimensä ne saivat, kun Etienne de Silhouette tuli tunnetuksi mustien paperista leikattujen muotokuvien leikkaamisesta harrastuksena.