E s sulautui taidemuotona 1960-luvulla, ja konseptitaide tutki taiteen käsitteen perusteita. 1960-luvun puolivälistä 1970-luvun puoliväliin syntynyt konseptitaide ruumiillisti ironian, vakavuuden ja shokin teemoja, jotta sitä voitaisiin pitää sekä jonkinlaisena että ei-minkäänlaisena. Näin tehdessään taideteokset eivät enää noudattaneet perinteisiä arvoja ja perinteisiä käsitteitä.Konseptualistinen taidesuuntaus oli kiinnostuneempi ymmärtämään taiteen luomiseen liittyviä strategioita ja ideoita kuin itse taideteosta.

Konseptitaide: Johdanto

Tunnetaan yhtenä radikaaleimmista ja kiistanalaisimmista - modernin ja nykytaiteen suuntaukset Käsitteellinen taide perustui ajatukseen, jonka mukaan taideteoksen tuotantoon liittyvät käsitteet olivat ensisijaisia varsinaiseen teokseen nähden. 1960-luvulla Amerikassa syntynyt käsitteellinen taide viittaa yleensä 1960- ja 1970-luvun puolivälissä tehtyyn taiteeseen, ja tämä ajanjakso pohjusti tietä muille epäsovinnaisille liikkeille, jotka syntyivät sen huippuvuosien jälkeen.

Tämä liike, joka tunnetaan myös nimellä konseptualismi, yhdisti erilaisia taiteellisen luomisen suuntauksia sen sijaan, että se olisi ollut yksi suoraviivainen ja yhtenäinen liike.

Konseptualismi sai lukemattomia muotoja ja oli läsnä teoksissa, kuten taideteoksissa, performansseissa, happeningeissa ja ohikiitävissä hetkissä. Tämän liikkeen piirissä luodut teokset alkoivat kyseenalaistaa ajatusta taiteesta itsestään, kun aiemmin vallalla ollut modernistinen liike ja sen asettama esteettisen kauneuden priorisointi taiteessa hylättiin.

Vaikka konseptitaide sai alkunsa Amerikasta, se levisi myös Latinalaiseen Amerikkaan, Eurooppaan ja Neuvostoliittoon. Latinalaisessa Amerikassa taiteilijat suosivat suoraviivaisempaa poliittista vastakaikua teoksissaan. Myös Euroopassa konseptualismia tutkittiin ja kehitettiin laajalti, koska maat olivat tuolloin hyvin poliittisia. Neuvostoliitossa venäläiset taiteilijat sekoittivat omia neuvostoliittolaisia ja neuvostoliittolaisia teoksiaan.Sosialistinen realismi yhdistettiin länsimaiseen konseptualismiin ja amerikkalaiseen popiin, jotta saatiin aikaan liike, jossa taiteilijoita pidettiin moskovalaisina konseptualisteina.

Konseptitaiteen määritelmä perustui käsitykseen, jonka mukaan taiteen ydin muodostuu teoksen ideoista ja käsitteistä, sillä sen ensisijainen väite oli, että taiteellinen idea voi olla olemassa itse taideteoksena. Useat taiteilijat ja taidehistorioitsijat jättivät liikkeen täysin huomiotta ja kieltäytyivät luokittelemasta mitään tämän ajanjakson aikana luotuja teoksia taiteeksi. Tämä johtui siitä, että konseptitaiteilijat luokittelivat teokset taiteeksi.ilmaisua, taitoa, estetiikkaa ja markkinakelpoisuutta, jotka yleensä olivat taideteoksen arvioinnin kriteerejä, pidetään merkityksettöminä.

Konseptitaiteilijat käyttivät mitä tahansa materiaaleja ja muotoja, jotka olivat heidän käytettävissään ja sopivia juuri silloin, kun he tarvitsivat niitä, jotta he saivat ideansa ja käsitteensä tehokkaasti esille. Tämän tuloksena syntyi taideteoksia, jotka saivat erilaisia muotoja, kuten performansseja, kirjoituksia sekä arkipäiväisten esineiden käyttöä. Taiteilijat tutkivat käsitteitä taide-ideana ja taide-tietona.sisällyttämällä teoksiinsa kielitieteen, matematiikan ja prosessikeskeisten ajatusten käsitteitä.

Liikkeenä, joka suosi ideoita muodollisten ja visuaalisten elementtien sijasta, konseptualismin ajateltiin olevan kokonaisuutena jopa yksinkertaisempi kuin esimerkiksi Andy Warholin teokset. Brillo laatikot (1964), joka koostui kaupallisen pakkauksen silkkipainokopiosta. Näin konseptitaiteen ajateltiin olevan vahvasti ristiriidassa sen kanssa, mitä aiemmin oli pidetty taiteena.

Konseptitaiteilijat tunnustivat, että kaikki taide on pohjimmiltaan käsitteellistä. Korostaakseen tätä ymmärrystä monet konseptitaiteilijat vähensivät teostensa materiaalista läsnäoloa niin paljon kuin mahdollista, niin että taideteoksia pidettiin pohjimmiltaan dematerialisoituina.

Konseptualismin taiteen menestys rakentui aiempien taiteiden perustalle. avantgarde-taiteen liikkeet Todellinen konseptualistinen taiteilija luokitteli itsensä tämän progressiivisen ja kokeellisen asteikon ääripäihin, sillä hän pystyi tietoisesti laajentamaan taiteen rajoja välittämättä siitä, mitä aiemmin pidettiin perinteisenä taiteena.

Minimalistisen liikkeen ankaran yksinkertaisuuden vaikutuksesta konseptualismi hylkäsi aikaisemmat veistoksen ja maalauksen konventiot, joita pidettiin taiteellisen luomisen perusrakenteina.

Konseptitaiteilijoiden tuottaman taiteen ei pohjimmiltaan tarvinnut muistuttaa perinteistä taideteosta, sillä sen ei tarvinnut olla fyysisessä muodossa lainkaan.

Konseptitaiteen viehätysvoima, joka rohkaisi monia taiteilijoita osallistumaan liikkeeseen, oli ajatus siitä, että jos taiteilija aloittaa taideteoksen, galleria tai yleisö viimeistelee sen jollain tavalla hänen puolestaan. Tämä tunnettiin institutionaalisena kritiikkinä, joka osoitti vielä suurempaa siirtymää pois esinepohjaisesta taideteoksesta, sillä se ilmaisi tietoisesti yhteiskunnan merkityksen, jonka se asetti kulttuurille.arvot kokonaisuutena.

1960-luvulla merkittävä newyorkilainen taidekriitikko Clement Greenberg totesi, että moderni taide oli saavuttanut huippunsa taiteen välineiden muodollisen luonteen vähentämisessä ja jalostamisessa. 1960-luvun lopulla kävi kuitenkin selväksi, että Greenbergin ajatuksia kunkin välineen tiukoista rajoista ei enää pidetty oikeina taiteilijoiden keskuudessa, jotka halusivat kokeilla. Näin ollen tämä uusi näkemysmedioiden mahdollisten rajoitusten ympäröimänä mahdollistivat konseptualismin menestyksekkään esiinmarssin.

Konseptualismi vastasi taiteen tuotteistamiseen pyrkimällä kumoamaan gallerioiden aseman taiteen sijaintipaikkana ja määräävänä tekijänä sekä taidemarkkinoiden aseman taiteen omistajina ja jakelijoina. Vaikutusvaltaiset taiteilijat, kuten Lawrence Weiner, totesivat, että kun heidän teoksensa oli kerran nähty, ne kuuluivat olennaisesti yleisön mieliin.

Tämä ajatus korosti konseptualismin keskeistä periaatetta, jonka mukaan ajatus oli tärkeämpi kuin varsinainen taideteos.

Kaiken kaikkiaan suurin osa konseptitaiteesta oli luonteeltaan itsereflektiivistä, sillä se paljasti taiteilijoiden epävarmoja ja itsetietoisia puolia, jotka olivat aiemmin piilossa. Käyttämällä minimaalisia materiaaleja ja kielenkäyttöä todella konseptualistinen taiteilija pystyi siis ylittämään rajoja ja luomaan taidetta, joka koski puhtaasti taidetta.

Konseptualistisen taiteen liikkeen määrittely

Termi "käsitetaide" keksittiin taiteilija ja filosofi Henry Flyntin toimesta vuonna 1961, kun hän kuvaili performanssiteoksiaan käsitetaideteoksiksi, mutta vasta 1960-luvun loppupuolella käsitetaidetta alettiin pitää määriteltävänä liikkeenä. Flynt tarkoitti termillä taideteoksia, jotka kritisoivat logiikkaa tai matemaattisia oivalluksia, mutta sitä alettiin käyttää vasta, kun taiteilija Joseph Kosuthmääritteli sen uudelleen sopivaksi konseptualismin taidesuuntaukseen.

Kosuthin ajatusten pohjalta yhdysvaltalainen taiteilija Sol LeWitt määritteli konseptitaiteen termejä edelleen vaikutusvaltaisessa artikkelissaan "Paragraphs on Conceptual Art" vuodelta 1967. Hänen artikkelinsa oli yksi merkittävimmistä konseptualismia käsittelevistä kirjoituksista, ja hänen määritelmänsä oli yksi ensimmäisistä, joka julkaistiin painettuna.

LeWittin kirjoitukset esittelivät käsitetaiteen yhtenä viimeisimmistä innovatiivisista liikkeistä, sillä se leimasi taideteokset samanaikaisesti intuitiivisiksi ja tarkoituksettomiksi.

Hän totesi, että konsepti on taideteoksen tärkein osa-alue, ja kaikki suunnittelu ja päätöksenteko tapahtuvat etukäteen. Tämä tekee taideteoksen fyysisestä valmistumisesta lähinnä pintapuolisen asian, koska teoksen merkitys on teoksen ideassa.

Konseptitaiteen edelläkävijät

Konseptualismin alkuperä juontaa juurensa vuoteen 1917, jolloin Ranskalainen taiteilija Marcel Duchampia pidetään liikkeen edeltäjänä. Duchamp näytti tietä käsitteellisille taiteilijoille, sillä hän esitteli heille esimerkkejä alkuperäisistä teoksista, jotka olivat luonteeltaan käsitteellisiä. Hänen ikonisin teoksensa, Lähde (1917) osoitti, että hän käytti mieluiten valmiita esineitä, kun hän esitti salanimellä allekirjoitetun pisuaari-altaan veistokseksi New Yorkin Society of Independent Artistsin vuosinäyttelyyn.

Valokuva Duchampin Lähde (1917); Marcel Duchamp, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Hänen teoksensa hylättiin myöhemmin, kun tuomaristo kieltäytyi hyväksymästä hänen mautonta teostaan taiteeksi, mikä osoitti Duchampin kyseenalaistavan, missä taiteen rajat ja rajoitukset pohjimmiltaan olivat. Hänen kritiikkinsä siitä, mikä on taidetta, horjutti taiteen perinteistä määritelmää, sillä hän hylkäsi kauneuden, harvinaisuuden ja taidon teoksissaan valmiiden tuotteiden hyväksi.

Taiteilijayhteisö ei pitänyt Duchampin pisuaarin kaltaisia tavallisia esineitä taiteena, sillä niitä ei ollut tehty tarkoituksella, eivätkä ne olleet erityisiä tai käsintehtyjä. Duchampin vallankumouksellinen työskentely merkityksettömillä, arkipäiväisillä esineillä herätti taide-elämässä närkästystä, joka myöhemmin johti konseptualismin kehittymiseen täysimittaiseksi taiteenlajiksi. taideliike Kosuth tunnusti myöhemmin teostensa merkityksen ja teoreettisen perustan, kun hän määritteli liikkeen asianmukaisesti.

Koko konseptitaiteen liikkeen ajan kokeellisen taiteen yhteensovittaminen suhteessa henkilökohtaisiin näkemyksiin siitä, mistä taiteessa oli kyse, oli edelleen yhdentekevää. Ajan kuluessa konseptitaiteilijat onnistuivat tehokkaasti määrittelemään taiteen käsitteen uudelleen niin, että heidän ponnistelunsa hyväksyttiin laajalti taiteeksi, jota kannatti katsella muiden perinteisten teosten joukossa.

Konseptitaiteen ominaispiirteet ja vaikutteet

Konseptitaiteen liikkeessä taiteilijat uskoivat, että heidän taiteensa oli pääosin katsojan luomaa, mikä tarkoitti, että taiteilijalla ja itse teoksella ei ollut merkitystä. Koska taideteoksen ympärillä olevat ideat ja käsitteet olivat keskeisiä ja tärkeimpiä elementtejä, teoksen esteettisyys ja siinä käytetyt materiaalit olivat konseptitaiteessa toissijaisia.

Korostaakseen taideteoksen ideoita ja käsitteitä taiteilijat vähensivät materiaalisen läsnäolon teoksissaan absoluuttiseen minimiin, mikä tunnettiin nimellä dematerialisointi. Tämä oli yksi käsitetaiteen keskeisistä piirteistä, kun taideteoksen muodostaville materiaaleille annettiin vähemmän painoa ja merkitystä.

Konseptualismissa liike hylkäsi formalismin periaatteet, sillä taiteilijat eivät nähneet merkitykselliseksi korostaa triviaaleja muodollisia ominaisuuksia, kuten muotoa, viivaa ja väriä. Todellinen konseptitaiteilija uskoi, että taideteoksen esittävyyteen ja sosiaalisiin näkökohtiin liittyvät ajatukset olivat kiinnostavampia pohtia kuin teoksen luomiseen käytetyt muodolliset elementit.

Konseptitaiteen liikkeen taiteilijat pyrkivät pakenemaan kaupallistunutta taidemaailmaa korostamalla, että ajatteluprosessit ja tuotantomenetelmät olivat niitä puolia, joissa taideteoksen todellinen arvo piili. Heidän käyttämänsä taidemuodot valittiin tietoisesti niin, etteivät ne koskaan tuottaneet valmista teosta, jota olisi voitu esitellä perinteiselle taideyhteiskunnalle uudenlaisenaNäin taideteoksia ei ollut helppo ostaa ja myydä, koska niiden ei tarvinnut olla yleisön nähtävillä virallisessa galleriaympäristössä.

Taidemaailman rakenteiden kyseenalaistamisen lisäksi monien konseptitaiteilijoiden ominaispiirre oli se, että he tutkivat voimakkaita sosiaalipoliittisia teemoja ympäröiviä ajatuksia suurimmassa osassa tuottamiaan teoksia, mikä puolestaan heijasti heidän paheksuntaansa yhteiskuntaa ja hallituksen politiikkaa kohtaan kokonaisvaltaisemmin.

Nykyajan vaikutus

Marcel Duchampin ja hänen vallankumouksellisten teostensa vaikutuksesta konseptualismi kyseenalaisti rajat sen suhteen, mitä voidaan pitää taiteena ja mitä ei, sillä se antoi taiteilijalle vallan päättää itse, voidaanko hänen teostaan kutsua taideteokseksi. Näin konseptualistit esittivät ajatuksen, että taideteos voi pohjimmiltaan koostua pitkälle vietyistä ja monimutkaisista teoksista, jotka eivät ole taidetta.esineitä ja silti niitä voidaan pitää taiteena, mikä luo etäisyyttä taiteilijan tehtävän ja teoksen fyysisen valmistuksen välille.

Konseptitaiteelle oli ominaista, että se tutki taideteoksen rajoja kyseenalaistamalla sen, mihin taiteen alue päättyi ja mistä hyöty alkoi. Duchampin työn innoittamana taiteilijat jatkoivat perinteisten, taidetta pitkään määrittäneiden käsitteiden kumoamista kyseenalaistaen ihanteet siitä, mistä taideobjektin tulisi olla tehty ja miltä sen tulisi näyttää.

Le Corbeau et le Renard ("Varis ja kettu"), Marcel Broodthaers (1968); sporst, CC BY 2.0, Wikimedia Commonsin kautta.

Taideteokset nähtiin materiaalisen esineen sijasta prosessina, ja niistä tuli jotakin, jota ei voinut nähdä tai ymmärtää vain näkemällä, koskettamalla tai kuulemalla. Siksi taiteen tuotantoprosessin keskeinen piirre oli toiminnan ajatus, kun taiteen tekemisen prosessi yhdistyi lopulliseen taideteokseen ja siitä tuli todella käsitteellistä toimintaa.

Taiteellisen toiminnan tuotteisiin vaikuttivat tapahtumat, kuten Vietnamin sota ja feminismin kehitys, mikä johti taiteen tuotannon ja sen taiteellisen ja yhteiskunnallisen kritiikin yhteensovittamiseen. Taiteelliseen luomiseen liittyvät kysymykset nousivat esiin, sillä itse taiteen tavoite Nämä kysymykset olivat keskeinen piirre, joka oli jatkuvasti läsnä konseptitaiteessa.

Merkittävänä piirteenä olivat ajatukset, kuten taiteen anti-kommodifikaatio, kun taiteen sosiaalisia ja poliittisia ajatuksia purettiin ja kritisoitiin konseptitaiteilijoiden töissä. Käsitteet ensisijaisena välineenä olivat ehkä suurin piirre, jonka avulla tämän liikkeen piirissä tehty taide voitiin tunnistaa, sillä se oli performanssitaidetta, installaatiotaide ja digitaalista taidetta.

Kieli taiteena

Tärkeä ero konseptitaiteen ja perinteisten taidemuotojen välillä oli erilaisten taiteellisten välineiden käyttö. Kieli oli keskeinen huolenaihe konseptualismin ensimmäisessä aallossa 1960-luvulla ja 1970-luvun alussa, ja monet taiteilijat, kuten Lawrence Weiner, Robert Barry, Edward Ruscha, Joseph Kosuth ja Art and Language -yhteistyöryhmä, ottivat sen käyttöön yksinoikeudellisena välineenä.

Vaikka tekstin käyttö taideteoksissa oli vakiintunut menetelmä, konseptitaiteilijat alkoivat luoda taideteoksia käyttäen yksinomaan kielellisiä tekniikoita. Aikaisemmin kieli esitettiin vain yhtenä visuaalisena elementtinä monien muiden rinnalla, koska sitä pidettiin toissijaisena kokonaiskomposition merkitykseen nähden. Konseptualismissa taiteilijat kuitenkin hylkäsivät tämän näkemyksen.kieltä ja käytti sitä siveltimien ja kankaiden hyväksi teoksen sisällä, jolloin kieli saattoi antaa ymmärtää merkityksensä.

Taiteilijat käyttivät kieltä monin eri tavoin. Lawrence Weiner käytti kieltä teostensa sisällä korostaakseen teostensa temaattista sisältöä, kun taas taiteilija John Baldessari esitti realistisia kuvia, joita hän valtuutti ja ohjeisti ammattimaisia viittomakirjailijoita maalaamaan.

Mural (käännös: Kivi kiven päälle kaatuneen kiven päälle ) Lawrence Weiner (1983) ; AnBuKu, CC BY-SA 4.0, Wikimedia Commonsin kautta.

Konseptualismissa paluun kielipohjaiseen taiteeseen ajateltiin johtuvan siitä kiinnostuksesta, joka oli peräisin angloamerikkalaisen analyyttisen filosofian ja strukturalististen ja poststrukturalististen mannermaisten filosofioiden kielellisistä merkityskäsityksistä 1900-luvun puolivälissä. Tämän siirtymän kielitieteeseen ajateltiin vahvistavan ja vahvistavan sitä suuntaa, jota konseptitaiteilija otti.kun he käyttävät teoksissaan kielen elementtiä.

Lisäksi varhaiset konseptualistit olivat ensimmäinen taiteilijasukupolvi, joka suoritti yliopistollisen taidekoulutuksen. Taiteilijoiden myöhemmän koulutustason ajateltiin vaikuttavan vahvasti siihen, että kielitieteet sisällytettiin taideteoksiin ja että ne toimivat tietyin aikakausin varsinaisten taideteosten sijasta.

Hyväksymällä kielen yksinomaiseksi ja keskeiseksi välineekseen konseptitaiteilijat pystyivät hylkäämään jäljellä olevan arvovaltaisen läsnäolon, joka tuntui teoksissa kohti perinteisiä elementtejä, joita tulisi käyttää. Kieltä pystyttiin soveltamaan ja kokeilemaan monin eri tavoin, kunnes siitä todella tuli oma taidemuotonsa liikkeen edetessä.

Taiteen ääriainekset

Toinen konseptitaiteeseen liittyvä piirre oli taideteoksissa esiintyvä radikalismi. Yksi tunnetuimmista ja äärimmäisimmistä konseptualismin esimerkeistä oli taiteilija Piero Manzonin vuonna 1961 luoma teos nimeltä "Kauhea ja äärimmäinen". Merda d'Artista (Artist's Shit) . Teos koostui 90 peltitölkistä, joiden jokaisen etiketissä luki, että kukin tölkki oli täynnä 30 grammaa ulostetta. Tämä jätti useimmat katsojat ymmälleen ja viittasi provokaatioon, jota Manzoni yritti saavuttaa teoksellaan.

Tämän teoksen luomisen jälkeen hyvin harvat konseptuaaliset teokset pystyivät yhdistämään käsitteen ja provokaation niin äärimmäisellä tavalla, että siitä tuli yhtä tehokas kuin Manzonin teos.

Manzonin näennäisen vaivattoman tavan yhdistää korkeataidetta ja ulostetta innoittamana monet taiteilijat jatkoivat kokeilujaan tällä kiihottamisen ajatuksella koko käsitetaiteen liikkeen ajan. Provokaation ja kapinan käsitteistä tuli keskeinen piirre tehdyissä teoksissa.

Merda d'artista (Artist's Shit), Piero Manzoni (1961); Jens Cederskjold, CC BY 3.0, Wikimedia Commonsin kautta.

Merkittävät käsitetaiteilijat ja heidän teoksensa

Konseptitaiteen liikkeen aikana monet taiteilijat tuottivat merkittäviä teoksia. Tähän on sisällytetty muutamia merkittäviä taiteilijoita ja heidän ikonisimpia teoksiaan konseptitaiteen liikkeen piirissä, sillä nämä teokset osoittavat tarkasti keskeiset periaatteet ja ominaisuudet, joita käytettiin.

Marcel Duchamp (1887-1968)

Konseptualismin esi-isänä tunnettu Marcel Duchamp loi teoksia, jotka olivat luonteeltaan olennaisesti käsitteellisiä jo vuosia ennen kuin liike edes lähti liikkeelle. Yksi hänen ikonisimmista teoksistaan, jota sanotaan kutsuttavan ensimmäiseksi viralliseksi konseptitaideteokseksi, on hänen teoksensa Lähde veistos luotu vuonna 1917.

Duchamp osti surullisenkuuluisasti putkimiesliikkeestä tavallisen virtsapöntön, allekirjoitti sen salanimellä "R. Mutt" ja lähetti sen sitten valmiina taideteoksena Society of Independent Artistsin avoimeen veistosnäyttelyyn New Yorkissa. Vaikka Duchamp kuului valintalautakuntaan, tuomaristo hylkäsi teoksen, koska piti sitä häikäilemättömänä ja kieltäytyi tunnustamasta sitä nimellä "R. Mutt".art.

Tämä vallankumouksellinen taideteos oli ensimmäinen laatuaan, joka hylkäsi ulkonaisesti esteettisen kauneuden ja asiantuntemuksen, sillä hän loi veistoksen tavallisesta arkipäiväisestä esineestä ja vaati, että sitä pidetään korkeana taiteena. Duchampin Lähde osoittanut kehittyvää uteliaisuutta siitä, missä rajat ja rajoitukset ovat muodollinen taide koska hänen perinteisen taiteen kritiikkinsä alkoi tasoittaa tietä konseptualismin myöhemmälle kehitykselle.

Robert Rauschenberg (1925-2008)

Toinen käsitteellisen taiteen liikkeen vaikutusvaltainen taiteilija oli Robert Rauschenberg Hänen merkittävin työnsä oli hänen Poistettu de Kooningin piirustus, Rauschenberg pyyhki pois teoksen, jonka hän oli hankkinut yhdysvaltalaiselta taiteilijalta ja jonka hän teki vuonna 1953. Willem de Kooning , ja hänen valmiissa teoksessaan on lähes tyhjä paperi, joka on kehystetty yksinkertaiseen kultakehykseen.

Rauschenberg loi useita teoksia, jotka tutkivat taiteen määritelmää ympäröiviä rajoja, ja hänen teoksensa saivat suurta inspiraatiota Marcel Duchampilta. Hänen teoksissaan Poistettu de Kooningin piirustus, Rauschenbergin tarkoituksena oli selvittää, voiko pyyhkimisestä syntyä taideteos, jossa merkkien poistaminen nähdään itse taideteoksena.

Valokuva Robert Rauschenbergistä (1968) Stedelijk Museumissa Amsterdamissa; Jac. de Nijs / Anefo, CC BY-SA 3.0, Wikimedia Commonsin kautta.

Aluksi Rauschenberg aloitti pyyhkimällä omia piirustuksiaan, mutta ajatteli, että pyyhkimällä omia teoksiaan hän vain loi negatoituja piirustuksia, jotka edelleen kuuluivat hänelle. Myöhemmin hän uskoi, että jotta hänen ideastaan tulisi itsenäinen taideteos, alkuperäisen teoksen oli kuuluttava jollekin toiselle. Sitten hän lähestyi de Kooningia, taiteilijaa, jota hän arvosti suuresti, ideallaan japyysi piirustusta, jonka hän voisi pyyhkiä pois.

Aluksi de Kooning vaikutti epäröivältä, mutta ymmärsi Rauschenbergin tutkiman konseptin ja luovutti lopulta piirustuksen. Valitsemalla teoksen de Kooning valitsi sellaisen, jota hän kaipaisi ja jota olisi vaikea pyyhkiä kokonaan pois, sillä hän uskoi, että vaikeusasteen lisääminen tekisi pyyhkimisestä syvällisempää, kun se olisi valmis.

Prosessi osoittautui työlääksi, sillä Rauschenbergiltä kului yli kuukausi ja noin viisitoista pyyhekumia teoksen valmistumiseen. Taiteilija. Jasper Johns kirjoitti teokseen kirjallisen kuvatekstin, joka kuului seuraavasti: "Erased de Kooning Drawing, Robert Rauschenberg, 1953." Kirjoitus oli yksinkertaisuudestaan huolimatta olennainen elementti tässä taideteoksessa, sillä ilman sitä kehyksen sisällä oleva tyhjä paperinpala olisi lukukelvoton.

Kun Rauschenbergiltä kysyttiin hänen teoksestaan, hän sanoi, että hänen pyyhkimisensä osoitti abstraktin ekspressionistisen taiteen loppumista ja ajatusta, että taiteen piti olla ilmaisevaa. . Hänen pyyhkimisensä oli hänen ideansa poissaolevan piirroksen juhlistamista, sillä se oli olemassa perinteisten elementtien ja kielen sijasta.

Näin ollen hänen teoksensa katsottiin todella konseptuaaliseksi jo syntyessään. Vuonna 2010 San Franciscon modernin taiteen museo käytti erilaisia digitaalisia tallennus- ja käsittelytekniikoita vahvistaakseen joitakin alkuperäisen de Kooningin piirustuksen jäljelle jääneitä jälkiä. Tämä tehtiin, jotta voitaisiin paremmin ymmärtää, mitä Rauschenberg pyyhki pois ja miksi hän päätti tehdä niin taiteilijan kanssa, jota hän oletettavasti idolisoi. Kuitenkin, koska deKooning käytti pyyhkimistä usein omissa piirustuksissaan, ja osan löydetyistä jäljistä hän itse asiassa pyyhki pois ennen kuin teos siirtyi Rauschenbergin käsiin.

Tuloksena syntynyt kuva paljasti de Kooningin keskeneräisen teoksen sekä Rauschenbergin vaikutuksen teokseen, kun hän aloitti pyyhkimisen. Voima on Poistettu de Kooningin piirustus on johdettu näkymättömän vetovoimasta sekä Rauschenbergin arvoituksellisesta päätöksestä pyyhkiä pois de Kooningin teos. Koska emme ehkä koskaan saa vastausta, Rauschenbergin salaperäinen teos jää avoimeksi lukuisille tulkinnoille.

Sol LeWitt (1928-2007)

Kirjoitti yhden ensimmäisistä käsitteellisen taiteen määritelmistä, joka ilmestyi painettuna, Amerikkalainen taiteilija Sol LeWitt totesi, että taideteoksen ideasta tai käsitteestä tulee fyysinen kone, joka olennaisesti tuottaa teoksen. LeWitt tunnetaan ehkä parhaiten hänen suurikokoisista konseptimaalaustaiteistaan, joita hän nimitti nimellä Seinäpiirustukset, jotka sisälsivät huolellisesti järjestettyjä värejä, kuvioita, muotoja ja ruudukoita.

Nämä järjestelyt piirrettiin joko lyijykynällä tai maalilla niiden tiukkojen ohjeiden ja kaavioiden mukaan, joita LeWitt tuotti, jotta teos voitaisiin toteuttaa oikein. Näin LeWitt osoitti, että taiteilija voi noudattaa metodisten kohtien ohjeistusta tuottaakseen taideteoksen, jota pidetään taiteena, sillä teosten ei aina tarvitse lähteä syvemmästä merkityksestä. Tämän prosessin kautta hänen taideteoksissaan,LeWitt osoittaa, että hänen tiukat ajatukset luomisen takana hänen Seinäpiirustukset ovat itse taideteokset.

Sol LeWittin Seinäpiirustus nro 652, Jatkuvat muodot, joiden päälle on asetettu värillisiä akryylihuuhteluja. (1990) Indianapolisin taidemuseossa; Mike Steele, CC BY 2.0, Wikimedia Commonsin kautta.

LeWitt loi uransa aikana yli 1200 piirustusta, jotka vahvistavat hänen rakentamaansa vahvaa visuaalista sanastoa. Hänen teoksissaan oli geometristen muotojen muunnelmia, ja hänen piirustuksensa kehittyivät lopulta rakenteellisiksi rakennelmiksi, jotka oli tehty materiaaleista, kuten teräksestä, polyuretaanista, betonista ja pinottavista kuutioista.

Yksi LeWittin tunnetuimmista seinäpiirroksista, nimeltään Seinäpiirustus #16 Tämä teos koostui lyijykynällä piirrettyjen viivojen verkostosta, jota ohjasi LeWittin sisäinen logiikka. Harmaat viivat oli piirretty 12 tuumaa leveiksi, ja niiden näytetään risteävän vaakasuoraan, pystysuoraan ja viistosti oikealle. Tämän teoksen tekee kuitenkin niin mielenkiintoiseksi se, että se oli LeWittin ensimmäinen teos, jonka hän teki vuonna 1969.ei rakenna itseään.

Uransa alkuvaiheessa LeWitt pyysi muita auttamaan häntä monien konseptimaalausten ja seinäpiirrosten luomisessa. Seinäpiirustus #16 LeWitt jätti yksityiskohtaiset ohjeet ja kaaviot avustajilleen, jotka tekivät piirustukset omien tulkintojensa pohjalta. Antamalla muiden täydentää työtään LeWitt puuttui piirustustensa aikaa vievään luonteeseen.

Ennen kaikkea LeWitt osoitti valitsemalla muita valmistamaan teoksiaan, että idean hahmottaminen, ei niinkään sen fyysinen toteuttaminen, riitti luomaan teoksesta taideteoksen.

Lisäksi LeWitt hylkäsi perinteisen ajatuksen siitä, että taiteilijan oman käden on saatettava taideteos valmiiksi, sillä hän käytännössä hajautti itsensä teoksensa toteuttamisesta, mutta pystyi silti ottamaan omistajuuden valmiista teoksesta.

Robert Barry (1936-Nykyaika)

Toinen vaikutusvaltainen taiteilija konseptualismin piirissä on Robert Barry, joka käytti kieltä ensisijaisena välineenä teoksissaan. Yksi hänen tunnetuimmista konseptitaideteoksistaan oli hänen teoksensa Kaikki asiat, jotka tiedän, mutta joita en tällä hetkellä ajattele". , joka perustettiin vuonna 1969.

Barry loi taideteoksia, jotka tutkivat poissaolon käsitettä sekä sitä, mitä yleisö koki poissaolon käsitteeksi, ja tämä teos puhui suoraan hänen keskeisestä ajatuksestaan. Lyijykynällä piirrettyinä seinäteoksina esillä oleva teos sisälsi vain yksinkertaisen lausuman, joka hämmensi teoksen katsojia. Lisäksi Barry ei antanut mitään lisäselvitystä, mikä tarkoitti, että yleisöllä oli vainhänen aikomuksensa, johon hän voi tukeutua yrittäessään ymmärtää teosta.

Kuten Barryn ikonisessa taideteoksessa näkyy, merkityksen ja epämääräisyyden käsitteet ovat ristiriidassa keskenään. Tätä teosta tehdessään Barry väitti ajatuksia, joita hän ei ollut ajatellut, teoksensa keskeiseksi ideaksi, osoittaen, että teoksen fyysinen muoto ei ollut tärkeä. Sen sijaan Barry neuvotteli lausuman painosta ja vakuutti kielenkäytön muuttuvan itse taideteokseksi.

Mielenkiintoista on huomata, että lausunto voidaan puhua, ajatella ja kirjoittaa eri tavoin, mutta se on silti hänen taideteoksensa, olipa se missä muodossa tahansa.

Lawrence Weiner (1942-nykyisin)

Kaikista mainituista taiteilijoista Lawrence Weiner oli yksi tärkeimmistä taiteilijoista, joka auttoi käynnistämään konseptitaiteen liikkeen ja viemään sitä eteenpäin 1960-luvulla. Kielitaiteilijana tunnettu Weiner on käyttänyt tunnetuimmissa teoksissaan kieltä ensisijaisena välineenä.

Valokuva Bits & palaset kootaan yhteen kokonaisuuden näennäiseksi kokonaisuudeksi. (1991), Lawrence Weiner, laserleikattu alumiinityypografia tiilelle; GearedBull, CC BY-SA 3.0, Wikimedia Commonsin kautta.

Hänen taideteoksistaan tunnetuin on hänen Aiesopimus Tämä teos dokumentoi hänen tutustumistaan konseptitaiteen liikkeeseen, sillä teos koostui kolmesta yksinkertaisesta termistä, joiden hän uskoi kuvaavan ja sanelevan taiteen tekemisen prosessin. Käyttämällä kieltä taiteen luomisen selittämiseen Weiner osoittaa, että teoksen painopiste on sen ohjeissa.

Lausunnossaan Weiner ehdotti, että taideteos voisi olla olemassa pelkästään kielen muodossa ja siten säilyttää käsitteellisen luonteensa, tai se voisi olla tarvittaessa fyysisesti rakennettu. Weinerin Aiesopimus toimi oppaana, jonka avulla voi ymmärtää hänen muita teoksiaan ja koko konseptuaalista liikettä, sillä lausunnot osoittivat hänen ajattelunsa siitä, miten taidetta tehdään ja miten muut ottavat sen vastaan.

Joseph Kosuth (1945-nykyään)

Joseph Kosuth, joka on yksi konseptualismin pioneereista, määritteli tehokkaasti termin "käsitetaide" sopivaksi konseptitaiteen liikkeelle esseessään "Taide filosofian jälkeen" vuonna 1969. Kirjoituksessaan Kosuth tunnusti Duchampin työn merkityksen ja teoreettisen merkityksen, sillä hän totesi, että kaikki Duchampin jälkeen luotu taide oli luonteeltaan käsitteellistä, koska taide voi ollaKosuth totesi, että taideobjekti on olemassa vain taideideidean ilmaisuna, ja Duchampin teosten jälkeen hän väitti, että taiteen ainoa tehtävä on kuulustella ja määritellä, mitä taide pohjimmiltaan on.

Kosuth kannusti syvälliseen pohdintaan ja perinteisen taiteen määrittelyn kyseenalaistamiseen, ja tämä teema oli läsnä hänen luomissaan teoksissa.

Hänen tunnetuin teoksensa, nimeltään Yksi ja kolme tuolia, Teoksessa todellinen tuoli on sijoitettu tuolin mittakaavakuvan ja sanan "tuoli" sanakirjamääritelmän tulosteen väliin. Näin Kosuth esitti sekä visuaalisen että sanallisen tuolin koodin, sillä hän käytti kieltä määrittelemään teoksensa niin, että kuka tahansa voi ymmärtää sen.katsojaa, riippumatta hänen taiteen tuntemuksestaan.

Toimittamalla aidon tuolin taideteoksensa mukana Kosuth antoi myös esineiden kielellä koodin, joka määritteli tuolin todelliseksi puuesineeksi. Kosuth yhdisti onnistuneesti valokuvan, esineen ja idean luodakseen taideteoksen, joka oli luonteeltaan käsitteellinen, sillä se pakotti yleisön kyseenalaistamaan "tuolin" käsitteen.

Keskeinen ajatus Kosuthin teoksessa on se, että yleisöltä kysytään, mikä käsite muodosti todellisen tuolin. Fyysinen tuoli voitiin nähdä määritelmän jäljennöksenä, ja valokuva nähtiin jäljennöksenä todellisesta tuolista. Näin yleisö jäi miettimään, oliko kaikkien kolmen elementin yhdistelmä olennainen määriteltäessä, mitä tuoli on, vai oliko tuolin painottuminentarkoitus nojautua vain yhteen tekijään.

Yksi ja kolme tuolia hylkäsi hierarkkisen eron esineen ja sen representaation välillä, sillä se tarkoitti, että konseptuaalinen taideteos voi koostua joko fyysisestä esineestä tai sen kuvauksesta useissa eri muodoissa. Kosuthin teokset olivat käsitteellisiä, sillä hän perusti ne synnynnäiseen tutkimukseensa taiteen luonteesta, jossa hän otti huomioon kaikki seuraukset ja näkökohdat, jotka liittyivättaideteoksen luominen.

Otsikolla (Taide ideana ideana) sana "Määritelmä". (1966-1968) Joseph Kosuth; Maurizio Pesce Milanosta, Italia, CC BY 2.0, Wikimedia Commonsin kautta.

Konseptitaiteen perintö

Huolimatta liikkeen voimakkaasta itsetutkiskelusta käsitetaide käsitteli tärkeitä kysymyksiä, kuten aikaa, tilaa, identiteettiä ja tekijyyttä taiteessa. Omistajuus oli ehkä tärkein käsitetaiteilijoiden käsittelemä aihe, sillä he nostivat esiin kysymyksiä siitä, miten taidetta ympäröiviä käsitteitä voidaan ostaa ja miten ne voivat kuulua teoksen katsojille.

Konseptitaiteessa tutkitut teemat ilmenivät selvästi reaalimaailmassa, sillä ne olivat olemassa käsitteinä, joihin ei ollut oikeaa vastausta. Kun tarkastellaan Sol LeWittin kaltaisia taiteilijoita ja hänen teoksiaan, katsojat joutuvat pohtimaan kysymystä: Mitä on konseptitaide?

LeWitt vastasi tähän osoittamalla, että taiteen ei tarvinnut olla fyysisesti taiteilijan luomaa, jotta sitä voitaisiin pitää samassa valossa kuin perinteisiä taideteoksia, sillä taiteen omistajuus oli muuttunut täysin. Liikkeen edetessä se löysi tiensä useisiin muihin taidesuuntauksiin, kuten esimerkiksi feministinen taide Niinpä on vaikea määritellä, milloin konseptitaide todella päättyi, sillä muut liikkeet lainaavat edelleen joitakin konseptualismiin liittyviä keskeisiä periaatteita.

Konseptitaiteen määritteleminen on vaikeaa, koska siitä on olemassa niin monia variaatioita. Koska konseptitaiteeseen kuuluu taipumus nähdä kaikki taide pohjimmiltaan käsitteellisenä, konseptitaiteen liikkeen kuvataan usein sisältävän käytäntöjä ja ideoita, jotka eivät alun perin liittyneet konseptualismiin. Näin ollen raja konseptitaiteen ja muiden taidesuuntausten välillä on häilyvä. Vaikka taidesuunta syntyi 1960-luvulla, monet monettaiteilijat käyttävät käsitetaidetta edelleen nykyäänkin.

Lisälukemista

Konseptualismi on kiehtova liike, josta on hyvä oppia, sillä eri taiteilijat esittivät erilaisia käsityksiä ja määritelmiä liikkeestä. Jos nautit lukemisesta konseptitaiteesta ja sen vaikutusvaltaisimmista taiteilijoista, olemme ehdottaneet sinulle kirjaa, jossa kerrotaan paljon yksityiskohtaisemmin.

Linjaus (2008-2019), joka on Lucio Salvatoren installaatiosarja, jossa vaikutusvaltaisten taideteosten kopioiden fragmentteja maalataan marmorille; Luciosalvatore, CC BY-SA 4.0, Wikimedia Commonsin kautta.

Konseptitaide (Modernin taiteen liikkeet)

Jos olet kiinnostunut oppimaan lisää konseptitaiteesta, Paul Woodin kirja on siinä mielessä välttämätön. Vaikka kirja on sävyltään akateeminen, se on kirjoitettu niille, jotka haluavat lukea syvällisesti liikkeestä ja ymmärtää, miten ja miksi nykytaidenäyttelyt alkoivat sisällyttää esillepanoonsa kaikkea mahdollista roskista pisuaareihin. Kirja on johdonmukaisesti kirjoitettu, ja monimutkaista jargonia esiintyy jonkin verran klokertaa, ja tarjoaa kattavan johdannon käsitetaiteen liikkeen tärkeisiin henkilöihin.

• Opi kaikki konseptitaiteesta
• Mikä se oli? Milloin se oli? (Onko se yhä olemassa vai onko se "historiaa"?)
• Missä se oli? Kuka sen teki?

Yhteenveto käsitetaiteen liikkeestä

Mitä on käsitetaide?

Konseptitaiteella kuvattiin taideteoksia, jotka hylkäsivät perinteiset taiteelliset elementit, kuten esteettiset ihanteet, teknisen rakenteen ja käytetyt materiaalit, teoksen taustalla olevan idean hyväksi.

Mikä on sopiva käsitetaiteen määritelmä?

Tämä taidesuuntaus, jota kutsutaan myös konseptualismiksi, voidaan määritellä sellaiseksi, jossa taideteoksen rakentamiseen liittyvät käsitteet ja ideat asetetaan etusijalle itse fyysisen taideteoksen sijaan. Näin ollen käsitteen ymmärtämisen jälkeen taideteoksen valmistuminen nähdään pinnalliseksi.

Mitkä ovat käsitetaiteen ominaispiirteet?

Konseptitaiteelle on ominaista erilaisten välineiden käyttö sekä tavallisten, arkisten esineiden käyttäminen. Näitä kutsutaan valmiiksi tehdyiksi esineiksi, joita konseptitaiteilijat pitivät taideteoksina. Konseptitaiteella ei usein ole taloudellista arvoa, sillä sen sijaan sitä käytetään usein voimakkaan viestin välittämiseen.

Kuka on käsitetaiteen esi-isä?

Marcel Duchamp pidetään konseptitaiteen esi-isänä, sillä hänen valmismalleissaan on konseptualismin piirteitä jo ennen liikkeen kehittymistä. Hänen tunnetuin vuonna 1917 syntynyt teoksensa on edelleen Lähde , kun hän leimasi tavallisen virtsapöntön taiteeksi ja yritti asettaa sen näytteille. Lähde uskotaan olevan historian ensimmäinen käsitteellinen taideteos.