Impressionismiliike sai alkunsa 1800-luvulla Pariisissa, kun ryhmä itsenäisiä taiteilijoita päätti järjestää oman näyttelyn maalauksilleen, jotka suljettiin rutiininomaisesti Salonista. Saavuttaessaan huippunsa 1870- ja 1880-luvuilla impressionismi rikkoi kaikki perinteiseen akateemiseen maalaustaiteeseen liittyvät tavanomaiset säännöt, sillä se rohkaisi taiteilijoita vangitsemaan tavallisia ja epätavallisia maalauksia.Tämän kauden vaikutus johti lopulta uusimpressionismin, jälki-impressionismin, fauvismin ja kubismin syntyyn.

Mitä impressionismi edusti?

Aloitteen teki taiteilijaryhmä 1800-luvun Euroopassa, Impressionismi oli taidesuuntaus, joka rikkoi kaikkia perinteiseen taiteeseen liittyviä sääntöjä. Väsyneenä arkaaisiin näyttelyihin ja salonkeihin, joissa vain hallituksen hyväksymät taideteokset saivat olla esillä, tämä ryhmä vapaa-ajattelijoita perusti impressionismin uudeksi muotona. avantgardistinen liike .

Impressionistiset taiteilijat alkoivat valita ensisijaisiksi aiheikseen maisemia, yleisiä toimintoja ja esineitä, mikä poikkesi suuresti tuon ajan tavanomaisesta taiteesta.

Tämä oli melkoinen muutos, sillä Euroopassa oli tuohon aikaan nähty taiteessa vain suuria aiheita, kuten suurten historiallisten tapahtumien kuvaamista. Tavallisesta elämästä ja ulkoilmakuvioista tuli nopeasti taiteilijoiden ensisijaisia aiheita impressionistien aikana, sillä heitä kannustettiin kokeilemaan uutta tekniikkaa nimeltä "Kuvanveistäjä". fi plein air Tämä tekniikka edellytti, että taiteilijat istuivat fyysisesti ulkona luonnossa ja maalasivat juuri sitä, mitä he näkivät, minkä ansiosta he pystyivät vangitsemaan tarkasti auringonvalon ja ilmapiirin ohikiitävän luonteen.

La Grenouillère ("Sammakkolampi", 1869), Pierre-Auguste Renoir. Tämä oli Pariisin työläisten ja keskiluokan suosittu uimapaikka ja virkistyspaikka; Pierre-Auguste Renoir, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Tämän uuden lähestymistavan ansiosta impressionistisille maalauksille olivat ominaisia pienet, mutta erottuvat siveltimenvedot, joissa painotettiin valon ja tavallisten aiheiden alati muuttuvan laadun vangitsemista. Syntyi avoimempi sommittelutapa, joka ilmaisi taiteilijoiden maalatessa havaitseman liikkeen rikkaamman tunteen. en plein air Nykyaikaisen elämän kohtaukset olivat usein suunnittelemattomia, mikä lisäsi maalauksiin realistisemman elementin ja oli suorassa vastakohdassa akateemisemmille maalauksille, joita aiemmin tehtiin työhuoneissa.

Impressionismi tyylilajina salli vapaiden ja kevyesti siveltyjen värien mennä linjojen ja ääriviivojen edelle, kun taiteilijat suosivat löyhiä esityksiä konkreettisten yksityiskohtien sijaan.

Impressionististen maalausten siveltimenvedot ja värit selkeytyivät, jotta ne välittäisivät tarkasti tavanomaisen aiheen, jota katsottiin. Lisäksi erilaiset maalikerrokset auttoivat korostamaan valon tarkkaa kuvausta sen eri ominaisuuksina ja epätavallisina kuvakulmina.

Ainutlaatuisten siveltimenvetojen ja yhteisten aiheiden lisäksi impressionismin muita tärkeitä piirteitä olivat eloisien värien käyttö, rehelliset asennot ja sommitelmat sekä keskittyminen tilapäisen valon tarkkaan kuvaamiseen. Tämän ajanjakson aikana tuotetut maalaukset olivat siis uskomattoman subjektiivisia, sillä ne perustuivat siihen, miten taiteilija havaitsi ympäristönsä.

Nainen aurinkovarjon kanssa - Madame Monet ja hänen poikansa (1875) Claude Monet; Claude Monet, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Pohjimmiltaan Impressional taideliike oli ainoastaan luoda "vaikutelma" ulkoilmakuvasta, jossa keskityttiin siihen, miten valo oli vuorovaikutuksessa ympäröivän maailman kanssa, ja maalauksille oli ominaista löysempi ja kevyempi siveltimen työstö. Alun perin paljon kritiikkiä saanut impressionistinen liike alkoi hiljalleen kerätä kannatusta, mikä johti lopulta impressionististen haarojen syntyyn sekä mediassa että muussa maailmassa.kirjallisuus.

Impressionismia pidetään merkittävänä edistysaskeleena ranskalaisessa maalaustaiteessa, ja sitä pidetään yhtenä kaikkien aikojen tärkeimmistä taidesuuntauksista, sillä sitä pidettiin modernin taiteen ensimmäisenä todellisena alkuna. Taiteilijat luopuivat historiallisista kohtauksista ja kuninkaallisista muotokuvista ja maalasivat yksinkertaisesti sitä, mitä he näkivät ympäröivässä maailmassa, mikä teki taiteesta aidompaa.

Kaikkien aikojen 15 kuuluisinta impressionistimaalausta

Impressionismin aikakautta tutkittaessa monet maalaukset nousevat esiin taiteilijoiden tuolloin käyttämien uusien ja kokeilevien tekniikoiden ansiosta. Tietyt impressionistiset teokset vangitsivat kuitenkin liikkeen ytimen paremmin kuin toiset, ja siksi niitä pidetään merkittävimpinä impressionistisina maalauksina. Vaikka alla oleva luettelo ei todellakaan ole tyhjentävä, se kattaa 15 seuraavista teoksistakoko liikkeen tunnetuimpia impressionistisia maalauksia.

Lounas ruohikolla (Le Déjeuner sur l'herbe) - Édouard Manet (1863)

Maalannut Ranskalainen taiteilija Édouard Manet vuonna 1863, Lounas ruohikolla (Le Déjeuner sur l'herbe) Manet'n maalaus on yksi hänen kaikkien aikojen merkittävimmistä maalauksistaan, ja sitä pidetään lisäksi tärkeänä Impression-taideteoksena. Manet'n maalaus kuvaa niukasti pukeutunutta naispuolista kylpijää, joka näyttää viettävän piknikiä kahden täysin pukeutuneen miehen kanssa jossain metsässä.

Vaikka tämä teos herätti julkista paheksuntaa alastomuuden vuoksi, ilmapiiri on uskomattoman rauhallinen ja levollinen.

Manet toimitti 1800-luvun kiistanalaisimpana pidetyn maalauksen, joka on ollut Lounas ruohikolla Se oli tarkoitus asettaa näytteille vuotuiseen Salon des Beaux-Artiin, mutta tuomaristo hylkäsi maalauksen, koska kuvaa riisutusta naisesta, joka näytetään rennosti kahden täysin pukeutuneen miehen seurassa, pidettiin loukkauksena ajan hyväksyttyä käyttäytymistä ja moraalia vastaan.

Le Déjeuner sur l'herbe (Ruokailu meren rannalla) ("Lounas ruohikolla", 1863), Édouard Manet; Édouard Manet, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Kun Manet'lta evättiin pääsy näyttelyyn, hän päätti asettaa maalauksensa näytteille Salon des Refuses -näyttelyssä, joka tunnetaan nimellä "evättyjen näyttely", mikä järkytti Ranskan porvarillista yhteiskuntaa suuresti. Impressionistisen maalauksen kävivät katsomassa lukemattomat Saloniin osallistuneet ihmiset, mutta tämä tehtiin pelkästään pilkatakseen ja pilkatakseen teosta, sillä yhteiskunta hylkäsi täysin sen potentiaalin, jokaoli ilmeinen Manet'n maalauksessa.

Vaikka Manet sai yleisöltä vihamielisen reaktion, Manet'n Impressional-taideteos hämmensi sekä katsojia että kriitikoita. Renessanssin ajan vaikutuksesta Manet rakensi naisen alastonkuvan tämän maalauksen keskipisteeksi, mutta eniten yleisöä hämmensi se, miten nainen pysyy täysin epäideaalisena vaatteiden puutteesta huolimatta.

Hänen katseensa, joka tuijottaa suoraan ulos maalauksesta, kohtaa katsojan lähes aistillisella tavalla, mikä kutsuu häntä jatkamaan maalauksen ihailua. Tarkemmin tarkasteltuna toinen taustalla uiva hahmo tekee itsensä tunnetuksi, mikä herättää kysymyksen siitä, miksi etualalla oleva nainen vaikuttaa kaikkein silmiinpistävimmältä. Ehkäpä hänen huolettomuutensa kautta hän kutsuu suoraanmutta mitä enemmän tätä maalausta tarkastelee, sitä enemmän ihmettelee, miksi Manet kuvasi miehet täysin pukeutuneina.

Yksityiskohta Édouard Manet'n maalauksesta vuodelta 1863, Le Dejeuner sur l'Herbe ("Luncheon on the Grass"); Édouard Manet, CC BY 3.0, Wikimedia Commonsin kautta.

Irrottamalla naisen alaston mytologian ja orientalismin perustelluista yhteyksistä ja antamalla naispuolisen kohteensa haastaa katsojia itsevarmasti katseensa kautta Manet pystyi järkyttämään yläluokan yhteiskuntaa tämän maalauksen julkeudella. Terävillä ääriviivoillaan ja liioitelluilla värikontrasteillaan Manet esitteli maalaustyypin, jota yhteiskunta ei ollut koskaan aiemmin kohdannut.aiemmin, sillä hän jätti huomiotta kaikki perinteiset tekniikat kuvatakseen uskomattoman säädyttömän, mutta nykyaikaisen kohtauksen.

Vaikka jotkut kriitikot leimasivat tämän impressionistisen maalauksen pelkäksi "nuoren miehen pilaksi", Manet'n teos käynnisti avantgarden käyttöönoton taiteessa. Hänen maalauksensa haastoi ajan konventiot ja toi hänelle lopulta hänen tavoittelemaansa mainetta ja mesenaatteja.

Vaikka tätä maalausta pidetään usein impressionismin alkulähteenä, kesti vielä pari-kolme vuosikymmentä ennen kuin ranskalaisessa yhteiskunnassa alettiin täysin arvostaa ja ymmärtää sitä.

Olympia - Édouard Manet (1863)

Toinen Édouard Manet'n vaikutusvaltaisia impressionistisia maalauksia on hänen teoksensa nimeltä Olympia , joka maalattiin myös vuonna 1863. Kuitenkin, kun hän sai vastareaktion näyttelystä Lounas ruohikolla (1863) Salon des Refuses -tapahtumassa, Manet tiesi, että hänen uusi maalauksensa olisi yhtä kiistanalainen. Välttääkseen kiistat, hän piilotti maalauksensa työhuoneeseensa noin 18 kuukaudeksi ennen kuin päätti asettaa sen näytteille vuoden 1865 Salonissa.

Osoitteessa Olympia , Manet kuvaa alastonta naista, joka makaa sängyllä, kun värillinen nainen, jonka oletetaan olevan hänen palvelijansa, tuo hänelle kukkia. Maalauksen otsikon perusteella naisen oletetaan olevan prostituoitu, sillä nimi "Olympia" liitettiin tuolloin yleisesti seksiteollisuuteen, ja kukkien ajatellaan olevan tyytyväisen asiakkaan hänelle lähettämä lahja. Huolimatta naisen alastomuudesta, hahmon kädenyrittää peittää itsensä vaatimattomasti ja antaa samalla tarkoituksellisen aistillisen ja tyydytetyn tunteen.

Olympia (1863), Édouard Manet; Édouard Manet, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Maalauksen tunnelma on täynnä aistillisia viittauksia, sillä hahmon helmikorvakorut, musta nauha ja orkideat olivat tuohon aikaan hyvin provosoivia esineitä. Lisäksi mustan kissan sisällyttämisen sommitteluun, jonka häntä on nostettu ylös, sanottiin olevan toinen osoitus seksiteollisuudesta tämän impressionistisen taideteoksen aikaan.

Esittämällä alemman luokan prostituoidun Manet'n maalauksen tarkoituksena oli järkyttää porvarillista yleisöä Ranskan prostituution salatulla, mutta silti hyvin tunnetulla todellisuudella.

Monet kritisoivat Manet'n töitä sen naurettavan aiheen vuoksi taitamattomiksi ja lapsellisiksi, koska ne olivat leveän siveltimenvedon piirteitä. Manet'n maalaaman vastakkainasettelevan katseen kautta hahmo sai sekä kasvot että identiteetin, mikä inhimillisti prostituution ammatin siitä huolimatta, että yhteiskunta piti sitä vulgaarina.

Édouard Manet'n teoksesta otettu etsaus. Olympia ; Édouard Manet, CC0, Wikimedia Commonsin kautta.

Pidetään provokatiivisena taideteoksena, Olympia oli täynnä tekopyhyyttä, sillä prostituutio oli 1800-luvulla erittäin suosittua, vaikka yläluokkainen yhteiskunta halusi teeskennellä, ettei sitä ollut olemassa. Hahmo aiheutti melkoista kohua anteeksipyytelemättömällä ja häpeilemättömällä tuijotuksellaan, ja monet kriitikot totesivat, että Manet'n ainoana motiivina tällaiseen säädyttömään maalaukseen oli herättää huomiota hinnalla millä hyvänsä.

Huolimatta siitä, että Olympia maalauksen yllättäen Salonin tuomaristo hyväksyi sen näytteille vuonna 1865. Sitä seurasi kuitenkin lisää kritiikkiä, mikä johti lopulta siihen, että Manet matkusti joksikin aikaa Espanjaan paetakseen aiheuttamaansa kohua.

Tätä maalausta, jossa nainen on selvästi häpeilemätön vartalonsa kanssa, pidetään yhtenä impressionistisen liikkeen kiistanalaisimmista maalauksista, koska siinä on korostunut seksuaalisuus.

Bazillen ateljee (L'atelier de Bazille) - Frédéric Bazille (1870)

Ranskalaista taiteilijaa Frédéric Bazillea pidetään merkittävänä impressionismin taiteilijana, koska hän on tuottanut taidesuuntauksen aikana erilaisia maalauksia. Hänen vuonna 1870 tekemänsä maalaus nimeltä Bazillen ateljee (L'atelier de Bazille) muistetaan yhtenä hänen kuuluisimmista teoksistaan tuolta ajalta. Koska Bazille valitettavasti kuoli nuorena, hän ei tuottanut enää monia teoksia, minkä vuoksi Bazillen studio pidetään hänen mestariteoksenaan.

Teoksessa Bazille kuvasi monia ikonisia impressionistisia hahmoja, jotka kävelivät ateljeessaan ja joihin kuuluivat Claude Monet, Édouard Manet, Pierre-Auguste Renoir, Emile Zola ja Edmond Maître. Vaikka Bazille maalasi samanlaisia kohtauksia kolmesta muusta ateljeestaan, tätä Impression-taideteosta pidetään kolmikon parhaana siitä huolimatta, että se vaikuttaa enemmän realistiselta kuin impressionistiselta.Tämän maalauksen tekee ainutlaatuiseksi se, että Bazille sisällytti teokseen Manet'n maalaaman muotokuvan itsestään.

L'atelier de Bazille Frédéric Bazille ("Bazillen studio", 1870); Frédéric Bazille, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Bazille itse on myös tämän maalauksen keskipiste, sillä hän on keskeisenä hahmona nojaamassa maalaustelineeseen. Hänellä näkyy olevan kädessään maalaajan paletti, joka osoittaa hänet taiteilijan ateljeen omistajaksi, ja hän puhuu Manet'ksi epäillyn hahmon kanssa meneillään olevasta maalauksesta. Ajan kuluessa on esitetty paljon kiistoja siitä, kukaBazillen maalauksen muiden hahmojen oikea tunnistaminen, sillä niiden sanottiin kuvaavan hänen taiteilijaystäviään. Emme kuitenkaan koskaan saa tietää heidän todellista henkilöllisyyttään.

Bazillen hahmon yläpuolella on Monet'n maalaus asetelmasta. Tämän sanottiin kuvaavan taloudellista tukea, jota Bazille tarjosi aikalaisilleen, sillä hän oli peräisin varakkaasta perheestä ja pystyi tarjoamaan tukea, kun näyttelyt hylkäsivät heidän maalauksiaan. Muut seinällä olevat maalaukset koostuvat teoksista, jotka Salon hylkäsi niin ikään vuonna 1870, ja niihin kuuluvat muun muassatässä sanotaan olevan tuskin piilossa oleva kritiikki akatemiaa kohtaan, joka heidän mielestään oli uskomattoman epäjohdonmukainen.

Tämä impressionistinen taideteos edustaa Bazillen teoksiinsa sisällyttämää selkeää tyyliä, sillä yksityiskohtiin on kiinnitetty huolellista huomiota, mikä näkyy hahmojen realistisissa kasvoilmeissä.

Yksityiskohta Renoirin maalauksesta Maisema kahden ihmisen kanssa kuten se näkyy Bazillen studio ; Frédéric Bazille, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Vaaleanpunaisen sohvan, tuolin punaisen puun ja kehysten vaalean värin vastakkainasettelu auttaa piristämään harmaita sävyjä tässä suuressa huoneessa, jota taustan korkea ikkuna valottaa entisestään.

Ulkoasu Bazillen studio luo hyvin epämuodollisen ilmapiirin, sillä suuri avoin lattia-alue erottaa katsojat tehokkaasti studion toiseen päähän kokoontuneesta miesryhmästä. Näin Bazille antaa katsojille mahdollisuuden kurkistaa näiden vallankumouksellisten taiteilijoiden jännittävään maailmaan, mutta onnistuu kuitenkin pitämään yleisön erillään. Tämä merkitsee sitä, että vaikka katsojat ovat teknisesti päässeet sisään studioon, he tulevat olemaanpysyvät aina ulkopuolisina.

Vaikutelma, Auringonnousu - Claude Monet (1872)

Claude Monet'n maalausta pidetään maalauksena, joka antoi impressionistiselle liikkeelle sen nimen, ja sitä pidetään näin ollen koko ajanjakson tärkeimpänä maalauksena. Vaikutelma, Auringonnousu Vaikka impressionistista tyyliä edusti jo tuolloin muitakin taiteilijoita, Monet'n maalauksen sanotaan todella synnyttäneen liikkeen ja edistäneen sitä.

Kun taidekriitikko Louis Leroy kutsui tätä maalausta pikemminkin "vaikutelmaksi" kuin valmiiksi luonnokseksi, hän käytti tätä halventavaa kommenttia pilkatakseen Monet'n ja muiden teoksia arvosteltuaan vuonna 1874 pidetyn ensimmäisen impressionistinäyttelyn. Termi johti kuitenkin nopeasti impressionistisen liikkeen syntyyn, ja tämä uusi maalariryhmä päätti taistella vastaankritiikkiä, jota he saivat, ja ottivat tämän loukkaavan termin käyttöön ylpeydellä ja kapinallisesti.

Vaikutelma, Auringonnousu (1872) Claude Monet; Claude Monet, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Maalattu Le Havren vierailun jälkeen Monet loi silmiinpistävän mutta harmonisen tasapainon meren, maan ja taivaan kuvaamiseen käytettyjen värien välille. Pehmeät oranssit, siniset ja vihreät ovat auringonnousun päävärit, ja koko sommitelma näyttää kylpevän pastellisessa valossa, mikä lisää varhaisaamun auringonnousuun liittyvää sumuista tunnelmaa.

Vaikka otsikko keskittyy auringonnousuun, katsojat huomaavat lopulta, että pääpaino on ympäröivässä auringonvalon lämmössä ja väreissä eikä niinkään satamassa tapahtuvassa toiminnassa.

Käyttämällä äkkinäisiä, löysiä siveltimenvetoja ja sekoittamattomia värejä Monet onnistui korostamaan paksua sumua ja sen heijastusta vedessä. Nämä löysät siveltimenvedot eivät määrittele teosta, vaan antavat vain viitteitä siitä, mitä Monet näki maalatessaan tätä teosta. Maalauksen keskellä katsojan katse kiinnittyy kahteen pieneen soutuveneeseen taivaalle nousevan punaisen auringon edessä.Taustalla näkyvät savupiiput ja laivojen mastot antavat tälle Impression-taideteokselle lisää rakennetta.

Tässä maalauksessa näkyy yksinäisyyden tunne, sillä Monet onnistui vangitsemaan täydellisen hiljaisuuden ja rauhallisuuden hetken ennen kuin aurinko nousee aloittamaan uuden päivän. Monet'n epäillään valmistuneen yhdellä istumalla, jotta valon muuttuvat ominaisuudet saatiin nopeasti vangittua. Monet'n uskotaan saaneen vaikutteita J.M.W. Turnerin viimeaikaisissa teoksissa näkyvästä läpitunkevasta sumusta.

Tässä maalauksessa Monet luo yksinkertaisen "vaikutelman" ympäristöstään tiettynä ajankohtana, ja hänen kuvauksensa katoavasta valosta ilmenee eri värien avulla, joita hän käyttää vangitakseen sen tarkasti sellaisena kuin hän sen näki.

Tätä maalausta pidettiinkin uuden impressionistisen tyylin tavaramerkkinä, sillä Monet'n kiinnostus valon aikakohtaisiin vaikutuksiin ulkoilmakompositioissa näkyy selvästi tässä sumuisessa ja epäselvässä sommitelmassa.

Se on yksi kaikkien aikojen halutuimmista ja tunnetuimmista impressionistisista maalauksista, Vaikutelma, Auringonnousu Monet'n maalausta pidetään nykyään impressionismin keskeisenä symbolina, sillä se kuvasi täydellisesti uutta taiteellista tyyliä, joka oli syntymässä, ja se antoi liikkeelle nimen.

Tanssiluokka - Edgar Degas (1874)

Toinen merkittävä ranskalainen taiteilija, joka auttoi impressionistista liikettä eteenpäin, oli Edgar Degas. Hänen vuonna 1874 tekemänsä teos nimeltä Tanssiluokka , osoitti hänen kiinnostuksensa tanssiin ja liikkeeseen, ja se on hänen muiden tanssiaiheisten teostensa joukossa kaikkein monimutkaisimpia maalauksia. Sitä pidetään hänen kunnianhimoisimpana maalauksenaan, Tanssiluokka tutkii balettiin liitettyä ajatusta eleganssista ja herkkyydestä.

Tätä teosta pidetään niin monimutkaisena, koska Degas sisällytti siihen yli kaksikymmentä hahmoa, mikä mahdollisti sen, että monet eri alueet kiinnittivät katsojien huomion.

On kuitenkin todettu, että oikealla äärimmäisenä kuvassa oleva tanssikapellimestari on maalauksen pääkohde, sillä hän onnistuu erottumaan edukseen sijoittamalla hänet hieman päätapahtuman ulkopuolelle. Kapellimestari oli tunnettu balettimestari Jules Perrot, ja Degas loi tämän teoksen Pariisin oopperan harjoitushuoneessa tapahtuneen kohtauksen pohjalta.

La classe de danse Edgar Degas ("Tanssitunti", 1874); Edgar Degas, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Nähdään klassinen impressionistinen taide pala, Tanssiluokka oli tärkeä taideteos, jota ei maalattu ulkona, sillä Degas kieltäytyi ottamasta käyttöön en plein air Tämän vuoksi balettiharjoitusten kuvaaminen osoittautui hänelle ihanteelliseksi, koska hän pystyi maalaamaan mukavasti oopperatalosta käsin. Lisäksi Degasin valitsemien kuva-aiheiden taustalla oli taloudellinen tarve, koska balettitanssijoita esittävät maalaukset myivät tuolloin hyvin ja hän tarvitsi rahaa perheyrityksensä pyörittämiseen.

Hän hylkäsi ajatuksen siitä, että häntä kutsuttaisiin impressionistiksi, Degas maalasi Tanssiluokka Huolimatta siitä, että tämä maalaus on todenmukainen tulkinta siitä, mitä hän näki, sitä pidetään silti merkittävänä taideteoksena, sillä se näytti täyttävän kaikki ne kriteerit, joiden perusteella taideteoksia pidettiin tuolloin impressionistisina. Sommittelu kuvasi modernin kohtauksen, jossa käytettiin kirkkaita värejä, mikä lisäsi liikkeen tunnetta, jota Degas yritti vangita.

Toinen Edgar Degas'n maalaus, jonka nimi on niin ikään Tanssiluokka (1873); Edgar Degas, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Tanssijat vaikuttavat kuitenkin vailla tunteita ja persoonallisuutta, mikä oli Degasin maalausten enemmistölle ominainen piirre. Tämän ajateltiin johtuvan siitä, että maalauksen henkilöt eivät olleet ranskalaisen varakkaan eliitin lapsia, vaan pikemminkin köyhien ja alemman luokan jälkeläisiä, jotka yrittivät ansaita elantonsa balettitanssijoina. Nämä tanssijat olivattanssimestarinsa ankarassa ohjauksessa, mikä loi täysin erilaisen käsityksen baletista.

Tanssiluokka oli laulaja Jean-Baptiste Fauren tilaama, mikä vaati Degasilta lukemattomien tanssijoiden opinnäytteiden valmistamista ennen lopullisen teoksen valmistumista. Koska Degas oli alun perin saanut akateemisen taiteen tekniikan koulutuksen, hänellä oli tässä maalauksessa hienostunut ymmärrys ihmiskehosta. Tämä näkyi siinä, miten hän kykeni vangitsemaan ballerinoiden eleganssin niinkaunis ja tarkka tapa.

Tämä Degasin tunnetuin teos on olennainen osa impressionistisen liikkeen ymmärtämistä.

Sumu, Voisins - Alfred Sisley (1874)

Ranskalainen taiteilija Alfred Sisley oli toinen merkittävä impressionistisen liikkeen vaikuttaja, ja hän tuotti uransa aikana merkittäviä teoksia. Yksi hänen tunnetuista impressionistisista teoksistaan oli kuulemma seuraava. Sumu, Voisins Sisley sitoutui taiteilijana täysin impressionistiseen tekniikkaan ja maalasi johdonmukaisesti vuonna 1874. en plein air , mikä näkyy monissa hänen luomissaan maisemasommitelmissa.

Asettuuessaan asumaan Voisinsin kylään Sisley jatkoi tämän kauniin pastoraalikuvan maalaamista, joka kuvaa sankkaa sumua, joka oli laskeutunut. Sumun läpi näkyy muutamia rakenteita, kuten aidan ääriviivat ja maalauksen taustalla olevan puun kieroutuneet oksat. Vaikka se näyttää sumuiselta, keskeisenä aiheena sanotaan olevan kyyristynyt nainen, joka hoitaa puutarhaansa taikukkia poimimassa.

Naisen kuvaamiseen käytetty sinertävän harmaa sävy auttaa erottamaan hänet muusta maisemasta, sillä hän vaikuttaa tummemmalta kuin sumu, jota Sisley yritti vangita.

Lisäksi näiden värien yhdistelmä luo naisen ympärille hopeisen hehkun, joka lisää naisen eristäytyneisyyden luomaa hieman salaperäistä tunnelmaa. Sisleyn käyttämä lempeä väripaletti välittää kohtauksen, joka on samaan aikaan sekä ilmeikäs että täysin rauhallinen, mikä korostaa maiseman rentouttavaa laatua.

Le Brouillard, Voisins Alfred Sisley (' Fog, Voisins', 1874); Alfred Sisley, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Luomalla sommitelman, jossa ei ole lainkaan muita ihmishahmoja, Sisley pystyi korostamaan sitä ylivoimaista rauhaa, joka voi löytyä ulkotiloista, joissa ihmiset eivät puutu asiaan. Vaikka Sisley maalasi yksinäisen naisen hoitamaan puutarhaansa, Sisleyn maalaama sumu peittää hänet ja niityn lähes kokonaan, mikä lisää tuntemaansa anonymiteettiä. Hänen vartalonsa näyttää sulautuvan vaivattomasti yhteen.ympäröivään ulkomaailmaan, minkä sanottiin edustavan Sisleyn kommenttia laajemmasta luonnosta.

Koska hallitseva väri on harmaa, Sisley onnistui luomaan hyvin varjoisen kohtauksen, jossa yksinäinen nainen näyttää nousevan sumusta kuin jonkinlainen aavemainen hahmo. Huolimatta siitä, että Sisley kuvaa maisemaa teoksessaan Sumu, Voisins , olisi ollut hyvin epätodennäköistä, että hän olisi pystynyt vangitsemaan koko maiseman yhdellä istumalla. Sumun nopeasti muuttuvien ominaisuuksien vuoksi Sisleyn olisi pitänyt rakentaa tämä maalaus joistakin alustavista luonnoksista, jotka hän olisi ottanut ajan kuluessa. Tämän vuoksi, Sumu, Voisins ei koostu lyhyistä ja löysistä siveltimenvedoista, jotka olivat tyypillisiä muille impressionistisille maalauksille tuohon aikaan.

Maalaus on kuitenkin luonteeltaan selvästi impressionistinen, sillä Sisley kokeili valon ja varjon ohimenevää laatua valitsemiensa värien avulla.

Kehto - Berthe Morisot (1872)

Tärkeä naistaiteilija impressionistisen liikkeen sisällä oli Berthe Morisot, joka teki uskomattoman merkittäviä teoksia tuona aikana. Hänen vuonna 1872 tekemänsä maalaus nimeltä Kehto on hänen tunnetuin teoksensa impressionististen tekniikoidensa ansiosta.

Tässä maalauksessa Morisot kuvasi sisarensa Edman, joka katselee alaspäin tytärtään, joka nukkuu kehdossa, jonka läpinäkyvä huntu peittää osittain. Morisot onnistui yhtenä uransa varhaisimmista teoksista vangitsemaan äitiyden monimutkaisen teeman kypsästä näkökulmasta, mikä on aistittavissa tätä maalausta katsellessa.

Äitiydestä tuli toistuva aihe hänen monissa maalauksissaan, sillä Morisot tutki syvällisesti naisten yhteiskunnallisiin rajoituksiin liittyviä kysymyksiä tuona aikana.

Vaikka kriitikot ihailivat sitä yleisesti, kun se esiteltiin ensimmäisen kerran vuonna 1874, Kehto Morisot'n sisarensa maalaamiseen käyttämä tekniikka yhdistettynä naisten yhteiskunnallista asemaa käsittelevään kiistanalaiseen aiheeseen tekivät tästä teoksesta tuolloin erittäin kiistanalaisen maalauksen.

Le Berceau ("Kehto", 1872), Berthe Morisot; Berthe Morisot, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Morisot luo tasapainoisen sommittelun Edman vartalon asennolla suhteessa huntuun, joka viittaa alitajuiseen harmoniaan, jonka sanottiin vallitsevan vanhemman ja lapsen välillä. Maalaamalla läpikuultavan hunnun lapsen päälle Morisot onnistuu suojaamaan Edman identiteettiä katsojilta ja samalla korostamaan äidin yksityistä suhdetta lapseensa.

Liike näkyy tässä maalauksessa myös Edman taivutetun käden ja verhon linjan välissä olevan diagonaalisen viivan kautta, jota monet impressionistit käyttivät. Tämä diagonaalinen viiva korostaa Edman ja hänen vauvansa välistä yhteyttä entisestään, sillä Morisot luo hyvin intiimin kohtauksen, johon katsojat ovat saaneet vilkaista sisään.

Pohjimmiltaan The Cradle kuvaa kohtausta, joka on täynnä läheisyyttä ja suojelua, ja Morisot antaa ymmärtää, että äidin rakkaus voi suojella muita vahingolta.

Koska Edman kasvonpiirteet eivät ole kovin yksityiskohtaisia, katsoja jää epätietoiseksi hänen ajatuksistaan ja tunteistaan. Tämän sanottiin olevan Morisot'lle tyypillinen piirre hänen maalauksissaan, sillä se edusti salaperäisyyttä, joka liittyi naisiin, joiden oli jatkuvasti piilotettava piirteitä itsestään tänä aikana. Lisäksi.., Kehto ei saanut suurta kiinnostusta impressionistien näyttelyssä vuonna 1874 aiheensa vuoksi, minkä vuoksi Morisot joutui vetämään sen pois näyttelystä.

Tanssi Le Moulin de la Galette -ravintolassa - Pierre-Auguste Renoir (1876)

Ranskalainen taiteilija Pierre-Auguste Renoir oli toinen impressionismin merkittävä hahmo, joka loi lukemattomia ikonisia maalauksia liikkeen aikana. Yksi hänen tunnetuista maalauksistaan, jotka hän loi vuonna 1876, on maalauksensa Tanssi Le Moulin de la Galette -ravintolassa , joka oli yksi Renoirin ensimmäisistä maalauksista, joita hän esitteli vuonna 1877.

Tämä maalaus, jonka katsotaan kuvaavan tyypillistä pariisilaista elämää, on erinomainen esimerkki impressionistisesta tyylistä. Renoirin teos, jota kuvaillaan "1800-luvun kauneimmaksi maalaukseksi", kuvaa pätkää tavallisesta elämästä ranskalaisen Montmartren trendikkäällä asuinalueella. Tänä aikana Moulin de la Galetten, joka on edelleen toiminnassa, sisäpiha oli kohtauspaikka, jossa kokoontuivattyöväenluokka, jossa voit juoda, syödä ja tanssia pitkän työpäivän jälkeen.

Bal du moulin de la Galette ("Tanssi Le Moulin de la Galette", 1876), Pierre-Auguste Renoir; Pierre-Auguste Renoir, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Vaikka maalauksessa sanotaan olevan läsnä monia Renoirin ystäviä ja muita merkittäviä taiteilijoita, teoksen pääpaino on Montmartren puutarhassa vallitsevassa iloisessa ilmapiirissä. Vaikka maalauksessa on paljon ihmisiä, Renoir onnistui vangitsemaan suuren määrän yksityiskohtia tähän uskomattoman vilkkaaseen kohtaukseen.

Katsojille tarjotaan erilaisia näkökulmia ja kulmia harkittavaksi, mikä osoitti, että tässä maalauksessa on monia mahdollisia polttopisteitä.

Suurin elementti, jota Renoir tutki Tanssi Le Moulin de la Galette -ravintolassa oli auringonvalon elementti, sillä hänen koko sommitelmansa näyttää kylpevän luonnonvalossa, joka virtaa puiden yläpuolelta. Koska auringonvalo näyttää välkkyvän, teoksessa on myös liikettä, joka korostaa entisestään pihan vilskettä. Käyttämällä maalauksessaan normaalia suurempaa kankaata Renoir antoi itselleen tarpeeksi tilaa, jotta hän pystyi täysin toteuttamaantutkia, millaista toimintaa hän tunsi katsellessaan tätä kohtausta.

Yksityiskohta Renoirin Tanssi Le Moulin de la Galette -ravintolassa maalaus; Pierre-Auguste Renoir, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Muita impressionismin elementtejä nähdään Renoirin käyttämien värikkäiden siveltimenvetojen kautta, joilla hän kuvasi näkemäänsä onnea. Lisäksi nämä vastakkaiset värisävyt jatkavat valon ja varjon erottelua, joka näkyy hahmojen yläpuolella olevasta puiden latvustosta. Tämän valon kuvauksen kautta Renoir tarjoaa katsojille melkeinpä sumean esityksen väkijoukosta, sillä keskitytääntaideteokset keskittyvät tapahtuvaan juhlaan eikä niinkään siihen, keitä nämä ihmiset ovat.

Vaikka tätä taideteosta juhlitaan nykyään, se sai aluksi negatiivista kritiikkiä taidekriitikoilta ja yleisöltä. Tässä maalauksessa Renoir pystyi osoittamaan todellisen maalaustaitonsa, sillä hän yhdisti vaivattomasti muotokuvan, asetelman ja maiseman elementtejä teoksiin. Tanssi Le Moulin de la Galette -ravintolassa .

Teoksen koon vuoksi tämä Impression-taideteos osoittautui tuolloin kunnianhimoiseksi haasteeksi, sillä kukaan taiteilija ennen Renoiria ei ollut yrittänyt tehdä tämän kokoluokan maalausta.

Pariisin katu, sadepäivä - Gustave Caillebotte (1877)

Toinen tärkeä vaikuttaja impressionismin piirissä oli ranskalainen taiteilija Gustave Caillebotte. Vaikka Caillebotte maalasi realistisemmin, hänen katsotaan silti tuottaneen ikonisia impressionistisia maalauksia aikakauden huipulla. Hänen vuonna 1877 tekemänsä maalaus nimeltä Pariisin katu, sadepäivä on yksi hänen tunnetuimmista teoksistaan.

Caillebotten maalausta pidettiin melko epätavallisena, sillä se kuvasi sadepäivää ilman, että siinä näkyi todellista sadetta, mutta Caillebotten maalaus saavutti suuren menestyksen. Vaikka maalauksessa on sateenvarjoja ja kiiltäviä mukulakiviä, jotka näyttävät märiltä, kun maalausta katsotaan ensi kertaa, nämä elementit vain viittaavat sateen mahdollisuuteen ilman, että katsojat näkevät sitä. Caillebotten mestarillinen manipulointi, joka perustuuvalon ja varjojen avulla luodaan vaikutelma vedestä kadulla, jolloin katsojan on helpompi samaistua teoksen nimeen.

Rue de Paris, temps de pluie Gustave Caillebotten teos "Pariisin katu, sadepäivä" (1877); Gustave Caillebotte, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Pariisin katu, sadepäivä kuvaa useita ihmisiä, jotka kulkevat toistensa ohi irrallaan alueella, jonka uskotaan olevan Place de Dublin, joka on Pariisin 8. kaupunginosassa. Sitä pidetään loistavana kaupunkielämää 1800-luvulla kuvaavana kuvana, sillä Caillebotten maalauksessa osoittama tarkkuus antaa teokselle lähes valokuvamaisen vaikutelman. Tämä on yksi tärkeimmistä syistä, joiden vuoksiettä taideteosta pidettiin ominaisuuksiltaan enemmän realistisena kuin impressionistisena.

Caillebotte sisällytti tähän maalaukseen valokuvaukseen liittyviä elementtejä, kuten hahmojen esittämisen "epätarkkana", mikä johti laajaan kritiikkiin, sillä tällainen moderni ihmiskuvaus näennäisesti irrallisessa sommitelmassa oli tuohon aikaan täysin tuntematon.

Tarkkuus, jolla Caillebotte maalasi tämän teoksen, osoittaa hänen riippuvuutensa realismista ja linjoista, eikä impressionismille tyypillisille teoksille tyypillisistä löysistä ja laajoista siveltimenvedoista.

Lähemmin tarkasteltuna käy siis selväksi, että Caillebotte oli kiinnostunut valokuvauksesta, sillä monet elementit Pariisin katu, sadepäivä Näyttää siltä, että maalauksessa on teräviä reunoja, joiden ajateltiin saaneen vaikutteita valokuvista. Fotorealismi näkyy erityisen selvästi tässä maalauksessa, ja Caillebotte vääristää vielä enemmän tasapainoa teoksessaan. Tämä tehtiin rajaamalla mies maalauksen oikeassa reunassa ja esittämällä etualalla oleva pariskunta paljon näkyvämmässä valossa kuin muut hahmot.

Yksityiskohta Caillebotten teoksesta Pariisin katu, sadepäivä ; Gustave Caillebotte, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Caillebotte maalasi usein työväenluokkaan kuuluvia henkilöitä, ja hän antoi tarkan kuvauksen siitä eristäytyneisyydestä, jota ihminen tunsi tuon ajan modernissa kaupungissa. Kuvaamalla tavallisia ihmisiä satunnaisella kävelyretkellä Caillebotte pystyi siirtämään maalauksen painopisteen yksilöiden vieraantuneisuuteen vastikään kunnostetussa Pariisin pääkaupungissa. Lisäksi kenellekään ei anneta henkilöllisyyttä.hahmoista, mikä lisää maalauksen ja kaupungin täydellistä anonymiteettiä.

Maalauksen painopiste kohdistuu lopulta etualalla sateenvarjoa pitelevän miehen välinpitämättömään katseeseen, joka ei näytä välittävän ympäröivästä ilmapiiristä. Tämän hahmon mukaan ottamisen sanottiin kuvaavan tuon ajan jatkuvasti muuttuvaa ranskalaista yhteiskuntaa, joka teki Pariisin katu, sadepäivä yksi parhaista 1800-luvun Pariisin kuvauksista.

Lokeissa - Mary Cassatt (1878)

Ainoana Amerikkalainen taiteilija Mary Cassatt oli arvokas lisä impressionistien ryhmään. Hänen vuonna 1878 tekemänsä maalaus nimeltä Lokeissa , on hänen tunnettu Impression-taideteoksensa, joka on tehty käyttäen öljyvärit pastellivärien sijasta, joita hän usein mieluummin käytti teoksissaan.

Tämä öljyvärimaalaus osoittautui merkittäväksi impressionistiseksi teokseksi, sillä Cassatt esitteli tässä maalauksessaan erilaisia liikkeen tekniikoita.

Osoitteessa Lokeissa , Cassatt kuvasi 1800-luvun Pariisin varakkaampien ihmisten suosimaa ajanvietettä, sillä oopperassa käyntiä pidettiin tuolloin tavallisena tapahtumana. Ooppera oli paikka, jossa nähtiin ja oltiin nähtyjä, mikä tarkoitti sitä, että ihmiset pukeutuivat usein yltiöpäisesti. Erityisesti naiset käyttivät paljon koruja ja näyttivät julkisuudessa vain sopivan paljon ihoa, kun taas miehet pukeutuivat mustaan.puvut, jotta he katoaisivat saumattomasti ja huomaamatta oopperalaatikoihinsa.

Tässä sommitelmassa Cassatt kuvaa tyylikkäästi pukeutunutta naista, joka osallistuu päiväsaikaan Comedie-Francaise -teatterin esitykseen, joka oli tuon ajan ikoninen teatteri Pariisissa. Katsoja näkee vain naisen profiilin, sillä hän näyttää olevan täysin uppoutuneena näyttämöllä tapahtuvaan toimintaan. Antamalla hahmolle aktiivisemman roolin Cassatt kuvasi naisen katsovan oopperan läpi.silmälasit johonkin, jota yleisö ei näe, kun taas taustalla oleva mies näyttää kiinnittävän huomionsa erityisesti häneen.

Lokeissa (1878) Mary Cassatt; Mary Cassatt, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Koska sekä nainen että mies vasemmassa yläkulmassa erottuvat katsojien silmistä, syntyy huomioketju. Katsojille annetaan kaksi keskipistettä, joihin keskittyä, mutta siitä huolimatta maalauksen painopiste on toistuvasti nimettömässä naisessa. Näin ollen, Lokeissa tutkii pelkkää katsomista, sillä Cassatt murtaa katsojien ja tarkkailijoiden sekä katsojien ja esiintyjien välisiä rajoja.

Maalaamalla hahmon mustaan mekkoon Cassatt kieltäytyy tarjoamasta vartaloaan katseltavaksi, mikä antaa hänelle mahdollisuuden sulautua ympäristöönsä. Puolustava tapa, jolla hän pitää viuhkaansa, antaa katsojalle ymmärtää, että hän haluaa vain katsella oopperaa rauhassa, mikä luo teokseen jäykkyyden ilmapiirin. Näkymä ooppera-aitiosta ei kuitenkaan usein ollut kovin hyvä,jossa selitetään lasien käyttö.

Tämä edustaa myös kommenttia, jonka Cassatt yritti tehdä tuon ajan yläluokan yhteiskunnasta, sillä naisilta kiellettiin pääsy tiettyihin tiloihin. Tämän vuoksi ooppera osoittautui niin toistuvaksi aiheeksi naispuolisille taiteilijoille, sillä heille myönnettiin vastentahtoisesti pääsy kyseiseen tilaan, toisin kuin muihin julkisiin tiloihin.

In the Loge osoittautui näin ollen tärkeäksi panokseksi impressionistiselle liikkeelle, sillä Cassattista tuli yksi vain kolmesta naisesta ja ainoa amerikkalainen, joka koskaan liittyi impressionistien ryhmään.

Iltapäivätee - Marie Bracquemond (1880)

Toinen merkittävä naistaiteilija impressionistisessa liikkeessä oli Marie Bracquemond, joka jäi usein aikalaisiinsa verrattuna varjoon. Vaikka hänen maalauksensa eivät ehkä ole yhtä tunnettuja kuin muiden, jotkut hänen teoksistaan erottuvat. Yksi hänen tärkeistä maalauksistaan, joka on tehty vuonna 1880, on seuraava. Iltapäivätee.

Tässä maalauksessa Bracquemond kuvasi siskoaan Louisea, joka luki kirjaa puutarhassa. Bracquemond käytti maalauksessaan hyvin omituisella tavalla vaimennettuja ja värikkäitä sävyjä. pastellivärit osoitteessa Iltapäivätee Louise on maalattu hyvin hillityn näköiseksi, ja sitä korostaa entisestään hänen katseensa, joka on suunnattu poispäin katsojista. Kun katsoja katsoo hänen kasvojensa ilmettä, hänelle jää tunne, että Louise on tyytymätön johonkin.

Le goûter (Marie Bracquemondin "Iltapäivätee", noin 1880; Marie Bracquemond, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Kirjan avulla Bracquemond tarjoaa siskolleen tekemistä sommittelun sisällä, mutta sisko näyttää kuitenkin olevan kiehtoutunut jostain aivan muusta. Vaikka hänen katseensa on käännetty pois käsissään olevasta kirjasta, kriitikot ovat todenneet, että hän näyttää olevan täysin uppoutunut lukemaansa, mikä voi selittää hänen keskittymättömyytensä.

Iltapäivätee on hyvä esimerkki impressionistisesta taideteoksesta, sillä Bracquemond käytti monia liikkeen piirteitä. Maalauksessa on nähtävissä löyhiä siveltimenvetoja sekä valoa tihkunut väripaletti, jolla on kokeiltu luoda maalaukseen ilmava tunnelma.

Kuvaamalla sisarensa valossa kylpevälle pinnalle Bracquemond alkoi luoda tyyliä, josta hänet tunnettiin.

Veneilypuolueen lounas - Pierre-Auguste Renoir (1881)

Toinen Pierre-Auguste Renoirin ikoninen maalaus on hänen vuonna 1881 tekemänsä teos nimeltä Veneilypuolueen lounas. Seitsemännessä impressionistinäyttelyssä esillä ollut maalaus sai kieli poskessa kohteliaisuuksia muutamalta muuten uskomattoman aggressiiviselta kriitikolta, mikä osoitti sen merkityksen liikkeen sisällä.

Renoirin klassikkomaalauksena pidetty aihe on luonteeltaan nykyaikainen. Kuvaamalla lounaskohtauksen Seinäjoelle avautuvasta ravintolasta, jossa ihmiset keskustelevat, nauravat ja jakavat ruokaa ja viiniä, Renoir onnistui vangitsemaan sunnuntai-iltapäivän täydellisen riemun ilmapiirin. Renoirin sanottiin sisällyttävän sekä itsensä että joitakin ystäviääntässä koosteessa, sillä hän halusi korostaa rentoutumisen ja hauskanpidon tärkeyttä viikonloppuna.

Hän korosti, että maalaukseen ei liittynyt mitään moraalista viestiä, sillä kyky päästää irti ja rentoutua oli yhtä tärkeä viesti kuin mikä tahansa muukin.

Koska katsojien ei tarvinnut etsiä tiettyä viestiä ymmärtääkseen maalauksen täysin, keskityttiin enemmän Renoirin yhdistämiin teemoihin, kun hän loi tätä taideteosta. Sekoittamalla muotokuvan, asetelman ja maiseman elementtejä Veneilypuolueen lounas Renoir loi vaikuttavan maalauksen, jossa yhdistyvät eri tyylilajit.

Le déjeuner des canotiers Pierre-Auguste Renoirin "Veneilijöiden lounas" (1880-1881); Pierre-Auguste Renoir, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Tärkein piirre tässä teoksessa oli kuitenkin se, että se näytti maalatulta. en plein air Lisäksi käytettiin hienoa väripalettia sekä Renoirin sujuvaa siveltimenvetoa ja valon lempeää käsittelyä. Kaoottisesta aiheesta huolimatta valo näyttää olevan maalauksen keskeinen piirre.

Kuvaamalla hajanaisia ja pehmeitä valonsäteitä, jotka tulevat sisään puiden ja latvuston läpi, Renoir luo uskomattoman rennon ja lempeän tunnelman.

Vasemmassa yläkulmassa näkyvä käsijohde toimii sommittelun päätepisteenä, joka luo tauon kaoottisesta toiminnasta, joka on tuntunut niin monen hahmon mukanaolosta. Kaikki nämä henkilöt, jotka näyttävät nauttivan sunnuntai-iltapäivästään joen rannalla, ovat kuitenkin hyvin iloisia ja iloisia.

Juhlitaan sen ihanuudesta, Veneilypuolueen lounas kuvasi 1800-luvun lopun Ranskan muuttuvaa yhteiskuntaa teollisen vallankumouksen seurausten vuoksi. Tässä vaiheessa ravintolat olivat yhtäkkiä hyvin vieraanvaraisia monista eri yhteiskuntaluokista tuleville henkilöille, ja Renoirille tyypillinen kiiltävä tyyli kuvasi iloa ja nautintoa, jota koettiin tässä muuttuvassa ajassa.

Folies-Bergin baari è re - Édouard Manet (1882)

Toinen merkittävä Édouard Manet'n maalaama teos oli Folies-Bergèren baari Huolimatta vastahakoisuudestaan tulla leimatuksi impressionistiksi, tämä teos on yksi Manet'n ikonisimmista impressionistisista maalauksista, ja se kiinnitti hänet lujasti liikkeen jäseneksi. Se oli myös Manet'n viimeinen suuri teos, mikä lisäsi sen asemaa.

Huomattava sen monimutkaisista yksityiskohdista, Folies-Bergèren baari kuvasi tavallista baarityttöä, joka työskentelee Folies-Bergèren yökerhossa. Vaikka aihe vaikuttaa yksinkertaiselta, Manet täytti tämän kankaan monilla yksityiskohdilla, joita on syytä tarkastella ja pohtia, mikä teki siitä hyvin kiireisen sommitelman. Teoksen painopiste on keskellä olevassa naisessa, jonka kasvoilla on hyvin etäinen ja irrallinen ilme.

Folies-Bergèren baari (1882), Édouard Manet; Édouard Manet, CC BY 2.0, Wikimedia Commonsin kautta.

Baarimestarin luullaan palvelevan asiakasta sen perusteella, miten hänen vartalonsa on kääntynyt tiskiin päin, mutta hän näyttää kuuntelevan tarkkaavaisesti, mitä ympärillä tapahtuu. Hänen ilmeensä kuitenkin paljastaa hänet, sillä hänen mietteliäs katseensa ei sovi yhteen hänen ruumiinkielensä kanssa. Tässä maalauksessa Manet osoittaa kaksi puolta naisen kokemuksesta tuona aikakautena. Ylhäällä olevassa peilissä peilikuvassaoikeassa kulmassa hän palvelee huolella asiakasta, kun taas katsojia tervehtii hänen rehellinen ilmaisunsa siitä, miltä hänestä todella tuntuu.

Manet'n antamat runsaat yksityiskohdat auttavat katsojaa kokoamaan maalauksen yleisen tunnelman, ja nämä yksityiskohdat ovat vihjeitä tuon ajan yhteiskuntaluokasta ja ilmapiiristä.

Huolimatta kaikista baarityttöä ympäröivistä häiritsevistä esineistä, jotka antavat vaikutelman riemukkaasta ajasta, käy selväksi, että kohtaus on täynnä tyhjyyttä ja apaattisuutta. Manet yhdisti tuohon aikaan prostituution appelsiinien sisällyttämiseen maalauksiinsa, joten baarityttön vieressä olevan appelsiinilautasen perusteella voitiin vihjata, että hän oli myös prostituoitu.

Baarimestarin roolin kaksinaisuus tulee selvemmäksi appelsiinien kautta, sillä oranssien avulla vihjataan, että hän on olemassa myös ostettavana asiana, aivan kuten hänen myymänsä juomat. Tämän oletuksen perusteella ja sen lisäksi, että hänen viimeinen suuri teoksensa kuvasi kohtauksen yökerhossa, Folies-Bergèren baari on herättänyt paljon keskustelua koko taidehistorian ajan.

Boulevard Montmartre - Camille Pissarro (1897)

Ranskalainen taiteilija Camille Pissarro oli toinen merkittävä impressionisti, joka loi monia tunnettuja impressionismimaalauksia. Jotkut hänen merkittävimmistä maalauksistaan ovat peräisin teossarjasta, joka keskittyi Pariisin Montmartren kaupunginosaan. Hänen vuonna 1897 tekemänsä maalaus nimeltä Boulevard Montmartre on yksi hänen huomattavista teoksistaan kyseiseltä alueelta.

Vuoden 1897 helmi-huhtikuun aikana Pissarro asui Pariisin Hotel de Russie -hotellin huoneessa ja loi yli 14 maalauksen sarjan, joka keskittyi nimenomaan Montmartren bulevardiin eri vuorokauden- ja vuodenaikoina. Pissarro vangitsi bulevardin talvi- ja kevätkausien välillä sekä auringon, sateen, sumun, sumun ja auringonlaskun aikaan. Näin hänelle jäi laaja kokoelmamaalauksia, joissa keskityttiin samaan aiheeseen, minkä ansiosta Pissarro saattoi todella arvostaa kuvaamaansa maisemaa yhä uudelleen ja uudelleen.

Boulevard Montmartre, Kevät (1897) Camille Pissarro; Camille Pissarro, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Tämä erinomainen kaupunkikuvassa, että Pissarro loi Pariisin sisällä Boulevard Montmartre kuvassa näkyy toimintaa ja hälinää, jota tien varrella usein tapahtui, sillä siitä syntyy hyvin vilkas sommitelma. Koska Pissarro maalasi selvästi impressionistiseen tyyliin ja antoi vähän yksityiskohtia bulevardia reunustaville hahmoille ja kerrostaloille, katsoja saa silti vaikutelman, että tämä kohtaus on hänelle tuttu, kun hän katsoo sitä. Pissarron valitsema väripalettioli myös vaimea, kun hän keskittyi browns , tummat oranssit, siniset ja mustat.

Pissarro maalasi elämänsä loppupuolella heikkenevästä näöstä kärsivänä Boulevard Montmartre Pissarro keskittyi tässä maalauksessa esiintyvään valon vuorovaikutukseen eikä niinkään kadun ja rakennusten rakenteeseen, minkä vuoksi hän loi niin monta versiota samasta maalauksesta.

Hänen sarjansa osoittautui erittäin suosituksi, ja yksi Boulevard Montmartren teoksista myytiin 19,1 miljoonalla punnalla vuonna 2014.

Vesililjalampi - Claude Monet (1899)

Viimeinen teos, joka on mukana 15 impressionistisen maalauksen top-listalla, on The Water-Lily Pond (Vesililjalampi), jonka on maalannut Claude Monet Vuonna 1899. Monet tunnetaan parhaiten lukuisista vesililjoja kuvaavista teoksistaan, ja hän teki yli 250 maalausta vesililjoihin keskittyvässä sarjassa. Vesililjalampi on yksi tämän sarjan merkittävimmistä maalauksista. Vesililjalampi, jossa on myös Japanilainen silta , jonka Monet suunnitteli itse, vaikka hän onnistui vangitsemaan sen vain noin kolmeen maalaukseen.

Muutettuaan Givernyyn, Pariisin ulkopuolella sijaitsevaan pikkukaupunkiin, Monet alkoi kunnostaa suurta maalaistaloa ja siihen liittyvää puutarhaa. Hän loi monimutkaisen vesipuutarhan, josta tuli inspiraatio, jonka pohjalta hän loi Vesililjalampi ja muut hänen ikonisen sarjansa maalaukset.

Tätä sommitelmaa pidettiin monella tasolla merkittävänä, sillä kukaan taiteilija ennen Monet'ta ei ollut käyttänyt väriä, valoa ja heijastusta yhtä taitavasti.

Silmiinpistävin osa Vesililjalampi on se hiljainen pohdinta, jonka Monet onnistui luomaan tässä maalauksessa. Monet loi puissa ja puiden välissä olevien varjojen kautta vaikutelman hajanaisesta auringonvalosta, ja valo osoittautui tärkeäksi piirteeksi tässä puutarhakuvauksessa. Värien, sävyjen ja tekstuurien yhdistelmä oli tehty siten, että katsojalle välittyy todella rauhallinen ja lempeä tunnelma, sillä Monet'spuutarhasta tulee seesteinen ja lähes taivaallinen paikka.

Vesililjalampi (1899) Claude Monet; Claude Monet, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Valon kuvaaminen lyhyillä ja nopeilla siveltimenvedoilla oli esimerkki Monet'n lähestymistavasta. en plein air Monet'n sanotaan käyneen puutarhassaan jopa kolme kertaa päivässä tutkiakseen ja vangitakseen tarkasti muuttuvan valon, minkä vuoksi hän loi niin monia sävellyksiä samasta aiheesta. Tämän maalauksen keskipisteenä ovat kuitenkin hienovaraiset lammessa kelluvat liljat, jotka Monet tunnistaa veteen lisätyistä haaleista maalitahroista.

Osoitteessa Vesililjalampi sekä muita Monet'n Givernyssä maalaamia vesililjoja kuvaavia teoksia katsellessa on aistittavissa uskomaton harmonian ja tasapainon tunne. Monet myönsi olleensa pakkomielteinen vesipuutarhaansa kohtaan ja jatkoi vesilililjojen kuvaamista kuolemaansa saakka. Monet'n vesilililjasarjaa on kutsuttu "impressionismin Sikstuksen kappeliksi", ja se oli olemassa kattavimpana teossarjana.sarja maalauksia tuottamiaan.

Impressionistinen liike osoittautui uskomattoman vaikutusvaltaiseksi liikkeeksi taidehistoriassa. Vaikka edellä on tutkittu vain 15 kuuluisaa impressionistista maalausta, luetteloon voidaan lisätä vielä monia muita ikonisia maalauksia. Useimmat tunnetuista taiteilijoista tuottivat myöhemmin useita impressionistisia teoksia, joita pidetään keskeisinä liikkeen kehityksessä. Jos olet nauttinut tästäartikkelista, kehotamme sinua tutustumaan tarkemmin muihin impressionismimaalauksiin.

Tutustu kuuluisiin impressionistisiin maalauksiin täällä!