A rtistit ovat suosineet diptyykkejä kautta historian. Mutta mikä on diptyykki? Diptyykki-taideteos tarkoittaa taideteosta, joka koostuu kahdesta vastaavasta taulusta, jotka on yhdistetty toisiinsa, mutta se voi olla myös yksittäinen teos, joka koostuu kahdesta taulusta, jotka kuvaavat erillisiä kohtauksia, tai yhdestä teoksesta, joka jatkuu molempien taulujen yli. Vuosien varrella on tuotettu lukemattomia loistavia diptyykki-taideteoksia. Tässä teoksessaartikkelissa tutustumme diptyykki-taiteeseen, sen historiaan, kehitykseen ja muuhun! Jatka lukemista, niin saat tietää, mitkä ovat viisi maailman kuuluisinta diptyykki-maalausta.

Mikä on diptyykki?

Tässä on diptyykin määritelmä, yksinkertaisesti sanottuna diptyykki on esine, joka koostuu kahdesta osasta, yksittäinen taideteos, joka muodostuu yhteen liitetyistä paneeleista. Diptyykki-taideteos voi sisältää maalauksia, valokuvia, piirustuksia, kaiverruksia tai mitä tahansa litteää taideteosta. Muodostelma voi olla muotokuva tai maisema, ja on tavallista, että molemmat teokset ovat samankokoisia. Paneelit, jotka muodostavat diptyykin.Taideteokset voidaan kiinnittää toisiinsa saranalla tai ne voivat olla vierekkäisiä. Toisen paneelin lisääminen muuttaisi diptyykin triptyykiksi.

Diptyykkejä on monenlaisia. Kaksi taulua esittävät usein toisiinsa läheisesti liittyviä kohtauksia tai eri näkökulmia samaan kohtaukseen.

On myös tavallista, että paneeleissa on yhteinen sommittelu tai väri, mutta kussakin paneelissa kuvataan eri kohtauksia. Esimerkkinä tästä on avioparin muotokuvia sisältävä diptyykki, jossa kumpikin kumppani on kuvattu erillisessä paneelissa, mutta jokaisessa paneelissa on käytetty samaa väripalettia ja tekniikkaa yhtenäisyyden aikaansaamiseksi.

Diptyykki-taiteen historia

Jos puramme diptyykin määritelmän, huomaamme, että se on johdettu kreikan sanoista. di joka tarkoittaa "kaksi" ja ptychē Sen alkuperäinen nimi antaa meille viitteitä sen alkuperäisestä tehtävästä. Diptyykkejä käytettiin taittuvina kirjoitustauluina; voimme melkein ajatella, että diptyykki oli antiikin versio tavallisesta muistikirjasta. Kun diptyykki koostui parista yhteen saranoidusta levystä, jotka oli täytetty vahalla, johon voitiin tehdä merkintöjä, kynällä raaputettiin vahan pintaa, jotta voitiin tehdäkirjoittaa siihen.

Areobinduksen norsunluinen konsulidiptyykki, Bysantti (506 jKr.), joka sijaitsee Louvren museossa Pariisissa, Ranskassa; Louvren museo, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Sen jälkeen vahaa hieman lämmittämällä se tasoitettiin kuin taikaiskusta, jolloin se oli kuin uusi ja kaikki aiemmat kaiverrukset pyyhkiytyivät pois. Laatat valmistettiin usein puusta, mutta myös metallista tai luusta tehtyjä versioita saattoi löytyä. Oli ylellisiä versioita, jotka oli valmistettu ylellisistä materiaaleista, ja tavallisia diptyykkejä, joissa oli puukehykset.

Diptyykki oli keskiaikaisen maalaustaiteen suosima taidemuoto, joka jatkui renessanssin aikana. Ne olivat yleisesti saranoitu yhteen keinona suojata niiden sisään koteloituja taideteoksia. Diptyykkejä voitiin käyttää kristillisen taiteen pyhinä taideteoksina, ja niistä tehtiin joskus alttaritauluja. Triptyykki oli kuitenkin suositumpi valinta alttaritaulujen valmistukseen. Bysantin aikakaudella diptyykkejaottivat usein paikkansa yksityisiin uskonnollisiin tarkoituksiin matkustavina ikonina.

Diptyykit olivat yleistyneet Italiassa 1200-luvulla, ja ne olivat säännöllisesti esillä seuraavissa teoksissa Italian renessanssin taideteokset . Sitten noin vuodesta 1400 vuoteen 1580 Flanderissa, näemme tulva diptyykkejä vuonna Pohjoinen renessanssi uskonnolliset maalaukset, joista tuli suosittuja tunnettujen flaamilaisten taiteilijoiden, kuten Jan van Eyckin, keskuudessa. Näissä teoksissa oli tyypillisesti Raamatun kohtauksia, maallisia muotokuvia ja kuvauksia Pyhä Kolminaisuus . Näiden diptyykkien muotoon sisältyi tyypillisesti kuvaus Madonna ja lapsi oikeassa paneelissa ja diptyykin omistajan muotokuva rukoilemassa pyhimyksensä kuvan vieressä vasemmassa paneelissa.

Diptyykki-taiteen kehitys

Perinteisesti diptyykki oli saranoitu yhteen tavalla, joka mahdollisti taittamisen taideteoksen suojelemiseksi. Diptyykki kehittyi myöhemmin vuosisatojen kuluessa taideteokseksi, jota käytettiin yleisesti uskonnollisten aiheiden tai kohtausten kuvaamiseen.

Diptyykkejä käytettiin myös tärkeiden henkilöiden ja pyhimysten kunniaksi. Niiden toiminnalliset saranat tekivät niistä alttaritauluja, jotka olivat siirrettävissä ja estivät samalla sisällä olevien taideteosten vahingoittumisen.

Diptyykki, jossa on Neitsyt Marian kruunajaiset ja viimeinen tuomio (n. 1260 - 1270), sijaitsee Metropolitan Museum of Artissa New Yorkissa, Yhdysvalloissa; Metropolitan Museum of Art, CC0, Wikimedia Commonsin kautta.

British Museumin mukaan nämä diptyykit luokiteltiin rituaalisiksi ja uskonnollisiksi välineiksi. Nämä uskomattomat kappaleet kattoivat vuosisatoja ja olivat esillä eri kulttuureissa eri puolilla maailmaa, myös kristillisessä ja buddhalaisessa uskossa. Suuri osa näistä kappaleista oli veistetty kivestä tai norsunluusta.

Sen sijaan modernissa taiteessa on paljon enemmän rakenteellista vaihtelua.

Taiteilijat loivat usein kaksi toisiinsa liittymätöntä taulua, jotka oli suunniteltu ripustettavaksi vierekkäin, mutta jotka eivät olleet fyysisesti yhteydessä toisiinsa. Taiteilijat käyttivät usein myös yhtä taulua luodakseen illuusion diptyykistä. Tämä voitiin saavuttaa maalaamalla taideteokseen viiva, joka jakoi sen, tai leikkaamalla kaksi ikkunaa yhdeksi matoksi.

Miksi käyttää diptyykkejä?

Diptyykkien eri käyttötarkoitukset vaihtelevat toiminnallisemmista, kuten eräänlaisesta muinaisesta muistikirjasta tai keinosta suojella taidetta, taidokkaisiin alttaritauluihin, jotka on tehty hartaaseen käyttöön, taideteoksiin, jotka kertovat tarinan jostakin kohtauksesta, ja monimutkaisiin teoksiin, jotka osoittavat kontrastia.

Diptyykit ovat olleet suosittuja taiteilijoiden keskuudessa vuosisatojen ajan. Diptyykissä kaksi taulua voidaan käyttää muodostamaan yksi kohtaus.

Deesis-ikoni, 1600-luvun diptyykki (vasemmalta oikealle: arkkienkeli Mikael, Jumalansynnyttäjä, Johannes Kastaja, arkkienkeli Gabriel), joka sijaitsee Sanokin historiallisessa museossa Puolassa; Przykuta , Public domain, Wikimedia Commonsin kautta

Diptyykki voi olla myös esimerkki taideteoksesta, joka koostuu kahdesta yhteensopivasta osasta. Toinen diptyykki-taideteoksen tulkinta on kahden erillisen taulun käyttäminen itsenäisinä taideteoksina, jotka sitten yhdistetään toisiinsa esteettisen johdonmukaisuuden kautta.

Taiteilijat voivat käyttää kutakin paneelia korostamaan vastakkaisia käsitteitä ja kuvaamaan esimerkiksi elämää ja kuolemaa tai vastakkaisia tunteita. Diptyykillä oli erilaisia tarkoituksia; se ei ollut vain monimutkainen taideteos.

Diptyykki saattoi sisältää toisella puolella luettelon elossa olevien ja toisella puolella luettelon kuolleiden nimistä rukouksia ja messuja varten. Diptyykkejä voitiin käyttää myös kristillisen kirkon hartauskappaleina jumalanpalveluksissa, joissa kahdella saranoidulla paneelilla esitettiin sarja toisiinsa liittyviä kohtauksia. Usein nämä olivat kuvauksia Neitsyt Marian ja Jeesuksen Kristuksen elämästä.

Viisi kuuluisinta diptyykki-maalausta

Suuri kokoelma upeita diptyykkejä on olemassa sekä Klassinen taide ja moderni taide. Muinaiset kappaleet Ne, jotka ovat säilyneet, ovat harvinaisia, ja niitä säilytetään joidenkin maailman tunnetuimpien museoiden kokoelmissa. Tässä on valikoima viisi kuuluisinta diptyykki-maalausta koko taidehistoriasta.

Wilton Diptyykki (c. 1395 - 1399), jonka on luonut Tuntematon.

The Wilton Diptyykki on osa kuningas Rikhard II:n taideteoskokoelman jäänteitä. Wilton Diptyykki on hieno esimerkki uskonnollisesta paneelimaalauksesta myöhäisestä Keskiaika Se on yksi harvoista Englannista säilyneistä paneelimaalauksista. Maalaus tilattiin kuningas Rikhard II:lle tämän viiden viimeisen elinvuoden aikana.

Tämä kuuluisa diptyykki on yhdistelmä maallisia ja uskonnollisia kuvia, jotka kuvastavat Rikhard II:n kuninkuuden käsitystä.

Wilton Diptyykki (n. 1395 ja n. 1399 välisenä aikana), joka sijaitsee Lontoon kansallisgalleriassa, Englannissa; Kansallisgalleria, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Wilton Diptyykki on pieni goottilaistyylinen tammesta tehty paneelimaalaus, jota käytettiin kuningas Rikhard II:n kannettavana alttaritauluna. Hartaudentunnustuksellinen taideteos oli osoitus kuningas Rikhard II:n kristillisestä hartaudesta ja uskosta hänen jumalalliseen oikeuteensa. Kuningas Rikhard II on kuvattu polvistuneena vasemmanpuoleisessa paneelissa taivaallisen kohtauksen edessä yhdessä Johannes Kastajan sekä suojeluspyhimysten Edmundin ja Edvard Tunnustajan kanssa, jotkaesittelee hänet Neitsyt Marialle ja Kristuslapselle, jotka ovat oikealla paneelilla yhdentoista enkelin ympäröimänä.

Tässä kuuluisassa diptyykki-maalauksessa oli runsaasti symboliikkaa: numero yksitoista edustaa ikää, jolloin Rikhard II:sta tuli kuningas.

Rikhard II:n tunnusta, valkoista härkää, kantavat kuninkaan ja enkelien merkkinä. Kristuslapsi kohottaa kätensä siunatakseen lipun ja Rikhard II:n Englannin vallan. Maalausta koristavat ylelliset ultramariininsiniset ja kultaiset värit. Wilton Diptyykki Se on harvinainen riemuvoitto, jossa on hienoja yksityiskohtia, rikkaita maalauksia ja huolellista kultausta.

Federico da Montefeltron ja Battista Sforzan diptyykki (n. 1473 - 1475) Piero della Francesca (n. 1473 - 1475)

Federico da Montefeltron ja Battista Sforzan diptyykki on yksi Italian renessanssin arvostetuimmista muotokuvista. Muotokuvissa on aviomies ja vaimo, Battista Sforza ja Federico da Montefeltro. Piero della Francesca harjoittaa 1300-luvun perinteitä inspiroivalla diptyykillään, joka otti vaikutteita antiikin kolikkomalleista kuvaamalla kaksi hahmoa profiilissa.

Tämän kuvakulman ansiosta Francesca pystyi kuvaamaan hahmot riittävän yksityiskohtaisesti, jotta ne olisivat uskollisia ja hyvin samannäköisiä, mutta heidän tunteitaan ei tarvinnut kuvata.

Federico da Montefeltron ja Battista Sforzan diptyykki (n. 1473 - 1475), Piero della Francesca, Uffizin galleriassa Firenzessä, Italiassa; Piero della Francesca, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Herttua ja herttuatar kohtaavat toisensa, ja Francescan kuvaamat tilalliset osatekijät, kuten maiseman jatkuvuus ja valaistus, edustavat aluetta, jota he hallitsivat. Vaikka Battista Sforzan vaalean ihonvärin ja Federicon pronssisen sävyn välinen silmiinpistävä kontrasti oli renessanssin esteettisten konventioiden mukainen, ne viittasivat myös Sforzan ennenaikaiseen kuolemaan vuonna 2001.1472. Taulujen takaosassa pariskunta kulkee voitokkaasti antiikin vaunujen kyydissä, ja niiden alla on latinankielisiä kirjoituksia, joissa kerrotaan kristillisistä hyveistä.

Muotokuvissa on nykyään moderni kehys, mutta takapuolella olevat maalaukset viittaavat siihen, että ne olivat aikoinaan osa diptyykkiä.

Kääntöpuolen ainutlaatuiset maalaukset ja niiden ikonografia edustivat roomalaista voitonriemua, joka perinteisesti muistutti sotilasvoittoja, mutta tässä yhteydessä ne olivat yhdessä kirjoitusten kanssa allegorioita ikuisuudesta, siveydestä, rakkaudesta, maineesta ja ajasta. Federico da Montefeltron ja Battista Sforzan diptyykki on Francescan mestariteos.

Kuvanveistäjä Aubé ja hänen poikansa Emile (1882) Paul Gauguin

Kuvanveistäjä Aubé ja hänen poikansa Emile on vaikutusvaltaisen ranskalaisen taiteilijan maalaama teos. Paul Gauguin . Gauguin sai koulutuksen Impressionismi , mutta hän siirtyi siitä pois ja kehitti uuden tyylin, jota kutsuttiin symbolismiksi. Gauguinin diptyykki poikkesi hänen tavanomaisista töistään, sillä sen väripaletti ei ollut yhtä elinvoimainen eikä hänen kuvaamansa maisema ollut yhtä eksoottinen. Oikeanpuoleisessa paneelissa Jean-Paul on työpajassaan tekemässä maljakkoa, mutta sen sijaan, että hän kiinnittäisi huomionsa tehtäväänsä, hän katsoo poikaansa, joka on kuvattu lukemassavasen paneeli.

Kaksi hahmoa, isä ja poika, on sijoitettu vastakkaisille sivuille ja näyttävät olevan kaukana toisistaan, mitä korostaa se, että jokaisessa paneelissa on täysin erilainen tunnelma.

Kuvanveistäjä Aubé ja hänen poikansa Emile (1882), joka sijaitsee Petit Palais'ssa Pariisissa, Ranskassa; Paul Gauguin, Public domain, Wikimedia Commonsin kautta.

Gauguinin taiteellisella taidokkuudella nämä kaksi taulua kuitenkin sulautuvat toisiinsa. Maljakko muodostaa vielä yhden yhteyden näiden kahden kohtauksen välille. Maljakko vie suuren osan oikean taulun kankaasta, jossa näemme isän työpisteen, ja sitten se ilmestyy vasemmanpuoleisen taulun nurkkaan, jossa on hänen poikansa kuvaus.

Teoksessa "Kuvanveistäjä Aubé ja hänen poikansa Emile" näemme Gauguinin siirtymisen impressionismista ja hänen kiinnittymisensä jäljittelyyn.

Hänen impressionismin jälkeinen työnsä vaikutti syvästi moderniin ja ranskalaiseen avantgardetaiteilijoihin, kuten esimerkiksi Henri Matisse ja Pablo Picasso. Valitettavasti hänen työnsä jäi suurelta osin arvostamatta vasta kauan hänen kuolemansa jälkeen. Nykyään Gauguin tunnetaan suurelta osin hänen värikokeiluistaan ja synteettisestä tyylistään, joka erotti hänen työnsä impressionismista.

Marilyn Diptyykki (1962) Andy Warhol

Monumentaalinen Marilyn Diptyykki on yksi Andy Warholin tunnetuimmista teoksista, jotka esittävät elokuvatähti Marilyn Monroeta. Marilyn Diptyykki käsittää 50 kuvaa, joista valokuvaa käyttää pop-artisti oli Marilynin mainoskuva elokuvasta - Niagara (1953). Warhol käytti tätä Marilyn-valokuvaa pohjana monille kuuluisaa näyttelijätärtä kuvaaville vedoksilleen ja maalauksilleen. Warhol viimeisteli näyttävän taideteoksensa vain muutama viikko Marilynin kuoleman jälkeen vuonna 1962.

Warhol käytti silkkipainotekniikkaa luodessaan "Marilyn Diptyykkiä". Kuuluisan diptyykki-maalauksen vasemmalla puolella on 25 värillisellä maalauksella maalattua kuvaa, kun taas maalauksen oikealla puolella on samat kuvat mustavalkoisina.

Maalausta voi tulkita monella tavalla, yksi tällainen ehdotus on eloisan värin ja mustavalkoisen kontrasti, joka muistuttaa Marilynin elämästä ja kuolemasta. Marilynin kuvan jatkuva toistuminen havainnollistaa hänen kaikkialle ulottuvaa vaikutustaan. Maalauksessa yhdistyy kaksi Warholin keskeisintä käsitettä: kuolema ja julkisuuden kultti.

Marilyn Diptyykki Maalausta on ylistetty siitä, että se kiteyttää Marilynin perinnön. Maalauksen kummankin puolen silmiinpistävä kontrasti ja sen herättämien merkitysten moninaisuus osoittavat diptyykin voiman. Maalaus oli kolmantena listalla, jonka kuratoi The Guardian vuonna 2004 julkaistussa artikkelissa vaikutusvaltaisista modernin taiteen teoksista.

"Marilyn Diptyykki" on yleisesti tunnustettu Warholin tunnetuin maalaus.

Pystysuora sivuava diptyykki (Suuri, punainen viiva) (1966 - 1968) Jo Baer

Kun Baer aloitti maalaamisen, hänen työnsä osui linjassa kanssa Abstrakti ekspressionismi liikkeen, joka valtasi New Yorkin 1950-luvulla. Hänen tyylinsä muuttui suurelta osin, kun hän lähti Los Angelesiin, jossa hän työskenteli useita vuosia. Palattuaan New Yorkiin hän alkoi suosia abstraktion tyyliä, jossa korostuivat karkeat reunat ja kankaan tyhjyys. Baerin 1960-luvun tarkkaan muotoillut kankaat ovat hänen tunnetuimpia töitään, kuten esimerkiksi hänen Pystysuora sivuava diptyykki (suuri, punainen viiva).

"Vertical Flanking Diptych (Large, Red Line)" koostuu suurelta osin kuluttavasta tyhjästä tilasta, jota kehystää punaisella kaistaleella ympäröivä paksumpi musta kaistale. Oli tärkeää huomata, että musta kaistale ei ollut kehys, eikä valkoinen tila ollut keskus.

Valokuva taiteilija Jo Baerista, otettu vuonna 2014; Billiesavage, CC BY-SA 4.0, Wikimedia Commonsin kautta.

Maalaus on esitetty kaksoiskappaleena diptyykkinä, jossa on kaksi identtistä kangasta niiden fyysisyyden korostamiseksi. Baerin minimalistinen työ kiinnittää huomion tilasuhteisiin kankaalla - positiivinen ja negatiivinen tila sekä poissaolo ja läsnäolo kankaalla olivat tärkeämpiä kuin aihe.

Baerin inspiroivat taideteokset saivat laajalti tunnustusta hänen minimalististen aikalaistensa keskuudessa. Hänen teoksiaan oli mukana useissa näyttelyissä, kuten Dan Grahamin New Yorkin näyttelyssä, jossa oli mukana vaikutusvaltaisia taiteilijoita, kuten Robert Smithson ja Sol Le Witt. Vuonna 1975 Whitney valotti Baerin minimalistista työskentelyä, mutta Baer vastusti jo 1960-luvun töidensä kategorisointia.Vaikka Baer oli minimalismin edelläkävijä, hän lähti vuonna 1975 New Yorkista Irlantiin ja jätti minimalismin taakseen.

Diptyykkejä on ollut olemassa vuosisatojen ajan klassisen taiteen keskeisenä taiteellisena valintana, ja ne ovat säilyneet tarpeeksi ajankohtaisina ja suosittuina, jotta ne on sisällytetty nykytaiteeseen. Diptyykit ovat kehittyneet koristeellisista kirjoitustauluista, jotka on ripustettu tai saranoitu toisiinsa, näyttäviin parittaisiin maalauksiin, jotka on liitetty toisiinsa samalla tavalla. Valikoimaamme kuuluu viisi tunnetuinta diptyykkiä, jotka osoittavat, ettäJos pidit tästä artikkelista, uskomme, että saatat nauttia muista artikkeleistamme! Selaa verkkosivujamme löytääksesi lisää hämmästyttävää taideaiheista sisältöä!

Tutustu diptyykki-taideteoksemme webstoryyn täällä!

Usein kysytyt kysymykset

Mikä on diptyykki?

Jos puramme diptyykin määritelmän, huomaamme, että se on johdettu kreikan sanoista. di merkitys kaksi ja ptychē merkitys taita Sen alkuperäinen nimi antaa meille viitteitä sen alkuperäisestä käyttötarkoituksesta. Diptyykkejä käytettiin taittuvina kirjoitustauluina; voimme melkein ajatella diptyykkiä muinaisena versiona tavallisesta muistikirjasta. Diptyykki on esine, joka koostuu kahdesta osasta, yksittäinen taideteos, joka muodostuu yhteen liitetyistä tauluista. Diptyykki-taideteos voi olla maalauksia, valokuvia, piirustuksia,Taideteos voi olla muotokuvamainen tai maisemamainen, ja on tavallista, että molemmat teokset ovat samankokoisia. Diptyykki-taideteoksen muodostavat paneelit voidaan kiinnittää toisiinsa tai ne voivat olla vierekkäisiä teoksia.

Mikä on diptyykin tarkoitus?

Diptyykkien erilaiset käyttötarkoitukset vaihtelevat toiminnallisemmista, kuten eräänlaisesta muinaisesta muistikirjasta tai taiteen suojelukeinosta, hartaaseen käyttöön tehtyihin monimutkaisiin alttaritauluihin, taideteoksiin, jotka kertovat tarinaa jostakin kohtauksesta, ja monimutkaisiin teoksiin, jotka osoittavat kontrastia. Diptyykit ovat pysyneet suosittuja taiteilijoiden keskuudessa vuosisatojen ajan. Diptyykissä kaksi taulua voidaan käyttää muodostamaan yksi ainoa taulu.kohtaus. Diptyykki voisi olla myös esimerkki taideteoksesta, joka koostuu kahdesta yhteensopivasta osasta. Toinen tulkinta diptyykki-taideteoksesta on kahden erillisen taulun käyttäminen itsenäisinä taideteoksina, jotka sitten yhdistetään toisiinsa esteettisen johdonmukaisuuden kautta. Taiteilijat voivat käyttää kumpaakin taulua korostamaan vastakkaisia käsitteitä, kuvaamaan esimerkiksi elämää ja kuolemaa tai vastakkaisia tunteita. Diptyykki palveli eri tavalla eriDiptyykki saattoi sisältää toisella puolella luettelon elossa olevien nimistä ja toisella puolella luettelon kuolleista rukouksia ja messuja varten. Diptyykki saattoi myös toimia hartauskappaleena kristillisessä kirkossa jumalanpalveluksessa, kun kahdella saranoidulla paneelilla näytettiin sarja toisiinsa liittyviä kohtauksia. Nämä olivat usein kuvauksia elämänNeitsyt Maria ja Jeesus Kristus.

Mikä on diptyykin kehitys?

Perinteisesti diptyykki oli saranoitu yhteen siten, että se voitiin taittaa taideteoksen suojelemiseksi. Myöhempinä vuosisatoina diptyykki kehittyi taideteokseksi, jota käytettiin yleisesti uskonnollisten aiheiden tai kohtausten kuvaamiseen. Diptyykkejä käytettiin myös tärkeiden henkilöiden ja pyhimysten kunnioittamiseen. Toiminnalliset saranat tekivät niistä alttaritauluja, jotka olivat siirrettävissä ja siltiestämällä teoksen sisällä olevien teosten vahingoittumisen. Modernissa taiteessa sen sijaan on paljon enemmän rakenteellista vaihtelua. Taiteilijat loivat usein kaksi toisistaan riippumatonta taulua, jotka oli suunniteltu ripustettavaksi vierekkäin, mutta jotka eivät olleet fyysisesti yhteydessä toisiinsa. Taiteilijat käyttivät usein myös yhtä taulua luodakseen illuusion diptyykistä. Tämä voitiin saavuttaa maalaamalla teokseen viiva, joka erotti sen toisistaan.tai leikkaamalla kaksi ikkunaa yhdeksi matoksi.