20. vuosisadan vaikutusvaltaisimpiin kulttuuriaikakausiin kuuluneet 1960-luvun taiteilijat olivat olennainen osa sellaisten liikkeiden syntyä, jotka muokkasivat ja kehittivät uusia esteettisiä kieliä ja tyylejä. Kun lukuisat kritiikit koulutusjärjestelmää kohtaan kasvoivat, opiskelijoiden mielenosoitukset, hippiliike ja 1960-luvun taideliikkeet yrittivät muuttaa maailmaa. Pop kehittyi edustamaan uutta elämäntapaa taistellen.Kuvataiteen osalta 1960-luvun taidetyylit, kuten psykedeelinen taide, pop-taide, minimalismi ja käsitetaide, nousivat aikakauden tärkeimmiksi ja paradigmaa muuttavimmiksi ideoiksi.

1960-luvun taideteos

1960-luku toi taiteeseen uudenlaisen pop-kuvaston ja teollistuneiden materiaalien hyödyntämisen, massatuotteet, kulutuskulttuurin ja amerikkalaisen pop-kulttuurin, sen rock n' roll -musiikin ja orastavan teollisuuden laajenevan vaikutuksen. 1960-luvun taidesuuntaukset eivät vain omaksuneet uutta, vaan myös kapinoivat vanhaa status quoa vastaan.

Monille taidehistorioitsijoille 1960-luvun kapina on erottamattomasti sidoksissa 1900-luvun vaihteen avantgarderyhmien ja niiden taiteilijoiden vallankumouksellisiin ajatuksiin ja tekoihin.

1960-luvun taiteilijoiden kapinallinen luonne

Useiden näkemysten mukaan näitä kahta aikakautta yhdistää häiriötekijöiden tunne ja hedelmällinen mielikuvitus, jota teknologinen riemu ruokkii. 1960-luvun taide ja sen päätapa pop-taide pyrkivät ennen kaikkea kapinoimaan abstraktin ekspressionismin tunteisiin vetoavaa draamaa ja henkeä vastaan.

Taiteilijat vahvistivat taiteellisen ilmaisun käsitettä käyttämällä populaarikulttuurin kuvia, vaikka ekspressionistinen liike väitti edustavansa korkeata taidetta.

Campbellin keittotölkit (1962) Andy Warholin teos, joka sijaitsee Museum of Modern Artissa New Yorkissa, Yhdysvalloissa; Gorup de Besanez, CC BY-SA 4.0, Wikimedia Commonsin kautta.

Useita post-painterly abstraktio maalarit , joka myös kapinoi abstraktia ekspressionismia vastaan, pyyhki pois tunteen poistamalla kaikki merkit taiteilijan kädenjäljestä. 1960-luvun taiteilijat korostivat tasaisia pintoja, värikylläisyyttä ja kovaa abstraktiota poistamalla siveltimenvedot.

Kulutuskulttuurin ja teknologian kasvun myötä kaupallisten materiaalien käyttö taiteen alalla lisääntyi.

Konseptuaaliset ja minimalistiset liikkeet käyttivät massatuotantomateriaaleja, kuten betonia, tiiltä, terästä ja neonia, tuottaakseen veistoksia ja installaatioteoksia, joissa idea ja tekniikka olivat tärkeämpiä kuin lopputulos. Tämä aiheutti uuden haasteen taidemaailman instituutioille. Taideobjektin käsite, sen läsnäolo ja paikka määriteltiin uudelleen.

Tärkeitä 1960-luvun taidesuuntauksia

Seuraavia liikkeitä pidetään 1960-luvun taiteen helminä, koska ne eivät jättäneet mitään pyhää ja edistivät elämää perinteisiä käsityksiä vastaan kapinoivalla tavalla. Ne muuttivat esineen ja materiaalien käsitettä ja kehittivät sanan ephemeral, joka liittyy läheisesti kehittyvään Happeningiin ja Performanssitaiteen liike .

Pop-taide liittyy erottamattomasti 1960-luvun taidetyylien tarinaan, joten aloitamme siitä.

Pop-taide

Liikettä pidetään nykytaiteen ratkaisevimpana ajanjaksona sen läpimurtojen vuoksi. Pop-taiteen taiteilijat muutti maalauksen ulkoasua tuomalla uudenlaisen yritysestetiikan käyttämällä populaarimediasta ja löydetyistä esineistä peräisin olevia kuvia. Nämä käsitteet vaikuttivat paitsi kuvataide vaan myös graafinen suunnittelu, vaatetus ja tietty elämäntapa.

Andy Warholin uskomus, jonka mukaan "pitkällä aikavälillä jokainen on jonain päivänä maailmankuulu 15 minuutin ajan", vaikutti lukuisten taiteilijoiden ja heidän miehistönsä julkisuusasemaan 1960-luvun taideyhteisössä.

Andy Warholin moniväristen Campbell's Soup -tölkkien erikoispainos; Kuva: Jonn Leffmann, CC BY 3.0, Wikimedia Commonsin kautta.

Op-taide

The Op art -liike perustuu vastaukseen luovan tuotannon keskeiseen ainesosaan, nimittäin visuaaliseen havaitsemiseen. 1960-luvun taidekentän op-taiteilijat vaikuttivat kineettisen taiteen luomiseen ja optisen illuusiotaiteen laajenevaan kenttään integroimalla abstraktia ja geometrista taidetta ja kokeilemalla taiteen perustavimpia elementtejä, kuten viivoja, värejä ja kontrasteja.

Bridget Riley on yksi tämän aikakauden vaikutusvaltaisimmista taidemaalareista.

Minimalistinen taide

Minimalismi oli ensimmäinen kansainvälisesti merkittävä taidesuuntaus, joka syntyi Amerikassa. Se loi uuden tavan katsoa ja nauttia taideteoksista korostamalla teostensa puhtautta ja yksinkertaistamista. Taiteilijan tunteiden hylkääminen sekä halu luoda tuotteita, jotka eivät muistuta korkeataidetta, synnyttivät geometrisia luomuksia.

Minimalistiset taiteilijat pyrkivät purkamaan perinteisiä maalauksen ja kuvanveiston käsitteitä.

Untitled (1988 - 1991), joka sijaitsee Israel-museon Billy Rose Art Gardenissa Jerusalemissa, Israelissa; Talmoryair, CC BY-SA 4.0, Wikimedia Commonsin kautta.

Valmiiden teollisten materiaalien käyttö, toistuvat geometriset kuviot ja huomion kiinnittäminen taideteoksen käyttämään tilaan hallitsivat sen merkittävien taiteilijoiden, kuten Carl Andre, työtä, Donald Judd ja Robert Morris.

Käsitteellinen taide

The käsitetaiteen liike priorisoi taideteoksen lähtökohdan kaiken muun edelle. Erilaiset muodot ja taidevirtaukset on todettu kuuluvan tähän kuvaukseen, mukaan lukien performanssi, happeningit ja maataiteessa näkyvä ephemeral-käsite.

Konseptisuunnittelijat hylkäsivät käsitteet houkuttelevasta, harvinaisesta ja taitavasta taiteen mittana ja vetosivat kuuluisan dada-taiteilijan Marcel Duchampin ehdottamaan readymade-käsitteeseen.

Alfred Stieglitzin valokuva Lähde (1917) Marcel Duchamp; Marcel Duchamp , Public domain, Wikimedia Commonsin kautta

Monet viittasivat liikkeeseen taiteen dematerialisoitumisen aikakautena, koska se pelkisti taideteokset oleelliseen minimiin. 1960-luvun taiteen merkitystä vahvistivat keskeisten liikkeiden, kuten mustan taiteen liikkeen ja feministisen taiteen, tulo 1970-luvulla. 1960-luvun taidetyylejä pidetään sen ailahtelevien poliittisten tapahtumien vuoksi siirtymäkautena nykytaiteen ja modernin taiteen välillä.luominen.

Tärkeitä 1960-luvun taiteilijoita

Kun tunnistamme ajan pop-kaudeksi, taiteilijat kuten Peter Blake , Joseph Kosuth, Andy Warhol, Donald Judd, Roy Lichtenstein, Sol LeWitt ja Robert Rauschenberg tulevat välittömästi mieleen. Elämän ja taiteen yhteensulautumisen käsite on näiden taiteilijoiden ansiota.

Tunnetuimmat pop-taideteokset saivat inspiraationsa teollisista silkkipainotekniikoista, sarjakuvien ja mainosten grafiikasta sekä legendaarisista musiikki- ja elokuvatähdistä.

Roy Lichtenstein (1923 - 1997)

Ikoninen Pop Art -liike järkytti maailmaa ja jätti pysyvän vaikutuksen 1900-luvun taiteeseen, jonka motiiveina olivat materialismi ja massatuotannon yhteiskunta. Se alkoi 1950-luvun puolivälissä Yhdistyneessä kuningaskunnassa ja levisi Yhdysvaltoihin vaikuttaen taiteen kehitykseen.

Roy Lichtenstein oli ensimmäisiä amerikkalaisia pop-maalareita, jotka saavuttivat maailmanlaajuista tunnustusta.

Kuvanveistäjä, taidemaalari ja painaja Lichtensteinia pidetään yhtenä merkittävimmistä taiteilijoista uudessa rohkeassa tyylilajissa, jonka ensisijaisena tarkoituksena oli tuoda taide lähemmäs kansaa ja kyseenalaistaa esteet, jotka erottavat kuvataiteen ja valtavirran kulttuurin toisistaan. Roy Lichtenstein muutti New Jerseyyn vuonna 1960 Douglass Collegen taideprofessoriksi. Samaan aikaan hän loi ensimmäiset pop-maalauksensa, joissa oli sarjakuvamotiiveja ja kaupallisen painamisen estetiikasta inspiroituneita menetelmiä.

Roy Lichtenstein näyttelynsä edessä Stedelijk-museossa Amsterdamissa, Alankomaissa; Eric Koch, CC0, Wikimedia Commonsin kautta.

Vuonna 1961 hän loi ekspressionismista vapaan esikoisteoksensa Look Mickey, jonka innoittajana oli kuva eräästä lasten Little Golden Book -sarjasta. Look Mickey on merkittävä sardonisen huumorinsa ja taiteellisten ansioidensa vuoksi sekä varhaisimpana esimerkkinä siitä, että suunnittelija on käyttänyt puhepalloja, sarjakuvia ja Ben-Dayn pisteitä taideteoksen pohjana. Taidekriitikot pitävät maalaustauraauurtava pop-taiteen jatkumona ja nykytaiteen teoksena yleensä. Vuonna 1961 Lichenstein tapasi taidekauppias Ivan Karpin.

Karp päätti edustaa Lichtensteinia taiteilijan näytettyä hänelle lukuisia teoksiaan. Vuonna 1962 Karpilla oli yksityisnäyttely Leo Castellin galleriassa, mikä toi hänelle kriitikoiden ylistystä ja mainetta taidemaailmassa.

Jotkut Lichensteinin tunnetuimmista teoksista ovat saaneet vaikutteita populaarikulttuureista, kuten kaupallisista kuvista, sotilassarjakuvista ja pin-up-muotokuvista, sekä klassisista maalaustaiteen lajeista, kuten maisemista, asetelmista ja sisätiloista.

Andy Warhol (1928 - 1987)

1950-luvun alussa taideteollisuus todisti uuden liikkeen syntyä, josta tuli yksi 1900-luvun suurimmista. Populaarikulttuurin kuvien vaikutuksesta syntynyt pop-taide ylistää ja tuomitsee samanaikaisesti kulutuspäätöksiä ja massatuotantoa, ja se nautti valtavaa suosiota koko seuraavien 50 vuoden ajan ja sen jälkeen.

Amerikkalainen taiteilija Andy Warhol oli avainhenkilö uuden liikkeen luomisessa.

Hän oli aikansa suuri mestari, joka loi joitakin 1900-luvun tunnetuimmista kuvista, määritteli uudelleen lukuisia käsitteitä ja esitteli uusia, jotka loivat nopeasti uusia normeja. Hänen elämäntapansa ja taiteensa, joka juhlisti kulutusta ja massatuotannon yhteiskuntaa, kiehtovat edelleen luovan työn tekijöitä ja harrastajia ympäri maailmaa yli 30 vuotta hänen kuolemansa jälkeen.

Muotokuva yhdysvaltalaisesta taiteilijasta Andy Warholista hänen mustille transvestiiteille omistetussa näyttelyssään Yhdysvalloissa marraskuussa 1975; Tuntematon (Mondadori Publishers) , Public domain, Wikimedia Commonsin kautta

Warhol sai maailmanlaajuista hyväksyntää kuvillaan soodapulloista, keittotölkeistä, dollarin seteleistä ja ikonisista maalauksistaan julkkiksista, kuten Elvis Presleystä, Jimmy Carterista, Mick Jaggerista, Princestä ja Elizabeth Taylorista, ja hän työskenteli monilla eri välineillä, kuten maalaamalla, piirtämällä, painamalla, silkkipainolla, veistämällä, valokuvaamalla, elokuvilla ja musiikilla.

Andy lähti pikajunalla New Yorkiin pian valmistumisensa jälkeen etsimään uraa taiteen parissa. Samoihin aikoihin hän jätti sukunimestään pois a-kirjaimen ja aloitti uransa yrityskuvittajana. Syyskuussa 1949 hän sai tehtäväkseen kirjoittaa artikkelin Glamour-lehteen otsikolla Menestys on työ New Yorkissa.

Häntä tilasivat myös tunnetut muotijulkaisut, kuten "Vogue", "Glamour", "Tiffany & Co." ja "Harper's Bazaar", mikä auttoi häntä nousemaan yhdeksi 1950-luvun halutuimmista amerikkalaisista taiteilijoista.

Donald Judd (1928 - 1994)

Donald Judd, sodanjälkeinen taiteilija Amerikasta, on synonyymi Minimalistinen taide Huolimatta siitä, että taiteilija vastusti ankarasti termin epämääräisyyttä, häntä pidetään yhtenä taidehistorian vaikutusvaltaisimmista minimalisteista. Hän pyrki työssään tuottamaan veistoksia, jotka saivat välittömän konkreettisen ja fyysisen olemassaolon ilman suuria filosofisia huomioita.

Judd onnistui rakentamaan kurinalaisen visuaalisen kielen, joka pyrki selkeisiin ja yksiselitteisiin objekteihin ensisijaisena ilmaisukeinonaan hylkäämällä perinteiset kuvanveiston periaatteet.

Lyhyen maalaustaiteen harrastamisen jälkeen Judd siirtyi 1940-luvun lopulla puupiirroksen välineeseen. Uuden välineensä lineaariset piirteet veivät hänen huomionsa pois representaatioista ja kohti abstraktiota. 1960-luvun alkuun mennessä hän oli hylännyt kaksiulotteisen kuvatason kokonaan ja alkanut keskittyä kolmiulotteisiin muotoihin, joissa materiaalisuus oli ratkaisevassa roolissa. Juddin teokset ovat useinkutsutaan kirjaimellisiksi, koska taiteilija pyrki rakentamaan esineitä, jotka voisivat seistä omillaan.

Untitled (1991), Donald Judd, emaloitua alumiinia, sijaitsee Museum of Modern Artissa New Yorkissa, Yhdysvalloissa; © 2019 Judd Foundation/Artists Rights Society (ARS), New York. Kuva: John Wronn, CC BY-SA 4.0, Wikimedia Commonsin kautta.

Taiteilijan veistokset seisovat lattialla ja hylkäävät klassisen kuvanveiston perusasioita (mukaan lukien niiden sijoittaminen sokkelille), mikä pakottaa katsojat käsittelemään niitä niiden ruumiillisen olemassaolon näkökulmasta.

Judd käytti Bauhaus-kouluun liittyviä menettelytapoja ja tekniikoita erottaakseen teoksensa teoksista, joita abstraktin ekspressionismin periaatteiden mukaisesti työskentelevät taiteilijat Toinen hänen teoksilleen ominainen piirre oli teosten sarjallistaminen, joka heijasti sodanjälkeisen ajan realiteetteja ja nopeasti nousevaa kulutuskulttuuria.

Juddin työtä pidettiin pyrkimyksenä taiteen saavutettavuuteen, ja veistokset olivat tuotettujen elementtien käytön ansiosta laajemman ihmisjoukon ulottuvilla.

Sol LeWitt (1928 - 2007)

Sol LeWitt popularisoi käsitetaidetta julistuksellaan, jonka mukaan idea on taideteoksen olennaisin osa, ja oli yksi 1960-luvun uuden, abstraktin ekspressionismin vastaisen estetiikan muodostumisen päähenkilöistä. Hän oli keskeisessä asemassa minimalismin ja käsitetaiteen vakiinnuttamisessa sodanjälkeisellä aikakaudella.

LeWitt näki luovuuden älyllisenä ja utilitaristisena pyrkimyksenä ja uskoi, että käsite itsessään voisi muodostaa taideteoksen, jolloin taiteilija siirtyisi idean tuottajan rooliin.

Jos taiteilijan ainoa velvollisuus on luoda teos, hän voi joko siirtää luomisen muille tai päättää olla luomatta mitään. Joku oli jättänyt hänelle kirjan, jossa oli Eadweard Muybridgen sarjakuvauksia, peräkkäisiä tutkimuksia ihmisistä ja eläimistä liikkeessä, jotka myöhemmin osoittautuivat hänen työhönsä eniten vaikuttaneiksi. Hänen paksuja öljyvärikerroksia sisältäviä kankaalle tehtyjä teoksiaan sekä kolmea1960-luvun jälkipuoliskolla Serial Project -nimellä rakennetut kolmiulotteiset teokset tai erilaiset valkoisista kuutioista rakennetut veistokset ovat saaneet vaikutteita Muybridgen sarjallisesta teoksesta.

Nelipuolinen pyramidi Sol LeWittin teos, joka sijaitsee National Gallery of Art Sculpture Gardenissa Washingtonissa, D.C., Yhdysvalloissa; David Washingtonista, DC, CC BY 2.0, Wikimedia Commonsin kautta.

Hänen esikoisteoksensa, Seinäpiirustus #1 , joka oli esillä Paula Cooperin galleriassa New Yorkissa vuonna 1968. Se oli mustalla lyijykynällä valkoiselle seinälle mustaan kvadranttiin piirrettyjen samansuuntaisten viivojen verkosto, joka oli samanlainen kuin monet muutkin tätä seuraavat. Seinäpiirrosten olemassaolo määriteltiin ohjeiden kokoelmaksi, jota voitiin soveltaa uudestaan. Saatuaan ensimmäisen piirroksen valmiiksi yksin LeWitt kokosi nopeasti avustajaryhmän toteuttamaanTässä mielessä hänen teoksensa käsite ylitti itse taiteen.

1960-luvun alussa Sol LeWitt alkoi tuottaa kolmiulotteisia teoksiaan, joita kutsuttiin rakenteiksi, keskittyen tutkimuksissaan kuutioon.

Puusta rakennetun ja käsin lakatun avoimen kuution pelkistetyt ääriviivat toimivat veistosten perustana. Vuodesta 1969 lähtien hän käytti teostensa rakentamiseen teollisia materiaaleja, kuten alumiinia ja terästä, ja myöhemmin, 1980-luvulla, hän käytti betonia ja betoniharkkoja.

Peter Blake (1932 - nykyään)

Vaikka Andy Warhol tunnetaan taiteen popularisoijana, monet pitävät Peter Blakea liikkeen perustajana. Kankaiden lisäksi hän on tunnettu kiinnostuksestaan valtavirtakulttuurin kuvastoon, jota hän sisällyttää kollaaseihinsa. Blake nousi tunnetuksi yhtenä tunnetuimmista brittiläisistä pop-esiintyjistä 1950-luvun lopulla.

Hän loi kollaaseja muistuttavia maalauksia. Taiteilijan uraan ja teoksiin sisältyy kuvia olemassa olevasta kirjallisuudesta, sanomalehdistä ja mainoksista sekä konserttisalien viihteestä.

Blake kuvasi usein painijoita, ja useat hänen teoksistaan näyttävät mainoksilta tai julisteilta. Blake alkoi maalata kollaasimaisia muotokuvia laulajista ja elokuvatähdistä vuonna 1959 sekä luoda assemblaaseja uudelleen käytetyistä materiaaleista, postikorteista ja muista esineistä. Kollaasiensa ohella Blake kokeili jäljittelytaidetta luomalla maalattuja kollaaseja, jäljiteltyjä pin-up-tauluja jakoppien ovia, laajensi, maalasi uudelleen postikorttiaiheita ja valmisti julistejäljennöksiä. Hänet yhdistettiin alun perin syntymässä olevaan brittiläiseen pop-taiteen tyyliin vuoden 1961 Young Contemporaries -näyttelyssä.

Parvekkeella (1957) on keskeinen varhainen teos, josta on tullut brittiläisen pop-taiteen ikoninen teos, joka osoittaa Blaken kiinnostuksen pop-kulttuurin motiivien sekoittamiseen kuvataiteeseen. Maalaus, joka näyttää kollaasilta mutta on kokonaan maalattu, kuvaa asetelman vasemmalla puolella nuorta, joka pitelee Édouard Manet'n Parveke (1868), insignioita ja aikakauslehtiä. Se sai innoituksensa Honoré Sharrerin kuvasta Työläiset ja maalaukset, jossa työläiset pitelivät käsissään suuria maalauksia. Blake loi erilaisia levynkansia.

Vuonna 1967 hän loi Beatlesin "Sergeant Pepper's Lonely Hearts Club Band" -albumin taideteoksen, josta tuli ikoninen pop-taiteen teos, jota kopioidaan laajalti ja joka on Blaken tunnetuin taideteos.

Joseph Kosuth (1945 - nykyään)

Joseph Kosuth oli 1960-luvulla yksi käsitetaiteen pioneereista, joka kannatti lähtökohtaa, jonka mukaan taiteen tulisi olla vapaata kaikesta kyvykkyyden ja käsityötaidon osoituksesta, jotta ideat voitaisiin paljastaa mahdollisimman suoraan, nopeasti ja yksinkertaisesti. Kosuth oli huolissaan optisen ja verbaalisen välisestä analogiasta, ja hänen motivaationsa perustui filosofi Ludwig Wittgensteinin kommunikaatioteorioihin.ymmärtämään lauseiden ja niiden merkitysten välisen suhteen sekä niiden välittömän vaikutuksen edustamiinsa kohteisiin.

Hänen teoksiinsa sisältyy usein kirjallisuuden, psykologian, filosofian ja historian kiehtovia ilmaisuja, joiden avulla yleisö voi pohtia sellaisia aiheita kuin köyhyys, rasismi, yksinäisyys, vieraantuminen, elämän tarkoitus ja itseidentiteetti.

Vuoteen 1967 asti Kosuth opiskeli kuvataidetta School of Visual Artsissa. Kosuth valitsi filosofian ja antropologian tutkimuksen New School for Social Researchissa kyseenalaistettuaan kuvien arvon käsitteiden ja käsitysten välittämisessä ja tutkittuaan kielenkäyttöä.

Hän alkoi luoda monimutkaisia teoksia 20-vuotiaana julistaakseen konseptitaidetta ja sen käsitystä taiteesta perustavanlaatuisena käsitteenä ja merkityksenä. Yksi ja kolme (1965) installaatioiden sarja tarjosi suoran tarkastelun hänen pyrkimyksistään kokoamalla asioita, kuvia näistä asioista ja laajennetun kopion sanakirjan kuvauksesta.

Hänen ensimmäinen ja tunnetuin esimerkkinsä tästä sarjasta kysyy: "Mikä tekee tuolista mielessämme tuolin - esine vai sana?".

Kielen, kuvan ja merkitsijän välistä suhdetta korostava teos haastaa katsojan käyttämään sanoja esineiden kuvaamiseen tai tunnistamiseen ja tutkii, miten kielellä on tärkeä rooli merkityksen välittämisessä ja miten siitä tulee esineen puhuttu tai kirjoitettu vastine.

Radikalismin aalto pyyhkäisi läpi 1960-luvun. Vuosikymmen muutti yhteiskunnallista ja poliittista kenttää, ja sen seuraukset voivat tuntua vielä tänäänkin, aina demokratisoitumista tavoittelevista maailmanlaajuisista opiskelijakokouksista maata muuttaneeseen vastakulttuuriliikkeeseen. 1960-luvun puoliväliin mennessä Greenbergin, Pollockin ja heidän aikalaistensa näkemykset olivat institutionalisoituneet ja etääntyneet periferiasta, jokajatkoivat taiteen formalististen tavoitteiden eteenpäin viemistä sekä taiteen tuotannossa että sen yhteiskuntakriittisessä vaikuttamisessa. Se, mikä länsimaissa oli avantgardistista, ei enää edellyttänyt pensseliä ja kankaita, vaan 1960-luvun taidesuuntaukset kapinoivat perinteitä vastaan sekoittamalla kuvataiteen perinteisiin yleisiä teemoja, symboleja ja aiheita sekä uusia mediamuotoja.

Tutustu 60-luvun taiteen verkkotarinaan täällä!

Usein kysytyt kysymykset

Mikä määritteli 1960-luvun taiteen?

1960-luvulla kirjallisuus, taideteokset, tanssi ja performanssi elivät jännittävää kehitys- ja muutoskautta. Esimerkiksi pop-taide ja performanssit toivat uutta julkista huomiota luovaan ilmaisuun. Kirjallisuustaiteilijat kyseenalaistivat perinteiset käsitykset kaunokirjallisesta kirjoittamisesta.

Mikä oli suosittu 1960-luvun taidetyyli?

Innovaatioidensa vuoksi pop-taiteen liike tunnustetaan keskeisimmäksi ajaksi modernin taiteen määrittelyssä. Pop-maalarit muuttivat maalaustaiteen ilmettä tuomalla uudenlaisen yritysestetiikan käyttöön massakulttuurista peräisin olevien kuvien ja löytöesineiden avulla. Nämä ajatukset vaikuttivat kuvataiteen lisäksi myös grafiikkaan, vaatetukseen ja elämäntapaan.