1800. aastate keskel Prantsusmaal alguse saanud realism lükkas väliselt tagasi eelmise kunstiliikumise romantismi, kuna leiti, et see ei kajasta enam täpselt ühiskonna elu. Pärast Prantsuse revolutsiooni hakkasid kunstnikud otsima kunstistiili, mis suudaks tõetruult kujutada uusi kaasaegseid teemasid ja olukordi, kasutades selleks realismi tehnikaid ja elemente.Paljud kunstnikud võtsid omaks realismi liikumise, mille tulemusel loodi rohkesti selles stiilis kunstiteoseid.

Mille eest seisis realistlik liikumine?

Peamiselt prantsuse kunstiliikumisena eksisteeriv realism tekkis 1850. aastatel pärast 1848. aastal toimunud revolutsiooni. Mõnikord nimetatakse seda kunstistiili "naturalismiks", mis keskendus võimalikult täpsele ainese kujutamisele, vältides samas kõiki vihjeid kunstilisusele, fantaasiale ja ebamaistele elementidele, mis olid varem kunstis populaarsed.

Sisuliselt on realismi kirjeldatud kui stiliseerimise täielikku vältimist ja see muutus üha populaarsemaks mitmetel järgnevatel kunstiperioodidel. .

Tööstusrevolutsioon tõi kaasa suuri sotsiaalseid muutusi, kuna see kehtestas Prantsusmaal kindlalt "õiguse tööle". See mäss tõi kaasa idee tavalistest ja töölisklassi kuuluvatest inimestest, kaasaegsetest keskkondadest ja igapäevastest stseenidest kui teemadest, mis olid kunstis kujutamist väärivad. See tõi kaasa suurema keskendumise realistlikele aspektidele, mis olid nendes valdkondades ilmsed,kuna teemasid, mis jäid väljapoole traditsioonilist kõrgkunsti, peeti äkki väärtuslikuks.

Uinuv spinner (1853) Gustave Courbet' teos; Gustave Courbet, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Kuna ühiskond kohanes nende muutustega, tundsid kunstnikud, et selle uue elufaasi kujutamiseks on vaja teistsugust kunstivormi, selle asemel et lihtsalt suurendada stseene, mis läksid edasi tegelikkust moonutama. Realism, mida iseloomustab enneolematu tähelepanu tavalistele teemadele, muutis täielikult lääne kunstimaailma ideaalid.

Realism mässas ulmelise sisu ja liialdatud emotsioonide vastu, rõhutades pigem tavaliste tööliste ja tavaliste inimeste olemasolu, kes tegelesid reaalsete tegevustega, mis olid seotud tegeliku maailmaga.

Lisaks keskendumisele naturalistlikumatele aspektidele loobusid realistlikus stiilis tegutsevad kunstnikud täielikult kõigist romantilise liikumisega seotud standarditest. Enne realismi arengut domineeris romantism prantsuse kirjanduses ja kunstis 18. sajandi lõpust kuni umbes 1850. aastani. Kuigi romantilisi teoseid määratlesid kõrgendatud emotsioonitunne, allegoorilinefiguuride ja suurejooneliste loodusnähtuste kujutamisel püüdsid realismi kunstnikud kujutada oma teemasid ja maastikke täpselt sellisena, nagu neid tajuti.

Mastodoni ekshumatsioon (1806) C. W. Peale; Charles Willson Peale, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Kuna realism keskendus üksikisikutele ja valdkondadele, mida teistes kunstistiilides ja -žanrites varem ignoreeriti, läks realism nii kaugele, et kujutas isegi elu kõige ebameeldivamaid ja räpasemat külge. Seega olid realistlikud maalid ühiskonnas toimunud muutuste tõeliseks peegelduseks, sest nad teavitasid avalikkust muutustest, mis muidu ei oleks päevavalgele tulnud. See viis selleni, etpaljudele kriitikutele, kes pidasid neid teoseid tooreks, sest nende otsekohene kindlustunne oli sageli ebamugav vaadata.

Realism kujutas endast peent, kuid uskumatult otsest lahkumist romantismi liikumisest, kuna maalidel ei ülistatud enam elu. Kuigi huvi elu näiliselt tavaliste aspektide vastu ei pruugi tänapäeval olla nii tähelepanuväärne, tähendas realism suurt muutust kunstiajaloos.

Kõigist selle liikumise raames tegutsenud kunstnikest osutusid märkimisväärseteks vaid vähesed, kelle hulka kuulusid Gustave Courbet, Honoré Daumier ja Jean-François Millet.

Realismi liikumise põhielemendid

Keskendudes kaasaegsetele teemadele ja keskkondadele, püüdsid realismi maalid ja kunstnikud kujutada kõigi ühiskonnaklasside inimesi samas valguses, nii et üht gruppi ei eelistataks pidevalt teisele. Piltide puhul välditi suuresti klassikalist idealismi, draamat ja igasugust sentimentaalsust. Pigem rõhutati elu kaootilisi aspekte, kuna need mõjusid täiestiebameeldiv ja eemaldas pretensioonika ilu elemendi täielikult.

Pühapäevaseks õhtusöögiks (1888) William Harnett; William Harnett, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Seespoolt visuaalne kunst maailma, illusionistlik realism pidi väidetavalt kujutama kõiki vorme, perspektiivi ja täpseid detaile, nagu valgus ja värvid, et luua võimalikult täpne pilt. Seega andsid need naturalistlikud teosed alates 1850. aastatest välja illusiooni sellest, milline nägi välja tegelikkus. Selle perioodi kohta öeldi, et see andis teed ka teiste kunstiliikide, näiteks Ameerika regionalismi arengule,Sotsiaalne realism ja köögipoolne realism.

Realismi kõige olulisemaks elemendiks oli kunstilisuse täielik vältimine kõigis loodud kunstiteoste aspektides.

Üheks esimeseks korraks kunstiajaloos käsitleti inimsuhteid ja emotsioone maalidel austusega, kuna neil lubati eksisteerida tõeliselt sellisena, nagu nad olid, ilma igasuguste modifikatsioonideta. Püüdes jäädvustada teemade ja emotsioonide täpset ja üksikasjalikku kujutamist, mässasid realismi maalid ja kunstnikud liialduse kasutamise vastu, kuna tavalist elu ei peetud niiliialdatud.

Reisikaaslased (1862), autor Augustus Egg; Augustus Egg, Public domain, via Wikimedia Commons

Sisuliselt näitasid realismi kunstnike valitud teemad revolutsiooniga kaasnenud sotsiaalseid muutusi. Kunstiline fookus, mis varem oli reserveeritud kõrgklassile, nihkus äkki tavaliste inimeste tavalisele elule. Seda seetõttu, et nende inimeste puhul arvati, et nad annavad kõige täpsema pildi sellest, milline oli elu selle aja jooksul tegelikult.periood, kus kunstnikud kujutasid oma töödes isegi elu kõige viletsamaid ja ebakorrektsemaid elemente.

Realismi stiil levis lõpuks peaaegu kõikidesse kunstiliikidesse ja mõjutas tulevikus tekkivat Impressionism Realismikunstnike eelistatud teemad tähendasid, et ülem- ja keskklassi patroonid ja kriitikud ei võtnud seda liikumist kunagi täielikult omaks, sest nad pidasid nende teoste kasvavat avameelsust šokeerivaks ja häirivaks.

Realism algatas üldise eemaldumise "ideaalist" ja liikus pigem "tavalise" suunas, kuna kunstnikud tundsid end vabalt kujutada tegelikku elu, mis oli ilma igasuguse esteetika ja universaalsete tõdedeta.

Meie 15 kuulsaimat realistlikku maali ja kunstnikku läbi aegade

Realismi kunstiliikumine oli uskumatult tähelepanuväärne periood kunstis, kuna selle rõhuasetus tavalisusele juhatas sisse uue ajastu kunstilise uurimise. Tänu sellele on olemas palju realismi kunstiteoseid, mis jäädvustavad liikumise tõelist olemust. Kõigist tehtud kunstiteostest paistavad mitmed realistlikud maalid teiste seast silma, kuna arvatakse, et need aitasid kaasa liikumise arengule.Järgnevalt arutame meie 15 parimat realistlikku maali ja kunstnikku, mis on pärit sellest ajast.

Kivi purustajad - Gustave Courbet

Realismi ideaalide koondav maal on "Kivimurdjad", mille maalis prantsuse kunstnik Gustave Courbet 1849. aastal. Realismirühma liidrina telliti Courbet'le mitmeid teoseid, mis kõik saavutasid liikumise kõrgajal võrdset kuulsust. Pärast selle töö eksponeerimist Pariisi Salongis 1850. aastal sai Courbet publiku ja kriitikute poolt tohutut vastureaktsiooni. Samas öeldi, et see reaktsioon käivitas ka suure muutuse realismi arengus.

Kivi purustajad (1849) Gustave Courbet' teos; Gustave Courbet, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

raames Kivi purustajad Courbet kujutas kahte talupoega, kes näiliselt lõhkusid kive tee ehitamiseks. Andes vaatajatele pilguheitu nende tööliste igapäevaellu, suutis Courbet autentselt kujutada stseeni, mis toimus reaalses maailmas ja oli seega ilma igasuguste suurejooneliste elementideta.

Courbet lisas oma töödele anonüümsuse tunnet, kuna ta keeldus keskendumast pildi sellele osale, mis tavaliselt tõmbaks kõige rohkem tähelepanu.

Kujutades stseeni, mis oli teatavasti füüsiliselt raske ja tõsiselt alatasustatud, kusjuures isikute näod olid varjatud, näitas Courbet räiget kõrvalekaldumist traditsioonilise maalikunsti ammustest tavadest. Rohkem tähelepanu pöörati meeste räsitud riietusele ja nende suhtele maaga, mis erines suuresti kunstiühiskonnale harjumuspärasest kunstist. Kivi purustajad aristokraatliku ühiskonna jaoks, kes suhtus kunsti liiga harilikult, sest talupoegade elu kujutamine ei väärinud kõrgema klassi tähelepanu.

Kündmine Nivernais's - Rosa Bonheur

Üks tuntud naissoost realismikunstnikud oli Rosa Bonheur, keda peetakse üldiselt kogu 19. sajandi kuulsaimaks naismaalijaks. Tema looming, Kündmine Nivernais's Bonheur jätkas enamikul oma maalidel põllumajandusloomade ja maapiirkondade maastike kujutamist, mida kiideti äärmise realismi eest. Kündmine Nivernais's sai valitsuse tellimusel esimese medali selle aasta Salonil.

Kündmine Nivernais's (1849) Rosa Bonheur; Rosa Bonheur, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Vastavalt maali pealkirjale kujutas Bonheur hooaja esimest kündi, mida tavaliselt tehti varasügisel, et murda pinnast talveks. Tema teoses on kujutatud kaksteist härga, kes rahulikult künnavad maad ettevalmistuseks, kuid teose fookus näib langevat maastikul valitsevale rahulikkusele. Kündmine Nivernais's jutustab lahkesti talupoegade lõpututest raskustest, sealhulgas nende tööst, elust ja traditsioonidest. Selle maali sisemine atmosfäär toob kaasa tagasihoidliku realismi.

Esitades pildi härjadest ja meestest, kes töötavad koos, et maad koristada, kommenteerib Bonheur inimese ja looduse vahelist suhet.

Kujutatakse õmblusteta stseeni, kus loomad näivad töö tõeliste kangelastena, jättes meestele vähe ruumi, et neid märgata. Seega on Bonheuri teos olemas kui talupoegade nõutava põllumajandustöö ülistus, kusjuures see tavaline tegevus on tänu atraktiivsele stseenile tõstetud. Huvitav on, et see realismimaal oli üks väheseid, mis tõmbas soliidsekriitikute tunnustust.

Matmine Ornansis - Gustave Courbet

Matmine Ornansis , mis on maalitud aastatel 1849-1850, on Gustave Courbet' kõige kuulsam maal, mis on valminud. Oma tohutu suuruse tõttu pälvis see teos algsel eksponeerimisel nii kriitikute kui ka avalikkuse tunnustust ja hukkamõistu, kuna käsitles standardseid provintsi matuseid ebameeldivate realismi elementidega. 3,1 meetrit korda 6,6 meetrit, Matmine Ornansis kritiseeriti tugevalt selle suuruse tõttu, sest nii suur maal oli traditsiooniliselt reserveeritud kangelaslike ja religioossete stseenide jaoks kaasaegses maalikunstis.

Matmine Ornansis (1849-1850) Gustave Courbet's; Gustave Courbet, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Courbet kujutab 1848. aasta septembris Prantsusmaal Ornansis toimunud oma onupoja matuseid. Vaatamata sünge sündmuse kujutamisele trotsis Courbet siiski kõiki surmaga seotud ootusi, esitades matuseid nii realistlikult. Traditsiooniliselt sisaldasid need sündmused nii leina kui ka ilu hetki, et vaataja saaks kergesti kujutada lahkunu hinge väärikaltCourbet asetab selle asemel rohkem rõhku leinajatele, kes näivad pappi vähe tähelepanu pööravat.

Matmine Ornansis märgatavalt puudub selliselt žanriteoselt oodatav sentimentaalsus. Kui teosest on eemaldatud kõik kunstlikud märgid leinast, siis näivad leinajate näod oma olemuselt liialdatumad, kusjuures kriitikud süüdistavad Courbet'd selles, et ta tahtlikult alandab religiooni, püüdes oma maalides ebameeldivust saavutada.

Mitmetest anonüümsetest isikutest koosneva tausta loomisega suutis Courbet kujutada midagi nii igapäevast kui matusetalitus tundmatute isikutega, ilma igasuguste vaimsete väärtusteta ja suurejooneliselt.

Hobuste mess - Rosa Bonheur

Teine Rosa Bonheuri kuulus realistlik maal on Hobuste mess , mis on maalitud ajavahemikus 1852-1855. Kuna enamik tema töödest kaldub keskenduma loomadele, ei erine ka see maal sellest, sest fookus on asetatud rühma hobustele, mis on maali esiplaanil. Hobuste mess peetakse laialdaselt kõige ikoonilisemaks realismi kunstiteoseks, mis on valminud liikumise kõrgajal. Monumentaalses suuruses eksisteeriv Bonheur pühendas end aasta jooksul veohobuste uurimisele.

Hobuste mess (1852-1855) Rosa Bonheur; Rosa Bonheur, CC0, Wikimedia Commons'i kaudu

Varjates end poolteist aastat meheks, et mitte tõmmata tähelepanu endale, käis Bonheur Pariisis Boulevard de I'Hôpitali hobuseturul ja tegi lõputuid visandeid loomadest. Nendel joonistustel kasutati nii lihtsaid joonestusi kui ka detailsemaid elemente. Kuigi Bonheur portreteeris kauplejaid, kes tegelesid hobuste müügiga turul, oli tegelik fookus sellestöö oli hobuste intensiivne jõud, ilu ja tugevus, mida tal õnnestus tabada.

Liikumise oskuslikule käsitlusele ning tumedate ja valguse keerisele, mis ümbritsevad taltsutamata loomi, vastanduvad rahulikud ja asjatundlikud taltsutajad, kes juhivad hobuseid ümber lõuendi. Vaatamata sellele, et tegemist on uskumatult hõivatud maaliga, suutis Bonheur tasakaalustada liikumise keskel ja lihtsuse ja vaikuse, mida võib näha esiplaanil.

See maal osutus väga populaarseks, sest seda kiideti nii hobuste kui ka ratsanike veatu detailide eest ning see kogus pärast 1853. aasta Salonit ülemaailmset kuulsust.

La rencontre (Bonjour Monsieur Courbet) - Gustave Courbet

Gustave Courbet' viimane teos, mis on lisatud sellesse nimekirja, on järgmine La rencontre (Bonjour Monsieur Courbet) , mis maaliti 1854. See maal, mis on üks esimesi maale, mis sai vastuolulise "avangardi" sildi, näitas Courbet' valmisolekut riskida oma mainega uue visuaalse väljendusmeetodi otsinguil. See uus meetod, realism, aitas tal lõhkuda vanu lähenemisviise kunstiloomingule, mida võib näha erinevate elementide sees. La rencontre .

La rencontre (Bonjour Monsieur Courbet) (1854) Gustave Courbet' teos; Gustave Courbet, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Sellel suurel maalil lõi Courbet omamoodi autoportree, kujutades end lõuendi paremal poolel kohtumas Alfred Bruyaga, kes oli tema töö oluline patroon ja toetaja. Kujutades end ränduri, kes oli just kohanud kahte aadlikku meest, rõhutas Courbet enese kujutamise kaudu enesekesksuse mõistet.

Asetades end otsevalgusesse, pea veidi tahapoole suunatud, viitab Courbet sellele, et teose fookus peaks langema temale, kusjuures kepi, mida ta kannab, rõhutab veelgi tema suurt jõudu.

La rencontre on tähelepanuväärne Courbet' poolt ületatud piiride poolest, kuna ta läks selle teose raames uutmoodi kunstilise uurimistööga edasi. Kuna mõlemad mehed tunduvad olevat maalimas maalimas, läks Courbet edasi, et teha nende vahel võrdlust nende hoiakute kaudu. Ta pakkus välja, et ta oli Bruyast palju parem, kuna ta kandis kõiki oma kunstitarbeid seljakotis, samas kui viimane vajas teenijat, etjälgi tema järel, mida ta vajas. Seega rõhutab see kunstiteos ideed, et nii Bruyas kui ka teose vaatajad on Courbet' territooriumil.

Gleaners - Jean-François Millet

Kunstnik, keda peeti üheks kuulsaks realistlikuks maalikunstnikuks, oli Jean-François Millet. Ta maalis Gleaners 1857. aastal, mida peetakse laialdaselt kogu realismi liikumise üheks tähtsamaks teoseks. Kuigi Millet läbis etapi, kus ta keskendus maastikele, pöördus ta üle seitsme aasta jooksul korduvalt tagasi koristusmaterjali mõiste. Koristusmaterjal kirjeldab seljatagust tööd, mis seisneb pärast saagikoristust põllule jäänud viljapuru eemaldamises, kusjuures see töö langeb naiste jalapsed.

Gleaners (1857) Jean-François Millet; Jean-François Millet, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Gleaners on Millet' parim kunstiteos, sest selles kujutatakse alama klassi tegelikkust. Selles maalis kujutas ta kolme tavalist naist, kes tegelevad töölisklassi jaoks väga tavalise tegevusega. Kuna tol ajal peeti koristamist üldiselt Prantsuse ühiskonna kõige madalamasse klassi kuuluvaks, kujutas Millet seda vaevalist tööd viisil, mis asetas need töölised meie tähelepanu keskmesse.

Seejuures teeb Millet karmi märkuse, et seda tööjõu lahutamatut osa ei tohi unustada, sest ilma nendeta ei toimuks saaki.

Hoolimata oma vaesuse tingimustest, omistas Millet naistele, kes vaatamata monotoonsusele oma tööülesannetega tugevalt toime tulid, vaikse väärikuse. Millet pidas koristamise teemat igavikuliseks, mis viis teda selleni, et ta seostas sellega Gleaners Vanast Testamendist võetud lugudele. Vaatamata sellele religioossele seosele, mille ta lisas, osutus tema maal väga ebapopulaarseks, kui see 1857. aastal Salonile esitati. Selle maitsetu ja argine teema vihastas avalikkust pärast selle vaatamist väga, sest seda ei peetud tähelepanu väärivaks.

Angelus - Jean-François Millet

Teine Jean-François Millet' parimad realistlikud maalid on tema Angelus , mille ta maalis aastatel 1857-1859. See kunstiteos näitas Millet' soovi valgustada Prantsuse talupoegade elu ja nende kannatusi, et harida aristokraatlikku ühiskonda kuuluvaid inimesi elust väljaspool nende sotsiaalset ringi. See maal sai teoks pärast seda, kui kunstikoguja Thomas Gold Appleton oli selle spetsiaalselt tellinud, kuid ta kuulsalt ei ole kunagituli pärast tööde valmimist neid kokku võtma.

Angelus (1857-1859) Jean-François Millet; Jean-François Millet, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

raames Angelus , Millet kujutas kahte põllutöölist, kes pärast rasket tööpäeva põllul kummardunud peaga loevad palvet "Angelus". Mõlemad isikud näivad kummarduvat kartulikorvi kohal, vasakul olev mees hoiab mütsi käes ja paremal olev naine on kindlalt käed palves.

Angelus oli rooma-katoliikluse ajal tuntud palve vabanemise eest, kusjuures see maal näitab lihtsat pühendumist ja palvet ühiskonna madalaima klassi päästmise eest.

Kui päike loojub selles kauguses, Angelus tähistas hetke, mil palve algas kell 18.00, sest kirikust oleks kuulda olnud kellu, mis andis märku päeva lõpust. Vaatamata oma räsitud riietele ja kummardunud õlgadele on töölistel vaikne väärikus. See kunstiteos mõjutas sürrealist Salvador Dalí'd, kes nägi töölistes hoopis palvetamist oma maetud lapse üle. 1963. aastal tegi Louvre röntgenülesvõtetteos, mis tegelikult näitas peidetud geomeetrilise kuju kontuuri, mis sarnaneb kirstu omale.

Vana muusik - Édouard Manet

Kuigi kõige sagedamini uuritakse seda impressionismi kontekstis, Prantsuse kunstnik Édouard Manet tootis oma karjääri jooksul mõned märkimisväärsed realismi teosed. Manet'd peetakse keskseks tegelaseks üleminekuperioodil impressionismilt realismile, ta maalis silmapaistva modernsusega, mis viis selleni, et ta kujutas oma realistlikel maalidel töölisklassi. Vana muusik , mille ta maalis 1862. aastal, on Manet' suurim maal, mis on kunagi valminud ja mis näitab märgatavalt Gustave Courbet' mõju tema toonasele kunstistiilile.

Vana muusik (1862), autor Édouard Manet; Édouard Manet, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Vana muusik on suurepärane näide Manet' võimest jäädvustada igapäevaelu muljeid. Maalil on kujutatud mitmeid inimesi, kes seisavad teose keskel oleva muusiku ümber, kes hakkab neile kuulamiseks viiulit mängima. Muusikuks arvatakse olevat Jean Lagrène, kes oli sel ajal kohaliku mustlasansambli juht.

Selles stseenis kujutatud isikuid uuriti pidevalt, sest ükski neist ei tundunud moodustavat ühtset rühma.

Maali paremas servas on kujutatud turbanit ja pikka rüütlit kandev idamaine mees, kes seisab otse noorele kingadeta emale ja tema vastsündinud lapsele vastu. Ainuüksi neid kahte tegelast vaadates on nende riietus ja hilisemad sotsiaalsed klassid väga erinevad, mis rõhutab olemasolevat ebakõla. Vana muusik sisaldas mitmeid viiteid Manet' teistele maalidele, nagu näiteks kübaraga mees, kes esines ka tema 1859. aasta maalil, Absindi jooja .

Kolmanda klassi vagun - Honoré Daumier

Üheks kuulsaimaks realistlikuks maalikunstnikuks peetakse Prantsuse kunstnik Honoré Daumier, kes lõi aastatel 1862-1864 maaliseeria "Kolmanda klassi vagun". Daumier, kes on tuntud kui väga graafiline maalikunstnik, iseloomustas sageli alama klassi elatustasemeid ja industrialiseerimise mõju kaasaegsele linnaelule Prantsusmaal. Daumier maalis ka teisi rongistseene esimese ja teise klassi vagunitest, kuid siiski Kolmanda klassi vagun osutus kolmest teosest kõige mõjukamaks.

Kolmanda klassi vagun (1862-1864) Honoré Daumier' teos; Honoré Daumier, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Daumier' korduvaks teemaks, mida selles teoses võib näha, on linnastumise mõju Pariisi töölisklassile. Pöörates siiski erilist tähelepanu ühistranspordi vormile, Kolmanda klassi vagun paneb rohkem rõhku sellele, kuidas sotsiaalset hierarhiat ikkagi rakendati ajal, mis oli väidetavalt nii moodne.

Kujutades madalama klassi liikmeid kolmanda klassi vagunis, mis ei olnud sugugi haruldane, kommenteeris Daumier sotsiaalset poliitikat, mis Prantsusmaal ikka veel käib.

Vagunis olevad isikud näivad olevat pärast pikka tööpäeva kurnatud, kusjuures maali fookus langeb esiplaanil oleval puupingil istuvatele figuuridele. Aknast imbub sisse pehme valgusvihk, mis toob veelgi enam esile imetavat ema, vanatädi ja magavat poissi, kes õhkavad rahulikkust, mida ühistranspordiga sageli ei kaasne. Rikkamaltreisijad näivad istuvat nende taga ja neid eraldab pink, mis eraldab kaks klassi, mis viitab veelgi Prantsusmaal eksisteerinud jaotusele.

Olympia - Édouard Manet

Manet' teine märkimisväärne ja väidetavalt realistlik maal oli Olympia Manet armastas väga naiselikku vormi ja kujutas mitmetes oma töödes palju naisakti. Samuti kippus ta keskenduma prantsuse ühiskonna elule, mida võib näha ka tema maalidel. Olympia , kasutas Manet oma kahte lemmikteemat, kui ta kujutas alasti poseerivat alamklassi prostituuti. Väidetavalt vulgaarse stseeni tõttu oli see töö kohe alates selle näituse avamisest vastuoluline.

Olympia (1863), autor Édouard Manet; Édouard Manet, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Naine, kelle nimi arvatavasti oli Olympia, on kujutatud lahtisel voodil lebamas, nii et see kutsub vaatajaid kaasa elama. Taustal on näha teenijat, kes toob talle lilli, mis olid tõenäoliselt armastaja kingitus. Manet lõi nende kahe naise vahel terava kontrasti mitte ainult nende naha värvus vaid asjaolust, et teenijanna näis olevat täielikult riietatud oma tööriietuses, samas kui prostituut lebas seal täiesti alasti. Vaatamata sellele haavatavusele näib naine siiski olevat täiesti rahul oma riietuse puudumisega.

Häbenematu ja väljakutsuv pilk, millega naine vaatajate poole pöördus, oli Manet' viis vaidlustada kõrgema klassi ühiskonna silmakirjalikke arusaamu korralikkusest.

Valides prostituudi kujutamise, tegi Manet väga otsese kommentaari tolleaegsele kodanlikule ühiskonnale, kes eelistas hoida sellist ebasündsat tegevust varjul, kuigi see oli ühiskonna tuntud osa. Seega, Olympia on tehtud sihipäraselt provokatiivseks, sest Manet tahtis šokeerida 1865. aasta Salongi vaatajaid, kes muide seda maali vaatama tulid.

Praamide vedajad Volgal - Ilja Repin

Vene maalikunstnikest oli realistliku liikumise raames ikooniline Ilja Repin, kes maalis edasi Praamide vedajad Volgal aastatel 1870-1873. Peetakse vastutavaks realismi juurutamise eest Venemaal, Repin oli suur sotsiaalrealismi pooldaja, mida võib näha mõnes tema kunstiteoses. Peetakse inimtöö kasumi kriitikaks, Praamide vedajad Volgal keskendus tavaliste meremeeste ja sadamatöötajate raskustele Volga jõe ääres asunud tuntud sadamates sel ajal.

Praamide vedajad Volgal (1870-1873), autor Ilja Repin; Ilya Repin, Public domain, via Wikimedia Commons

Istudes kuude kaupa Volga jõe ääres ja dokumenteerides laevu ning nende töökat meremeest, maalis Repin Praamide vedajad Volgal See võimaldas tal luua uskumatult täpse kujutise nende meremeeste tööelust, kes iga päev jõuliselt töötasid laevakandjatel. Sellel teosel kujutas Repin 11 meesvedajat, kes oma eripärase välimuse tõttu on kujutatud erinevatest rahvustest, aeglaselt Volga jõel praami ülesvoolu tõmbamas.

Füüsiline kurnatus on ilmne nende meeste kõndimisest, sest nad on väsimusest kahekesi. Jõe ja kalda soojemad toonid on kontrastiks nende ilmastunud nahale ja tumedale varjule, mida nende kehad teevad, kui nad kokku rühivad. Ainult üks mees paistab grupist välja oma erksavärvilise riietuse ja noorusliku välimuse poolest. Ta on näidatud püstisemana kui tema kaaslased.töötajad, sest ta näib olevat oma sidemetest vabanemas.

See liikumine tabas ekspluateerimise vastase protesti vaimu ja väärikuse taastamise vaimu.

Whistleri ema - James McNeill Whistler

Ameerika maalikunstnik James McNeill Whistler oli tuntud selle poolest, et ta loobus realismist ja arendas omaenda moodsa maalimisstiili. Tema tuntuim teos on maalitud 1871. aastal ja kannab pealkirja Whistleri ema , kuigi seda tuntakse ka kui Kokkulepe halli ja musta värvi nr . 1 ja kasutas oma ema teemana. Sellest maalist sai esimene Ameerika töö, mille ostis 1891. aastal Prantsuse valitsus, mis tõstis oluliselt Whistleri kui kunstniku mainet ja tagas talle palju jõukaid Ameerika patroneid.

Whistleri ema (1871) James McNeill Whistler; James McNeill Whistler, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Whistleri ema on esmapilgul üsna sünge ja tõsine, kuid kunstikriitikuid ja publikut on läbi aegade paelunud Whistleri võime kujutada oma ema nii detailselt. Pikka musta kleiti ja valges pitsimütsis riietatud ema on jäänud ebaselgeks, kas ta ema oli leinas või kandis lihtsalt ajastu moele vastavat tagasihoidlikku riietust.

"Whistleri ema", mis istub profiilis, on nimetatud "Ameerika Mona Lisaks", kuna see sisaldab samasugust salapära ja oskust nagu Da Vinci maal.

Whistler, kes elas sel ajal koos oma pojaga, palus oma emal poseerida talle pärast seda, kui üks modell oli nende kavandatud seanssi tühistanud. Kuna ta oli sel ajal 67-aastane, muutis Whistler oma kompositsiooni nii, et ema saaks maalida istuvas asendis, et ta oleks mugavam. Tõlgendatakse emaduse sümboliks, Whistleri ema eksisteerib nii olulise maalina, sest see oli üks väga väheseid teoseid, mida kodanlik ühiskond hindas ja mis samal ajal leidis masside seas vastukaja. See oli tingitud sellest, et see vajas vähe selgitusi.

Gross Clinic - Thomas Eakins

Teine Ameerika realismi maalikunstnik, kelle oleme oma nimekirja lisanud, on Thomas Eakins, kes maalis Gross Clinic 1875. aastal. 1800ndate keskel toimus palju meditsiinilisi arenguid, mis aitasid viia maailma muutvate uuenduste suunas. Eakins' näitas sel ajal suurt vaimustust meditsiini vastu, tema töö eksisteerib kui hetkeseisund Jeffersoni meditsiinikolledžis toimuvast loengust. Kogu aeg, Gross Clinic on kurikuulsalt nimetatud üheks parimaks Ameerika maaliks.

Gross Clinic (1875), autor Thomas Eakins; Thomas Eakins, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Eakins', kes oli 1800. aastatel tuntud kui üks maailma peamistest meditsiiniasutustest, jäädvustas õppetundi, mida andis tollal 70-aastane lektor dr Samuel D. Gross. Musta mantlisse riietatud Gross on näha kompositsiooni keskel, kui ta arvatavasti peab tema kõrval parajasti toimuva operatsiooni kohta loengut toale, mis on täis innukaid üliõpilasi. Üle Gross'õlal, töö paremal pool on tema kliiniku sekretär dr Franklin West, kes tegi märkmeid käimasoleva ortopeedilise operatsiooni kohta.

Vasakpoolses ülemises nurgas asetas Eakins ennast publiku hulka. See olevat mõjutatud tema enda anatoomia- ja lahkamise kursustest, kuna ta pööras suurt tähelepanu operatsiooni üksikasjadele. Suurt kunstilist oskust näitav teaduslik pingutus oli teravalt vastandunud ainsana kohaloleva naise emotsionaalsele reaktsioonile vasakpoolses alumises nurgas.

"The Gross Clinic'i" vaadati selle inetu olemuse tõttu tähelepanelikult, sest publikul oli raske mõista selle teose tegelikkuse tõepärasust.

Nighthawks - Edward Hopper

Maalitud 1942. aastal, peaaegu sada aastat pärast realismi haripunkti, Nighthawks peetakse endiselt oluliseks realistlikuks maaliks. . Ameerika kunstnik Edward Hopper oli tuntud oma realismi kasutamise poolest, kuna žanri üldine stiil oli vaatamata möödunud ajale väga vähe muutunud. Nighthawks peetakse üheks tuntuimaks Ameerika maaliks, mis on kunagi loodud, sest see kujutab tüüpilise stseeni Teise maailmasõja järgses Ameerikas.

Nighthawks (1942) Edward Hopper; Edward Hopper, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

1940. aastatel oli industrialiseerimine muutnud elu läänestunud maailmas. Hopperi maalil kujutas ta nelja üksikut inimest öises hõredalt sisustatud kesklinna söögikohas. Näidatakse ühte valgusallikat, mis valgustab kogu ruumi, valgub välja kõnniteele ja moodustab suure kontrasti teiste varjudega tänaval. Kuigi seda peeti üsna lihtsaks, on Hopperilavastusega manipuleerimine ja dramaatiline valgustus illustreerisid võõrandumise, depressiooni ja mitmetähenduslikkuse teemasid, mis eksisteerisid Ameerikas pärast sõda.

Ükski näitaja ei ole Nighthawks näivad üksteisega suhtlevat, mis kujutas veelgi enam stseenis tunnetatud isolatsiooni. Selle kujutise kaudu peegeldas Hopper rasket elu ja võitlust, mida üksikisikud kogesid Ameerika ajaloo kõige süngematel päevadel, kui sõja õudused ja kõlvatus muutsid jäädavalt ühiskonda.

Maalides lahtise jutustusega, nõudis Hopper vaatajatelt loo lõpuleviimist, mis oli tema toonasele stiilile tüüpiline.

Christina maailm - Andrew Wyeth

Meie nimekirja viimase maali, mis on samuti maalitud kaua pärast realismi liikumise lõppu, valmistas A merika kunstnik Andrew Wyeth. Christina maailm, maalitud 1948. aastal, on üks tuntumaid Ameerika maalid pärit 20. sajandi keskpaigast, hoolimata esialgsest aeglasest reaktsioonist selle suhtes. Maalides ajal, mil lastehalvatus oli kogu Ameerikas laialt levinud, olevat Wyeth kujutanud Anna Christina Olsonit, kes oli tema tuttav, kes kannatas invaliidistava degeneratiivse lihashaiguse all.

Wyeth kujutas Olsonit, kes istub kõrges rohus ja vaatab üksiku talumaja poole, kuid ei suuda oma seisundi tõttu kõndida. Kuigi tundub, et ta lihtsalt lebab põllul, üritas Olson roomata ja abitult liikuda üle põllu maja poole. Christina maailm kujutas karmi reaalsust, millega lastehalvatust põdevad inimesed pidid toime tulema. Kuid sünge stseeni kujutamise asemel maalis Wyeth Olsonit suure sooviga maailma näha, mida tõestab tema valmisolek üle põllu roomata.

Kuigi Wyeth lisas väikese otsustavuse, jäi Olson siiski stseeni sees vaid tavalise muruplatsiga piirduma. Olsoni kõhnad käed ja jalad, samuti tema väike keha, loovad temast haavatavuse õhkkonna. Seda rõhutab veelgi tema keha, mis on vaatajatest eemale suunatud, nii et me ei saa isegi pilku tema näole. Selle teose sees suutis Wyeth omatekitab eelaimuse tunde, sest jääb ebaselgeks, mida rohu sees olev tegelane kavatseb teha, et jõuda talumajja.

Realismi liikumine kunstiajaloos osutus uskumatult mõjukaks, nagu näitavad sellest ajast pärinevad kunstiteosed. Kuigi meie nimekiri kuulsatest realistlikest maalijatest ja nende ikoonilistest kunstiteostest ei ole sugugi ammendav, oleme käsitlenud 15 parimat maali, mis on tavaliselt tunnustatud, kui räägitakse realismi olulistest põhimõtetest. Kui teile meeldis lugedanende maalide kohta, julgustame teid edasi uurima mõningaid tundmatumaid realistlikke maale, mis on valmistatud sel ajastul.

Vaata meie realismikunstnike veebilugu siin!