C ontemporary art is the art made today. Kuid see mõiste on kleepuvam, sest termin Contemporary art ei tähenda alati sama, mis teised kunstisuundumused, nagu me oleme näinud modernse kunsti ajastul. Terminile on omane muutus kunstnike käsitlusviisis ja me võime näha palju uuendusi kasutatavates meediumides ja esitatavates ideedes. Selles artiklis,võtame lahti kaasaegse kunsti mõiste - vaatleme mõningaid kaasaegse kunsti teemasid ja näiteid kaasaegsest kunstist.

Mis on kaasaegne kunst?

Kaasaegse kunsti määratlus on 20. sajandi teisel poolel kuni tänapäevani tehtud kunst. See kunst reageerib kaasaegsele ajale, milles me elame, keskendudes laiale kontekstuaalsele raamistikule - alates poliitilisest ja kultuurilisest, identiteediteemadest ja arenevast tehnoloogiast. Kunstnikud teevad kunsti kontseptsioonide alusel ja reageerivad maailma poliitilisele ja kultuurilisele elule.

Kaasaegne kunst ei seisne üksnes kunstiteose vaatamise esteetilises naudingus, vaid on palju enam keskendunud ideede jagamisele. Kaasaegset kunsti iseloomustab meediumide ja stiilide mitmekesisus.

Kaasaegse kunsti omadused

Kuigi kaasaegse kunsti kõige olulisemaks tunnuseks on see, et sellele ei ole tõeliselt määratlevaid tunnuseid, on siiski mõned ühised tunnused, mida kaasaegne kunst tervikuna jagab. Mõned neist tunnustest on järgmised:

• Kaasaegsed kunstnikud tegelevad innovatsiooni uute ideede ja uute kunstivormidega, kasutades kõikvõimalikke vahendeid alates videomängudest kuni inseneriteaduse ja plastilise kirurgiani. Kunstnikud kasutavad erinevaid meediume.
• Kunstiteosed on tehtud kontseptsiooniga, ja igal kunstiteosel on oma põhjus lisaks puhtalt esteetilisele objektile.

• Mõned kaasaegsed kunstnikud töötavad rühmades kuid ei ole suuri liikumisi nagu moodsa kunsti ajastul.
• Meediumid on osa tähenduse loomise protsessist. mida kunstnikud ise leiutavad.
• Samuti on näha liikumist vähem eurotsentrilise kunstivaate suunas, ja paljud teised kunstnikud maailma eri paigust on tunnustatud ja saavad rohkem tähelepanu.

Kas kaasaegne kunst on sama mis kaasaegne kunst?

Sõnad kaasaegne ja kaasaegne on tehniliselt sünonüümid, kuid need kaks faasi on kunstiajalugu on väga erinevad. Kaasaegse kunsti tähendus hõlmab palju rohkem konteksti. Kaasaegset kunsti peetakse postmodernne mis tähendab, et see tuli pärast modernismi.

Kaasaegne kunst erineb sellistest moodsatest kunstiliikumistest nagu popkunst või sürrealism. Moodsat kunsti iseloomustas kunstnike enesereferentsiaalsus (kunsti tegemine kunsti kohta).

Rose Isa Genzkeni skulptuur, näide kaasaegsest kunstist; Christoph Müller, CC BY-SA 3.0, Wikimedia Commons'i kaudu

Kunstnikud lõid kunstisuundumusi, mille sarnased ideed ja tehnilised väljakutsed hõivasid paljude erinevate kunstnike mõtteid. Kaasaegse kunsti ajastul loovad kunstnikud kunsti, mis vastab unikaalsele kogemusele elada tehnoloogiliselt arenevas maailmas, milles me end leiame, iga lugu on ainulaadne. Kunstnikud loovad kunstiteoseid oma unikaalsete kogemuste põhjal. Ei ole olemas üleüldiseidideid ja ideoloogiaid ning kunstnikud ei loo uusi "-isme", nagu näiteks sürrealism ja fauvism.

Kaasaegsed kunstnikud lõid teoseid, mis keskendusid kunsti tegemise protsessile endale - näiteks kui Impressionistid on loonud kunstiteoseid, mis reageerivad kaamera leiutamisele - inspireeritud ideest jäädvustada valgust minutipõhiselt. Kõigil kaasaegsetel kunstnikel ei ole üldist meediumit, mida nad uurivad, ja iga kunstnik kasutab meediumit kui vahendit, et uurida suuremaid teemasid ja ideid.

Kaasaegne kunst reageerib kaasaegse maailma ideedele sellisel viisil, mis sobib praegusele ajaloohetkele ja ajale - iga kunstnik keskendub oma eluaegsele teekonnale, kus ta käsitleb maailmas elamise keerukust omal moel.

Näiteid kaasaegsetest kunstiteostest

Nüüd vaatleme mõningaid kõige kuulsamaid kaasaegse kunsti teoseid, mis on seni tehtud, kirjeldades, kuidas need kunstnikud uuendavad ja loovad uusi põnevaid teoseid. Need teosed on vaid põgus pilguheit erinevatele ideedele, millega kunstnikud töötavad, kuid annavad aimu, milliseid hämmastavaid töid tehakse ning milliste põnevate ja oluliste ideedega kunstnikud iga päev töötavad.

Lõigatud tükk (1964) Yoko Ono

Lõigatud tükk (1964) on varajane näide kaasaegsest kunstist. See on performance-teos. 1960. aastatel said kunstnikud nagu Yoko Ono tuntuks ürituste korraldamisega, mida kutsuti Happenings, kus kunstnik andis kunstivaatajatele ja osalejatele võimaluse ise kunsti teha või osaleda kunsti tegemisel.

Enamik neist sündmustest olid vaid hetkelised ja eksisteeriksid hiljem ainult fotodel või lõplikus kunstiteoses, millel oleks ilma etenduse kontekstita vähem tähendust.

Kunstnik Yoko Ono foto 2011. aastal; Earl McGehee - www.ejmnet.com, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Lõigatud tükk on üks neist üritustest, kus kunstnik palus inimestel liikumatult istudes oma riietest tükke lõigata. Mida rohkem ja rohkem kunstnik paljastas, seda vaiksemaks ja šokeeritumaks muutus publik, meenutas kunstnik. See provokatiivne kunstiteos seadis kunstniku ka mitmel tasandil ohtu, sest ta usaldas publikut, et nad lõikavad ainult tema riideid ja ei kasuta tema käärideks mõeldudmuudel eesmärkidel.

Infinity Mirror Room (1965) Yayoi Kusama

Kusama Infinity peegli toad (1965), millest on palju erinevaid variante, loetakse installatiivseks kunstiteoseks. Kunstnik muutis oma varaste maalide intensiivse kordumise peeglite abil kolmemõõtmeliseks ruumiks ja tajukogemuseks. On vähemalt kakskümmend erinevat Infinity peegli toad Need ruumid loovad kaleidoskoopilisi multimeediaaspektidega nägemusi, mis kõik loovad kummalise illusiooni, et ruum on lõpmatu ja ka publiku liikmed on lõpmatud.

An Infinity Room Yayoi Kusama installatsioon; Pablo Trincado Santiago de Chile'st, Tšiili, CC BY 2.0, Wikimedia Commons'i kaudu

Esimene neist ruumidest , Infinity Mirror Room: Phalli's Field , kujutab ruumi, mis on täis sadu poolakate falloskujusid, mis katavad ruumi kõiki pindu. Töömahukas töö pani kunstnikku kaaluma teisi viise, kuidas luua efekti, et olla täielikult ümbritsetud nende pikkade, ümarate objektidega. Kunstnik on kuulsalt seotud poolakate ja ringidega, väites, et ringide loomine lohutab teda lõputult.

See kunstiteos muutis ka publiku subjektiks ning keha olemasolu ruumis muudab seda ja annab sellele suurema tähenduse.

Spiraalne lautrikoda (1970) Robert Smithson

Spiraalne lautrikoda (1970) on näide kaasaegsest maakunstiteosest. See kunstiteos ehitati Utahis asuvale Suurele soolajärvele ja koosnes mudast, soolast ja basaltkivist, mis olid ehitatud 1500 jala pikkuseks spiraaliks, mis paindus vastupäeva.

Seda spiraali võis vaadelda ülaltpoolt sõltuvalt järve veetasemest. See tähendas, et maa ise muutis kunstiteose tähendust, sest mõnikord seda ei olnud olemas või see oli varjatud, teinekord aga lasi maa seda näha.

Spiraalne lautrikoda (1970), autor Robert Smithson, asub Rozel Pointis Suures Soolajärves, Utahis, Ameerika Ühendriikides; Skulptuur: Robert Smithson 1938-1973Pilt:Soren.harward at en.wikipedia, Public domain, via Wikimedia Commons

See kunstiteos on üks kuulsamaid maakunstiteoseid. Maakunstnikud kasutavad tavaliselt maad ennast meediumina, tehes teoseid, mis on inspireeritud maast ja eksisteerivad selles, ilma et see kahjustaks maad. See kunstiliik oli ka üsna kurikuulus selle poolest, et ei suutnud müüa - keegi ei suutnud järje tükkigi osta, ja see dekommertsialiseerumine kunstiturul oli ka uus aspekt kaasaegses kaasaegses kunstis, mis eristas seda modernismist.

Rütm 0 (1974) Marina Abramović

Sarnase kunstiteosega, mis pärineb aastate tagant, lõi Marina Abramović Rütm 0 (1974) performance'i. Kunstnik andis publikule 72 objekti, millega nad võisid teha kõike, mida nad tundsid. Nende objektide hulka kuulusid muu hulgas käärid, roos, kingad, tool, nahast nöörid, skalpell, püss, sulg, kuul ja šokolaadikook.

Kuue tunni jooksul seisis kunstnik paigal, samal ajal kui publiku liikmed muutusid üha vägivaldsemaks. Üks publiku liige lõikas kunstnikule kaela lahti, teine aga hoidis püstolit kunstnikule pähe.

Publik sattus tülli selle üle, kui kaugele teatud publiku liikmed olid valmis minema oma vägivaldsete tegudega. Etenduse lõppedes jooksid kõik osalenud ära, et vältida kokkupuudet sellega, milles nad olid osalenud. Sellest kunstiteosest sai šokeeriv näide inimloomusest, aga ka sellest, kui kaugele võib kunst ulatuda traditsioonilisest seinamaalingust kaugemale.

Õhtusöögipidu (1974) Judy Chicago

Judy Chicago kuulus kunstiteos oli suur installatiivne kunstiteos. Installatsiooni meedium viitab kunstiteosele, milles publik saab täielikult sisse elada, kunstiteosele, millesse saab kõndida. See suur installatsioon hõlmas mitmeid kolmnurkse kujuga laudu.

Kunstiteos koosneb sadadest komponentidest, kuid "Õhtusöögipidu" (1974) kujutab endast kujuteldavat banketti, kuhu kunstnik kutsus 39 ajaloolist naist, et nad sõna otseses ja ülekantud tähenduses "istuksid laua taha".

Seal on asetused naistele ajaloost ja mütoloogiast - alates Sacajaweast, Susan B. Anthonyst ja Emily Dickinsonist kuni ürgjumalannani. Need asetused kujutavad enamasti stiliseeritud kujutisi naiste anatoomiast, nagu vulva. See kunstiteos tekitas üsna šoki naiste anatoomia jultunud näitamisega ja kõigi nende sadade osade mahukusega, mis moodustavad teose.

See kunstiteos on saanud tuntuks kui üks olulisemaid feministliku kunsti teoseid ajaloos ja on Ameerika Ühendriikides Brooklyni muuseumis püsiekspositsioonil.

Alma, Silueta en Fuego (1975) Ana Mendieta

Ana Mendieta oli maalikunstnik ja nimetas end ka kehakunstnikuks, kes kasutas oma tööde jäädvustamiseks fotograafiat. Kaasaegsel ajastul hakkasid kunstnikud oma ideede loomiseks ja esitamiseks kasutama ka digitaalseid ja fotograafilisi vahendeid ning video kasutamine on muutunud tavaliseks.

"Alma, Silueta en Fuego" (1975) on vaid üks teos sarjast, kus kunstnik kasutas oma siluetti, mis oli maskeeritud loodusesse.

Ta tõmbas võrdlusi naisfiguuri ja maastiku vahel ning selles konkreetses kunstiteoses osutas kunstnik vägivallale, mida kogevad naised ja nende kehad, aga ka maa. Need kunstiteosed on feministliku teemaga kooskõlas, kuid neid võib vaadelda ka kui Keskkonnakunst Keskendub maale ja meie suhtumisele meie loodusvaradesse. Küsimusele oma tööde kohta vastas kunstnik: "Minu maa/keha skulptuuride kaudu muutun ma üheks maaga ... minust saab looduse pikendus ja loodusest saab minu keha pikendus."

Self (1991) Marc Quinn

Self on kunstnik Marc Quinni 1991. aastal tehtud autoportree. Kunstnik kasutas selle skulptuuri loomiseks omaenda kehamaterjali - oma verd. Kunstnik valas oma pea kümne puntiga omaenda verest, mis koguti paari kuu jooksul. See kunstiteos valmis ajal, mil kunstnik võitles sõltuvusega, ja see on seotud sellega, et skulptuur vajab oma kuju säilitamiseks elektrit.

Väga oluline on siinkohal ka kunstiteose materiaalsus - eneseportree on kõige lähemal oma kehale, mida kunstnik sai teha - kasutades oma tegeliku keha osi.

Nii eksperimenteeris kunstnik uute materjalidega viisil, mis tegi selle kõige mõttekamalt. See on suurepärane näide kaasaegsest kunstist, mis kasutab meediumit mõttekalt. See ei ole lihtsalt järjekordne suvalisest materjalist tehtud pearinnak, vaid meedium saab osaks sõnumist.

Han-dünastia urni langetamine (1995) Ai Weiwei

1995. aastal lõi Hiina kunstnik ja aktivist selle provokatiivse näite kaasaegsest kunstiteosest. Kunstnik kasutas nn kultuurilist ready-made'i - 2000 aasta vanust Han-dünastia aegset urni. Nagu pealkiri viitab, seisnes kunstiteos ise selles, et kunstnik lasi maha ja hävitas olulise Hiina ajaloo teose. Kui kunstiteose kohta küsiti, siis kunstnik, kes on tuntud oma vastuolulisteHiina valitsust kritiseerivate kunstiteoste, tsiteeris nende juhti Mao Zedongi: "Ainus viis uue maailma ehitamiseks on vana maailma hävitamine."

Olles maksnud urni eest sadu tuhandeid dollareid, oli selle hävitamine kahju mitte ainult kultuurile, vaid ka kunstnikule endale. Mõned ütlevad, et selle kunstiteose loomine oli isegi ebaeetiline. Arutelu käib ka selle üle, kas kunstnik kasutas tõelist antiikteost või võltsingut, kuid tema vaikimine selles küsimuses jääb publiku jaoks skandaaliks.

Selles kunstiteoses on näha, et kunstnik kasutas valmis idee, inspireerituna Marcel Duchamp'i Valmismaterjalide kasutamine. Need on leitud objektid ja mida kasutatakse igapäevaelus, mida taaskasutatakse kunstiteoste loomiseks. Selles mõttes on Hiina ajaloo nii võimsale osale viitamine kui ready-made'ile juba iseenesest ennekuulmatu. Selle hävitamine on vaid üks aspekt sellest, mis teeb selle kunstiteose nii võimsaks.

Uru langetades loobub kunstnik ka kultuurilistest väärtustest, lootes luua paremat tulevikku.

Seeria 99 (2014) autor Aïda Muluneh

Aïda Muluneh on kaasaegne kunstnik, kes kasutab ka fotograafiat. Tema portreed aastal Seeria 99 (2014) käsitleb postkoloniaalset Aafrikat. Ta kasutab portreepilte, peamiselt oma kodulinna Addis Abeba naistest, viisil, mis esitab väljakutse traditsioonilisele portreepildile. Seeria 99 hõlmab teatrirõivastesse riietatud ja värvitud nägudega naisi.

Kunstnik kasutab neid portreesid ja oma fotograafiat, et käsitleda naiste soorolle ja identiteeti Etioopias. Selle seeria fotod on rahulikud, kasutades sümboolselt valget ja punast värvi.

Valget nägu nimetab kunstnik maskiks, mis võtab kokku viisi, kuidas representatsiooni muudetakse poliitiliste eeliste saamiseks. Enamik kätest on neil fotodel punased, viidates sellele, et need on verised. Need käed püüavad portreed kontrollida, varjates naiste nägu - viidates kolonialismi tumedale ajaloole ja sellele, kuidas see on mõjutanud Aafrika rahvaid.

Lõppkokkuvõttes analüüsitakse selles sarjas seda, mis tunne on Mulunehil olla Aafrika naine, keda peetakse alati ja kõikjal, kuhu ta läheb, autsaideriks.

Nii muutub tema isiklik lugu universaalselt kohaldatavaks paljudele naistele üle kogu maailma ja annab ülevaate teistele, kes ei mõista, mis see on. Seda lugu kirjeldab kunstnik kui "lugu, mida me kõik kanname, kaotusest, rõhujatest, ohvritest, eraldatusest, kuuluvusest, igatsusest, mida näed paradiisi igaviku pimedas kuristikus." See on lugu, mida kunstnik kirjeldab kui "lugu, mida me kõik kanname, kaotusest, rõhujatest, ohvritest, eraldatusest, kuuluvusest, igatsusest, mida näed paradiisi igaviku pimedas kuristikus".

Tüdruk õhupalliga (purustatud maal) (2018), autor Banksy

Banksy , kes on tuntud oma tänavakunsti poolest, tegi 2018. aastal uudiseid, kui ta lasi Londonis Sotheby's'is oksjonile ühe kunstiteose. Niipea, kui kunstiteos müüdi ja oksjonipidaja lõi oma haamri maha, hakkas see piiksuma ja kunstiteos purunes raamilt.

Kunstnik oli salaja pannud raami sisse purustusseadme. Niipea, kui see müüdi, hävitati kohe üks tema kuulsamaid kunstiteoseid.

Hiljem ütles kunstnik oma Instagrami postituses: "Huvi hävitada on ka loominguline tung." Banksy on kuulus oma võimsate ja lihtsakoeliste graffititeoste poolest ning naljakaid tükeldatud kunstiteoseid tehes on näha, et huumor on ka kaasaegse kaasaegse kunsti oluline osa.

Siin olete tutvunud kaasaegse kunsti erinevate omadustega ning näinud mõningaid näiteid viimase 60 aasta jooksul loodud inspireerivatest ja põnevatest kunstiteostest. Siinsed kaasaegse kunsti näited näitavad, kui erinev ja mitmekesine võib olla kunstiteostus, ning võimaldavad meil heita pilgu teiste inimeste lugudele ja eludele üle kogu maailma. Maakunstist kuni performance'ini jaInstallatsioonid, kunstnikud loovad iga päev uusi muljetavaldavaid asju, et edastada sõnumit - meie ainus ülesanne on kuulata ja mõista!

Vaata meie kaasaegse kunsti veebilugu!

Korduma kippuvad küsimused

Mis on kaasaegse kunsti definitsioon?

Kaasaegne kunst on tänapäeval tehtav kunst, mille aluseks on elu tehnoloogiliselt arenenud maailmas ja kõik selle poliitilised ja kultuurilised lood.

Kas kaasaegne kunst on sama mis kaasaegne kunst?

Kaasaegne kunst ja kaasaegne kunst ei ole üks ja seesama - isegi kui need kaks sõna on sünonüümid. Kaasaegne kunst kirjeldab kunstiteoste tegemise perioodi enne kaasaegse kunsti tekkimist.

Millised on kaasaegse kunsti tunnused?

Kaasaegne kunst on stiilide ja tehnikate poolest mitmekesine ning kõige olulisem tunnusjoon on see, et iga kunstnik teeb tööd oma viisil, mis käsitlevad mõnda tänapäeva maailmas elamise aspekti.