T ta renessanss on keskajale järgnev ajavahemik, mis kestab 15. sajandist kuni 17. sajandini. Sõna renessanss on prantsuse päritolu ja tähendab "taassündi". See nimi sobib sellele perioodile, sest see on üks pöördelisematest punktidest inimkonna ajaloos. Renessansiaja jooksul taaselustas inimkond klassikalise ajastu kvintessentsi kõigis eluperioodides. Teadus, poliitika, majandus ja eelkõige kunst. Mõned kõige austusväärsemad maalid ja skulptuurid on loodud ajalrenessanss.

Renessansiaja skulptuurikunsti ajalugu

Paljud keerulised tegurid vallandasid alguse Renessansiaeg , nagu suurenenud kultuurivahetus tänu kaubateedele ja pühadussõdadele, uuendused nagu Gutenbergi trükipress ja must surm, mis raputas inimeste kõhklematuid religioosseid uskumusi. Üheks olulisemaks teguriks võib aga pidada vanade tekstide taasavastamist. Ajaloolased omistavad selle taaselustamise Itaalia õpetlasele Francesco Petrarcale.

Francesco Petrarca, keda üldiselt tuntakse Petrarca nime all, on renessansi jaoks oluline mitmes mõttes.

Francesco Petrarca pea profiilis, 1800-1849. aastal; Tundmatu autor Tundmatu autor, Public domain, via Wikimedia Commons

Petrarca avastas Rooma õpetlase Cicero kirjad, milles ta leidis loogikal ja mõistusel põhinevaid antiikfilosoofiaid. See ajendas teisi õpetlasi Itaalias ja kogu Euroopas otsima rohkem antiikseid tekste. Petrarca sai tuntuks ka kui humanismi isa, filosoofia, mis tähtsustab inimese, mitte jumalikku võimu, mis juhib tema saatust. Humanism sai renessansiajastu iseloomulikuks tunnusjooneks. .

Teiste iseloomulike tunnuste hulka kuuluvad perspektiivi ja naturalistliku kunsti liikumise meisterlikkus.

Renessansiajastul ühinesid kunst ja teadus, mis võimaldas kunstnikel kasutada matemaatikat, et omandada lineaarne perspektiiv. See võimaldas neil luua rohkem 3D-pilte, mida kunstis varem ei olnud kunagi uuritud. See pani kunstnikud püüdma võimalikult realistlikke pilte ja skulptuure, mis on nüüdseks tuntud kui naturalism.

Skulptuuri kuju, mis skulptuurib end ise, mida nimetatakse Puuraja (1901), autor Charles Niehaus; Sturgis, Russell, Piiranguteta, Wikimedia Commons'i kaudu

Renessansiaegne kunst jagatakse sageli kolme faasi: vararenaissance, kõrgrenessanss ja hilisrenessanss. Kuigi need kolm faasi on väga sarnased, on nende vahel siiski mõned eristavad tegurid. Vararenaissance ajal oli Firenze, mis oli sel ajal iseseisev linnriik, Itaalia kunsti epitsenter. See oli suuresti tingitud katoliku kiriku suurenenud kunstipatronaažist.ja Medici perekond linna kaunistamiseks kulutati suuri summasid, eriti skulptuuridele. Kreeka ja Rooma mütoloogia olid vararenaissance skulptorite lemmikteemad.

Kõrgrenessanss on teatavasti selle liikumise tippaeg.

Selles etapis oli Itaalia renessanssiskulptuur levinud teistesse Itaalia suurlinnadesse, eelkõige Rooma. Katoliku kirik tellis renessansskulptuuri meistritelt, kõige tuntumalt Michelangelolt, skulptuure Püha Peetruse basiilika ja teiste kirikute jaoks. pühad katedraalid Seetõttu vähenesid kõrgrenessansis kreeka ja rooma mütoloogia teemad ja suurenesid kristluse teemad.

Moses (1513) Michelangelo poolt paavst Julius II haua jaoks; Luca Casartelli, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons

Hilisrenessanss erineb kahest eelnevast faasist selgemini tänu manerismi levikule. Kõrgrenessansi skulptuurid näitasid harmooniat, mõtlemist ja realismi. Seevastu hilisrenessansi manerismi iseloomustasid pinge, emotsioon ja liialdus. Arvati, et hilisrenessansi skulptorid ei uskunud, et nad võiksid ületada töödoma eelkäijatest ja pidid seega tegema midagi muud.

Hilisrenessansis nähtud manerismi peetakse sageli üleminekuks hilisrenessanssi Barokiaeg.

10 kõige kuulsamat renessansiajastu skulptuuri, mis eksisteerivad

Mõned ajaloo kõige oskuslikumalt teostatud skulptuurid on loodud renessansiajastu skulptorite poolt. Nende arusaam inimese anatoomiast ja valitud meediumi töötlemisest on võrratu. Kuulsad renessansiajastu skulptuurid on muutunud nii religioosseteks ikoonideks kui ka turismiobjektideks, mis on paelunud inimesi kõigist eluvaldkondadest.

Paradiisi väravad (u. 1425 - 1452) Lorenzo Ghiberti looming.

Ghibertit peetakse sageli üheks varaseimaks renessansiajastu skulptuuriks. 1403. aastal korraldas katoliku kirik konkursi, kes saaks tellimuse Firenze baptistooriumi uste skulptuurimiseks. Ghiberti võitis konkursi, mille uks koosnes 28 pronkspaneelist, millest igaühel oli kujutatud erinev piibliteema.

Selleks kulus tal 21 aastat.

1425. aastal asus Ghiberti tööle Baptisteeriumi idapoolse sissepääsu uste kallal. Selle tellimuse täitmiseks asutas ta Firenzes töökoja, mis koolitas välja selliseid inimesi nagu Donatello ja teiste kuulsate renessansiajastu skulptoritega. Isegi koos oma õpipoegade abiga võttis uste valmimine kokku 27 aastat.

Paradiisi väravad (u. 1425-1452), autor Lorenzo Ghiberti; Rijksmuseum, CC0, Wikimedia Commons'i kaudu

Paradiisi väravad koosneb 10 pronkspaneelist, mis on kullatud kullaga. Need kujutavad erinevaid Vana Testamendi isikuid, nagu Aadam ja Eeva, Noa, Joosep ja teisi tähtsaid piiblilugusid. Kõiki neid paneele raamivad kaunistatud taimestik, prohvetite kujud ning kunstniku ja tema isa büstid.

Kuulus renessansiajastu skulptor Michelangelo on tegelikult see, kes andis sellele uskumatule renessansiajastu kunstiteosele nime. Neid nähes märkis ta, et need näevad välja nagu "Porta del Paradiso" ehk "Paradiisi väravad". Kuni Michelangelo neile selle hüüdnime andis, tunti neid lihtsalt kui "Ida uksed".

David (u. 1430 - 1440), autor Donatello

David by Donatello on üks renessansiajastu mõjukamaid skulptuure. 1430. ja 1440. aasta vahel loodud skulptuur, mille tellis Medici perekond oma õuele. Hiljem viidi see siiski ümber Palazzo Vecchio'sse ühe Medici paljude Firenzest pagemise ajal.

Donatello õppis esmalt kullassepaks ja hiljem Ghiberti kuulsas Firenzes asuvas töökojas. Just seal õppis ta metallidega nii täpselt manipuleerima. Hilisematel aastatel kolis Donatello Rooma, kus ta õppis Rooma kunst ja arhitektuur.

Varajase renessansi ajal olid antiik-Rooma ja -kreeka teemad renessansiaegses kunstis väga olulised, nagu on näha paljudes Donatello töödes.

David (u. 1430-1440), autor Donatello; Donatello, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons

On kaks peamist omadust, mis tegid Donatello David üks kuulsamaid renessansskulptuure. See oli üks esimesi vabalt seisvaid akte, mis loodi alates Klassikaline periood Selle aja jooksul olid skulptuurid peaaegu alati integreeritud selle koha arhitektuuri, mille jaoks nad olid kavandatud.

Juba ainuüksi see tegi sellest Taaveti kuju renessansiajastu revolutsiooniliseks skulptuuriks.

Teine asi, mis tegi David nii unikaalne oli naturalismi tehnika, mida Donatello kasutas skulptuuri loomisel. See ei olnud mitte ainult väga proportsionaalne, vaid ka üks täpsemaid Itaalia renessansiajastu skulptuure piibliliku kuju Taavetist. Piiblis on Taavet alles noor poiss, kui ta võidab hiiglasliku Goliati. See näitab, et isegi nõrk võib võita tugeva, kui Jumal on tema poolel. Donatellonäitab seda oma peaaegu naiseliku Taaveti kujutisega. Skulptuuri peas on näha ka loorberit, Rooma võidu sümbolit, mis tähistab tema võitu.

Judith ja Holofernes (u. 1455 - 1460), autor Donatello

Juudit ja Holofernes, mis on loodud umbes 1455. aastal, on veel üks Donatello kuulsatest renessanssiskulptuuridest. Medici tellimusel oli see mõeldud saatma David. Kuigi erinevalt David , Judith ja Holofernes oli kunagi kullatud, nagu võib näha Juditi mõõga allesjäänud kullast. Algselt oli skulptuuril ka kiri: "Kuningriigid langevad pattude tõttu, linnad tõusevad vooruste tõttu. Vaata, uhkuse kaela lõikab ära alandlikkuse käsi." Hiljem eemaldas vabariik selle aga Medici-suguluse tõttu.

Skulptuur kujutab lugu juudi lesest Juuditist ja Assüüria armee julmast väejuhist Holofernesest. Holofernes kavatses hävitada linna, kus Juudit elas. Et päästa oma rahvast, võrgutab ja mahalõikab ta mehe, kui too on segaduses. Nagu Donatello's David see skulptuur näitab, et isegi nõrgad võivad võita oma vaenlasi, kui nad teevad Jumala tööd.

Arvatakse, et Donatello näitas seda hetke enne mahalöömist, et anda edasi Juditi moraalset võitlust ühe 10 käsu rikkumise ja linna päästmise vahel.

Judith ja Holofernes (u. 1455-1460), autor Donatello; I, Sailko, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Judith ja Holofernes oli üks esimesi Itaalia renessansiajastu skulptuure, mis loodi "ringikujulisena", mis tähendas, et seda pidi vaatlema kõigi nurkade alt, ilma selge esiplaanita. See tehnika sai hiljem renessansiajastu skulptorite seas väga populaarseks. Judith ja Holofernes See on ka ainus Donatello skulptuur, mille ta allkirjastas, sest arvatakse, et see oli üks tema viimaseid loomingut ja seega soovis ta end oma kunstiteose kaudu jäädvustada.

Kunstiajaloolased on märkinud, et kuigi Donatello kunstiteoste kohta on renessansiaegset kirjandust palju, on kunstniku enda kohta väga vähe. Paljud usuvad, et see on tingitud sellest, et ta ei olnud mitmel põhjusel väga armastatud.

Esiteks arvati, et ta oli halva tujuga ja eelistas hoida end omaette. Teiseks öeldi, et ta oli avalikult homoseksuaalne, mis oli tol ajal vastuvõetamatu. Lõpuks, ja mis kõige tähtsam, ta oli lähedane sõber Medici perekonnale, keda Firenze rahvas vihkas türannina.

Pietà (u. 1498 - 1499) Michelangelo poolt.

Pietà Michelangelo telliti Roomas asuva prantsuse kardinal Jean de Bilhères'i poolt tema haua kaunistamiseks. Michelangelo lõpetas Pietà umbes 1498. aastal, mil ta oli kahekümnendates eluaastates. Kuigi skulptuur kaunistas üle 200 aasta kardinali matmispaika, viidi see hiljem üle Vatikani Peetri kirikusse.

The Pietà kujutab Neitsi Maarjat, kes hoiab Kristuse ihu süles pärast tema ristilöömist. Michelangelot on kiidetud tema inimkujude täpsuse ja tema tähelepanu üksikasjadele, eriti kui tegemist on kangaste skulptuuridega. Ta on ka võimeline oma teoste kaudu edastama ja esile kutsuma intensiivseid emotsioone.

Kuigi see on Michelangelo üks esimesi suuremaid skulptuure, näitas ta juba Itaalia renessansiajastu skulptuuri meistri oskusi.

Pietà (u. 1498-1499), autor Michelangelo; Michelangelo, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Kuigi Pietà mida peetakse laialdaselt meistriteoseks, on see siiski saanud mõningast kriitikat. See puudutab peamiselt Neitsi Maarjat, kes näib liiga noorena, et tal oleks keskealine poeg. Michelangelo oli sügavalt religioosne mees ja seega imetles ta väga Neitsi Maarjat. Ta väitis, et ta skulptuuris on ta tahtlikult nii noor, et väljendada tema puhtust ja pühadust.

The Pietà on ainus tema skulptuur, mille Michelangelo on kunagi allkirjastanud. Arvatakse, et ta kuulis pealtvaatajad, kes arutlesid selle ilu üle. Pietà, aga nad andsid selle skulptuuri eest tunnustuse teisest piirkonnast pärit kunstnikule.

Frustratsioonist raius Michelangelo seejärel oma nime üle Neitsi Maarja rinna. Hiljem kahetses ta seda otsust, kuna see oli liiga ülbe, ja ei allkirjastanud enam kunagi ühtegi oma kunstiteost.

David (u. 1501 - 1504) Michelangelo poolt.

David Michelangelo skulptuur on vaieldamatult kõige kuulsam renessansiajastu skulptuur. See loodi millalgi aastatel 1501-1504 puhtast valgest marmorist. Kuigi see telliti Firenze Piazza della Signoria jaoks, asub see praegu Galleria dell'Accademias. Hilisematel aastatel loodi aga kuju koopia Piazza della Signoria jaoks, et kõik inimesed saaksid seda näha.

Arvatakse, et Michelangelo põhines oma David Kreeka-Rooma kangelase Heraklese kohta. Need klassikalise ajastu mõjud on Itaalia renessansskulptuuris väga levinud. David meenutab antiikajast pärit akti, näidates teda kui täiuslikku meessoost isendit. Kui vaadata skulptuuri lähemalt, võib siiski näha, et ta on veidi risti silmadega. Kunstiajaloolased on öelnud, et see väike ebatäiuslikkus oli tahtlik.

Väidetavalt on see viga tingitud austusest klassikalise ajastu skulptorite vastu, et näidata, et Michelangelo ei püüdnud neid ületada.

David (u. 1501-1504), autoriks Michelangelo; Michelangelo, CC BY 3.0, Wikimedia Commons'i kaudu

Erinevalt enamikust Taaveti kujutistest renessansiajastu kunstis on Michelangelo David ei ole kaasas Goliat'i pea. Selle asemel näitab ta Taavetit hetkedel enne tema võitlust Goliat'iga. David tema näol on keskendunud ja otsusekindel ilme, mis näitab, et ta on lahinguks valmis. Tema õlale on riputatud väike katapult, mis illustreerib strateegia asemel tugevuse teemat.

Renessansi ajal oli Firenze vabariik, kuid selle vabadust ohustasid sageli oligarhiline Medici perekond ja teised võimsad Itaalia riigid. Just seetõttu sai piiblisangar Taavetist Firenze ja selle võitluse sümboliks türannidega.

Kui Michelangelo Taaveti kuju asus veel Piazza della Signoria platsil, oli tema pilk suunatud Rooma poole, hoiatuseks, et ta ei tekitaks konflikti Firenzega.

Brugge'i Madonna (u. 1501 - 1504) Michelangelo poolt.

Michelangelo lõpetas Brugge'i Madonna Umbes 1501. Skulptuuri tellis üks rikas flaami villakaupmees oma perekonnakabelisse paigutamiseks. Seega on see ainus Michelangelo skulptuurid See on jäänud Belgiasse, Onze Lieve Vrouwekerki nimistusse.

Brugge'i Madonna on ebatavaline kujutis arhetüüpsest emast ja lapsest. Tavaliselt näidatakse Neitsi Maarjat, kes vaatab armastavalt alla Jeesuslapsele. Siiski on Brugge'i Madonna Maarja on näha, kuidas ta vaatab põrandale, eemal oma lapsest. Samuti hoiab ta vaevu käes Jeesust, kes paistab, nagu oleks ta kohe-kohe iseseisvalt minema minemas.

Arvatakse, et Maarja pidulik ilme näitab, et ta aimab oma poja saatust.

Brugge'i Madonna (u. 1501-1504), autoriks Michelangelo; Michelangelo, CC0, Wikimedia Commons'i kaudu

Tüüpilistel kujutistel on kujutatud naeratavat, kerubilaadset Jeesuslapsukest. Kuid Jeesuslaps on siiski Brugge'i Madonna vaatab sama kivise näoga nagu Neitsi Maarja. See näitab taas kord, et ta on teadlik oma saatusest. See, kuidas ta seisab ilma suurema abita Maarja juures, näitab, et temast saab ühel päeval juht.

"Brugge'i Madonnal" on väga keerukas ajalugu, kuna see on kaks korda belglastelt varastatud.

1794. aastal varastasid prantsuse revolutsionäärid kuulsa renessansskulptuuri, haarasid ala ja võtsid Brugge'i Madonna See jäi Pariisi kuni 1816. aastani, pärast Napoleoni pagendamist. 1944. aastal, Teise maailmasõja ajal varastasid selle natsid, kes seda salaja Punase Risti kaubikuga transportisid, uuesti. Õnneks leiti see üles ja tagastati Belgiasse kaks aastat hiljem, pärast sõja lõppu.

Herakles ja Cacus (u. 1525 - 1534) Bartolommeo Bandinelli looming.

Itaalia renessansiaegne skulptuur Herakles ja Cacus valmis Bartolomeo Bandinelli poolt umbes aastal 1534. Skulptuuri tekkimise lugu on väga tormiline ja seda mõjutas tugevalt tolleaegne poliitiline ebastabiilsus. See on tõenäoliselt ka põhjus, miks skulptuur ei saanud renessansiajastul sellist kiitust nagu tänapäeval.

Algselt telliti see projekt 1507. aastal Firenze vabariikliku nõukogu poolt Piero Soderini juhtimisel. Esimene tellimus anti Michelangelole ja see oli mõeldud tema David. Skulptuur pidi tähistama oligarhide suguvõsa Medici eemaldamist Firenzest 1494. 1494. aastal, kuid paavst Julius II hoidis Michelangelot hõivatud erinevate projektidega Vatikanis, näiteks Sixtuse kabelis lae maalimine .

Kuigi Michelangelo eelistas skulptuuri maalimisele, tundis ta, et ei saa oma usuliste tõekspidamiste tõttu paavstile ei öelda.

Herakles ja Cacus (u. 1525-1534) Bartolommeo Bandinelli; Morio, CC BY-SA 3.0, Wikimedia Commons'i kaudu

Samal aastal, kui vabariigi nõukogu tellis skulptuuri, lasid nad projekti jaoks Carrara marmorist ploki kaevandada. 1512. aastal pöördusid aga katoliku kiriku ja Hispaania vägede abiga Medicid tagasi Firenze kontrolli alla. Kogu selle poliitilise ebastabiilsuse ajal oli marmoriplokk unustatud. Kui see 1523. aastal taasavastati, käskis Giulio de' Medici Bandinellilevõtta see ja luua skulptuur, mis sümboliseerib, et Medicid vallutavad oma vaenlasi.

Kuid 1527. aastal saadeti Medicid taas pagendusse ja marmor anti pooleli jäänud kujul Michelangelole.

Enne kui Michelangelo jõudis tellimusega alustada, naasis Medici perekond 1530. aastal viimast korda Firenzesse. Medicid andsid marmori Bandinellile tagasi. Ta valis skulptuuri teemaks Rooma müüdi Heraklesest ja Cacusest. Müüt räägib koletisest Cacusest, kes varastab Herakleselt karja. Herakles, Rooma mütoloogia kangelane, tapab seejärel koletise. Herakles ja Cacus sümboliseeris Medici varguse Firenze kodanikuvabadusi. Seetõttu kritiseeriti seda omal ajal väga tugevalt.

Perseus Medusa peaga (u. 1545 - 1554) Benvenuto Cellini loomingus

Perseus Medusa peaga loodi umbes 1545. aastal kuulsa renessansiajastu skulptori Benvenuto Cellini poolt. Cellini oli algselt koolitatud kullassepp ja pronksist valmistatud Perseus Medusa peaga on tunnistus tema uskumatust võimest töödelda metalli.

Skulptuuri on märgitud kui üht kõige eeskujulikumat näidet hilisrenessansiajastu manerismi kohta.

Nagu paljud kuulsad renessansiaegsed skulptuurid, Perseus Medusa peaga oli Medici perekonna tellimusel. Cellini otsustas kasutada tehnikat, et luua Perseus Medusa peaga mis ei olnud ajastule omane. Ta moodustas üheainsa valukeha, millega ta pronksi valas. See näitas taas kord tema uskumatuid oskusi kunstnikuna, sest see polnud kerge saavutus.

Perseus Medusa peaga (umbes 1545-1554), mille autoriks on Benvenuto Cellini; Bradley Weber, CC BY 2.0, Wikimedia Commons'i kaudu

Perseus Medusa peaga kujutab üht Kreeka mütoloogia tuntumat lugu. Müüdis õnnestub Perseusel vältida Medusa pilgu kivistumist, vaadates tema peegeldust oma kilbist. Cellini viitas sellele teoses Perseus Medusa peaga Perseuse kiivri tagaküljele tema enda peegeldust skulptuurides. Müüt lõpeb sellega, et Perseus lõikab Meduusa pea maha, kui too magab.

Cellini tegi oma skulptuuri aluse osaks skulptuurist, mis oli tol ajal üsna ainulaadne.

Medusa tapetud keha on kasutatud alusena, millel Perseus seisab. Cellini kasutas alust ka peene poliitilise sõnumi edastamiseks. Gorgoni kehast roomavad välja maod, mis kujutavad Medici linna ülevõtmist ja demokraatia ohustamist.

Depositsioon (u. 1547 - 1555) Michelangelo poolt.

Michelangelo alustas tööd Depositsioon kuskil 1555. aasta paiku, kui ta oli 70ndate aastate alguses. See on üks viimaseid asju, mida ta enne surma skulptuuris ja mis ei olnud tellimustöö. Seetõttu arvatakse, et see oli mõeldud tema enda haua kaunistamiseks.

Selle religioosse teema tõttu nimetatakse seda mõnikord "Firenze Pietaks".

Depositsioon skulptuur on valmistatud puhtast valgest marmorist ja koosneb neljast figuurist: Kristus, kui teda võetakse ristilt maha, Neitsi Maarja, Maarja Magdaleena ja preester Nikodeemos, kes pidi Kristust palsameerima. Paljud kunstiajaloolased usuvad, et Nikodeemuse figuur on skulptuuris kujutatud kunstniku enda näo järgi.

Depositsioon (u. 1547 - 1555) Michelangelo poolt; Sailko, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

Räägitakse, et Michelangelo töötas sageli hilisõhtuni öösel. Depositsioon. Ühel ööl sai ta pettumusest haamriga skulptuurile pihta, kahjustades seda mitmest kohast. On ebaselge, mis sundis teda seda tegema. Mõned ütlevad, et see oli õnnetus oma tööga, samas kui teised usuvad, et see oli võitlus tema usuliste tõekspidamistega.

Mis iganes oli tema põhjuseks, Michelangelo ei töötanud selle kallal enam kunagi, vaid müüs selle kahjustatud ja pooleli jäänud kujul.

Depositsioon ostis Francesco Bandini, rikas Firenze ärimees. Seejärel tellis ta Michelangelo endisele õpipoisile Tiberio Calcagnile skulptuuri valmimise. Selle kunstniku vahetuse ja Michelangelo poolt tekitatud kahjustuste tõttu on skulptuuris palju ebajärjekindlust, näiteks Kristuse puuduv jalg. Depositsioon müüdi lõpuks, nüüdseks valmis, Cosimo de 'Medici III-le, kes seda seejärel erinevates Firenze muuseumides eksponeeris.

Sabine naise röövimine (u. 1579 - 1583) Giambologna loomingus

Sabine naise röövimine valmis umbes 1579. aastal flaami skulptori Giambologna poolt. Giambologna õppis noorena Antwerpenis ja siirdus seejärel Rooma, et õppida Itaalia meistrite juures.

Tema maneristlik stiil mõjutas eriti palju hilisrenessanssile järgnevat barokkperioodi.

Sabine naise röövimine , nimetatakse sageli Sabine naiste vägistamine See on aga ladina keele vale tõlge. rapio , mis tegelikult tähendab "ära lohistada". Skulptuur jutustab Rooma legendi, milles Romulus, üks Rooma asutajatest, röövib mitmeid sabiini naisi. Ta ja tema väed vajasid naisi, et aidata neil asustada piirkonda. Kohalik sabiini hõim aga ei lubanud roomlastel abielluda ühegi oma naisega. Nii korraldasid nad religioosse festivali ettekäändena, et koguda kokku kõik sabiininaised, et nad saaksid neid varastada.

Sabine naise röövimine (u. 1579-1583) Giambologna; Rufus46, CC BY-SA 3.0, Wikimedia Commons'i kaudu

Sabine naise röövimine See on raiutud ainulaadsest marmorplokist, mis nõuab tohutut oskust. See on loodud ümaralt ja selle keerukas kompositsioon teeb sellest igast vaatenurgast uskumatu kunstiteose. See kujutab kolme liikuvat figuuri: väljasirutatud kätega sabiini naine, kes üritab põgeneda, Rooma sõdur, kelle lihased lainetavad, kui ta üritab teda kinni võtta, ja vanem mees, kellest mõned usuvad, et ta on tema isa jateised usuvad, et tegemist on tema abikaasaga.

Just Giambologna poolt näidatud selge emotsioon ja liikumine teevad "Sabine naise röövimise" nii oluliseks maneristlikuks kunstiteoseks.

Sabine naise röövimine, Medici perekonna tellimusel, oli hilisrenessansi ajal laialt tuntud. Medici keelasid oma patrooniks oleval perekonnal Giambolognal Firenzest lahkuda, sest nad kartsid, et Hispaania ja Austria monarhid näevad tema hiilgavaid töid ja meelitavad teda nende asemel tööle.

Sellega on meie kuulsate renessansskulptuuride nimekiri lõppenud. Nägime oskuste ja teemade arengut vararenaissance'i, kõrgrenessansi ja hilisrenessansi perioodidest kuni hilisrenessansini. Selle perioodi suurepärase skulptuuri nimekiri on nii lai. Seetõttu oleks võimatu kõiki selle aja jooksul loodud hiilgavaid skulptuure ühteainsasse blogipostitusse lisada.Kui teile meeldis lugeda nende imeliste skulptuuride ja nende põnevate ajalooteadmiste kohta, julgustame teid neid edasi uurima.

Tutvu meie renessansiaegsete skulptuuride veebilooga siin!

Korduma kippuvad küsimused

Millised omadused iseloomustavad renessansskulptuuri?

Renessansskulptuuris kasutatakse tavaliselt naturalismi, mille eesmärk on teha oma teemad võimalikult realistlikuks, kasutades proportsioone ja põhjalikke detaile. Peaaegu alati oli skulptuuri teema inspireeritud rooma-greka või kristlikest teemadest. Lõpuks, hilisrenessansi ajal ilmutasid paljud skulptuurid mannerismi, kunstisuunda, mis kasutas keerulisi vorme ja liialdatud poose.

Kuidas meisterdas Michelangelo oma skulptuurid?

Michelangelo oli üks suurimaid kunstnikke renessansiajastul ja isegi ajaloos tervikuna. Ta nikerdas oma skulptuurid tavaliselt ühest marmorplokist, kasutades tehnikat, mida nimetatakse subtraktiivseks skulptuuriks. Kui temalt küsiti, kuidas ta nii kauneid skulptuure lõi, ütles ta sageli, et ta lihtsalt lasi vabaks selle, mis oli juba marmoris.