Üle kolme sajandi kestnud renessanss osutus üheks kõige populaarsemaks kunstiliikumiseks, mis on pärit Euroopast. Paljud kunstnikud lõid maalid ja skulptuurid tüüpilises renessansistlikus stiilis, mida peeti klassikalise hariduse ja tarkuse taaselustamiseks. See on toonud kaasa selle ajastu arvukate kunstiteoste uurimise läbi kunstiajaloo, sest renessansiajastu teosed on osutunud uskumatult populaarseks ja populaarseks.Mõjukas. Mõned kõige kuulsamad maalid, mis on kunagi tehtud, on pärit renessansiajastust, mis näitab selle liikumise lõputut tähtsust.

Mida esindas renessansiaegne kunstiliikumine?

14. sajandist kuni 17. sajandini domineeris renessanss Euroopa kunstielus, kusjuures see stiil mõjutas paljusid ühiskonna valdkondi. Lisaks kunstile näitasid renessansi ajal märgatavat muutust erinevad aspektid, nagu religioon, kirjandus ja poliitika, mis tõestas liikumise tähtsust. Suurenenud loodusteadlikkus oli toimunud tänu sellele, ettaaselustumine kreeka ja Rooma kunst tehnikaid, mille käigus paljud kunstnikud lõid tõeliselt hiilgavaid skulptuure ja maale.

Renessanss algas kultuurilise liikumisena Itaalias, kuid laienes kiiresti üle Euroopa.

Kuna renessansiajastu kestis umbes 300 aastat, tähendas loodud maalide tüüp sellist revolutsiooniperioodi kunstis, millele ei ole veel keegi võrreldud. Paljusid neist kunstiteostest imetletakse tänapäevalgi, kusjuures mitmed kuulsad renessansiajastu maalid esindavad traditsioonilise kunsti tippu. Renessansiaegne kunst on tõestanud oma võimet vastu pidada karmile ajaproovile, mis on näidanud selle pikaealisust.

Kuna katoliku kiriku tellimusel valmisid arvukad teosed, leidsid paljud kõige ikoonilisemad renessansiaegsed maalid kuju freskod Seda seetõttu, et riiki peeti tollal katoliku kiriku keskuseks, mille laefreskod tähendasid, et publiku pilk tõmbub taevasse. Enamik neist kuulsatest renessansiaegsetest kunstiteostest on tänaseni heas seisukorras ja kaunistavad Itaalia parimate kirikute sisemust ning katedraalid täna.

Renessanss mängis otsustavat rolli Euroopa suunamisel pimedast keskajast välja ja moodsasse valgustusajastusse.

Sellel kuldajal tegi maalikunsti kontseptsioon oma materjalide ja tehnikate osas suure hüppe edasi, kusjuures peamisteks rõhuasetusteks kujunesid inimese täpne anatoomiline kujutamine ja lineaarne perspektiiv. Tekkis humanismi filosoofia, mis sundis kunstnikke pöörduma antiiktehnika poole. See võimaldas neil ausalt kujutada universaalset inimest ja tema kohamaailma oma kunstiteostes.

Kristuse piitsutamine (1460), mille autor on Piero della Francesca ja mis näitab mitmeid renessansiajastu kunsti tunnuseid, nagu lineaarne perspektiiv ning valguse ja varju kasutamine; Piero della Francesca, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Lahkumine idealiseeritud religioossest ikonograafiast, mis sai kuulsaks keskajal ja kestis kuni renessansi alguseni, võimaldas esile tuua uusi taevaste teemade kujutamisi koos rikkalikuma ja inimlikuma emotsionaalsusega.

Renessansiajastu kunstnikud töötasid välja ja täiustasid mitmesuguseid tehnikaid, mis võimaldasid neil luua oma maalides ja skulptuurides äärmise sügavuse, täpsuse ja õigesti proportsioneeritud figuurid. See tõstis tehtud kunstiteoseid, kuna vaatajatele pakuti autentsemaid ja ehedamaid stseene.

15 kõige kuulsamat renessansiaegset maali, mis on olemas

Renessanss kui kõige ikoonilisem kunstiliikumine, mis on kunagi eksisteerinud, on sünnitanud palju tähelepanuväärseid maale, mis on leidnud tee tänapäeva popkultuuri. Vaatamata sellele, et paljud kunstnikud aitasid kaasa renessansi arengule, on ainult mõned valitud kunstnikud eriti kiidetud ja nende panuse eest meeles peetud.

Kuigi järgnev loetelu ei pruugi olla väga ammendav, vaatleme renessansiajastu kõige austusväärsemaid ja kuulsamaid maale.

Juudase suudlus (1306), autor Giotto

Maalinud Itaalia maalikunstnik ja arhitekt Giotto di Bondone aastal 1306, Juudase suudlus on andnud inspiratsiooni lugematutele kunstnikele, kes on tulnud pärast selle esialgset loomist. Kujutades hetke, mil Jeesuse reetmine Juudase poolt toimus, on seda kunstiteost tavaliselt nimetatud ka "Kristuse reetmiseks". Piibli järgi olevat see Juudase pettus toimunud vahetult pärast viimset õhtusöömaaja, kui ta läks Kristust suudluse kaudu tuvastama, enne kui teatas sellestümbritsevad Rooma sõdurid.

Kui Jeesus tuvastati, arreteeriti ta ja hiljem hukati. Juudase suudlus kujutas endast lahutamatut hetke kristluses, kusjuures see sündmus pani aluse fraasile "Juudase suudlus". Getsemani aias aset leidev Giotto maalis õhtuse stseeni, mis rõhutas veelgi dramaatilisust maalil.

Paigutades lugematuid figuure kompositsiooni taustale, tekitas ta Kristuse eelseisva surma ümber ülekaaluka kindluse tunde.

nr 31 Stseenid Kristuse elust : 15. Kristuse arreteerimine (Juudase suudlus) (1304-1306), autor Giotto di Bondone. Scrovegni kabel, Padova, Itaalia; Giotto di Bondone, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Itaalias Scrovegni kabelis maalitud freskotükis suutis Giotto kujutada tõeliselt vastandlikku ja väga emotsionaalset stseeni. Juudase suudlus osutus Giotto maalide grupist kõige populaarsemaks ja ihaldatumaks freskoks, mille tõttu paljud kriitikud väitsid, et ükski teine kunstnik ei suuda tema teoste kvaliteeti ületada. Giotto maalikunstniku oskused ilmnesid selles teoses veelgi enam, sest ta suutis oskuslikult jäädvustada nii Juudase kui ka Jeesuse väljenduse ilma sõnade vajaduseta.

Teine põhjus, miks Juudase suudlus on selline ikooniline kunstiteos, sest arvati, et see tähistab tuttava ja tavapärase keskaegse maalimisstiili lõppu. Selle ilmumine kunstiväljakule pidi kuulutama kunstilise revolutsiooni uut lainet, mida tuntakse varajase renessansi nime all. Selle loomise ajal, Juudase suudlus ja teisi gruppi kuuluvaid freskoteoseid peeti kõigi kunstnike moodsaimateks kunstiteosteks.

See maali pani tõeliselt aluse uuele renessanssiajastule ja selle kunstnikele.

Annunciation (u. 1472 - 1475) Leonardo da Vinci looming.

Võimalik, et renessansiajastu suurim kunstnik oli Leonardo da Vinci, keda kõik pidasid "renessansiaja inimese" kvintessentsiks. Üks tema märkimisväärseid teoseid, mis on maalitud umbes aastatel 1472 ja 1475, on Annunciation . 20-aastaselt maalitud teos näitas teatud omadusi ja tunnuseid, mida ei peetud veel "leonardilikuks" võrreldes tema hilisemate töödega.

Sellel maalil kujutas da Vinci vasakul pool inglit ja paremal Neitsi Maarjat, nende vahele on asetatud kantsel.

Renessansiaegse palee ees asuvas kitsas aias põlvitab peaingel Gabriel Neitsi Maarja ees ja kingib talle lilleliilia. Vaatamata sellele tegevusele jääb Neitsi Maarja väärikalt istuma kõnepuldi taha, kus ta näib olevat lugemas. Ingel, kes on kujutatud suurepäraselt nooruslikuna oma kõrge otsaesise, elegantsete tiibade ja rikkaliku riietusega, võtab Maarja vastu omaehmunud ilme, mida rõhutas veelgi tema tõstetud käsi. Tema poosi on kirjeldatud ka kui tugevat, mis rõhutas tema monumentaalset olemust.

Annunciation (u. 1472-1475), autor Leonardo da Vinci, Uffizi muuseum; Leonardo da Vinci, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Koostis Annunciation järgis iidset mudelit, kus ingel on paigutatud vasakule ja Neitsi paremale, neid lahutab pult. Selle kompositsiooni seade avaneb siis tavaliselt avarale maastikule, nagu on näha käesoleva teose taustal. Da Vinci töötas selle traditsioonilise ja religioosse teemaga väga maalähedaselt ja loomulikult, nagu näitab ingel. Ta on näidanud, et ta on tõelistreaalsus tema varju kaudu, mida võib näha murul, samuti tema riiete realistlike voltide kaudu.

Kuna seda peetakse da Vinci suhteliselt nooreks teoseks, on selle algse asukoha või tellija kohta väga vähe teada.

Üks aspekt, mis seob selle teose paratamatult da Vinciga, on tavapärane tumedate värvide kasutamine, mis on segatud, mis oli enamiku da Vinci teiste teoste kaubamärk. Mõned anomaaliad võib leida sees Annunciation Seda on siiski seostatud da Vinci noore vanusega selle teose loomise ajal, kuna ta omandas veel mitmeid tehnikaid.

Kristuse kaebus (u. 1475 - 1501), autor Andrea Mantegna

Maalis Itaalia kunstnik Andrea Mantegna millalgi aastatel 1475-1501, The Kristuse kaebus eksisteerib kui tuntud maal, mis pärineb renessansiajastu liikumisest. Tuntud ka kui Kaebus surnud Kristuse üle või Surnud Kristus Sellel kunstiteosel on kujutatud Kristuse keha, mis lamab näoga ülespoole marmortahvlil. Vasakult vaatavad tema üle Neitsi Maarja, Püha Johannes ja Püha Maarja Magdaleena, kes kõik leinavad tema surma.

Leinateema osutus renessansiajastul populaarseks, kuid Mantegna käsitlus Kristuse kohta oli selle aja kohta üsna ebatavaline.

Enamik teisi leinamaalid näitasid tavaliselt rohkem kontakti Kristuse keha ja leinajate endi vahel, samas kui Mantegna maalil on nende kahe subjekti vaheline distants rõhutatud. Kristuse kaebus Sellele vaatamata kujutas Mantegna maal valusat uurimust lühendatud kehast piiblitragöödia äärmiselt emotsionaalses kujutluses.

Kaebus surnud Kristuse üle (1490), autor Andrea Mantegna; Andrea Mantegna, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Nii selle stseeni realistlikkust kui ka laastatust suurendas Mantegna jõuline perspektiiv, mida ta kasutas lamava Kristuse ülestähendamiseks ja suurendamiseks. Lisaks rõhutas ta veel mõned Kristuse anatoomilised detailid, nagu tema rindkere, ning kujutas tema käte ja jalgade augud ning leinajate kortsus näod uskumatult karmi valgusega.

Seda tehti selleks, et minimeerida igasugust idealismi, sest Mantegna eesmärk oli luua kunstiteos, mis suudaks täielikult tabada Kristuse surmaga kaasnevat teravust.

Kristuse hädaldamine arvati, et see oli tehtud Mantegna enda surnuaia kabelisse, sest tema pojad leidsid selle alles pärast tema surma. Maal müüdi aga peagi maha, et tasuda tema järelejäänud võlgu, enne kui see jõudis Milano Pinacoteca di Brera galeriisse. See teos on üks paljudest näidetest Mantegna kogemustest perspektiivi alal, mida tõestab Kristuse jalgade suurus. Kuigi Kristuse keha olirealistlikult kujutades oli Mantegna sunnitud oma jalgu oskuslikult vähendama, et need ei domineeriks kompositsiooni üle.

La Primavera (1477 - 1482), autor Sandro Botticelli

Märkimisväärne Itaalia maalikunstnik Sandro Botticelli lõi käputäie ikoonilisi renessansiaegseid maale oma karjääri jooksul. La Primavera , mis maaliti aastatel 1477-1482, kujutab täiesti mütoloogilist stseeni ja seda peetakse üheks kuulsaimaks maaliks lääne kunstis. Teost, mille pealkiri tähendab itaalia keeles "kevad", on aastate jooksul nimetatud ka "Kevade allegooriaks". Selles maalis kujutas Botticelli mitmeid klassikalises mütoloogias esinevaid tegelasi ja paigutas need sellesse, mistundus olevat metsamaa.

Kuid selle maali tegi nii paeluvaks see, et Botticelli valis erinevate mütoloogiliste figuuride kujutamise konkreetses paigutuses puhtalt esteetilistel eesmärkidel.

Tänu sellele, La Primavera ei järginud tegelikku narratiivi, sest teose vaatamisel ei ilmnenud mingit konkreetset lugu. Nii Botticelli inspiratsioon selle teose taga kui ka tema eesmärk selle maalimisel on tänaseni teadmata. La Primavera's müstilisus on lisanud sellele kunstiteosele suurt atraktiivsust, sest selle kohta on olemas palju erinevaid tõlgendusi.

La Primavera (kevad) (k. 1480) Sandro Botticelli; Sandro Botticelli, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Kuulsa renessansiaja kunsti parimaks näiteks, La Primavera on üldiselt nõustutud, et see on allegooria kevadise hooaja kohta, hoolimata sellest, et seda ei ole tõestatud. Keskne kuju on armastuse ja iha jumalanna Venus, kelle kõrval vasakul on kolm graatsiat tantsimas. Ka teisi jumalannasid on kujutatud, näiteks paremal Chloris, kellele järgneb läänetuule kuju, enne kui ta muutub jumalanna Floraks.Ka vasakul on kujutatud saatjajumal Merkuuri, samas kui Amor hõljub Veenuse kohal.

Vaatamata sellele, et sellel maalil on kujutatud mõned äratuntavad tegelased, on kunstikriitikud ja -teadlased palju vaielnud selle tegeliku tähenduse üle.

See on viinud selleni, et Botticelli teost peetakse üheks kõige rohkem kirjutatud ja vastuolulisemaks maaliks, kuna sellele stseenile võib lisada erinevaid seletusi. Lisaks sellele, La Primavera on viidatud kui ühele varaseimale näitele lääne post-klassitsistlikus maalikunstis, mis kujutab mitte-religioosset stseeni, mis lisaks silmatorkavale värvile oli tol ajal üsna ebatavaline.

Maagide kummardamine (1481) Leonardo da Vinci

Teine kuulus renessansiajastu kunstiteos, mille valmistas Leonardo da Vinci, oli Maagide kummardamine , mille ta maalis aastal 1481. Da Vinci sai selle teose tellimuse Firenze Scopetos asuva San Donato Augustinuse mungadelt, kuid jättis maali lõpetamata, kui ta aasta hiljem Milanosse kolis. Vaatamata sellele, et see on lõpetamata, Maagide kummardamine peetakse suureks kontseptuaalse ja vormilise keerukuse teoseks.

Alates 1670. aastast on see teos asunud Firenzes Uffizi galeriis, kus seda saab vaadata tänapäevalgi.

Da Vinci kujutas oma kompositsiooni esiplaanile Neitsi Maarja ja Lapse. Paigutades põlvitavad maagid nende paremale poole, suutis ta moodustada omamoodi kolmnurkse kuju, mida täiendasid neid kahte ümbritsevad kaasfiguurid. Mõni kriitik on öelnud, et publiku sees on da Vinci lisanud oma noorema mina autoportree, mida demonstreerib figuuriparemal ääres. Teiste objektide hulgas on näha ka paganliku hoone varemed, mida parajasti remonditi.

Leonardo da Vinci lõpetamata Maagide kummardamine (1480-1482); Leonardo da Vinci, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Arvati, et hoone viitab tõenäoliselt Maxentiuse basiilikale. Ühe vana keskaegse legendi kohaselt väitsid roomlased, et hoone kestab kuni neitsi sünnitamiseni. Seega kukkus hoone väidetavalt kokku sel ööl, mil Kristus sündis. Hoolimata sellest, et tegelik hoone ei eksisteerinud enne palju hiljem, lisas da Vinci ettevalmistava joonise varemete sees oleva Maagide kummardamine Teose keskel olev suur palmipuu oli väidetavalt veel üks viide Neitsi Maarjale, kes istus selle all.

"Maagide kummardamine" on tõenäoliselt üks da Vinci kõige omapärasematest, kuid samas uuenduslikumatest maalidest.

Kombineerides publiku liikmeid taustal nähtud relvastatud ratsanikega, suutis da Vinci muuta tavalise ja tavalise piibelliku teema stseeniks, mis võiks olla võetud inimajaloost. Kuigi seda maali peetakse tähelepanuväärseks oma äärmusliku võimsuse poolest, saadeti see 2011. aastal restaureerimistöödele. Kuus aastat hiljem, Maagide kummardamine tekkis palju puhtam ja heledam kunstiteos võrreldes sellega, mis see algselt oli.

Veenuse sünd (1485 - 1486), autor Sandro Botticelli

Võib-olla üks kuulsamaid renessansiaegseid maale, mis selle liikumise tulemusena sündis, oli Veenuse sünd , millest sai ka kõige olulisem maalitud loodud Sandro Botticelli Maalitud aastatel 1485-1486, Veenuse sünd eeldati, et see on tellitud Medici perekond ühele nende magamistoa seinale.

Sarnaselt tema teise maaliga "La Primavera" peeti seda Botticelli teost revolutsiooniliseks, kuna see kujutab klassikalise mütoloogia mitte-religioosset stseeni nii suures mahus.

Botticelli kujutas oma kompositsioonis Rooma jumalanna Venust, kes tõuseb merest ja jõuab merekarbis Küprose kaldale. Täielikult kasvanud ja täiesti alasti Venus on kujutatud puhta ja küpsena, kes asetas oma erootiliselt laetud juuksed delikaatselt üle oma keha, et rõhutada oma tagasihoidlikkust ja alandlikkust. Veenuse sünd loodi ajal, mil aktid muutusid maalidel tavaliseks, pööras Botticelli oma Veenuse kujutamisele suurt tähelepanu, sest ta hoolitses selle eest, et iga detail oleks korrektselt kujutatud.

Veenuse sünd (k. 1485) Sandro Botticelli; Sandro Botticelli, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Peaaegu elusuurune Veenus osutus üsna vastuoluliseks, kuna sellise suurusega alasti subjektid olid tollal läänemaailma maalidel peaaegu tundmatud. Kuna Veenuse poos pidi tähistama klassikalist kreeka-rooma kunsti, siis viitas tema poos seega tolleaegsetele klassikalistele skulptuuridele. Botticelli näis aga olevat tema figuuri liialdanud niivõrd, et see muutus anatoomiliseltvõimatu, mis suurendas seda tööd ümbritsevat skeptitsismi.

Selle maali kohta on esitatud mitmeid tõlgendusi, kusjuures kõige populaarsem analüüs usub, et Botticelli kujutas neoplatoonilist ideed jumaliku armastuse kohta Veenuse kaudu. Pärast tema surma hakkas Botticelli maine koos prestiižiga kahanema. Veenuse sünd Sellegipoolest elavnes tema tähtsus 19. sajandi lõpus, mil see maal saavutas rahvusvahelise kuulsuse.

Botticelli üks parimaid renessansiaegseid teoseid, mis on sellest ajast peale jäänud üheks kõige hinnatumaks maaliks läbi ajaloo.

Maiste rõõmude aed (u. 1490 - 1510) Hieronymus Bosch

Renessansiaegne triptühhonikunst jäi kogu selle liikumise vältel populaarseks maalikunstivormiks, kusjuures üks kunstnik suutis eriti silma paista oma tähelepanuväärsete teostega. Hollandi maalikunstnik Hieronymus Bosch on jäänud meelde oma tugevate jutustavate tahvlimaalide poolest, kus The Maiste rõõmude aed mis on tema kuulsaim teos.

Maalitud kuskil 1490-1510, kuid selle suure kunstiteose täpne kuupäev ei ole tegelikult teada.

Maiste rõõmude aed (1490-1500) Hieronymus Bosch; Hieronymus Bosch, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Boschi teedrajava meistriteose kohta ei ole palju teada, välja arvatud see, et selle sponsoriks oli Brüsseli Nassau Engelbert II. Tema kõige edukama ja silmapaistvama kunstiteosena, Maiste rõõmude aed arvati olevat altariteos ja koosnes kolmest sisemisest osast, mida pidi lugema vasakult paremale.

Iga paneel oli Boschi teose üldise tähenduse jaoks uskumatult oluline, kuna need kujutasid Eedeni aeda, mis voolab põrgusse, nagu kujutab kolmas paneel.

Esimesel paneelil on tegelik päritolu Maiste rõõmude aed võib näha Jumala, Aadama ja Eeva kujutamise kaudu paremal allosas. Siiski osutus maali vaatlemisel kõige olulisemaks keskne paneel. . Siin illustreeris Bosch nii Eedeni aia kui ka inimkonna kasvu, kuna erinevad tegelased on näha ekstaatiliselt suhtlemas. Ümbritsetud erakordsete olendite, loomade ja viljade poolt, kujutab see tahvel väidetavalt hetke enne inimese väljaajamist paradiisist.

Üksikasjalgne keskne paneel Maiste rõõmude aed (1490-1500) Hieronymus Bosch; Hieronymus Bosch, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Keskel olevate figuuride enesekohane tegevus oli mõeldav kui vihje sellele, mis võib järgneda, mis kujutas endast Viimane kohtuotsus viimasel paneelil. Läbi ajaloo on seda maali tõlgendatud kui didaktilist hoiatust elu kiusatuste ohtlikkusest, samuti inimkonna elust pärast tema langemist armust. Erinevad tõlgendused Eedeni aed paneel on paljastanud selle keerulise sümboolika, kusjuures paljud kunstiajaloolased on endiselt eriarvamusel, kas see on tõeline moraalne hoiatus või kadunud utoopia stseen.

Viimane õhtusöömaaeg (1495 - 1498), autor Leonardo da Vinci

Veel üks kuulus renessansiajastu kunstiteos Leonardo da Vinci on Viimane õhtusöömaaeg , mis maaliti aastatel 1495-1498. Seda peetakse da Vinci parimaks kunstiteoseks ja Milano hertsog tellis selle Milano Santa Maria delle Grazie kloostri refektooriumi jaoks, kus seda saab vaadata tänapäevalgi. Nagu paljud teisedki kuulsad renessansiaegsed maalid, Viimane õhtusöömaaeg on religioosne stseen, mis kujutab Jeesuse viimast õhtusööki koos kaheteistkümne apostliga.

raames Viimane õhtusöömaaeg näitas da Vinci oma meisterlikku realismi kujutamist, sest ta suutis täpselt kujutada hämmastust ja segadust lauas istujate seas, kui Jeesus teatas, et üks neist reedab teda. Maailma ühe kõige tuntuma maalina kujutati Kristust keskel ja mõlemalt poolt tema jüngrid.

Siiski kaldus da Vinci selles teoses kõrvale traditsioonist, kuna ta kujutas Juudast rühmast eraldi, otsustades anda edasi tema reetmist, asetades ta kindlalt varjus.

Viimane õhtusöömaaeg (1495-1498) Leonardo da Vinci; Leonardo da Vinci, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Da Vinci üksikasjalikud teadmised anatoomiast ja valgusest olid selles teoses täpselt esindatud, sest Viimane õhtusöömaaeg on lisaks värvile täheldatud ka nende elementide osava kasutamise poolest. Kolmnurkne kuju teose keskel, mille keskpunktiks on Jeesus, on aastate jooksul palju kõneainet pakkunud.

Paljud kunstiajaloolased on imestanud, milline võiks olla Jeesuse ja tema paremal pool asuva jüngri, arvatavasti Maarja Magdaleena, vahel oleva V-kujulise kuju võimalik tähendus, kuid konkreetseid selgitusi ei ole.

Pikk ristkülikukujuline laud, mille taga rühm istub, toimis piirina vaatajate ja selles uskumatult pühalikus hetkes nähtu vahel. Kaasates seinad mõlemal pool, rõhutas da Vinci veelgi keskse stseeni tähtsust, keskendades publiku tähelepanu Jeesusele keskel. Lisaks lisas lineaarse perspektiivi kasutamine sel viisil võimsale ja dramaatiliseleatmosfääri Viimane õhtusöömaaeg , mis aitas kaasa sellele, et seda peetakse üheks kõige austusväärsemaks ja kuulsamaks kunstiteoseks läbi aegade.

Mona Lisa (u. 1503 - 1506) Leonardo da Vinci looming.

Leonardo da Vinci oli oma karjääri jooksul tuntud kui paljude kuulsate renessansiaegsete maalide looja. Kuid tema Mona Lisa , mille ta maalis kuskil aastatel 1503-1506, on pikka aega liigitatud kõige kuulsamaks kunstiteoseks, mis lääne kunstis kunagi tehtud on. Pooleks portreekõrgusena eksisteerivaks subjektiks maalil oli Lisa Gherardini, kelle jõukas abikaasa tellis selle teose temast. Tänapäeval on see Mona Lisa kuulub prantslastele ja seda saab vaadata Pariisis asuvas Louvre'i muuseumis, kus see meelitab igal aastal miljoneid vaatajaid.

Kiidetud kui maailma tuntuim ja enim külastatud maal, on see Mona Lisa on vaieldamatult kõige enam arutatud maal, seda just tema salapärase ja salapärase naeratuse tõttu. Mona Lisa naeratuse üle on vaieldud palju, sest on palju vaidlusi selle üle, kas ta üldse naeratab või ei naerata.

Selle maali peamine tunnusjoon on tema silmad, sest da Vinci maalis need nii, et isegi kui te teosest eemale liigute või seisate teistsuguse nurga all, et seda vaadata, näib, et tema silmad järgivad teid alati.

Mona Lisa del Giocondo portree (1503-1506) Leonardo da Vinci; Leonardo da Vinci, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

The Mona Lisa on ka pealkiri "la Gioconda", mis tähendab itaalia keeles "õnnelik" või "rõõmsameelne". Osalt tema raskesti tabatava naeratuse tõttu nägi da Vinci seda maali alati kui pooleliolevat tööd, kuna ta püüdis iga kord, kui ta selle kallal töötas, täiuslikkuse poole. Paljud ajaloolased on öelnud, et just tänu tema püüdlustele täiuslikkuse poole on tema naeratus osutunud kõige kütkestavamaks aspektiks, mida kunagi portreel nähtud on.

Kuna da Vinci tundis "Mona Lisa" vastu, ei andnud ta seda kunagi tellijale üle ja hoidis seda kuni surmani enda juures.

Da Vinci kompositsioon Mona Lisa's figuuri peeti radikaalseks muutuseks võrreldes tolleaegsete tavapäraste naiste portreedega. Da Vinci jättis oma töödes meelega välja kõik ehted ja dekoratiivsed elemendid, mis võiksid rõhutada naise sotsiaalset staatust, et keskenduda täielikult tema isiksusele. Läbi ajaloo oli Mona Lisa on saanud nii kuulsaks, et sellele on viidatud ja seda on imiteeritud hulgaliselt teistes kunstiteostes ja popkultuuris, eelkõige aga Marcel Duchamp'i L .H.O.O.Q (1919).

Ateena kool (1509 - 1511) Raffaello poolt.

Teine kuulus renessansiaegne kunstiteos oli Ateena kool See fresko, mis on üks neljast Vatikani apostellikus palees leiduvast freskost, kujutab kõiki suurimaid teadlasi, filosoofe ja matemaatikuid, kes on kogunenud kokku, et jagada ideid ja õppida üksteiselt.

Seda maali peetakse Raffaeli suurimaks meistriteoseks ja selle kohta öeldakse, et see sümboliseerib filosoofiat, sest kompositsiooni keskel on näha Aristotelese ja Platoni figuurid.

Ülejäänud kolm freskot, mis moodustavad grupi, asuvad Vatikani palee teisel korrusel ja sümboliseerivad arvatavasti inimteadmiste harusid luule, teoloogia ja õiguse näol. Sellest grupist, Ateena kool on osutunud kõige olulisemaks ja meeldejäävamaks freskoks, kuna see tabas põhjalikult renessansi klassikalist vaimu. Raffaello kasutas oma teoses suurepäraselt perspektiivi, kuna vaataja pilk tõmbub koheselt kahele keskel seisvale peategelasele, kelleks väidetavalt on Platon ja Aristoteles.

Ateena kool (1509-1511) Raffaeli fresko Raffaeli ruumides Vatikani Apostliku Palee apostellikus palees; Raphael, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Platoni ja Aristotelese kaasamine toimus nii, et nende mõlema unikaalsed filosoofiaideed oleksid esindatud. Kompositsiooni vasakpoolne rühm esindas Platoni teooriaid, paremal asuv rühm aga Aristotelese teooriaid. Nende isikute vahel tegid vahet teose kesksed tegelased, kes seisid sellel poolel, kus nende ideid kujutati. sees. Ateena kool kokku 50 figuuri, mis näitasid Raffaeli suurt meisterlikkust realismi maalimisel.

Raffaello läks nii kaugele, et lülitas stseeni meeleoluka portree endast, mis näitas, kui kõrgelt ta ennast kunstnikuna hindas. Lisaks oli ta näiliselt teadlik oma maali suursugususest, sest ta kahtlustas, et see muudab jäädavalt maalikunsti suunda.

Läbi kunstiajaloo on seda maali peetud renessansi "täiuslikuks kehastuseks", kuna see on täpselt tabanud selle liikumise klassikalist vaimu.

Aadama loomine (1512) Michelangelo poolt

Kui vaadata kõige kuulsamaid renessansiaegseid maale üldse, Aadama loomine See Michelangelo poolt 1512. aastal maalitud fresko, mis kaunistab kirikukogu Vatikani Sixtuse kabeli lagi ja seda peetakse renessansiaegse kunsti nurgakiviks. Michelangelo maalis laele mitu freskot, Aadama loomine osutus kõige kuulsamaks meistriteoseks.

Lisaks sellele, et see on ikooniline pilt, on see ka üks maailma enim reprodutseeritud pilte, mis on tänapäeva popkultuuris väga levinud.

Aadama loomine (1512), Michelangelo maalitud Vatikani Sixtuse kabelisse; Michelangelo, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Aadama loomine on saanud inimkonna sümboliks, sest maalil on kujutatud nii Jumala kui ka Aadama käed puudutamise äärel. Aadam on kujutatud klassikalise lihaselise aktina, kes lamab teose vasakul küljel, samal ajal kui ta sirutab käe Jumala poole, kes täidab ülejäänud osa kompositsioonist. Kui Aadam näib olevat oma poosis uskumatult lõdvestunud, siis Jumal on kujutatud tema poole tormamas. Jumala kiirustamine annab edasiläbi tema valge rüü, mis tema taga lehvib, mis aitas rõhutada tema keha energeetilist liikumist.

Michelangelo kujutas Jumalat ümbritsevaid ingleid, samal ajal kui Aadam näis lamavat maa serval. Tema taga on läbi rohelise liistu, millel ta lamab, kujutatud mägiseid stseene. See taust lõi nende vahel tugeva diagonaali, mis rõhutas eraldatust, mis eksisteeris Aadama, lihtsa sureliku ja taevase Jumala vahel.

Selle maali tõeline fookus on siiski nende käte vahelises keskmises ruumis, kuna vaataja pilk tõmbub kohe nende väljasirutatud, kuid eraldatud sõrmedele.

Michelangelo käte detail Michelangelo teosest Aadama loomine , c. 1512; Michelangelo, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Suurim ja kõige keerulisem fresko, mis on kunagi tehtud, Aadama loomine Michelangelol kulus selle valmimiseks üle nelja aasta. Selle loomise ajal veenis paavst Julius II kunstnikku loobuma teistest töödest, millega ta tegeles, et keskenduda nüüdseks ikooniliseks saanud meistriteose maalimisele. Aadama loomine peetakse nüüdseks kõrgrenessansiajastu kunsti suurepäraseks näiteks, mis võimaldas Sixtuse kabelilaua saada renessansi ideaalide ja omaduste ülimaks visuaalseks representatsiooniks.

Sixtuse Madonna (1513 - 1514) Raffaello poolt.

Teine ikooniline renessansskunstnik Raffaeli loodud maalid oli Sixtuse Madonna , mille ta maalis aastatel 1513-1514. Seda peetakse Raffaeli viimaseks suureks renessansskunsti teoseks, kuna ta suri veidi aega pärast selle valmimist, Sixtuse Madonna Maarja on kujutatud Jeesust süles hoidmas, mõlemal pool teda on näha püha Barbara ja püha Sixtus ning tema all kaks kerubit.

Kõigist Raffaeli kuulsatest renessansiaegsetest teostest on seda maali pidevalt tunnustatud kui tema kõige olulisemat tööd.

Tellitud altarimaaliks San Sisto kiriku jaoks Piacenzas, Itaalias, Sixtuse Madonna kujutab nii Maarjat kui ka Kristuse last väga murelikuna, samas kui püha Sixtus vaatab alandlikult tema poole, käsi taeva poole sirutatud. Ebakindluse atmosfääri lisab see, et kaks pühakut näivad Maarja all hõljuvat, nagu oleksid nad ebakindlad, kuhu minna. Selle maali kõige ikoonilisem element on aga lõuendi allosas näha paar kelmikat kerubit, kes näivad olevatuskumatult tüdinenud sellest, mis toimub.

Sixtuse Madonna (1512-1513), mille autoriks on Raffaello; Raphael, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Kui üks kerub vaatab ülevalt ja toetub lõuaga käele, siis teine vaatab teose küljele, pea ristatud kätele toetuvana. Kunstikriitikud on öelnud, et just nende üldine murekas hoiak on nende kohalolekut veelgi rõhutanud ja aidanud neil ülejäänud teosega võrreldes silma paista. Lisaks on nende murekas hoiak neid selgelt eristanud teistest tüüpilistestroosapõskede ja rõõmsameelsete keerubide puhul, mida leidub teistel maalidel, kusjuures Raffaello kujutas oma keerubisid väidetavalt Michelangelo vastu.

Kuna Raffaello maalis kaks kunstiajaloo kõige ikoonilisemat kerubit, Sixtuse Madonna tekitas Saksamaal esmakordselt ilmudes üsna palju vaidlusi. Mõned kahtlesid, kas ta hägustab selles teoses kunsti ja religiooni vahelisi piire.

Kuigi see on endiselt renessansiajast pärit tõeliselt ikooniline maal, on kaks kerubit saavutanud ülemaailmse tunnustuse. Nende kohalolu popkultuuris on aastate jooksul pidevalt kasvanud ja neid on kujutatud arvukatel kaasaegsetel esemetel.

Neitsi Maarja ülestõusmine (1516 - 1518) Tizianuse looming.

Kuna enamik renessansiaegsest kunstist keskendus religioossetele kujunditele, siis Tiziani maalid ei osutunud teistsuguseks. Üks tema kuulsatest renessansiaegsetest maalidest sisaldab järgmist Neitsi Maarja ülestõusmine , mille ta maalis aastatel 1516-1518. Maalitud altarimaaliks Veneetsias asuvale Basilica di Santa Maria Gloriosa dei Frari jaoks, Neitsi Maarja ülestõusmine on jäänud oma algsesse asukohta ja seda saab seal ka praegu vaadata.

Tizian jagas maali kolmeks osaks, mis kõik olid teose üldise atmosfääri lahutamatu osa.

Valmis Tizianuse poolt tema karjääri algfaasis, Neitsi Maarja ülestõusmine kasutas uskumatult elavat värvi. See oli Tizianuse esimene tellimus Veneetsias, millega ta kehtestas end linna juhtivaks maalijaks. Tizianus kujutas "Neitsi Maarja taevasse võtmist", mida tähistatakse igal aastal 15. augustil, jäädvustades Maarja taevasse tõusmist enne tema keha lagunemise algust. Keskosas on Maarja tõstetud rühma inglite poolt taeva poole,samal ajal kui tema apostlid ütlevad oma hüvastijättu maast madalast.

Maarja taevaminek (1516-1518), mille autoriks on Tizian; Tizianus, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Ülemisel paneelil on näha Jumalat, kes vaatab Maarjale alla, samal ajal kui too tõuseb tema poole. Maarja on teose keskmes, kuna nii Jumal kui ka apostlid suunavad oma tähelepanu temale, mis aitab ka vaataja pilgu temale suunata. Jumal näib ootavat kannatlikult Maarja saabumist, samal ajal kui apostlid tõstavad imestusest käed, kui nad vaatavad, kuidas tõeline ime otse tema ees toimub.neid.

Hoolimata sellest, et teos on märgatavalt jagatud kolmeks osaks, on need omavahel seotud pikendatud käte ja näoilmete kordumisega.

Nii värvide kui ka kompositsiooni struktureeritud kasutamine Tiziani loomingus osutus paljude renessansiaegsete maalide võtmeelemendiks, kuna teosed olid sageli jagatud kolmandikesse. Pärast selle loomist, The Neitsi Maarja ülestõusmine sellest sai Veneetsia suurim altarimaal, mis on seda tänapäevalgi. See maal näitas Tiziani esimest katset kopeerida moodsaid ja dünaamilisi stseene, mis leidsid aset Raffaeli ja Michelangelo töödes, mis muutusid üha populaarsemaks.

Urbino Veenus (1534) Tiziant

Kogu liikumise ajal osutusid Tiziani loodud renessansskunstniku maalid uskumatult mõjukaks. Veel üks tema teos, Urbino Veenus , mille ta maalis 1534. aastal, oli inspireeritud Giorgione's Magav Veenus (1510). Tizianuse teos, mis pärineb pika traditsiooniga erinevatest Veenuse kujutistest, läks sammu võrra kaugemale, tõlgendades jumalannat palju erootilisemas mõttes.

Tänu sellele paistab see maal väga hästi silma teiste lähedal asuvate maalide kõrval Firenzes Uffizi galeriis, kus see asub.

Kujutades Veenust koduses keskkonnas, kuna ta on kujutatud voodil lebotamas, jättis Tizian mulje, et ta on käega katsutav, kodune ja sensuaalselt eksplitsiitselt väljendunud naine. See kõik saavutati tema lõdva poosi kaudu, kuna ta näis olevat täiesti rahulik, kuigi on alasti. Kuna sellel kunstiteosel ei olnud otsest religioosset tähendust, arvati, et Tizian lõi selle erootiliseks, etSeksuaalsust teoses suurendab Veenuse otsene pilk vaatajate poole, sest tema nõrk naeratus viitab sellele, et ta on teadlik neist, kes teda vaatavad.

Urbino Veenus (k. 1538) Tizianuse poolt; Tizianus, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Kuigi tema alastiolek on kõrvutatud küllusliku ja rikkaliku taustaga, teeb selle Veenuse kujutise huvitavaks see, et sellel puuduvad kõikvõimalikud allegoorilised või mütoloogilised sümbolid, mida tavaliselt on tema kohalolekuga seostatud. Selle asemel pani Tizian kogu rõhu Veenuse realistlikule ja ahvatlevale olemusele, kuna ta seadis tema naha soojad toonid kontrasti tumedama värviga.Tema peen chiaroscuro kasutamine andis tema kehale skulpturaalse kvaliteedi, mis rõhutas tema kõverusi.

Seda maali on aastate jooksul tõlgendatud erinevalt.

Kõige levinum selgitus on, et see oli tellitud abieluportreena. Seda arusaama toetavate elementide hulka kuuluvad magav koer, kaks teenijat ja pagasiruumi taustal, mis tavaliselt anti pruudile tema abikaasa perekonna poolt. Urbino Veenus peetakse üheks kõige kuulsamaks ja täiuslikumaks renessansiaja kunstinäidiseks, sest paljud teised maalid on sellest teosest inspireeritud ja sellest elemente laenanud.

Viimane kohtuotsus (1536 - 1541), autor Michelangelo

Viimane kuulus renessansiajastu kunstiteos meie nimekirjas on Viimane kohtuotsus , mille Michelangelo maalis aastatel 1536-1541. Asub Vatikani Sixtuse kabelis kogu altariseinal, Viimane kohtuotsus eksisteerib üks Michelangelo maalitud kurikuulsaid freskosid selles ikoonilises kabelis.

Selle hiiglasliku suuruse ja keerukuse tõttu, kuna see sisaldas üle 300 figuuri, kulus Michelangelol selle teose valmimiseks veidi üle viie aasta.

Viimane kohtuotsus (1536-1541), mille Michelangelo on maalinud Sixtuse kabelisse; Michelangelo, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Mis teeb Viimane kohtuotsus nii tähelepanuväärne oli see, et Michelangelo alustas selle kallal tööd 24 aastat pärast Sixtuse kabeli lae valmimist, mis tähendab, et ta oli sel ajal kuuekümnendates eluaastates. Algselt kujutas ta kõiki mehi aktidena, kuid need varjati hiljem kardinate lisamisega.

Esialgu oli Michelangelo vastukaja pärast fresko valmimist nii kiituse kui ka kriitika vahel, sest lihaselised aktid said suureks kõneaineks, kuna neile pöörati kõige rohkem tähelepanu.

raames Viimane kohtuotsus on kujutatud Kristuse teist tulemist, mis on päev, mil Jumal väidetavalt viimast korda mõistab kohut kogu inimkonna üle. Maalides Kristust keskele, kus on näha tema haavatud käed ja jalad ning teda ümbritsevad silmapaistvad pühakud, kujutas Michelangelo murettekitavat sündmustikku. Kristuse tähelepanu on kindlalt suunatud inimeste hingedele, kui nad tõusevad oma saatuse poole, kui ta vaataballa tema ees avanevale kaootilisele stseenile.

Detail alates Viimane kohtuotsus Michelangelo, 1534-1541; Michelangelo, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Maali ülemine osa kujutas surnute ülestõusmist taevasse, alumine osa aga patuste laskumist põrgusse. Teatud elemendid Viimane kohtuotsus on sajandeid uuritud, näiteks Michelangelo otsus kujutada Kristust ilma habemeta, mis oli tolle aja kohta väga ebatavaline. Michelangelo värvikasutus ja erakordne pintslitöö on teinud sellest maalist ühe maailma kõige austusväärsema kunstiteose, kuna seda peetakse kõige mõjukamaks läänemaailma kunstist pärit freskoks.

Renessansiaja kunst osutus äärmiselt oluliseks, sest mitmetest teostest räägitakse ja neid imetletakse tänapäevalgi. Lisaks on teatud elemendid kuulsatest renessansiaja maalidest inspireerinud ja informeerinud hiljem tekkinud kunstiliikumisi, mis näitas selle perioodi tähtsust. Kuigi me oleme käsitlenud ainult 15 kõige kuulsamat renessansiaja kunstiteost, on palju teisi suurepäraseid näiteid.olemas. Kui teile meeldis lugeda nende tõeliselt uskumatute maalide kohta, julgustame teid edasi uurima!

Tutvu meie renessansiaegsete maalide veebilooga siin!