P ortreemaal on püsinud uskumatult populaarne maalimisžanr juba sajandeid. Enamik kunstnikke on oma karjääri jooksul katsetanud portreemaali mingis vormis, kusjuures mitmed kunstnikud on loonud kõige kuulsamaid portreemaale, mis on kunagi tuntud. Hoolimata sellest, et portreemaali nii imetletakse, on see üks kõige raskemini omandatavaid žanre kunstimaailmas.Järgnevalt tutvustame 15 kõige kuulsamat portreekunstnikku, kes on kunagi elanud, koos nende ikooniliste ja siiani hinnatud teostega.

Mis on portree maalid?

Portreemaali, mida peetakse kõige levinumaks žanriks maalikunstis, on enamik kunstnikke mingil hetkel proovinud. Kirjeldatud kui maalimisstiili, mis on mõeldud konkreetse inimese kujutamiseks, on mõiste "portreemaal" kujunenud nii kujutatud isiku kui ka tegeliku maali täpseks liigitamiseks. Kuna see iidne stiil on end määratlenud teiste portreteerimise kaudu, on olulineja ulatuslik kuulsate kunstiportreede kollektsioon on aastate jooksul kokku pandud, kusjuures erinevad mõjukad maalijad on seda gruppi täiendanud.

Portreemaali peetakse üldjuhul kõige keerulisemaks maalikunsti vormiks, sest see nõuab innukat teravust inimkuju kujutamiseks ülima detailsusega. Üldiselt püüavad portreemaalide loojad püüda oma subjekti täpset kujutamist, rõhutades samal ajal tema füüsilisi, vaimseid ja isegi vaimseid omadusi imetlusväärsel viisil.

Kuna portreed kipuvad esile kutsuma suuri emotsioone nii kunstnikust kui ka vaatajatest, siis on keskendumine inimese näole, väljendusele ja isiksusele väga mõjukas.

Jacob Cornelisz. van Oostsanen maalib oma naise portreed (1550) Dirck Jacobsz. ; Dirck Jacobsz., Public domain, via Wikimedia Commons

Paljud parimad kunstnikud ajaloos oli tähelepanuväärne anne, mis võimaldas neil üksikutes portreedes väljendada inimlike tunnete põhiolemust. Sageli õppisid need kunstnikud väga põhjalikult inimese anatoomiat, nii et nad suutsid piinlikult mõista iga väikese ilme muutuse peensusi ja läksid seda oma kunstiteostes kujutama. Huvitaval kombel, kui vaadata kõige kuulsamaid portreemaale, mis on kunagi tehtud,kunstnikud kipuvad olema üldtuntud, kuid teose tegelik teema jääb vähem ilmseks.

Lisaks tuntud portreede olemasolule olid paljud elanud kunstnikud kogu oma karjääri jooksul tuntud üksnes portreede maalijatena.

Need kuulsad portreekunstnikud kaldusid looma teoseid nii avalike kui ka eraisikute tellimuste alusel, kusjuures maalid toimisid jõukate ja mõjukate inimeste mälestusena. Kui vaadata kõige kuulsamaid portreemaale, mis on aastate jooksul loodud, sealhulgas nii grupi- kui ka autoportreed, on selge, kui suurt mõju on see spetsialiseerunud maalikunstivorm avaldanud.kunstimaailmale.

Meie 15 kõige kuulsamat portreemaali, mis on kunagi tehtud

Läbi ajaloo on kuulsad kunstiportreed ja kunstnikud domineerinud kunstimaailmas. See on tingitud nii portreede valmistamiseks vajalike oskuste täpsest tasemest kui ka teatud kunstnike suurest mõjust publikule. Kui võrrelda konkreetseid portreid, siis mõned neist paistavad silma rohkem kui teised puhtalt valitud teema, maalimisviisi või isegi kunstniku tõttu.ise.

Kuigi alljärgnev nimekiri ei ole mingil juhul ammendav, oleme kokku pannud oma 15 kõige kuulsamat portreemaali kõigi aegade parimad.

Mona Lisa (1503 - 1506), autor Leonardo da Vinci

Arvatavasti on kunstiajaloo kuulsaim portree, mis on kunagi maalitud ja ka kõige koheselt äratuntavam kunstiteos. Mona Lisa , mille maalis Leonardo da Vinci 16. sajandi alguses. Nii maali tehnilised aspektid kui ka tegelik teema on vaatajaid sajandeid paelunud ja tekitanud suurt huvi.

Tuntud ka kui "Lisa Gherardini portree", kasutas da Vinci äärmuslikke detaile, et täpselt jäädvustada tema näo ja silmade uudishimulikku ilmet, mis väidetavalt jälgivad sind, kus iganes sa ka ei seisaks.

Mona Lisa del Giocondo portree (1503-1506) Leonardo da Vinci; Leonardo da Vinci, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Vaadates koostist Mona Lisa Kuigi see poos oli tol ajal teadaolevalt populaarne, aitas da Vinci nüansirikas viis, kuidas ta seda jäädvustas, koondada kogu tähelepanu tema huvitavale näole.

Vaatajaid enesekindlalt ja pehmelt naeratades on tema rändavad silmad ja salakaval irvitus olnud keskseks aruteluteemaks alates kunstiteose debüüdist. Seda seetõttu, et tema "mõistatuslik naeratus" ütleb väidetavalt korraga liiga palju ja liiga vähe.

Hoolimata sellest, et seda on nimetatud kõigi aegade suurimaks kunstiteoseks, on mõned kunstiajaloolased nimetanud seda Mona Lisa "ülehinnatud". Seda peamiselt tema väikese suuruse tõttu, kusjuures mõned usuvad, et da Vinci jättis kunstiteose ebatäielikuks kulmude puudumise tõttu. Maailmakuulsuse saavutas alles 1911. aastal pärast selle varastamist. Mona Lisa sai lõpuks maailma enim külastatud, kirjutatud ja parodeeritud kunstiteoseks. 2016. aastal purustas see Guinnessi rekordi 100 miljoni dollari suuruse kindlustuse osas ja 2021. aastal sai Mona Lisa on väärt üle 870 miljoni dollari.

Vertumnus (1591), autor Giuseppe Arcimboldo

Giuseppe Arcimboldo maalimisstiili on võimatu mitte ära tunda, arvestades asjaolu, et renessansiajastu kunstnik oli kuulus oma portreede loomisest üksnes puuviljadest, köögiviljadest ja taimedest. Arcimboldo, kes on tuntud oma veidrate portreede poolest, suutis oma subjekte mõnevõrra täpselt kujutada, kasutades selleks erinevaid esemeid. Vertumnus valmistati Püha Rooma keiser Rudolf II kujutamiseks, kes oli Rooma looduse ja elu metamorfooside jumal.

Iga maalil kasutatud ese oli mingil moel otseselt seotud keisriga.

Vertumnus või Rudolf II Hamsburgi (1590) Giuseppe Arcimboldo ; Giuseppe Arcimboldo, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Vaatamata Arcimboldo mängulisele lähenemisele portreele, Vertumnus on oma loomisel uskumatult täpne, sest keisri väljendusrikka näo iga detail on kujutatud erineva toidu või taimega. Kuigi kuulus portree võib esmapilgul tunduda rumal, on näha, kui palju vaeva Arcimboldo oma tööga nägi, sest isegi üksikud hambad on nähtavad.

Tema ikoonilist maali vaadates saab publikule selgeks, kui palju kujutlusvõimet ja tähelepanu üksikasjadele Arcimboldo pidi rakendama, et luua laitmatu portree.

Kuigi Vertumnus on realistlikkusest kaugel, tuleb kiita Arcimboldo puhast annet. Kuigi ta võib-olla valis silmapaistvate tunnuste kujutamiseks rohelised oad, punased puuviljad ja õunad, järgis Arcimboldo siiski enamikku tolle aja tüüpilise portreepildi põhimõtetest. Kuigi vaigistatud must taust vastas portreestandarditele, valis ta ka hoolikalt, milliseid esemeid kasutada.

Kõigi aastaaegade lillede ja viljade kujutamisega sümboliseeris Arcimboldo peenelt keiser Rudolfi valitsemise küllust ja harmooniat. Kuna ta ei olnud populaarne valitseja, võime vaid oletada, et Arcimboldo valis temast kummaliselt meelitava maali. Võimalikuks põhjuseks peeti seda, et keiser Rudolf oli Arcimboldo kunsti suur toetaja.

Piimanaine (k. 1658), autor Johannes Vermeer

Mõnikord kutsutakse teda ka "Köögitüdrukuks", Piimanaine maalis hollandi kunstnik Johannes Vermeer, kes oli üks Hollandi kuldajastu suuri meistreid. kujutab tavalist ja kodust stseeni, kus köögitüdruk valab kannust piima, Piimanaine Erines suuresti Vermeeri teistest töödest, sest esmakordselt valis ta oma teemaks lihtsa ja jõulise vanema naise, erinevalt jõukatest ja elegantsetest noortest daamidest, keda ta tavaliselt maalis.

See maal asub Rijksmuuseumis ja seda peetakse kahtlemata üheks selle parimaks ja populaarseimaks vaatamisväärsuseks.

Piimanaine (umbes 1660), autor Johannes Vermeer; Johannes Vermeer , Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Piimanaine peetakse Vermeeri üheks tähelepanuväärsemaks teoseks, sest tema võimet jäädvustada argielu igapäevast stseeni sellisel aususel, on väga imetletud. Mis teebki Piimanaine selline huvitav portree on täielik paigalseis, mille Vermeer suutis saavutada. Peale piima valamise, mis köidab kogu naise tähelepanu, ei liigu kompositsioonis midagi muud.

Vermeeri kiideti kõrgelt tema võime eest võtta selline tühine tegevus ja teha sellest kogu uskumatult muljetavaldav maal.

Seistes nagu kuju heledalt valgustatud ruumis, pöörab piigatüdruk meie tähelepanu oma lihtsale ülesandele. Kuna Vermeer maalis tema figuuri veidi alandatud perspektiiviga, andis ta vaatajale väga monumentaalse tegelase, keda vaadata ja kaaluda. Oma perspektiivi ja valguse käsitlemise kaudu lõi Vermeer realistliku välimusega köögi, mis näib paljas, kui välja arvata tegevuspiimatüdruk.

Autoportree (1660), autor Rembrandt van Rijn

Veel üks meie nimekirjas olev kuulus portreemaal, mille on loonud tuntud kunstnik, on Autoportree , mille on maalinud ikooniline Rembrandt van Rijn . tuntud kui valguse maalikunstnik, selgitas Rembrandt, et tema värvipalett koosneb ainult tumedatest värvidest, sest ta uskus, et valgus peaks olema maalil peamine teema. Tema karjääri jooksul, Rembrandt maalis üle 40 erineva autoportree. ja lõi Autoportree kui ta oli 54-aastane. See maal oli eriti tähelepanuväärne tema kortsunud kulmu ja mureliku ilme poolest.

Seda maali vaadates on teose keskmes Rembrandti uskumatult murelik ilme, mis väidetavalt väljendab tema vaevatud seisundit.

Autoportree (1660), autor Rembrandt; Rembrandt, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Sellel portreel kujutas Rembrandt ennast säästmatult, sest ta tunnistas selgelt oma vananemise märke, maalides oma kortsus nägu. Lisaks kortsukestele jooned otsaesisel, lisas Rembrandt ka rasked punnid silmade all, mis viitavad äärmisele väsimusele, ning topeltlõualuu.

Sel ajal, kui Autoportree maaliti, ei olnud portree veel välja kujunenud suure isikliku avastuse hoidmise alatoon. See tuli alles hiljem, romantismi ajastul, mis tähendas, et Rembrandti Autoportree eksisteeris vaid viisina, kuidas dokumenteerida, kes ta oli 17. sajandil. Kui Rembrandt lõi Autoportree , oli ta kaotanud oma naise ja ühe oma lastest ning oli napilt pankrotti vältinud, müües suurema osa oma maalidest.

Kõik see võib seletada tema näol näha olevat täielikku kurnatust ja lootusetust.

Tüdruk pärlikõrvarõngaga (k. 1665), autor Johannes Vermeer

Kõige olulisem kunstiteos, mille on kunagi loonud Johannes Vermeer , ja võib-olla üks tema kuulsamaid portreemaale, on "Tüdruk pärlikõrvarõngaga". Algselt kandis ta nime "Tüdruk turbaniga", Tüdruk pärlikõrvarõngaga peetakse laialdaselt oluliseks läänemaailma kunstiteoseks ja seda nimetatakse sageli "Põhja Mona Lisaks". Palju spekulatsioone on tekkinud portreel kujutatud noore naise identiteedi ümber, kusjuures kõige levinum teooria on, et tegemist on Maria Vermeeri, maalikunstniku vanima tütre, maaliga.

Vaidlusalune fakt on Tüdruk pärlikõrvarõngaga on see, et kuigi seda peetakse laialdaselt üheks kõige olulisemaks portreeks, mis on kunagi tehtud, ei ole see tehnilises mõttes tõeline portree. Selle asemel on seda nimetatud "tronie'ks", mis oli Madalmaade kuldajastu ajal populaarne maalitüüp. Tronie oli tavaliselt uurimus tundmatust isikust, kes sai kunstiteose subjektiks.

Ka need isikud kandsid luksuslikke riideesemeid ning olid asetatud lihtsale ja selgele taustale, mis rõhutas veelgi nende anonüümsust.

Tüdruk pärlikõrvarõngaga (k. 1665), autor Johannes Vermeer; Johannes Vermeer, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Tüdrukut, kes vaatajale kindlalt otsa vaatab, on kujutatud kütkestava ilmega, mis tekitas publikus uudishimu teost vaadates. Vermeeri kiideti tema uskumatu realismi taseme eest, samuti tema võime eest tabada tagasihoidlikke muutusi valguse ja pimeduse vahel. Ta kannab elektrisinist turbanit, mis moodustab ilusa kontrasti tema kollase kleidi ja tükikangast tema õla taga, luuakse dramaatiline pilt. See aitas tõmmata tähelepanu teose põhielemendile, milleks on tema sädelevad pärlkõrvarõngad, mida on näha.

Arranžeering halli ja musta värvi nr. 1 (1871), autor James McNeill Whistler

Ameerika kunstnik James McNeill Whistler lõi ka ühe ajaloo kuulsaima portree, milleks on tema loodud Gra18y ja musta nr 1 korraldus Üldisemalt tuntud kui Whistleri ema , Whistler lõi selle tuntud portree oma emast, Anna McNeill Whistlerist, pärast seda, kui tema modell ei saanud kohale tulla ja ta palus oma emal oma subjekti asendama. Algselt kujutas Whistler oma modelli selle portree jaoks püsti seistes, kuid Whistleri ema oli liiga ebamugav, et pikalt seista, nii et ta muutis oma esialgset ideed.

Kuigi see portree on kuulus Ameerika kunstiteos, ei kavatsenud Whistler luua portreed.

Arranžeering halli ja musta värvi nr. 1 või Whistleri ema (1871) James McNeill Whistler; James McNeill Whistler, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Sel ajal leidis ta palju sarnasusi muusika ja maalimise vahel, mis viis selleni, et ta nimetas paljusid oma teoseid "harmoonia" ja teiste muusikaliste sõnadega. Nagu ta nimetas selle teose pealkirjaga Arranžeering halli ja musta värvi nr. 1 , Whistleri eesmärk oli seada tonaalne väärtus oma loomingus esikohale kõigist muudest tõlgendustest.

Tema ema muutus aga kiiresti teose keskpunktiks, mis viis selleni, et maali hakati pidama portreeks.

Whistleril õnnestus jäädvustada oma ema, kes oli sel ajal 67-aastane, leinaseisundis. Ta oli kujutatud ainult mustades riietes ja väga sünge ilmega eakal näol, mis tõi Whistlerile palju kiitust tema võime eest kujutada nii sügavaid emotsioone, kasutades ainult oma subjekti külgprofiili. Lisaks sellele, et tema ema istus halli seina ees, olid erinevad toonidmaalil on näha tumedaid ja heledaid toone. See lisas kõrgendatud realismi, mida harva oli näha nii süngetes ja kurbades töödes.

Madame X-i portree (1884) John Singer Sargent

Veel üks Ameerika kunstnik, kes jõudis meie kuulsate portreekunstnike nimekirja, on John Singer Sargent, kes lõi Madame X-i portree Sargendi portree varastas kunstisõprade südamed kogu maailmas, kui tema teos esmakordselt avalikustati, kusjuures vaatajad keskendusid õrnale ilule, mida ta suutis kujutada. Paljud kriitikud ja ametnikud olid aga teose suhtes teistsugusel seisukohal ja väitsid, et see on liiga provokatiivne, et seda nii väga austada, nagu seda tol ajal Prantsusmaal tehti.

Maali objektiks oli Virginie Amélie Avegno Gautreau, noor proua, kes oli eduka prantsuse pankuri Pierre Gautreau abikaasa.

Madame X (Madame Pierre Gautreau) portree (1883-1884) John Singer Sargent; Metropolitan Museum of Art, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Madame X-i portree ei kuulunud Sargendi tellimustööde hulka, sest ta palus spetsiaalselt maalida oma ekspatriigikaaslast, kui nad mõlemad Pariisis viibisid. Sargent maalis oma subjekti, kes kandis musta satiinist kleiti, millel olid ehtedega rihmad, mis samaaegselt näitas ja peitis tema keha aspekte. Tema liha kahvatu toon lõi ilusa kontrasti tema kleidi ja tausta tumeda värvi vastu.

Kui Sargent esitles oma tööd 1884. aastal Pariisi salongis, tekitas see Prantsusmaa konservatiivsete ühiskonnaliikmete seas suurt pahameelt. See reaktsioon sundis teda lõpuks riigist lahkuma ja Londonisse kolima. Kuigi Sargent püüdis Madame Gautreau nime varjata teose anonüümse pealkirja kaudu, osutus see katse kasutuks.

Ajalehed avaldasid lugematuid karikatuuride ja satiirilisi luuletusi, mis pilkasid nii teda kui ka Sargent'i, kusjuures need kriitikud ei näinud tema maalide uskumatut realismi.

Noore naise portree (k. 1885), autor Edgar Degas

Ikoniline kunstnik Edgar Degas eksperimenteeris oma karjääri jooksul natuke portreega ja lõi Noore naise portree Degas oli tuntud impressionistliku maalikunstnikuna tuntud eelkõige oma baleriinide kujutamise ja fotograafia mõju poolest tema maalidele.

Oma portreel, mis näib olevat kiiresti valminud, kujutas Degas noort naist ebaselge näoilmega, mida rõhutab veelgi asjaolu, et tema pilk ei vasta vaataja silmadele.

Noore naise portree (k. 1885), autor Edgar Degas; Edgar Degas, CC0, Wikimedia Commons'i kaudu

Kuna nii teose taustal kui ka naise riietusel on näha jämedad pintslijäljed, on maalil väga kiirustatu tunne. Degas, kes oli hästi kohanenud žestide ja väljenduse peensuste äratundmisega, pani kogu oma tähelepanu naise ilme ja mõtliku pilgu jäädvustamisele. Žestiliste pintslitõmmete kasutamine lisab muidu liikumist muidu liikumatule maalile janäitab, et taust ja riietus on teisejärguline võrreldes naise uudishimulikku näoilmetusega.

Eneseportree õlgkübaraga (1887) Vincent van Goghilt

Kunstnik, kes ei pelganud portreega eksperimenteerimist, oli maailmakuulus Vincent van Gogh, kes on teadaolevalt maalinud endast üle 35 portree. Vaatamata sellele, et ta tegeles selle maalimisstiiliga nii palju, on temast maalitud vaid üks portree, mille on teinud teine kunstnik. Üks tema kuulsatest portreedest on Eneseportree õlgkübaraga , millest ta maalis 1887. aasta jooksul viis erinevat versiooni.

Van Goghile meeldis olla iseenda mudeliks, et harjutada oma portreetehnikat, ja ta ostis spetsiaalselt selleks piisavalt hea peegli.

Eneseportree õlgkübaraga (1887/1888) Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Van Gogh tundis suurt huvi inimese näo vastu, mida võis näha tema mitmetes eneseportreedes. Ta alustas oma Eneseportree õlgkübaraga seeria aastatel 1886-1888, kui ta elas oma venna juures Pariisis, püüdes täpselt kujutada oma tolleaegseid emotsioone.

Sellel konkreetsel maalil näitas van Gogh oma lagunevat vaimset ja füüsilist tervist läbi maalitud tiheda suu ning valitud sügavate värvide ja varjude, kusjuures metsik taust rõhutas veelgi tema allakäiku.

Oma portreepildil kujutas van Gogh ennast kollase õlgkübara ja sinise töömantliga, mida tavaliselt kannavad talupojad. See kõik oli sihipäraselt valitud, mis viis van Goghi selleni, et ta kandis seda konkreetset riietust mitu korda, kui ta jätkas erinevate versioonide maalimist. Eneseportree õlgkübaraga Rõivaste kohta öeldi, et need sobivad van Goghi enesekuvaga kui töömehe kunstniku, kusjuures riided väljendavad kuvandit, mida ta püüdis kujutada.

Mütsiga naine (1905) Henri Matisse

20. sajandi alguses sai Henri Matisse'ist veel üks kunstnik, kes lisandus meie kuulsate portreekunstnike nimekirja, kui ta lõi Mütsiga naine Ta lõi oma naisest Amélie'st selle mitmevärvilise portree, mis tol aastal Pariisi salongis paistis silma oma värvide särava värvikirevuse poolest. Matisse võttis portreemaalimisele väga erineva lähenemise, sest selle asemel, et püüda oma kujutist võimalikult realistlikuks muuta, süstis ta nii palju värvi kui võimalik, et väljendada oma töödes adekvaatselt emotsioone, mida ta tundis.

Mänguline toon, mida Matisse kasutas "Naine mütsiga" vaadates, oli tehtud selleks, et näidata vaatajatele, kui väga ta oma naist armastas, lisaks sellele, et lõbusalt juhtida tähelepanu tema tegelikule ametile kui mütsipoe omanikule.

ja tema naine olid abielus rohkem kui 40 aastat, kuid lõpuks läksid nad lahku, sest mees ütles naisele, et ta "armastab maalimist alati rohkem". Mütsiga naine on siis olemas nende pika abielu mälestuseks.

Julge ja enneolematu värvikombinatsioon on Mütsiga naine vihastas 1905. aasta Salonil eksponeeritud teose avalikkust väga, sest avalikkus andis teose kohta enamasti negatiivseid kommentaare. See oli osaliselt tingitud sellest, et stiil Fauvism , mida Matisse oli just oma varasemate teoste kaudu tutvustanud, erines suuresti stiilist, millega üldsus oli juba harjunud.

See maal kinnistas veelgi fauvismi stiili, sest see näitas kunstis toimuvaid kiireid muutusi, mis ärritasid publikut märkimisväärselt.

Adele Bloch Baueri portree I (1907) Gustav Klimt

Üks tuntumaid ja kuulsamaid portree-maale on Adele Bloch Baueri portree I , mille maalis Austria kunstnik Gustav Klimt 1907. 1907. aastal. Klimti portree, mida nimetatakse ka "Daam kullas" ja "Naine kullas", kujutas Adele Bloch-Bauerit, kes oli rikas juudi naine Viinist. Portree tellis Klimtilt tema abikaasa, juudi pankur ja suhkrutootja Ferdinand Bloch-Bauer. Sel ajal oli Klimt oma identiteedi atraktiivsete naiste maalijana juba kinnistanud.Viini juudi ühiskonnas.

See portree on Klimti kõige esinduslikum töö, mille ta lõi oma kuldses faasis.

Adele Bloch-Baueri portree I (1907) Gustav Klimt; Gustav Klimt, Public domain, via Wikimedia Commons

Kasutades hõbedat ja kulda lisaks maalile lõuendil, suutis Klimt luua Adele Bloch Baueri tõeliselt eeterliku kujutise, mida rõhutas veelgi tugevamalt, kui ta pööras selles teoses suurt tähelepanu naiselikkusele. Proua Bloch Bauerit ümbritsev kuld valgustas tema figuuri ja tema hästi määratletud näojooni.

Kuna ta oli väga imetletud kunstide toetaja, siis andis see valgustus veelgi enam mõista, kui armastatud ta oli kunstimaailmas.

Adele Bloch Baueri portree I maaliti väidetavalt Ferdinandi abikaasa aastapäeva kingituseks, kusjuures maal jäi perekonda ja seda laenutati muuseumidele ja galeriidele näitamiseks. 1925. aastal, kui proua Bloch Bauer suri, soovis ta siiski, et teos annetataks Austria riigigaleriile Viinis. Tema perekond ei olnud sellega nõus, ja lõpuks haarasid maali 1941. aastal natsid. Pärast sõda,Maal tagastati alles 2006. aastal Bloch-Baueri perekonnale, kes müüs selle 135 miljoni dollari eest mõned kuud hiljem.

Ameerika gootika (1930) Grant Wood

Teine Ameerika maal, mis on kõige kuulsamate kunstiportreede nimekirjas, on Ameerika gootika , mille maalis Grant Wood 1930. aastal. Wood lõi selle portree pärast seda, kui ta nägi Dibble House'i Eldonis, Iowa osariigis ja sai inspiratsiooni selle talumaja 19. sajandi arhitektuurist. Et luua neogooti stseen, mida ta soovis; Wood lisas portreed inimestest, kes tema arvates peaksid selles majas elama.

Kõigepealt visandas ta maja ümbriku tagaküljele ja pärast omanikelt loa saamist hakkas ta seda maalima.

Ameerika gootika (1930), mille autor on Grant Wood; Grant Wood, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Kuigi paljud arvasid, et melanhoolne paar põhineb tegelikul talupaaril, otsustas Wood maalida oma noorema õe Nan Wood Grahami ja hambaarsti dr Bryon McKeeby. Ta kavatses kujutada neid isikuid kui isa ja tütart, kuid ta oli avatud vaatajate tõlgendustele, kuna selgus, et teised nägid neid abielupaarina.

Ta väitis, et nende suhe on väheoluline, sest kõige olulisem on see, kas nende näod on tõesed ja näitavad Ameerika elu aspekte või mitte.

Kaks hauakujutist, kes seisavad oma tagasihoidliku talumaja ees, olid selge tunnistus raskustest, millega Ameerika kodanikud seisid silmitsi 1920. aastate suure majanduslanguse ajal. Woodi maal kajastas töökat Ameerika vaimu, mille üle kodanikud olid väga uhked, ja sellest on saanud Ameerika kultuuri klassikaline ja palju parodeeritud teos. Wood esitas Ameerika gootika 1930. aastal Chicago Kunstiinstituudi aastanäitusel, kus see võitis pronksmedali. 1930. aastal sai muuseum maali, kus see asub tänaseni.

Le Réve (1932) Pablo Picasso

Pablo Picasso on vaieldamatult üks kõigi aegade suurimaid maalikunstnikke, kellel on Le Réve Selle portree subjektiks oli Marie-Thérèse Walter, kes oli Picasso tollane 22-aastane armuke. Erinevalt Picasso teisest armukesest, Dora Maarist, keda ta kujutas regulaarselt ärevilisena või ähvardavana, otsustas ta kujutada Marie-Thérèse'i rõõmsameelse ja särava, kaunite blondide juustega tegelasena, kes näis olevat väga külalislahke ja soe.

Liiga lihtsustatud joonte ja kontrastsete värvide kasutamine lisas Picasso portree rõhuasetust, kuna see sarnanes 1910. aastate varase kubistliku ja fauvistliku stiiliga.

Le Réve kuulus Picasso moonutatud kujutiste perioodi, kuna tema Marie-Thérèse'i moonutatud kujutamine tegi vaatajale äärmiselt raskeks selle figuuri automaatse identifitseerimise. Picasso lõi palju teoseid, millel on ilmselgeid erootika elemente, kusjuures Le Réve vihastades kriitikuid ja vaatajaid, kui seda esmakordselt näidati uskumatult sensuaalsete ja rõvedate lõikude tõttu, mida võis näha.

Selle põhjuseks oli see, et Picasso maalis oma armukese kallutatud näo ühele küljele midagi, mis näis olevat erektsioonis peenis, mis väidetavalt sümboliseeris tema enda peenist. Ka selles kunstiteose osas kasutatud värv lisab ideed, et kujutatud on tõepoolest peenist, sest Picasso valis selle konkreetse näo poole jaoks väga neutraalse ja lihavärvi.

2013. aastal läks "Le Réve" ajalukku kui 5. kõige kallim maal, mis kunagi müüdud, 155 miljonit dollarit. 2017. aastal jäi see hind teiseks kõrgeimaks hinnaks, mida Picasso maali eest on kunagi makstud.

Kaks Fridat (1939) Frida Kahlo

Naiskunstnik, keda liigitati üheks kuulsaimaks portreekunstnikuks, kes on kunagi elanud, oli Frida Kahlo , kes maalis oma karjääri jooksul palju ikoonilisi eneseportreid. "Kaks Fridat" on väga kummaline, kuid samas mõtlemapanev kujutis kunstniku tolleaegse elu kahekordsest olemusest, sest Kahlo maalis selle portree ajal, mil ta lahutas end kunstnikust... Diego Rivera Nad olid tuntud väga plahvatusohtlike ja ettearvamatute suhete poolest, abielludes sageli, lahutades ja seejärel uuesti abielludes.

Veebilehel Kaks Fridat , on maalitud kaks Kahlo versiooni. Mõlemad Kahlo kujutised istuvad graatsiliselt, kuid mõistatuslikult, sest nad vaatavad vaatajale pidevalt otsa. Vasakpoolne versioon kannab elegantset euroopalikku kleiti, mis oli populaarne jõukamate mehhiklaste seas, sest see sümboliseeris jõukust. Parempoolsel versioonil on näha traditsioonilisemat, mitmetest värvidest koosnevat mehhiko kleiti.

Need kaks naist näitasid selgelt, kui suurt mõju avaldas Euroopa sel ajal Mehhiko pärandi olemusele.

Võimalik, et suurim fookus on Kaks Fridat on kaks elutruu ja õudne süda, mida Kahlo maalis. Kuna euroopalikumat versiooni endast kujutatakse rebenenud südamega, näeb vaataja selgelt, kus Kahlo enda süda tegelikult asus, sest parempoolsel traditsioonilisel Fridal on elus ja terve süda.

See maal, nagu ka enamik teisi Kahlo eneseportreid, kujutab sügavalt sümboolselt füüsilisi ja psühholoogilisi traumasid, millega ta tol hetkel silmitsi seisis, ning see portree esindab sügavat kaotust, mida ta tundis.

Marilyn Diptühhon (1967) Andy Warhol

Viimane kunstnik ja teos meie kuulsate portreemaalide nimekirjas on Andy Warholi Marilyn Diptühhon , mille ta lõi 1962. aastal. See monumentaalne Popkunst siidimaal kujutas ikoonilist Ameerika näitlejannat Marilyn Monroe't ja sai tuntuks Warholi kõige tuntuma tööga, kus näitlejanna oli kujutatud. Warhol pidas Monroe't lõputuks inspiratsiooniallikaks ja asus paljundama tema portreed värviliste graafikate sarjas. See portree valmis varsti pärast seda, kui näitlejanna suri 1962. aastal narkootikumide üledoosi tõttu.

Diptühhon sisaldab ühte Monroe'i fotot, mis on mitmekordselt paljundatud nii värviliselt kui ka mustvalgelt.

Warhol kasutas reklaamfotot oma 1953. aasta filmist pealkirjaga Niagara oma allikmaterjalina. Originaalfoto oli tehtud ühevärviliselt ja kujutas Monroe't tema ikoonilise naeratusega, mis oli paigale külmutatud. Värvilistel portreedel, mida Warhol lõi, kasutas ta naise näo jaoks elavaid värve, et intensiivistada tema meiki suurel määral.

Tänu liigsele värvile, mida Warhol kasutas, Marilyn Diptühhon võib teatud hetkedel tunduda Monroe tõelise kujutisena. Teinekord võib see diptühhon võtta täiesti teistsuguse kujutise, sest Monroe mitme näo uskumatult elavat värvi on vaataja silmadele äärmiselt karm. Kontrastsete lõuendite kasutamine vihjas Monroe avaliku ja privaatse mina vastandumisele ja oli Warholi veider viis kiita tema säravat kohalolekut Hollywoodis ajal, mil1950ndatel ja 1960ndatel, sest ta oli üks kuulsamaid naisi, kes sel ajal elus oli.

Arenevas kunstimaailmas eksisteerib portree maalimine kui üks vähestest iidsetest kunstiliikidest, mida kasutatakse tänapäevalgi. Kuigi me oleme käsitlenud vaid 15 kõige kuulsamat kunstiportreed, mis on kunagi tehtud, võib meie nimekirja lisada palju teisi elutähtsaid ja sama kuulsaid portreemaale. Märkimisväärsed kunstnikud, kes spetsialiseerusid portreele, lõid sageli rohkem kui ühe tuntud portree, mis tähendab, et seal onon veel palju teisi kunstiteoseid, mida veel uurida. Kui teile meeldis see artikkel, julgustame teid põhjalikult tutvuma ka nende teiste teostega.

Vaata meie kuulsaid portreesid siin!

Korduma kippuvad küsimused

Kas portree peab sisaldama ainult ühte inimest?

Mitmed kuulsad portreekunstnikud on loonud ikoonilisi portreesid, mis koosnesid rohkem kui ühest inimesest. Neid nimetatakse üldiselt "grupiportreedeks", kus iga isik võtab poosi ja annab oma parima väljenduse. Grupiportreed olid ja on endiselt uskumatult populaarsed perekonnaportreed, kusjuures kõige tuntumad näited on tellitud kuninglikele perekondadele. Tänapäeval saab perekonnaportreed ikka veel jäädvustada läbimaalimine, kuid fotograafia tänapäevane leiutis on võimaldanud üksikisikutel luua oma portreed ilma kunstniku abita.

Milline on kõige kuulsam portree?

Kui peaksime kuulsate portreede nimekirja kitsendama üheainsa maalini, siis kõige ikoonilisem portree oleks kindlasti Leonardo da Vinci Mona Lisa . Kuna maailma kõige kallim maal , Mona Lisat peetakse laialdaselt parimaks kunstiteoseks, mis on kunagi loodud, sõltumata selle žanrist. Asub aadressil Louvre'i muuseum Pariisis, Mona Lisa meelitab aastas üle 10 miljoni külastaja. 30 000-50 000 inimest päevas, kusjuures 80% muuseumikülastajatest tuleb ainult da Vinci maali vaatama.