E sulandudes kunstivormina 1960ndatel, uuris kontseptuaalne kunst kunsti mõiste ümber olevaid aluseid. 1960ndate keskpaigast kuni 1970ndate keskpaigani loodud kontseptuaalne kunst kehastas nii iroonia, tõsiduse kui ka šoki teemasid, et olla vaadeldav nii millegi kui ka mitte millegi poolest. Seejuures ei järginud kunstiteosed enam traditsioonilisi väärtusi jaKontseptualistliku kunsti liikumine oli rohkem huvitatud kunsti loomise strateegiate ja ideede mõistmisest, mitte kunstiteostest.

Kontseptuaalne kunst: sissejuhatus

Tuntud kui üks radikaalsemaid ja vastuolulisemaid moodsa ja kaasaegse kunsti liikumised , kontseptuaalne kunst keerles idee ümber, et kunstiteose loomisega seotud kontseptsioonid olid tegelikust teosest tähtsamad. 1960. aastatel Ameerikas tekkinud mõiste kontseptuaalne kunst viitab tavaliselt kunstile, mis loodi 1960. aastate keskel ja 1970. aastatel, kusjuures see periood sillutas teed teistele ebakonventsionaalsetele liikumistele, mis tekkisid pärast selle tipphetke.

See liikumine, mida tuntakse ka kontseptualismi nime all, ühendas erinevaid kunstilise loomingu suundumusi, mitte ei eksisteerinud ühe sirgjoonelise ja ühtse liikumisena.

Kontseptualism võttis lugematuid vorme ja oli esindatud sellistes teostes nagu kunstiteosed, performance'id, happenings ja põgusad hetked. Selle liikumise raames loodud teosed hakkasid kahtluse alla seadma kunsti enda ideed, kuna varem domineerinud modernistlik liikumine ja selle prioriteediks seatud esteetiline ilu kunstis lükati tagasi.

Kuigi kontseptuaalne kunst sai alguse Ameerikast, jõudis see ka Ladina-Ameerikasse, Euroopasse ja Nõukogude Liitu. Ladina-Ameerikas eelistasid kunstnikud oma töödes otsesemat poliitilist vastust. Euroopas uuriti ja arendati kontseptualismi samuti laialdaselt, kuna riigid olid sel ajal väga poliitilised. Lõpuks, Nõukogude Liidus segasid vene kunstnikud oma nõukogudeSotsialistlik realism koos lääne kontseptualismi ja Ameerika popiga, et luua liikumine, kus kunstnikke peeti Moskva kontseptualistideks.

Kontseptuaalse kunsti definitsioon põhines arusaamal, et kunsti olemus koosneb teose ideedest ja kontseptsioonidest, kuna selle peamine väide oli, et kunstiline idee võib eksisteerida kui kunstiteos ise. Mitmed kunstnikud ja kunstiajaloolased eirasid seda liikumist täielikult ja keeldusid liigitamast ühtegi selle perioodi jooksul loodud teost kunstiks. Seda seetõttu, et kontseptuaalse kunsti kunstnikud liigitasidväljendus, oskus, esteetika ja turustatavus, mis olid tavaliselt kunstiteoste hindamise aluseks olevad standardid, on sisuliselt ebaolulised.

Kontseptuaalsed kunstnikud kasutasid mis tahes materjale ja vorme, mis olid neile kättesaadavad ja sobisid neile vajalikul hetkel, et oma ideid ja kontseptsioone tõhusalt edasi anda. Selle tulemuseks olid kunstiteosed, mis võtsid erinevaid vorme, nagu performance'id, kirjutised, aga ka igapäevaste esemete kasutamine. Kunstnikud uurisid kunsti kui idee ja kunsti kui teadmise mõisteid.keeleteaduse, matemaatika ja protsessipõhiste mõtete kaasamise kaudu oma teostesse.

Kontseptualismi kui liikumist, mis eelistas ideid formaalsetele ja visuaalsetele elementidele, peeti tervikuna veelgi lihtsamaks kui selliseid teoseid nagu Andy Warholi Brillo karbid (1964), mis koosnes kommertspakendite siiditrükikoopiast. Seega arvati, et kontseptuaalne kunst on tugevalt vastuolus sellega, mida varem oli kunstiks peetud.

Kontseptuaalkunstnikud tunnistasid, et kogu kunst on põhimõtteliselt kontseptuaalne. Selle arusaama rõhutamiseks vähendasid paljud kontseptuaalkunstnikud oma teoste materiaalset kohalolekut nii palju kui võimalik, kuni selleni, et kunstiteoseid peeti sisuliselt dematerialiseerunuks.

Kontseptualismi kunsti edu põhines varasemate avangardistlikud kunstiliikumised nagu kubistlik, dadaistlik, abstraktne ekspressionism ja popliikumine. Tõeline kontseptualistlik kunstnik liigitas end selle progressiivse ja eksperimentaalse skaala äärmusesse, kuna ta suutis teadlikult laiendada kunsti piire, ilma et ta arvestaks sellega, mida varem peeti traditsiooniliseks kunstiks.

Minimalistliku liikumise karmi lihtsuse mõjul lükkas kontseptualism tagasi senised skulptuuri ja maali konventsioonid, mida peeti kunstilise loomingu põhilisteks ehitusplokkideks.

Kontseptuaalsete kunstnike loodud kunst ei pidanud oma olemuselt sarnanema traditsioonilise kunstiteosega, sest see ei pidanud üldse võtma füüsilist vormi.

Kontseptuaalse kunsti võlu, mis julgustas paljusid kunstnikke selles liikumises osalema, oli idee, et kui kunstnik alustab kunstiteost, siis galerii või publik lõpetab selle mingil moel tema eest. See oli tuntud kui institutsionaalne kriitika, mis näitas veelgi suuremat nihet objektipõhisest kunstiteosest, kuna see väljendas teadlikult tähtsust, mida ühiskond pani kultuuriliseleväärtused tervikuna.

1960. aastatel väitis tuntud New Yorgi kunstikriitik Clement Greenberg, et moodne kunst oli saavutanud tipptaseme kunstiliste meediumide formaalse olemuse vähendamisel ja täpsustamisel. 1960. aastate lõpuks sai aga selgeks, et Greenbergi ideid, mis ümbritsesid iga meediumi rangeid piire, ei pidanud eksperimenteerida soovivad kunstnikud enam õigeks. Seega oli see uus vaademis ümbritsevad meediumide võimalikke piiranguid, võimaldas kontseptualismil edukalt esile kerkida.

Kontseptualism reageeris kunsti kaubastumisele, püüdes õõnestada nii galeriisid kui kunsti asukoha ja määravaks teguriks kui ka kunstiturge kui kunsti omanikke ja levitajaid. Mõjukad kunstnikud nagu Lawrence Weiner väitsid, et kui nende teoseid on kord vaadatud, kuuluvad need sisuliselt publiku mõtetele.

See idee rõhutas kontseptualismi põhitõde, mille kohaselt idee on olulisem kui tegelik kunstiteos.

Kokkuvõttes oli enamik loodud kontseptuaalkunstist eneserefleksiooniline, kuna see paljastas kunstnike ebakindlaid ja eneseteadlikke aspekte, mis olid varem varjatud. Seega, kasutades minimaalseid materjale ja lingvistikat, suutis tõeliselt kontseptualistlik kunstnik ületada piire ja luua kunsti, mis oli puhtalt kunstist.

Kontseptualistliku kunstiliikumise määratlemine

Termin "kontseptuaalne kunst" võeti kasutusele 1961. aastal kunstniku ja filosoofi Henry Flynt'i poolt, kui ta kirjeldas oma performance'i teoseid kui kontseptuaalseid kunstiteoseid, kuid alles 1960. aastate lõpus hakati kontseptuaalset kunsti nägema määratletava liikumisena. Flynt pidas terminit silmas kunstiteoste, mis olid loogika või matemaatilise mõistuse kriitika, kuid see ei leidnud tõelist rakendust enne, kui kunstnik Joseph Kosuthkorralikult ümber määratletud, et see sobiks kontseptualistliku kunstiliikumise raames.

Kosuthi ideedele tuginedes määratles Ameerika kunstnik Sol LeWitt kontseptuaalse kunsti mõisteid edasi oma mõjukas 1967. aasta artiklis "Paragrahvid kontseptuaalsest kunstist". Tema artikkel oli üks olulisemaid kirjutisi kontseptualismi kohta, kusjuures tema definitsioon oli üks esimesi, mis ilmus trükis.

LeWitti kirjutised esitlesid kontseptuaalset kunsti kui üht viimast uuenduslikku liikumist, kuna see tähistas kunstiteoseid kui intuitiivseid, kuid samas eesmärgituid.

Ta väitis, et kontseptsioon on kunstiteose kõige olulisem aspekt, kusjuures kogu planeerimine ja otsustamine toimub enne seda. See muudab kunstiteose füüsilise valmimise sisuliselt pealiskaudseks, kuna selle tähtsus seisneb teose idees.

Kontseptuaalse kunsti eelkäijad

Kontseptualismi päritolu ulatub tagasi 1917. aastasse, mil Prantsuse kunstnik Marcel Duchamp arvatakse olevat selle liikumise eelkäija. Duchamp oli kontseptuaalsete kunstnike teejuhiks, kuna ta esitas neile näiteid originaalsetest töödest, mis olid kontseptuaalsed. Tema kõige ikoonilisem töö, Fountain (1917) näitas tema eelistatud valmisobjektide kasutamist, kui ta esitas pseudonüümiga allkirjastatud pissuaaribasseini skulptuurina New Yorgis toimuval sõltumatute kunstnike ühingu aastanäitusel.

Duchamp'i foto Fountain (1917); Marcel Duchamp, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Hiljem lükati tema töö tagasi, kuna žürii keeldus tema vulgaarset tööd kunstina aktsepteerimast, mis näitas Duchamp'i kahtluse alla seadmist, kus on kunsti piirid ja piirid. Tema kriitika selle kohta, mis on kunst, rikkus kunsti traditsioonilist määratlust, kuna ta loobus oma töödes ilust, haruldusest ja oskustest valmismaterjalide kasuks.

Kunstiringkond ei pidanud tavalisi esemeid, nagu Duchampi pissuaari, kunstiks, kuna need ei olnud tehtud kunstiteosena, ei olnud erilised ega käsitsi valmistatud. Duchampi revolutsiooniline töö tähtsusetute, tavaliste esemetega tekitas kunstimaailmas pahameelt, mis hiljem viis kontseptualismi kui täieulatusliku kunstiliikumine Kosuth tunnustas hiljem oma teoste asjakohasust ja teoreetilist aluspõhja, kui ta seda liikumist õigesti määratles.

Kogu kontseptuaalse kunsti liikumise vältel oli jätkuvalt ebaoluline eksperimentaalse kunsti kokkusobitamine sellega, mida keegi isiklikult kunsti kohta arvas. Aja jooksul õnnestus kontseptuaalsetel kunstnikel kunsti mõiste tõhusalt ümber määratleda, nii et nende pingutused said laialdaselt aktsepteeritud kunstina, mis oli vaatamist väärt teiste traditsiooniliste teoste seas.

Kontseptuaalse kunsti omadused ja mõjutused

Kontseptuaalse kunsti liikumise raames uskusid kunstnikud, et nende kunsti loob sisuliselt vaataja, mis tähendab, et kunstnik ja kunstiteos ise jäid ebaoluliseks. Arvestades, et kunstiteost ümbritsevad ideed ja kontseptsioonid olid kesksed ja kõige olulisemad elemendid, võtsid kontseptuaalse kunsti raames teose esteetiline atraktiivsus ja kasutatud materjalid teisejärgulise rolli.

Kunstiteose ideede ja kontseptsioonide rõhutamiseks alandasid kunstnikud materiaalse kohalolu oma töödes absoluutsele miinimumile, mida nimetati dematerialiseerimiseks. See oli kontseptuaalse kunsti üks keskseid tunnuseid, kuna vähem rõhku ja tähtsust omistati materjalidele, millest kunstiteos koosneb.

Kontseptualismi raames lükkas see liikumine tagasi formalismi põhimõtted, kuna kunstnikud ei näinud tähtsust triviaalsete vormiliste omaduste, nagu kuju, joon ja värv, rõhutamises. Tõeliselt kontseptuaalne kunstnik uskus, et kunstiteose representatiivseid ja sotsiaalseid aspekte ümbritsevaid ideid on huvitavam kaaluda kui teose loomiseks kasutatud vormilisi elemente.

Kontseptuaalse kunsti liikumisega seotud kunstnikud püüdsid pääseda kommertsialiseeritud kunstimaailmast, rõhutades, et mõtteprotsessid ja tootmismeetodid on need tahud, milles peitub kunstiteose tõeline väärtus. Kunstivormid, mida nad kasutasid, olid teadlikult valitud nii, et nad ei tekitanud kunagi valmis teost, mida saaks traditsioonilisele kunstiühiskonnale esitleda kui uut vormiSeejuures ei olnud kunstiteoseid lihtne osta ja müüa, sest neid ei pidanud publik vaatama ametlikus galeriis.

Lisaks kunstimaailma struktuuride kahtluse alla seadmisele oli paljude kontseptuaalsete kunstnike üheks iseloomulikuks jooneks ka see, et nad uurisid enamikus oma töödes tugevate sotsiaalpoliitiliste teemadega seotud ideid, mis omakorda peegeldas nende rahulolematust ühiskonna ja valitsuse poliitika suhtes ulatuslikumalt.

Kaasaegne mõju

Tuginedes suuresti Marcel Duchampi ja tema revolutsiooniliste teoste mõjule, vaidlustas kontseptualism piirid selle ümber, mida võib pidada kunstiks või mitte, kuna see andis kunstnikule õiguse ise otsustada, kas tema teost võib nimetada kunstiteoseks. Seejuures esitasid kontseptualistid idee, et kunstiteos võib põhimõtteliselt koosneda kaugeleulatuvatest ja keerulistest kunstiteostest.esemeid ja neid võib ikkagi pidada kunstiks, mis loob seega distantsi kunstniku ülesande ja teose füüsilise valmistamise vahel.

Kontseptuaalne kunst uuris kunstiteose piire, seades kahtluse alla, kus lõpeb kunsti valdkond ja kus algab kasulikkus. Duchamp'i loomingust inspireerituna jätkasid kunstnikud traditsiooniliste mõistete ümberlükkamist, mis olid pikka aega kunsti määratlenud, kuna nad seadsid kahtluse alla ideaalid, millest kunstiobjekt peaks olema tehtud ja kuidas see peaks välja nägema.

Le Corbeau et le Renard ("Vares ja rebane") Marcel Broodthaers (1968); sporst, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Kunstiteoseid vaadeldi materiaalse objekti asemel protsessina ja neist sai midagi, mida ei saanud näha ega mõista lihtsalt nägemise, puudutamise või kuulmise teel. Seetõttu oli kunsti tootmisprotsessi võtmetunnuseks tegevuse idee, kuna kunsti tegemise protsess ühines lõpliku kunstiteosega, muutudes tõeliselt kontseptuaalseks tegevuseks.

Kunstilise tegevuse tooteid mõjutasid sellised sündmused nagu Vietnami sõda ja feminismi areng, mis viisid kunstitootmise ning selle kunstilise ja sotsiaalse kriitika ühildamiseni. Kunstilise loomingu kohta tõstatati küsimusi, sest just kunsti eesmärk Need küsimused olid kontseptuaalses kunstis pidevalt esinevaks põhitunnuseks.

Ideed nagu kunsti antikommodifitseerimine olid oluline tunnus, kuna kunsti sotsiaalsed ja poliitilised ideed dekonstrueeriti ja kritiseeriti kontseptuaalsete kunstnike loomingus. Kontseptsioonid kui peamine meedium olid ehk suurim tunnus, millega selle liikumise raames tehtud kunsti identifitseerida, kuna see võttis performance'i vormi, installatsioonikunst ja digitaalne kunst.

Keel kui kunst

Oluline erinevus kontseptuaalse kunsti ja traditsiooniliste kunstivormide vahel oli erinevate kunstiliste vahendite kasutamine. 1960ndatel ja 1970ndate alguses toimunud kontseptualismi esimese laine ajal oli keel keskne teema ja selle võtsid kasutusele paljud kunstnikud, sealhulgas Lawrence Weiner, Robert Barry, Edward Ruscha, Joseph Kosuth ja kunst ja keel - koostöögrupp.

Hoolimata sellest, et teksti kasutamine kunstiteostes oli väljakujunenud meetod, hakkasid kontseptuaalsed kunstnikud looma kunstiteoseid, kasutades eranditult keelelisi võtteid. Varem esitati keelt lihtsalt ühe visuaalse elemendi tüübina paljude teiste kõrval, kuna seda peeti üldise kompositsiooni tähtsuse suhtes teisejärguliseks. Kuid kontseptualismi raames loobusid kunstnikud sellest vaatepunktist.keelt ja kasutas seda pintslite ja lõuendite kasuks teose sees, mis võimaldas keelel mõista oma tähtsust.

Kunstnikud kasutasid keelt mitmel viisil. Lawrence Weiner kasutas oma teostes keelt, et aidata rõhutada oma teoste temaatilist sisu, samas kui kunstnik John Baldessari esitas realistlikke pilte, mille maalimiseks ta volitas ja juhendas professionaalseid viipekirjanikke.

Mural (tõlge: Kivi kivi peale kivi peale langenud kivi peale ) Lawrence Weiner (1983) ; AnBuKu, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Kontseptualismi raames arvati, et tagasipöördumine keelepõhise kunsti juurde tuleneb huvist, mis tuleneb angloameerika analüütilise filosoofia ja strukturalistlike ja poststrukturalistlike kontinentaalfilosoofiate lingvistilistest mõttekäikudest XX sajandi keskel. See üleminek keeleteadusele arvati tugevdavat ja kinnitavat suunda, mida kontseptualistlik kunstnik võttiskui nad kasutavad oma teostes keeleelementi.

Lisaks olid varased kontseptualistid esimene põlvkond kunstnikke, kes lõpetasid kunstikoolituse ülikoolihariduse. Arvatakse, et kunstnike hilisem haridustase mõjus tugevalt keeleteaduse kaasamise suunas kunstiteostesse ja seisis teatud aegadel tegelike kunstiteoste asemel.

Võttes keele oma ainuõigeks ja keskseks meediumiks, suutsid kontseptuaalsed kunstnikud loobuda ülejäänud autoriteetsest kohalolekust, mis oli tunda töödes traditsiooniliste elementide suhtes, mida tuleks kasutada. Keelt sai rakendada ja katsetada mitmel viisil, kuni see muutus liikumise edenedes tõeliselt omaette kunstivormiks.

Ekstremistlikud seisukohad kunstis

Kontseptuaalse kunsti teine iseloomulik joon oli radikaalsus, mis ilmnes kunstiteostes. Üks tuntumaid ja äärmuslikumaid näiteid kontseptualismi kohta on kunstnik Piero Manzoni 1961. aastal loodud teos pealkirjaga Merda d'Artista (Artist's Shit) . See kunstiteos koosnes 90 plekkpurgist, millel oli silt, et iga purk oli täidetud 30 grammi ekskrementidega. See jättis enamiku vaatajatest segadusse ja viitas provokatsioonile, mida Manzoni püüdis oma teosega saavutada.

Pärast selle teose loomist suutsid väga vähesed kontseptuaalsed teosed ühendada kontseptsiooni ja provokatsiooni nii ekstreemselt, et see muutus nii tõhusaks kui Manzoni teos.

Inspireerituna sellest, kuidas Manzoni näiliselt vaevata kombineeris kõrget kunsti ekskrementidega, jätkasid paljud kunstnikud kogu kontseptuaalse kunsti liikumise jooksul selle üleskutsumise ideega eksperimenteerimist. Seega said provokatsiooni ja mässu mõisted tehtud teoste põhitunnuseks.

Merda d'artista (Artist's Shit) Piero Manzoni (1961); Jens Cederskjold, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

Märkimisväärsed kontseptuaalsed kunstnikud ja nende teosed

Kontseptuaalse kunsti liikumise jooksul on paljud kunstnikud loonud märkimisväärse tähtsusega teoseid. Mõned olulised kunstnikud on siia lisatud koos mõnede nende kontseptuaalse kunsti liikumise kõige olulisemate teostega, kuna need teosed näitavad täpselt, millised olid nende peamised põhimõtted ja omadused.

Marcel Duchamp (1887-1968)

Kontseptualismi esiisana tuntud Marcel Duchamp lõi teoseid, mis olid sisuliselt kontseptuaalsed juba aastaid enne liikumise algust. Üks tema kõige ikoonilisemaid teoseid, mida peetakse esimeseks ametlikuks kontseptuaalseks kunstiteoseks, on tema Fountain 1917. aastal loodud skulptuur.

Duchamp ostis kurikuulsalt ühe tavalise pissuaari torustikust, allkirjastas selle pseudonüümiga "R. Mutt", enne kui esitas selle valmis kunstiteosena New Yorgi Society of Independent Artists avatud skulptuurinäitusele. Kuigi Duchamp kuulus valikukomisjoni, lükkas žürii Duchampi teose tagasi, kuna pidas seda ebaausaks ja keeldus seda tunnustamast kui "R. Mutt".art.

See revolutsiooniline kunstiteos oli esimene omataoline, mis välistas esteetilise ilu ja asjatundlikkuse, sest ta lõi tavalisest, igapäevasest esemest skulptuuri ja nõudis, et seda käsitletaks kõrge kunstina. Duchamp'i Fountain näitas arenevat uudishimu, kus piirid ja piirangud on formaalne kunst kuna tema traditsioonilise kunsti kriitika hakkas sillutama teed kontseptualismi lõplikule arengule.

Robert Rauschenberg (1925-2008)

Teine mõjukas kunstnik kontseptuaalse kunsti liikumise raames oli Robert Rauschenberg Tema kõige märkimisväärsem töö oli tema Kustutatud de Kooningi joonistus, mille ta lõi 1953. aastal. Rauschenberg kustutas kunstiteose, mille ta omandas ameerika kunstnikult Willem de Kooning , kusjuures tema valmis kunstiteos kujutab peaaegu tühja paberitükki, mis on raamitud lihtsas kuldses raamis.

Rauschenberg lõi mitmeid teoseid, mis uurisid kunsti määratlust ümbritsevaid piire, kusjuures tema teosed on saanud suurt inspiratsiooni Marcel Duchampilt. Tema teoste raames Kustutatud de Kooningi joonistus, Rauschenbergi eesmärk oli avastada, kas kustutamisest saab luua kunstiteose, kusjuures märkide eemaldamist nähakse kunstiteosena.

Robert Rauschenbergi foto (1968) Amsterdami Stedelijk Muuseumis; Jac. de Nijs / Anefo, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Esialgu alustas Rauschenberg oma joonistuste kustutamisega, kuid arvas, et oma tööde kustutamisega loob ta lihtsalt eiratud joonistused, mis ikkagi kuuluvad talle. Hiljem uskus ta, et selleks, et tema ideest saaks omaette kunstiteos, peab originaaltöö kuuluma kellelegi teisele. Seejärel pöördus ta oma ideega de Kooningi, tema poolt kõrgelt hinnatud kunstniku poole japalus joonistust, mille ta saaks kustutada.

Esialgu tundus de Kooning kõhklevana, kuid mõistis Rauschenbergi kontseptsiooni, mida ta uuris, ja andis lõpuks üle ühe joonistuse. Kunstiteose valimisel valis de Kooning sellise, mida ta igatseks ja mida oleks raske täielikult kustutada, sest ta uskus, et täiendav raskusaste muudaks kustutamise pärast selle lõpetamist sügavamaks.

Protsess osutus töömahukaks, sest Rauschenbergil kulus teose valmimiseks üle kuu ja umbes viisteist kustutuskummi. Jasper Johns jätkas teosele kirjaliku allkirja kirjutamist, mis kõlas järgmiselt: "Erased de Kooning Drawing, Robert Rauschenberg, 1953." Kirjeldus, vaatamata oma lihtsusele, eksisteeris selle kunstiteose põhielemendina, sest ilma selleta oleks tühi paberitükk raami sees loetamatu.

Kui Rauschenbergilt küsiti tema töö kohta, ütles ta, et tema kustutamine näitab abstraktse ekspressionistliku kunsti lõppu ja ideed, et kunst peab olema ekspressiivne. . Tema kustutamine oli tema idee tähistamine puuduvast joonistusest, kuna see eksisteeris nii traditsiooniliste elementide kui ka keele asemel.

Seega peeti tema tööd läbi nende loomise tõeliselt kontseptuaalseks. 2010. aastal kasutas San Francisco moodsa kunsti muuseum erinevaid digitaalseid jäädvustamis- ja töötlemistehnoloogiaid, et tugevdada mõningaid de Kooningi originaaljoonise järelejäänud jälgi. Seda tehti selleks, et paremini mõista, mida Rauschenberg kustutas ja miks ta otsustas seda teha kunstniku puhul, keda ta väidetavalt jumaldas. Kuid kuna deKooning kasutas oma joonistustes sageli kustutamist, mõned leitud jäljed kustutas ta tegelikult enne, kui töö Rauschenbergi kätte jõudis.

Saadud pilt näitas de Kooningi pooleliolevat tööd, aga ka Rauschenbergi mõju, kui ta alustas kustutamist. Võime Kustutatud de Kooningi joonistus tuleneb nii nähtamatuse võlu kui ka Rauschenbergi mõistatuslik otsus kustutada de Kooningi teos. Kuna me ei pruugi kunagi vastust teada saada, jääb Rauschenbergi salapärane teos mitmetele tõlgendustele avatuks.

Sol LeWitt (1928-2007)

Kirjutades ühe esimestest kontseptuaalse kunsti määratlustest, mis ilmus trükis, Ameerika kunstnik Sol LeWitt väitis, et kunstiteose ideest või kontseptsioonist saab füüsiline masin, mis sisuliselt toodab teose. LeWitt on ehk kõige paremini tuntud oma suuremahuliste kontseptuaalse maalikunsti teoste poolest, mida ta nimetas Seina joonistused, mis sisaldas hoolikalt paigutatud värve, mustreid, kujundeid ja ruudustikke.

Need paigutused joonistati kas pliiatsiga või värviga vastavalt rangetele juhistele ja skeemidele, mida LeWitt koostas, et teost õigesti teostada. Seega näitas LeWitt, et kunstnik võib järgida metoodiliste punktide juhendit, et luua teos, mida peetakse kunstiks, kuna teosed ei pea alati lähtuma sügavamast tähendusest. Selle protsessi kaudu tema teoste sees,LeWitt näitab, et tema ranged ideed loomisel oma Seina joonised on kunstiteosed ise.

Sol LeWitti Seinajoonistus nr 652, pidev vormide ja värviliste akrüülvärvide pealekandmine (1990) Indianapolise kunstimuuseumis; Mike Steele, CC BY 2.0, Wikimedia Commons'i kaudu

Kogu oma karjääri jooksul lõi LeWitt üle 1200 sellise joonise, kusjuures need tööd kinnitasid tugevat visuaalset sõnavara, mida ta oli ehitamas. Tema töödes ilmnesid geomeetriliste kujundite modifikatsioonid ja tema joonistused arenesid lõpuks konstruktsioonilisteks ehitisteks, mis olid valmistatud sellistest materjalidest nagu teras, polüuretaan, betoon ja kuubikud, mis olid kuhjatud.

Üks LeWitti tuntumaid seinajoonistusi, mis kannab pealkirja Seina joonistus #16 , oli üks esimesi, mille ta lõi 1969. aastal. See töö koosnes pliiatsiga tõmmatud joonte võrgustikust, mida reguleeris LeWitti poolt peale surutud sisemine loogika. Hallid jooned olid tõmmatud 12 tolli laiuselt ja on kujutatud nii, et need lõikuvad horisontaalselt, vertikaalselt ja diagonaalselt paremale. Selle töö teeb aga huvitavaks see, et see oli LeWitti esimene kunstiteos, mida ta tegiei konstrueeri ennast.

Oma karjääri alguses pöördus LeWitt teiste poole, et aidata luua oma mitmeid kontseptuaalseid maale ja seinajoonistusi. Seina joonistus #16 LeWitt jättis oma assistentidele üksikasjalikud juhised ja skeemid, mida nad pidid järgima, ja nad valmistasid joonistused tema juhiste isikliku tõlgenduse alusel. Lubades teistel oma tööd lõpule viia, käsitles LeWitt oma joonistuste aeganõudvat iseloomu.

Kõige tähtsam on see, et LeWitt näitas oma teoste valmistamiseks teiste valimisega, et teose kui kunstiteose loomiseks piisab pigem idee kontseptsioonist kui selle füüsilisest teostamisest.

Lisaks sellele lükkas LeWitt tagasi traditsioonilise tähtsuse, et kunstniku enda käsi on vajalik kunstiteose valmimiseks, kuna ta tegelikult detsentraliseeris end oma teose teostamisest, kuid suutis siiski võtta valmis teose enda omandiks.

Robert Barry (1936 - praegu)

Teine mõjukas kunstnik kontseptualistlikus liikumises on Robert Barry, kes võttis oma töödes peamise vahendina kasutusele keele. Üks tema tuntumaid kontseptuaalseid teoseid oli tema Kõik asjad, mida ma tean, kuid millest ma hetkel ei mõtle , mis loodi 1969. aastal.

Barry lõi kunstiteoseid, mis uurisid puudumise mõistet ning seda, mida publik tajub puudumise mõistet, kusjuures see kunstiteos rääkis otseselt tema kesksest ideest. Näidatud pliiatsiga joonistatud seinatööna, andis see kunstiteos vaid lihtsa avalduse, mis ajas vaatajad segadusse. Lisaks ei andnud Barry mingeid täiendavaid selgitusi, mis tähendab, et publikule jäi vaidtema kavatsusele tugineda, kui ta püüab teosest aru saada.

Nagu Barry ikoonilises kunstiteoses näidatud, on tähenduse ja ebamäärasuse mõisted omavahel vastuolus. Selle teose loomisel väitis Barry, et ideed, mida ta ei mõelnud, on tema keskne idee selle kunstiteose jaoks, näidates, et selle füüsiline vorm ei ole oluline. Selle asemel pidas Barry läbirääkimisi väite kaalu üle ja kinnitas oma keelekasutust, et saada kunstiteoseks ise.

Huvitav on märkida, et seda avaldust võib rääkida, mõelda ja kirjutada erinevalt, kuid see on ikkagi tema kunstiteos, ükskõik millises vormis.

Lawrence Weiner (1942 - praegu)

Kõigist mainitud kunstnikest oli Lawrence Weiner üks olulisemaid kunstnikke, kes aitas käivitada kontseptuaalse kunsti liikumise ja seda 1960ndatel edasi arendada. Weiner on tuntud kui keelekunstnik, tema tuntuimad teosed on kasutanud keelt kui peamist meediumit.

Foto Bits & tükid kokku pandud, et esitada terviku nägu (1991), Lawrence Weiner, laseriga lõigatud alumiiniumtüpograafia tellisele; GearedBull, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Tema töödest on kõige tuntumad tema kunstiteosed Tahteavaldus , mis loodi 1968. aastal. See kunstiteos dokumenteeris tema sissejuhatust kontseptuaalse kunsti liikumisse, sest see teos koosnes kolmest lihtsast terminist, mis tema arvates kirjeldavad ja dikteerivad kunsti loomise protsessi. Kasutades keelt kunsti loomise selgitamiseks, näitab Weiner, et teose rõhuasetus on selle juhistes.

Selles avalduses pakkus Weiner välja, et kunstiteos võib eksisteerida ainult keele vormis ja seega säilitada oma kontseptuaalse olemuse või olla vajadusel füüsiliselt konstrueeritud. Weineri Tahteavaldus toimis teejuhina, mille abil mõista tema ülejäänud teoseid ja kontseptuaalset liikumist tervikuna, kuna need avaldused näitasid tema mõtlemist sellest, kuidas kunsti tehakse ja kuidas teised seda vastu võtavad.

Joseph Kosuth (1945 - praegu)

Kontseptualismi ühe pioneerina eksisteeriv Joseph Kosuth defineeris 1969. aastal oma essees "Kunst pärast filosoofiat" tõhusalt mõistet "kontseptuaalne kunst", et see sobiks sobivalt kontseptuaalse kunsti liikumisse. Oma kirjutises tunnistas Kosuth Duchamp'i loomingu tähtsust ja teoreetilist tähtsust, kuna ta väitis, et kogu pärast Duchamp'i loodud kunst on oma olemuselt kontseptuaalne, kuna kunst võib ollaainult kontseptuaalselt. Kosuth väitis, et kunstiobjekt eksisteerib üksnes kunsti idee väljendajana, ja Duchampi teoste järel väitis ta, et kunsti ainus ülesanne on seejärel küsitleda ja määratleda, mis on kunst sisuliselt.

Kosuth julgustas sügavat mõtisklust ja küsimuste esitamist selle üle, mis määratleb traditsioonilist kunsti, ning see teema on tema loodud teostes olemas.

Tema tuntuim kunstiteos pealkirjaga Üks ja kolm tooli, on loodud 1965. aastal ja käsitleb ühe tooli erinevaid koode. Kunstiteose sees on tegelik tool paigutatud tooli mõõtkava kujutise ja sõna "tool" väljaprinditud sõnaraamatu definitsiooni vahele. Seda tehes esitas Kosuth nii tooli visuaalse kui ka verbaalse koodi, kuna ta kasutas keelt oma kunstiteose defineerimiseks nii, et see oleks kättesaadav ja arusaadav igale inimesele.vaataja, sõltumata tema kunstiteadmistest.

Varustades oma kunstiteosega reaalset tooli, andis Kosuth ühtlasi koode objektide keeles, mis määratles tooli kui tegelikku puidust eset. Kosuth ühendas edukalt foto, objekti ja idee, et luua kunstiteos, mis oli oma olemuselt kontseptuaalne, kuna sundis publikut küsima, mida kujutab endast "tool".

Kosuthi teose keskne idee on, et publikule esitatakse küsimus, milline mõiste moodustas tegeliku tooli. Füüsilist tooli võis vaadelda kui määratluse reproduktsiooni, kusjuures fotot vaadeldi kui reproduktsiooni tegelikust toolist. Seega jäi publikule küsimus, kas kõigi kolme elemendi kombinatsioon oli lahutamatu osa selle määratlemisel, mis on tool, või oli tooli rõhuasetusmõeldud toetuma täielikult ühele elemendile.

Üks ja kolm tooli lükkas tagasi hierarhilise erinevuse objekti ja selle kujutamise vahel, kuna see tähendas, et kontseptuaalne kunstiteos võib koosneda kas füüsilisest objektist või selle kujutamisest mitmes vormis. Kosuthi teosed olid kontseptuaalsed oma loomisel, kuna ta rajas need oma loomupärasele uurimusele kunsti olemuse kohta, mis arvestas kõiki tagajärgi ja aspekte, mis olid seotud sellekunstiteose loomine.

Pealkirjaga (Kunst kui idee kui idee) sõna "Definitsioon" (1966-1968), mille autoriks on Joseph Kosuth; Maurizio Pesce Milanost, Itaalia, CC BY 2.0, Wikimedia Commons'i kaudu

Kontseptuaalse kunsti pärand

Hoolimata liikumise intensiivsest enesevaatlusest, käsitles kontseptuaalne kunst olulisi küsimusi, nagu aeg, ruum, identiteet ja autorsus kunstis. Omanikuks olemine oli ehk kõige olulisem teema, mida kontseptuaalsed kunstnikud käsitlesid, kuna nad tõstatasid küsimusi selle kohta, kuidas kunsti ümbritsevad kontseptsioonid võiksid olla ostetud ja kuuluda neile, kes teoseid vaatavad.

Kontseptuaalse kunsti raames uuritud teemad olid selgelt väljendatud reaalses maailmas, kuna need eksisteerisid kontseptsioonidena, millele polnud tõeliselt õiget vastust. Arvestades selliseid kunstnikke nagu Sol LeWitt ja tema loodud teoseid, jäid vaatajad mõtlema küsimusele: mis on kontseptuaalne kunst?

LeWitt vastas sellele, näidates, et kunst ei pea olema füüsiliselt kunstniku poolt loodud, et seda saaks vaadelda samas valguses kui traditsioonilisi kunstiteoseid, kuna kunsti omandiõigus oli täielikult muutunud. Liikumise edenedes leidis see tee erinevatesse teistesse kunstiliikumistesse, nagu näiteks feministlik kunst Seega on raske täpselt määratleda, millal kontseptuaalne kunst tegelikult lõppes, sest teised liikumised laenavad tänapäeval jätkuvalt mõningaid kontseptualismiga seotud põhitõdesid.

Kontseptuaalse kunsti määratlemine on keeruline protsess, kuna sellest on nii palju variante. Kuna kontseptuaalse kunsti kalduvus on vaadelda kogu kunsti sisuliselt kontseptuaalsena, kirjeldatakse kontseptuaalse kunsti liikumist sageli nii, et see hõlmab praktikaid ja ideid, mis ei olnud algselt seotud kontseptualismiga. Seega on piir kontseptuaalse kunsti ja teiste kunstiliikumiste vahel ebamäärane. Vaatamata sellele, et kunstiliikumine tekkis 1960ndatel, on paljudkunstnikud kasutavad kontseptuaalset kunsti ka tänapäeval.

Edasine lugemine

Kontseptualism on põnev liikumine, mille kohta teavet saada, sest erinevad kunstnikud tutvustasid erinevaid arusaamu ja määratlusi selle liikumise kohta. Kui teile meeldis lugeda kontseptuaalse kunsti ja selle mõjukaimate kunstnike kohta, siis oleme soovitanud raamatu, mis läheb palju üksikasjalikumalt, et teid veelgi rohkem teavitada.

Suguvõsa (2008-2019), Lucio Salvatore installatsioonisari, kus marmorile on maalitud mõjukate kunstiteoste koopiate fragmendid; Luciosalvatore, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Kontseptuaalne kunst (kaasaegse kunsti liikumised)

Kui olete huvitatud kontseptuaalse kunsti tundmaõppimisest, on Paul Woodi raamat selleks hädavajalik. Kuigi raamat on akadeemilise tooniga, on see kirjutatud neile, kes soovivad lugeda põhjalikult selle liikumise kohta ja mõista, kuidas ja miks hakkasid kaasaegse kunsti näitused sisaldama oma väljapanekutes kõike alates prügist kuni pissuaarideni. Raamat on sidusalt kirjutatud, mõned keerulised žargoonid ilmuvad aadressilkorda ja annab põhjaliku sissejuhatuse kontseptuaalse kunsti liikumise tähtsate tegelaste kohta.

• Õppige kõike kontseptuaalse kunsti kohta
• Mis see oli? Millal see oli? (Kas see on ikka veel olemas või on see "ajalugu"?)
• Kus see oli? Kes seda tegi?

Kontseptuaalse kunsti liikumise kokkuvõte

Mis on kontseptuaalne kunst?

Kontseptuaalne kunst kirjeldas kunstiteoseid, mis lükkasid tagasi traditsioonilised kunstielemendid, nagu esteetilised ideaalid, tehniline konstruktsioon ja kasutatud materjalid, kunstiteose idee kasuks.

Mis on asjakohane kontseptuaalse kunsti määratlus?

Seda kunstiliikumist, mida nimetatakse ka kontseptualismiks, võib määratleda kui sellist, mis seab kunstiteose loomisega seotud kontseptsioonid ja ideed esikohale füüsilise kunstiteose enda ees. Seega peetakse pärast kontseptsiooni mõistmist kunstiteose valmimist pinnapealseks.

Millised on kontseptuaalse kunsti tunnused?

Kontseptuaalset kunsti iseloomustab erinevate meediumide kasutamine, samuti tavaliste, igapäevaste esemete kaasamine. Neid tuntakse ready-made'idena, mida kontseptuaalsed kunstnikud pidasid omaette kunstiteosteks. Kontseptuaalsel kunstil puudub sageli rahaline väärtus, kuna seda kasutatakse selle asemel sageli võimsa sõnumi edastamiseks.

Kes on kontseptuaalse kunsti esiisa?

Marcel Duchamp peetakse kontseptuaalse kunsti esiisaks, tema ready-mades on kontseptualismi tunnused olemas juba enne selle liikumise tekkimist. 1917. aastal loodud tema tuntuim töö on endiselt Fountain , kui ta nimetas tavalist pissuaari kunstiks ja püüdis seda eksponeerida. Fountain arvatakse olevat esimene kontseptuaalne kunstiteos ajaloos.