F rom iidsetest India kunstiteostest kuni India õitsva kaasaegse kunstini, riigi elav visuaalne traditsioon on mitmekesiste kultuurimõjude tulemus. Paljudest erinevatest tsivilisatsioonidest pärit eredad, mitmekesised ja kütkestavad kujundid näitavad India kunstistiilide valikut. Kuna mitmed maailma peamised religioonid, sealhulgas hinduism, islam ja budism,on pärit või õitsenud Indiast, on enamik traditsioonilistest India kunstiteostest poliitilist või religioosset laadi. Käesolevas artiklis käsitletavad India kunstiteosed hõlmavad India maalid ja India skulptuurid.

Traditsiooniline indiaanlaste ajalugu

India kunstil on suur disainitunnetus, mida võib näha nii kaasaegses kui ka iidses India kunstis. Need iidsed India kunstiteosed on pärit iidsetest kogukondadest umbes kolmandal aastatuhandel eKr. Traditsiooniline India kunst hõlmab mitmesuguseid loomingulisi vorme, nagu skulptuurid, keraamika, tekstiilikunst ja India kunstnike maalid.

Traditsiooniline India kunstiajalugu

Arheoloogid paljastasid eelajaloolisi kaljukujutisi, mida võib jälgida vähemalt 290 000 aastat tagasi selles kohas. Bhimbetka petroglüüfid Kesk-Indias on kõige varasemad eksemplarid. See oli domineeriv liik koopamaalingud alates paleoliitikumist kuni neoliitikumisse, millel on sageli kujutatud inim- ja loomakujusid.

Induse oru tsivilisatsioon valmistas esimesed teadaolevad India skulptuurid ajavahemikus 2500-1 800 eKr. Nad valmistasid miniatuurseid terrakotta- ja pronksfiguurid loomadest ja inimestest, näiteks veistest ja primaatidest.

Budismi areng kuuendal sajandil e.m.a. avas ukse religioossetele kunstiteostele, mis olid tavaliselt pronks- ja kivipatareid. Sel perioodil eksperimenteerisid religioossed maalijad ka massiivsete kivitemplite ehitamisega, mida kaunistasid kreeka stiilis sambad. Traditsiooniline India skulptuur oli populaarne hindude ja budistide seas. Hinduism jäi India kunsti peamiseks rõhuasetuseks kunipõlvkondadele, kusjuures populaarsed on jumaluste, näiteks Shiva kuju.

Ashoka lõvipealinn Sarnath (umbes 250 eKr). Asub Sarnathi muuseumis, Varanasi lähedal, Indias; Chrisi1964, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

16. sajandiks oli islami tähtsus Mogulite impeeriumi all kasvanud ja India kunstiteoste loomine oli islami monarhide all suurenenud. Kunst õitses sel perioodil ja Taj Mahali ehitamine algas 1631. aastal. 18. sajandil algas Briti osalemine Indias, kui asutati kunstikoole, et edendada Euroopa vorme.

Selle tulemusel segunesid põlisrahva kunstistiilid väliskultuuridega ja iidseid kunstivorme ülistati või liialdati mõnikord, et meelitada Euroopa kliente.

India sai 1947. aastal Briti impeeriumilt suveräänsuse, mis ajendas kohalikke maalikunstnikke otsima uut stiili. Traditsioonilised komponendid ja inspiratsioonid riigi rikkalikust minevikust on integreeritud kaasaegsetesse India kunstiteostesse.

Traditsioonilised India kunsti stiilid

Igal India piirkonnal oli oma eriline kunstistiil. Kõige populaarsemad on religioossed motiivid, legendaarsed looma- ja inimfiguurid ning rikkalik dekoreerimine. India kunstnike skulptuurid ja maalid on kogu India ajaloo jooksul olnud kõige silmapaistvamad kunstivormid, nagu ka nende suurepärane arhitektuur.

India maalid

Iga Indias tekkinud maalimisstiil sümboliseeris traditsioone, tavasid ja ideid, mis olid edasi antud eelmistest põlvkondadest. Kuigi varased India maalid olid loodud seintele, kohandati kunstivormi hiljem kaasaegsematele materjalidele, nagu paber, kangas, lõuend ja muud materjalid.

Siin on loetletud mõned kõige silmapaistvamad India rahvakunsti stiilid.

Krishna mängib flööti (u. 1790 - 1800), Guleri/Kangra piirkonnast. Peitevärv ja kuld paberil; Freeri kunstigalerii , CC0, Wikimedia Commons'i kaudu

Madhubani maalid

Madhubani maalid on ühed tuntuimad Indias. See stiil sai alguse Bihari Mithila piirkonna Mithila seinamaalina, kuid läänemaailmas ei olnud see üldiselt tunnustatud, kuni Briti valitsuse teenistuja ja kunstiajaloolane W. G. Archer avastas selle 1934. aastal Nepali ja India piiril toimunud maavärina kahjustusi uurides.

Madhubani stiilile on omane traditsiooni ja kultuuri sirgjooneline ja elav kujutamine, mis kujutab tavaliselt müütilisi teemasid.

Madhubani maali featuring Jumal Shiva-Parvati ja Mahavidyas ; toyin adepoju, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Selles stiilis kombineerivad kunstnikud värvilisi kujutisi lihtsate mustritega, millel on sageli lille-, looma- või linnumustrid. Seda kunstivormi harrastatakse erinevates žanrites, nagu Katchni, Bharni, Tantra ja Godna.

Miniatuursed maalid

Esmalt leiti neid 10. ja 12. sajandil üle kogu riigi vedanud kaupmeeste jaoks loodud palmilehtedele, kuid need väikesed tööd valmistati peamiselt käsikirjade jaoks. Mogulite ja Rajputite õukondades kasvas selle kunstivormi tähtsus.

Miniatuurimaalid olid keerukad ja üksikasjalikud, tuginedes pärsia meetoditele. Teemad varieerusid ajaloolistest ja religioossetest situatsioonidest kuni tavapäraste olukordadeni.

Akbar ratsutab elevandil Hawa'I, kes jälitab teist elevanti; Victoria ja Alberti muuseum, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Pattachitra maalid

See stiil, mis ulatub Orissas tagasi 12. sajandisse eKr, on teine varajane maalimisviis. Seda liiki maali valmistatakse piirkonna väikestes asulates veel tänapäevalgi. Pattachitra tähendab sõna-sõnalt "riidest pilt", mis kirjeldab täpselt seda klassikalist, riidel põhinevat rullmaali liiki.

Maalid, mis on tuntud oma üksikasjaliku keerukuse ja legendaarsete teemade poolest, kasutavad nurgelisi, agressiivseid jooni ja on tugevalt mõjutatud mogulite ajastu mõjudest.

Odisha Pattachitra, mis kujutab Radha Krishnat; Shakti, CC BY-SA 1.0, Wikimedia Commons'i kaudu

Warli maalid

Warli rahvamaalid, mis on üks India traditsioonilisi kunstiteoseid, on olnud olemas juba 2500 aastat. Stiil kujunes välja Lääne-Kesk-Indias asuvas Maharashtra osariigis ja seda tehakse tänapäevalgi. Warli maalid, mis on sageli maalitud majade seintele, kasutavad lineaarseid ja ühevärvilisi värve ning põhilist teostusviisi, mis jäljendab koopamaalingut.

Erinevalt teistest hõimukunsti stiilidest, kus kasutatakse hulgaliselt värve, kasutatakse selles stiilis maa toone ja neutraalseid toone, et näidata põlisrahva igapäevaseid tegevusi, nagu jaht, põllumajandus ja tantsimine.

Maharastra Warli maalimine; [//www.flickr.com/people/ [email protected] Jean-Pierre Dalb�ra] Pariisist, Prantsusmaa, CC BY 2.0, Wikimedia Commons'i kaudu

Kuigi Pattachitra, Warli, Madhubani ja miniatuurmaali on mõned kõige tuntumad vormid, on subkontinendi eri aegadest ja kohtadest pärit veel arvukalt India rahvakunsti variante, sealhulgas:

• Thanjavuri maalid : 16. ja 18. sajandi vahel õitses see Lõuna-India maalimisstiil. Need maalid on puulauale loodud erksavärvilised paneelmaalid, mille valdavaks teemaks on jumal.
• Kalamkari maalid : Need maalid on plokkidega trükitud puuvillane kangas, mida valmistatakse India Telangana ja Andhra Pradeshi piirkondades. Sellel on tugev seos pärsia teemadega ja seda kasutati algselt jutustavate rullmaterjalide ja paneelide valmistamiseks.
• Gondide maalid : See kunstistiil ülistab loodust, kujutades kõike alates lopsakatest lehtedest kuni loomadeni. Kunstiteosed koosnevad peenelt organiseeritud punktidest ja kriipsudest.

India skulptuur

India skulptuur on siiani populaarne loominguline väljendusvorm, eriti religioosse kunstina. Ehitisi kaunistati rikkalikult ja teemaks olid enamasti abstraktsed inimkujud, mille eesmärk oli väljendada budistlikke, hinduistlikke ja džaini kontseptsioone. India skulptuuris kujutati sageli naisjumalannasid, nagu Kali, Shakti ja Brahma.

India skulptuurid pärinevad Induse orust, kus terrakota figuurid olid üks esimesi, mida valmistati.

Chola pronkskuju Shiva kui Nataraja ("tantsu isand"), Tamil Nadu, (10. või 11. sajand); Art Institute of Chicago, CC0, Wikimedia Commons'i kaudu

Suured kivisambad tekkisid ristmikel ja võtmekohtades Maurya dünastia ajal, mis kestis 4.-2. sajandist eKr. Neil olid sageli lootosekujulised tipud ja lõvi motiivid, mis olid keiserlikud sümbolid. Sel ajal loodi mitmeid massiivseid kivist jumaluste kujutisi, millele järgnesid väiksemad koopiad, mis paigutati budistlikele monumentidele. Stuupasid ümbritsesid kaunilt nikerdatudväravad on kaunistatud mitmesuguste religioossete sümbolitega.

Teisel ja esimesel sajandil eKr hakkasid ilmuma arenenumad India figuraalsed skulptuurid. Järgnevatel aastakümnetel kujunesid eri paigus välja mitmesugused stiilid ja kombed.

Elevandi ja ratsanikega risti medaljon, Mathura kunst (umbes 150 eKr); Rabe!, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Elephanta koopad, rida koobastempleid, mis on peamiselt pühendatud hinduistlikule jumalusele Shivale ja ehitatud 5. sajandi keskel ja 6. sajandil pKr. 9. ja 10. sajandiks oli India skulptuur kujunenud vormiks, mis erines vähe praegusest ja mida kasutati peamiselt hoonete kaunistamiseks.

20. sajandi algusaastatel järgis India skulptuur lääne akadeemilise kunsti tavasid ja stiilid olid oluliselt mõjutatud realismikunstnikud töötasid Briti kunstikolledžites ilmalike teemade kallal. Vanu ja tavapäraseid lugusid ja jumalusi kujutavaid vorme muudeti oluliselt. Ramkinkar Bai töötas 1940. ja 1950. aastatel Lääne kunsti ja traditsioonilise India kunsti ühendamise nimel, uurides ebatavalisi materjale, nagu kruus, betoon ja tsement.

See uuenduslikkus jätkub tänapäeva India skulptuuris, mis tugineb traditsioonilistele meetoditele ja teemadele, katsetades samal ajal uute lähenemisviisidega.

Olulised India kunstnikud ja nende kuulsad teosed

Nüüd, kui oleme tutvunud India kunsti ajalooga ja erinevate India kunstistiilidega, saame edasi minna ja vaadata India kunstnike tuntumaid skulptuure ja maale. Alustame iga kunstniku tutvustamisega ja seejärel uurime nende India maale ja muid kunstiteoseid.

Raja Ravi Varma (1848 - 1906)

Ravi Varma, kes sündis 1848. aastal Kerala linnas Kilimanooris, oli kuninglikku päritolu. Legendi järgi avastas tema onu ta oma elukoha seintele pilte joonistamas. Onu viis ta Thiruvananthapurami kuninglikku paleesse, kus teda õpetati maalimises.

Ta puutus lossis kokku paljude tolleaegsete lääne ja India stiilidega. Õli kui meedium oli alles kasutusele võetud ja selle tehnikaga olid vähesed kursis.

Ravi Varma õppis seda meediumit, nähes Madalmaade kunstnikku Theodor Jansoni, kes külastas lossi. Ta tõusis kuulsaks Raja Ravi Varma nime all, keda austatakse kui kaasaegse India maalikunsti rajajat kahel peamisel põhjusel. Ta oli esimene, kes ühendas Euroopa akadeemilise metoodika India maitsega. Ravi Varma rõhutas oma maalides realismi, keskendudes detailidele, valguse ja varjude mängule ningandes sügavust, kasutades perspektiivi. Saree voldid lehvisid, juuksed lokkisid ja silmad särasid vajadusest.

Kunstnik Raja Ravi Varma 1890. aastatel; Bhawani Ram , Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Tema figuure rikkalikult kaunistavad kalliskivid sädelesid raskemate löökidega tajutud valguse kallal. Tema maalid on tulvil elu, puid täis vilju ja lilli, veekogud säravad oma erinevate värvidega ja inimesed näivad olevat valmis silmi pilgutama ja oma tegevust jätkama. See oli märkimisväärne kõrvalekalle sellest, mis oli loodud kunstiteoste juuresaeg.

Ravi Varma mahukas looming peegeldab tema reise läbi riigi pidevalt muutuva geograafia. Sel ajal reisisid vähesed inimesed, kuid tema otsingutele aitas kaasa riigi raudtee, mida sel ajal ehitati.

Tema vend Raja Raja Varma, kes oli ise suurepärane kunstnik, oli sageli tema kõrval, aidates Ravi Varmat tema maalimisel ja juhtides tema ettevõtmisi. Ravi Varma tundis oma kliente - printse ja dewane, keda ta maalis - ambitsioonikas segu, mis Rupika Chawla sõnul tegi temast ühe kõige nõutuma maalikunstniku. Raja Ravi Varma, keda peetakse laialdaselt India kalendri loojaksmaalimine, mis tõi geniaalselt ellu hinduistlikud legendaarsed tegelased.

Sri Shanmukha Subramania Swami (teadmata kuupäev), autor Raja Ravi Varma; Raja Ravi Varma , Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Kuni selle ajani oli enamik maalitud figuure lamedad ja jumalad olid äratuntavad ainult nende isiklike riietuste järgi. Tema maalitoodang oli rahvusliku teadvuse kujunemisel otsustava tähtsusega. See oli ka India ajaloo perioodil, mil rahvuslik tundlikkus oli arenemas. Tema Veda-peegeldavad tööd leidsid kiiresti poolehoidu, teenisid populaarsust ja toidavad samas ka südametunnistust. See võis ollaolla üks põhjusi, miks tema sama võimekas vend, maastikukunstnik Raja Raja Varma, ei saanud samasugust tunnustust nagu tema vend.

Pärast tema surma kaunistasid tema teosed aastakümneid keskklassi majade seinu; sellest hoolimata tekkisid lõpuks uued maalikoolkonnad. Bengali kunstikoolkond reageeris Raja Ravi Varma Euroopa akadeemilisele kunstikäsitlusele vihaselt.

Samamoodi kritiseerisid mõned kunstiajaloolased tema teoseid suuresti samade tegurite pärast, mis tegid ta algselt kuulsaks - lääne akadeemiliste lähenemisviiside ühendamine india teemadega.

Shakuntala (1898)

Ravi Varma kujutab Shakuntalat, Mahabharata silmapaistvat tegelast, kes väidab, et korjab kannast okka, samal ajal kui ta tegelikult otsib oma armukest Dushyantha, samal ajal kui tema kaaslased teda pilkavad. See pelgalt liikumine - pea ja torso painutamine ja pööramine - kutsub vaatajat loosse, julgustades teda paigutama seda hetke kujutatud piltide ja sündmuste seeriasse.

Pilt seisab üksinda kui jäädvustatud stseen (nagu kaader filmist), mis on võetud käimasolevast sündmuste seeriast.

Shakuntala vaatab tagasi, et näha Dushyantat (1898), mille autor on Raja Ravi Varma ja mis asub Sree Chitra kunstigaleriis Indias; Raja Ravi Varma, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Need teosed rõhutavad ka "mehe pilgu" tähtsust naisekujutise loomisel. Vaatamata sellele, et meesarmastaja puudub kaadrist, on ta oluline võrdluspunkt; tema pilk muudab nii Shakuntala kui ka Damayanti "ihaldatud" piltideks, esitades neid poeetiliste ja sensuaalsete ideaalidena.

Abanindranath Tagore (1871 - 1951)

Abanindranath Tagore sündis Bengali Jorasanko linnas ja puutus kunstiga kokku juba noorest east peale. Ta oli üks tähtsamaid kunstnikke, kellega meie rahvast on õnnistatud, sest Tagore'i perekond on kultuuri- ja kirjanduslooga. Swadeshi põhimõtete pooldajana asutas ta Bengali kunstikooli. Tema ajalugu on piisav, et teavitada teid tema erakordsest tööst, mis sillutas teedtee kaasaegse India kunsti loomiseks.

Pilt seisab üksinda kui jäädvustatud stseen (nagu kaader filmist), mis on võetud käimasolevast sündmuste seeriast.

Ganesh-janani (1908) Abanindranath Tagore'i teos, mis asub India muuseumis; Abanindranath Tagore, Public domain, via Wikimedia Commons

See kontseptsioon ei tekkinud aga üleöö. 1890. aastal Calcutta kunstikooli sisseastudes sai ta teadlikuks inglise domineerimisest India kunstielu üle. See häiris teda sügavalt, kuna ta oli suur India vanade viiside pooldaja. Tõelise kunstnikuna asutas ta koos oma venna Gaganendranath Tagorega "India Idamaise Kunsti Ühingu". Ta ühendas India stiili sissetema maalid, mille tulemuseks on õpetuse põhimõtteline ümberkujundamine. Ta ei kõhkle isegi hukka mõistmast lääne "materialistlikku" kunsti.

Tõeliselt mitmekülgne isik, mitmed tema tööd kajastasid Indiat ja pälvisid laialdast tunnustust. Kui tema tööd lõpuks tunnustati ja turustati Briti kunstiorganisatsioonide sees India rahvusliku stiilina Indian Society of Oriental Art nime all, tegi ta ajalugu.

Siiski oli üks tema tähelepanuväärsemaid teoseid Araabia ööde seeria, mis valmis 1930. aastal. Ta kasutas nendes töödes Araabia ööde lugusid metafoorina, et kujutada koloniaalajastu Calcuttas tekkivat kosmopoliitsust.

Bharat Mata (1905)

Maal on loodud Swadeshi liikumise ajal. Liikumine tekkis reaktsioonina lord Curzoni Bengali jagamine (1905), mis eraldas Bengali enamasti moslemitest koosnevad idaosad selle valdavalt hindudest koosnevatest läänepoolsetest piirkondadest. Swadeshi liikumisega seotud India rahvuslased reageerisid sellele, lükates tagasi Briti tooted ja organisatsioonid, korraldades miitinguid ja paraade, luues komiteesid ja avaldades poliitilist survet.

Kunstiteose keskel olev inimene kannab raamatut, riisikesi, valge riideriba ja pärg, mis kõik on seotud India traditsiooni ja 20. sajandi alguse India majandusega.

Bharat Mata (1905) Abanindranath Tagore'i teos, mis asub Victoria Memorialis Kolkatas, Indias; Abanindranath Tagore, Public domain, via Wikimedia Commons

Lisaks on kunstiteose peamisel figuuril neli kätt, mis meenutab hinduistlikku ikonograafiat, mis seostab paljusid käsi tohutu jõuga. Pilt on ajalooliselt oluline, kuna see on üks esimesi India ema kujutisi. Alates 1905. aastast on maalidel ja muudes kunstiliikides loodud mitmeid Bharat Mata variatsioone.

Tagore'i originaalkunsti väärtus on siiski endiselt tunnustatud. Algusest lõpuni on see pilt india keelne palve india südamele. See on esimene silmapaistev teos uues stiilis.

Kui see oleks võimalik, toodetaks seda tuhandete kaupa ja levitataks üle kogu piirkonna, kuni ei oleks enam ühtegi taluniku või käsitöölise maja Cape Comorini ja Kedar Nathi vahel, mille ühel seinal ei oleks seda Bharat-Mata ekspositsiooni. Selle atribuute uurides hämmastab ikka ja jälle kujutatud isiksuse selgus ja peenus.

Amrita Sher-Gil (1913 - 1941)

Amrita Sher-Gil, kaasaegse India kunsti teerajaja, kasutas oma pintslit, et kajastada India naiste igapäevaelu 1930. aastatel, väljendades sageli üksilduse ja üksilduse tunnet. Ta maalis inimesi turul reisides, kodus ja pulmas. Aeg-ajalt kujutas ta naisi, kes suhtlesid teiste naistega.

Teosed tundusid hetkiti rahulikku resoluutsuse tunnet edastavat. See oli ainulaadne India naiste kujutamine ajastul, mil kujutised kaldusid kujutama neid rõõmsameelsetena ja sõnakuulelistena.

Näiteks melanhoolne pilt Kolm tüdrukut kujutab passiivse pilguga daame, kelle sünged pruunid näojooned vastanduvad nende riiete särava punase, rohelise ja merevaigukollase värviga. Toon on sünge, nagu ootaksid nad kedagi või midagi, millest nad kahtlustavad, et need ei saabu kunagi. Sher-Gil sai tunnustatud kui "indiaani Frida Kahlo " oma stiili ja naistele pööratud tähelepanu tõttu. Tema subjektide üksindus oli kergesti mõistetav, sest nende tunded peegeldasid tema enda omi. Ta elas oma kasvatuse tõttu maailmade vahel, igatsedes sageli ühtekuuluvustunnet.

Amrita Sher-Gil'i foto, tehtud 1936. aastal; Tundmatu autorTundmatu autor tõenäoliselt Umrao Singh Sher-Gil (1870-1954) , Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Sher-Gil oli oma seksuaalsuse suhtes sarnaselt lõhestatud. "Osaliselt tänu oma suuremale perspektiivile naisest kui võimsast, traditsioonide kunstlikkusest emantsipeerunud indiviidist," ütles Dalmia, oli ta võlutud lesbilise suhte kontseptsioonist. Tal oli lähedane suhe maalikunstnik Marie Louise Chassany'ga ja mitmed kunstieksperdid, sealhulgas tema vennapoeg, arvasid, et tema maalide Kaks naist kujutasid oma soovi teineteise vastu.

Sher-Gil reisis oma elu jooksul palju, külastades Türgit, Prantsusmaad ja Indiat, ammutades olulisel määral teavet India koloniaalajastu eelsetest kunstivormidest ja kaasaegsest India kultuurist. 20. sajandi India kunstnikuna peetakse teda märkimisväärseks, kelle pärand on võrreldav Bengali renessansi uuendusmeelsete kunstnike pärandiga.

Ta oli ka andekas muusik ja innukas lugeja. Vaatamata sellele, et ta oli eluajal vähe tunnustatud, kuuluvad tema tööd praegu India naiskunstnike seas kõige kallimate hulka.

Enda portree (1931)

See on looja esimene kunstiteos, mis pannakse Londonis oksjonile, ja üks kõigest kaheksast Sher-Gil'i maalist, mis on rahvusvahelisel oksjonil. Kunstniku maalid on India valitsuse poolt tunnistatud "riiklikeks kunstikalliskivideks" ja neid peetakse India kultuuripärandi jaoks nii oluliseks, et neid ei saa müüa, kui need on pärit Indiast, ja need peavad jääma riiki, kui neid ostetakse Indiast.Selle tulemusel pakutakse Sher-Gil'i suuri teoseid harva väljaspool Indiat müügiks.

See 1931. aasta teos on üks tema seni nägemata ja eksponeerimata töödest.

See on jäänud Prantsusmaale alates selle loomisest ja teeb sel suvel oma esimese transatlantilise reisi, esitletakse seda kõigepealt New Yorgis, kus see on kavas välja panna Christie's'ile, ja seejärel Londonisse, kus toimub selle müügieelsinemine ja pakkumiste tegemine. 1931. aastal oli Sher-Gil ajutiselt kihlatud Yusuf Ali Khaniga ja liikusid kuulujutud, et ta sooritas abielurikkumist ka oma nõo Victor Eganiga. 1931. aastal oli Sher-Gilmaalitud pilte neist kahest mehest, kes mõlemad vaatavad sissepoole, võib-olla mõtiskledes oma elu üle selle võrgutaja käes.

Enda portree (1931) Amrita Sher-Gil; Amrita Sher-Gil , Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Samal aastal valmis ka Sher-Gil'i pilt. Need maalid konstrueerivad kolmnurga kolme inimese vahel, asetades nad dialoogi - igaüks neist hoiab vaataja pilku kõrvale, hoides saladust, millest ainult need kolm näivad teadlikud olevat. Tema 19 varem teatatud autoportreest on see ainus teadaolev profiilis. Kunstnik on siin täies profiilis, vältides otsest kokkupuudetKompositsioon seevastu lõikab diagonaalselt üle lõuendi, kusjuures keha praktiliselt kerkib lõuendilt vaatajale.

Tühi kuldne kauss tema ja vaataja vahel kujutab emotsionaalset vaakumit, mida ta võis 18-aastasena kogeda, olles jagatud oma erinevate armastuste vahel.

Amrita elu oli väidetavalt sama intrigeeriv ja ebatraditsiooniline kui tema töö. Tema jutustus on intrigeeriv - tema isa, fotograaf, dokumenteeris tema varajased aastad järeltuleviku jaoks - ja andis ülevaate nii Amritast kui ka India ja Euroopa 1920ndate aastate kõrgseltskonnast.

Sellega on meie pilk India kunstnikele ja kunstile kokku pandud. India kunstist on leitud jälgi, mida võib jälgida kuni kolmandasse aastatuhandesse eKr. Igal ajastul on oma iseloom, kombed, ajalugu ja revolutsioonid, mis seda määratlevad. Ka India kunstivormid on sajandite jooksul arenenud. Maalid, arhitektuur ja skulptuur ilmusid esmakordselt iidses Indias.

Korduma kippuvad küsimused

Millised on erinevad India kunstistiilid?

Igal India piirkonnal oli oma kindel kunstistiil. Religioossed teemad koos müütiliste looma- ja inimtegelaste ning kaunistatud kaunistustega on ühed kõige populaarsemad. India maalijate skulptuurid ja maalid, samuti nende peen arhitektuur on kogu India ajaloo jooksul olnud kõige tuntumad kunstivormid.

Mis on Madhubani India maalid?

Madhubani maalid on ühed tuntuimad India maalid. See stiil sai alguse Bihari Mithila piirkonna seinamaali tüübina, kuid see ei leidnud laialdast tunnustust enne, kui W.G. Archer leidis selle 1934. aastal Nepali-India piiril toimunud maavärina põhjustatud kahjusid hinnates. Madhubani stiilile on iseloomulik traditsioonide ja kultuuri otsene ja eluline kujutamine, mis tavaliselt kujutablegendaarsed teemad.