A rt Deco oli kunstiliikumine, mis esitleti algselt 1925. aastal Pariisis toimunud näitusel. Kuigi see saavutas oma populaarsuse kõrgpunkti 1920., 1930. ja 1940. aastatel, oli Art Deco tegelikult liikumine, mis oli juba rohkem kui kümme aastat enne selle väljakuulutamist kujunenud. Väga dekoratiivse kunstistiilina vaadelduna eksperimenteerisid Art Deco kunstnikud peagi disaini, maalikunsti žanritega,mööbel, arhitektuur ja ehitamine oma stiilivaldkonnas.

Mis on Art Deco?

Art Deco oli kunstistiil, mida iseloomustasid erksad värvid ja julge geomeetria, mis viisid äärmiselt luksuslike ja üksikasjalike kunstiteosten loomiseni. Art Deco kui visuaalse kunsti stiil, mis sisaldas nii arhitektuuri kui ka disaini elemente, ilmus esimest korda Prantsusmaal vahetult enne Esimese maailmasõja algust. See liikumine sai avalikkusele teatavaks siiski alles 1925. aastal.Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes, mis põhines vabalt maailmanäituse kontseptsioonil.

Postkaart 1925. aasta dekoratiiv- ja tööstuskunstide näituse ülevaatest; SiefkinDR, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Art Decorates, nagu seda mõnikord nimetati, mõjutas edaspidi mööbli, ehete, moe, autode, teatrite, rongide ja isegi hoonete disaini. Ka igapäevased esemed, nagu tolmuimejad ja raadiod, ei jäänud Art Deco mõju alt puutumata ja sisaldasid selle ikoonilise stiili iseloomulikke tunnuseid.

Kuna Art Deco töötas selle nimel, et integreerida arenenud stiilid erakordse kunstnikutöö ja dekadentsete materjalidega, siis esindas ta oma hiilgeaegadel õilsust, elegantsust, elujõudu ja usaldust sotsiaalse ja tehnoloogilise progressi vastu.

Art déco osutus algusest peale mõjutatuks kubismi liikumise poolt kuulsaks tehtud julgetest geomeetrilistest vormidest, aga ka erksatest värvidest, mida kasutati kubismi raames. Fauvism . tuues endaga kaasa suure korratunde, esitas art déco stiil proportsionaalseid ja tasakaalustatud disainilahendusi lopsakates ja rõõmsates vormides. Art déco disain suutis leida tee paljudesse 20. sajandi alguse disainivormidesse, kusjuures see liikumine katsetas elemente kujutav kunst , arhitektuur, mood, mööbel, transpordivahendid ja isegi tavalised kodumasinad.

Peeglisaal Carew Toweris; Laura Mckenzie Waters, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Nagu kunstiliikumine , olid art déco't määratlevad tunnused kergesti tuvastatavad. Deco kunsti tunnistati tavaliselt erinevate stiilide segamini ja seda nähti erinevate mõjutuste, materjalide ja vormide eklektilise sulamina. Selle tõttu võib olla raske eristada art déco stiili teistest sarnastest kunstikoolidest nagu art nouveau, art moderne, Bauhausi koolkond või Arts and Craft liikumine.

Sellele vaatamata oli art déco-periood uskumatult mõjukas ja selle dekoratiivsed viisid inspireerisid mitmeid teisi kunstistiile.

Art Deco liikumise ajalugu

19. sajandi lõpu poole on paljud Prantsuse kunstnikud , arhitektid ja disainerid, kes osalesid juugendstiili arengus, märkasid, et see liikumine oli väga vananenud. 20. sajandi lähenedes ja tööstusrevolutsiooni mõjude saabudes, olid loovisikud inspireeritud looma kunstistiili, mis karjuks "maitsekat ja kaasaegset" katustelt. Art déco periood oli otsustanud taastadaPrantsusmaa kui esmaklassilise dekoratiivkunsti looja maine taas kord.

Mööbli, interjööride ja kunsti kujundamisega tegelevate Salonide ehk Société des artistes décorateurs asutamine Prantsusmaal aitas tõsta kunstiesemete austust.

Société des artistes décorateurs (SAD) logo, mille on kujundanud Gustave Miklos, 1930. aasta; Pierre gencey, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

See seltskond aitas aeglaselt laiendada kunsti määratlust maalikunstist ja skulptuurist kaugemale, hõlmates ka teisi valdkondi, mida varem ei olnud arvestatud, nagu klaastooted ja ehted. Lõpuks hakati neid, kes lõid art déco teoseid, mida varem ei peetud "kauniks kunstiks", äkki pidama kunstnikeks, mitte lihtsalt kunstnikeks.

Lihvitud ja voolujooneline stiil, mis oli Art Deco, kasvas välja igatsusest ja kindlameelsest soovist vabaneda minevikust ja tervitada tulevikku kogu selle toodetud ja masinlikult kujundatud hiilguses.

Art déco ajastu tähtsus tõusis ja langes kahe maailmasõja vahelisel ajal, kusjuures see stiil mängis olulist rolli lääne moodsa visiooni kujundamisel. See oli eriti märgatav Prantsusmaal ja Ameerika Ühendriikides, kus art déco stiili mõju oli märgatav kasutatud arhitektuuritüüpides.

Kui Art Deco rõhutas kiiruse, jõu ja progressiivsuse tunnuseid, siis selle kunstiteosed vastandati eelneva juugendstiili kergematele ja õrnematele elementidele, et luua tõeliselt ainulaadne stiil. Juugendstiil, mis oli enne Esimest maailmasõda valdav stiil, oli tugevalt inspireeritud loodusest ja sisaldas selliseid asju nagu looklevad viinapuud, lilleõied ja voolavadSee orgaaniliste vormide tähistamine erines suuresti art déco puhtast ja geomeetrilisest stiilist.

René Creveli varajane art déco stiilis maal, 1915. aasta; René Crevel, CC0, Wikimedia Commons'i kaudu

Üsna struktureeritud stiilina vaadeldav art déco võttis loodud teoste tüüpide põhjal väga Gatsby-taolise enesehaletsuse. Võttes üle F. Scott Fitzgeraldi ikoonilisest romaanist pärinevaid jooni, Suur Gatsby , tähistas art déco stiil 1920. aastatel Ameerikas esilekerkinud ekstrapöörasust, kergemeelsust ja dekadentsi. Nii nagu Fitzgeraldi raamatu tegelased olid fikseeritud sära ja glamuuri suhtes, mis oli tollase elustiili sünonüümiks, tähistas art déco kõike seda, mida peeti luksuslikuks ja edumeelseks.

Kunstistiilina peeti art déco'd üheks kõige põnevamaks disainiajastuks.

See haakus sõjajärgse Ameerika õitsenguga ja selle uute leiutistega, mis olid kättesaadavad isegi tavainimestele, mis viis tarbijate luksusmaitsed läbi katuse. Selle tulemusena oli Art Deco stiil sunnitud kiiresti arenema, et peegeldada seda joovastavat progressi tunnet. Art Deco arenes ka koos teiste avangardistlikud liikumised ja kultuuri aspekte, mille tulemuseks oli kunsti, disaini, moe ja etenduse segu.

René Creveli art déco stiilis maskiballi plakat, 1924. aasta; René Crevel, CC0, Wikimedia Commons'i kaudu

1930. aastate suure majanduslanguse ajal muutus dekokunst tagasihoidlikumaks, kuna populaarne maitse muutus vähem uhkete vormide suunas, mis hõlmasid selliseid materjale nagu roostevaba teras, kroomimine ja plastik. Teise maailmasõja ajal läks see stiil siiski kiiresti moest välja.

1960ndatel aastatel taastati art déco disaini vaimustus ja tänapäeval on art déco jätkuvalt peamine motivatsioon dekoratiivkunsti, moe ja isegi ehtedisaini valdkonnas.

Moodiks muutunud modernismi esindav Art Deco eksisteerib ühe esimese tõeliselt rahvusvahelise stiilina. Kunstiteoste eesmärk oli luua stiilne ja anti-traditsiooniline rafineerimise vorm, mis esindas rikkust ja rafineeritust. Art Deco tähistas pärast Esimest maailmasõda taasavastatud optimismi aega ning orienteerus tulevikule ja kaasaegsetele arusaamadele.edusammud.

Dekoratiivsete kunstnike selts (1901 - 2000ndad)

Art Deco saavutas oma kõrgpunkti 1925. aastal, kui Prantsuse valitsus toetas Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes'i. Ainus reaalne nõue sellel messil osalemiseks oli, et kõik kunstiteosed peavad olema "läbinisti kaasaegsed", mis näitas liikumise fookust. Näitus osutus uskumatult populaarseks ja oli laialdaselt külastatav, mis aitas kindlalt kehtestadaArt Deco kunstiajaloos. Näitus ajendas ka selle liikumise ametlikku nimetust Arts Decorates.

Eiffeli torni postkaart öösel, millel on valgustatud tähtedega sõna "Citroën", Exposition des Arts Décoratifs, 1925. aasta; Rijksmuseum, CC0, Wikimedia Commons'i kaudu

See seltskond koosnes kunstimaailma kuulsatest tegelastest, nagu juugendstiili disainer ja graafik Eugene Grasset ja juugendstiili arhitekt Hector Grimard. Ka teised lootustandvad dekoratiivsed kunstnikud ja disainerid liitusid selle grupiga ja aitasid kaasa selle stiili arengule. Prantsuse valitsus osutus selle kunstistiili suhtes uskumatult toetavaks ja aitas kaasa selle kasvukunstiline tegevus.

Selle rühma üks peamisi eesmärke oli vaidlustada kujutava kunsti hierarhiline korraldus, mis alandas dekoratiivkunstnikke traditsioonilisema maalikunsti ja skulptuuriga võrreldes madalamasse staatusesse.

Seda seetõttu, et art déco stiili käsitleti kui kunstimaailma "Tuhkatriinut" - väidetavalt ebapiisav võrreldes teiste olemasolevate kunstiliikidega. Sellest lähtuvalt oli ekspositsiooni eesmärk tutvustada uut tüüpi dekoratiivset kunsti, mis oli kujunenud, kuid mis lükkus mitmel põhjusel edasi 1925. aastani.

Näitus, mis algatas ametlikult art déco liikumise alguse

Prantsuse valitsust, kes korraldas Exposition International des Arts Decorates et Industrials Moderns, peeti vastutavaks Art Deco stiili tutvustamise eest kunstimaailmas. Rohkem kui 15 000 kunstnikku, arhitekti ja disainerit esitlesid oma töid sellel seitsme kuu vältel toimunud näitusel, kus üle 16 miljoni inimese üle kogu maailma käis vaatamas üksikuid näitusetöid.Seetõttu peetakse seda näitust katalüsaatoriks, mis käivitas art déco liikumise alguse.

Postkaart Pariisi 1925. aasta rahvusvahelise dekoratiivsete ja tööstuslike kunstide näituse (Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes) üld- või põhivaatest; Tundmatu autor Tundmatu autor, Public domain, via Wikimedia Commons

Asjakohane art déco määratlus

Sobivast art déco definitsioonist rääkides kaasatakse tõlgendusse tavaliselt asjaolu, et see oli üks 20. sajandi alguse mõjukamaid ja dekoratiivsemaid stiile. Võttes oma nime rahvusvaheliselt kaasaegse dekoratiivse ja tööstuskunsti näituse järgi, kasutati terminit "kunstidekoratsioonid" esimest korda Prantsusmaal 1858. aastal, enne kui ikooniline silt "art déco" oliKui liikumine sai nime, sai see kiiresti tunnustust kogu maailmas.

Alguses kasutas terminit "art déco" halvustavalt modernistlik arhitekt Le Corbusier.

Le Corbusier, 1964; Joop van Bilsen / Anefo, CC0, Wikimedia Commons'i kaudu

Seda nime kasutati artiklites, kus ta mõnitas stiili kaunistamise eest, mida Le Corbusier pidas moodsas arhitektuuris kasutuks. Kuigi art déco stiili toetajad kiitsid seda stiili selle lihtsustatud lähenemise eest, sai selle nimi siiski palju põlgust. Alles 1960. aastate lõpus, kui stiili vastu hakati suuremat huvi tundma, oli art décomääratlus taastatud.

Art déco määratlust kasutas esimest korda positiivses tähenduses Briti kriitik ja kunstiajaloolane Bevis Hillier. Tema esimeses raamatus kasutatud mõiste "Art déco" lõplikus tähenduses, 20ndate ja 30ndate aastate Art Deco , mis kinnistas selle nime korralikult kunstiajalukku.

Sellest lähtuvalt kirjeldati Art Deco määratluses seda liikumist kui sellist, mis koosneb julgetest geomeetrilistest kujunditest ja tugevatest värvidest, mida kasutati erinevates kunstivormides, eelkõige arhitektuuris ja esemetes.

Art Deco kunsti erinevad vormid

Art déco perioodi iseloomustasid harmoonilised, puhtad, geomeetrilised, elegantsed, tavaliselt lihtsad ja visuaalselt meeldivad kunstiteosed. Stiili peamised visuaalsed tunnused tulenesid lineaarsete vormide korduvast kasutamisest, mille hulka kuulusid sageli kolmnurk-, trapets-, siksak- ja Chevron-mustrilised vormid. Sarnaselt juugendstiili eelkäija liikumisele olid esemed, nagu inimesed, loomad või isegi lilled.väga stiliseeritult ja voolujooneliselt, et säilitada art déco üldist esteetikat.

Art Deco stiilis maal, Must panteer bambuses (1926) Gaston Suisse; Dominique Suisse, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Selleks, et pidada sammu stiili rõhuasetusega kaasaegsele tehnoloogiale, ühendasid art déco kunstnikud looduslikke materjale kaasaegsete ja inimtekkeliste materjalidega, nagu sünteetiline plastik, klaas, raudbetoon ja roostevaba teras. Kui aga art déco kunstiteostele oli vaja lisatooni, kasutasid disainerid oma teostesse ebatavalisi materjale, et anda välja rikkalikumat tunnet, näitekselevandiluu, sarv ja isegi sebranahk.

Selle stiili alusel oli art déco liikumine vähem seotud traditsiooniliste, väidetavalt kõrgemate kunstivormidega, mis koosnesid maalikunstist ja skulptuurist.

Kuna art déco disain oli mõjutatud industrialiseerimisest ja ühiskonna tehnilisest arengust, ilmutasid kunstiteosed heakskiitu masinate modernsusele ja masinatega valmistatud esemete loomupärasele disainile. See viis selleni, et art déco'ga eksperimenteeriti peamiselt disaini, mööbli, arhitektuuri ja hoonete puhul.

Art Deco disain

Esmakordselt ilmudes avaldas art déco stiil oma mõju kogu tolleaegsele graafikale. Seda tehti nii, et mõju Itaalia Futurism ilmnes, sest stiili kirglikkus kiiruse vastu ja pühendumine masinale oli näha toodetud töödes.

Futuristlike kunstnike poolt kuulsaks saanud liikumist tähistavate joonte kasutamist kasutasid art déco loojad paralleelsete joonte ja kitsenevate vormide kujul, et näidata tasakaalu ja voolujoonelisuse kontseptsiooni.

SpaceXi tellitud kunstideko-stiilis fiktiivne Marsi turismiplakat. 2015. aasta plakat reklaamib Olympus Mons'i; SpaceX, CC0, Wikimedia Commons'i kaudu

Art Deco disainis jätkusid 1930ndate keskel paljud liikumist vihjavad aspektid, kuna liikumine näitas mõju arenenud aerodünaamilistest standarditest, mis töötati välja lennunduse ja ballistika jaoks, et vähendada aerodünaamilist takistust suurtel kiirustel. Kujundeid, mis aitasid liikumist tähendada, kasutati siis paljudes erinevates Art Deco disainides ja isegi esinesid objektidel, mis olid tõeliselt mittemis on mõeldud selleks, et kunagi liikuda, näiteks külmikud ja hooned.

Jaapani reisiplakat art déco stiilis, Ontake Shosenkyo Valley (Nagoya rongibüroo, 1930ndad); Nagoya Train Agency, Public domain, via Wikimedia Commons

Art déco disainielemente võis näha põhivormides ja suurtes ühevärvilistes lõikudes, mis olid sarnased Jaapani puugraafikatele, millest Art déco kunstnikud inspiratsiooni otsisid. Jaapani kunsti sissevool Euroopasse pärast Esimest maailmasõda avaldas suurt mõju riikidele, eelkõige Prantsusmaale.

Kunstnikud leidsid, et nende puidutrükiste lihtsus peegeldab selgelt moodsat ja elegantset stiili, mida Art Deco püüdis luua.

Art Deco mööbel

Art déco kunsti teine silmapaistev tunnusjoon oli mööbel, mida selle liikumise ajal toodeti. Alles 1920. aastate lõpus hakati üldse uurima mööbli mõistet, kusjuures avangardistlikud juugendstiili mööblidisainid läksid inspireerima tulevasi art déco loojaid. Mööblitüübid, mis siis uue art déco stiili raames loodi, osutusid põhilisemateks javähem kaarjas kujundus, mille peamine sõnum on modernsus.

Art déco liikumise jätkudes näis Émile-Jacques Ruhlmann olevat mööbli valdkonnas esirinnas.

Jacques-Émile Ruhlmanni art déco stiilis uurimus Maharajah d'Indore Mobiliers'ist, 1932. aastal; Jean-Pierre Dalbéra Pariisist, Prantsusmaa, CC BY 2.0, Wikimedia Commons'i kaudu.

Kuigi tema mööbliesemed on inspireeritud 18. sajandi neoklassitsistlikust stiilist, püüdis ta eemaldada võimalikult palju kaunistusi, kasutades samas juugendstiili disainerite poolt eelistatud luksuslikke materjale.

Nende materjalide hulka kuulusid mahagon, eebenpuu, elevandiluu ja isegi kilpkonnakoor. Kuna need olid tavainimestele täiesti kättesaamatud, oli tema mööbel kättesaadav ainult kõige jõukamatele kodanikele.

Kuna Ruhlmanni mööblitööd näisid kõikuvat juugendstiili ja art déco stiili vahel, jättis see turul tühimiku, et saabuks lõplikum art déco mööblidisainer. See toimus Jules Leela näol, kes oli enne art déco perioodi arengut pelgalt traditsiooniline disainer. Leela, olles leidnud inspiratsiooni uues ja põnevas art déco stiilis, läks edasi, etprojekteeris mööblit Pariisi Elysée palee suurejoonelisse söögisaali, mis oli tema kõige tuntum projekt.

Art Deco arhitektuur

Art déco ajastul tekkinud arhitektuur on tõenäoliselt üks tuntumaid tunnuseid kogu kunstiliikumisest. 1903-1904. aastal Pariisis debüteerinud, Art Deco arhitektuur algas kahe Auguste Perret' ja Henri Savage'i projekteeritud korterelamu ehitamisega. Need kaks arhitekti töötasid esimest korda raudbetooniga Pariisi äärelinna hoonetes, mille puhtad jooned, ristkülikukujulised vormid ja fassaadi kaunistuste puudumine näitasid selget lahkumist juugendstiilist.

Arhitekt Auguste Perret, 1932; Nadine.bilis, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Art déco arhitektuurile on seega iseloomulikud kõva servaga ja sageli rikkalikult kaunistatud kujundused, mida rõhutavad läikivad metallaktsendid. Paljud Art déco arhitektuuri tunnuseid kasutades projekteeritud hooned on püstise rõhuasetusega, sest need ehitati nii, et need pidid tänaval kõndijate pilku ülespoole tõmbama.

Selles stiilis loodud hooned olid sageli ristkülikukujulised, plokkide kujulised ja geomeetriliselt organiseeritud, millele lisati kumerad kaunistused, mis lisasid kavandatud elegantset efekti.

Chrysleri hoone fuajee 42. tänava sissepääsu juures, keskne liftipank art déco valgustusega; "Axel Tschentscher", CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Art déco arhitektuuri tuntuimate Ameerika näidete hulka kuuluvad mitmed New Yorgis ehitatud pilvelõhkujad, samuti mitmed Miamis ehitatud pastelsetes toonides hooned. Sõdadevahelisel perioodil muutus Art déco kiiresti kõige levinumaks ja populaarsemaks arhitektuuristiiliks ning hakkas levima ka mujal maailmas. Art déco mõju20. sajandi esimese poole arhitektuuri võib veel näha, kui vaadata mõningaid tänapäevalgi Ameerikas veel eksisteerivaid hooneid.

Art Deco hoone

Mõned Ameerika tänapäeval kõige paremini äratuntavad hooned esindavad arhitektuuris art déco stiili ja mustreid. Pärast Esimest maailmasõda hakkasid terast ja raudbetooni kasutanud art déco hooned ilmuma kõikjale Ameerika ja Euroopa suurlinnadesse. Ameerikas kasutati neid hooneid tavaliselt kontoriteks, kinoteatriteks, raudteejaamadeks ja valitsusasutuste hooneteks.

Art déco-ehituselemente esines ka mõnedes inseneriprojektides, eelkõige San Francisco Golden Gate Bridge'i tornides.

Televaade Golden Gate'i silla torni tippu, 1984. aastal; Lowe, JetSeotud nimed:Strauss, Joseph BPacific Bridge CompanyJohn Roebling's Sons CompanyBethlehem Steel Company IncorporatedJackson, Donald C, saatjaYearby, Jean P, saatjaJandoli, Liz, saatja, Public domain, via Wikimedia Commons

Kõige kuulsamad art déco hooned, mis on tänaseni algsel kujul olemas, on Rockefeller Centre, Empire State Building ja tõeliselt ikooniline Chrysler Building, mis kõik asuvad New Yorgis. Neid hooneid peetakse art déco stiili kõige mälestusväärsemaks väljenduseks ja neist said sel ajal maailma kõrgeimad ja tuntuimad kaasaegsed hooned. Need olidsisuliselt mõeldud näitamaks ehitajate mainet oma kõrguse, kuju, värvi ja silmatorkava särava õhtu kaudu.

Pilvelõhkujaid peeti Art Deco ajastu raames täiesti moodsaks loominguks.

Need hooned rõhutasid puhtaid jooni ja stabiilsust tihtipeale peadpööritaval tasemel. New Yorgi skyline'i muutis drastiliselt Chrysleri hoone 1930. aastal, mis oli art déco-ehituses edu tipp. 77-korruseline hoone oli tuntud kui maailma kõrgeim hoone 11 kuud, kuni Empire State Buildingu ehitamine algas. Chrysler Building eksisteeris Chrysleri autode suure reklaamina.

Postkaart Chrysleri hoonest, 1932. aasta; Tundmatu autor Tundmatu autor, Public domain, via Wikimedia Commons

Chrysleri hoone tegi nii sümboolseks selle kaunistuste stiil. Hoone tippu kaunistasid kolmnurgad ümber kumerate korruste, kusjuures need kujundid olid paigutatud nii, et kopeerisid tippu poole säravat päikest. Art déco gargoyles olid samuti kaunistustena kasutusel, mis jäljendasid täpselt auto kapotiornamenti.

See gravitatsiooni trotsiv pilvelõhkuja, nagu seda tollal kirjeldati, sisaldas kõiki olulisi Art Deco hooneelemente, kuna see kutsus oma arhitektuuris esile kaasaegse inimese ja looduse vahelise võitluse.

Art déco peamised saavutused

Art déco püüdis moodsa loomingustiilina segada funktsionaalseid esemeid kunstiliste puudutusega. See on üks aspektidest, mis eristas art déco nii väga teistest kaunite kunstide stiilidest, nagu maalikunst ja skulptuur, kuna kunstiteostel ei olnud muud tegelikku eesmärki või kasutust peale selle, et nad toimisid vaatajate jaoks intrigeeriva vaatamisväärsusena.

Laiaulatusliku tootmise tekkimisega said art déco kunstnikud parandada oma masstoodanguna valmistatud funktsionaalsete esemete välimust, nii et need oleksid kõigile ühiskonnaliikmetele kättesaadavad.

Art déco liikumise üks suurimaid saavutusi oli asjaolu, et peaaegu kõike võis pidada kunstiks, alates nii lihtsatest asjadest nagu kellad, klaasesemed ja tuhatoosid kuni keerukamate loominguteni nagu autod ja hooned.

Art déco stiilis klaastooted, 1899-1930; Norra Rahvusraamatukogu, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

See näitas Art Deco püüdlust leida ilu kõigis eluvaldkondades, kusjuures liikumise eesmärk peegeldas tolleaegset märkimisväärset originaalsust ja masinaajastu tehnoloogia massilist kasutamist. Art Deco saavutas selle, keskendudes juba olemasolevate esemete elegantsusele ja atraktiivsusele, kusjuures Art Deco ajastu teine saavutus oli selle tõeliselt demokraatlik eesmärk. Kunstnikud.püüdsid isegi kõige lihtsamaid ja rafineerimata esemeid, näiteks masinatega valmistatud esemeid, muuta võimalikult esteetiliseks.

Art Deco Ameerikas

Ameerikas võeti Art Deco liikumist vastu hoopis teisiti. Herbert Hoover, kes oli tollal kaubandusminister, teatas, et ükski Ameerika kunstnikud ja disaineritel lubati oma töid Prantsusmaal toimuval Exposition International'il välja panna, sest Hoover uskus, et nad ei ole veel välja töötanud selgelt ameerikalikku kunstistiili, mis oleks piisavalt "uus".

Vastuseks sellele saatis ta rühma Prantsusmaale, et hinnata näituse kunstiteoseid ja tuua koju kõik ideed, mida saaks rakendada tänapäeva Ameerika kunsti ja arhitektuuri mõttes.

Selle rändkollektiivi raames kaasas Hoover olulisi isikuid Metropolitan Museum of Artist ja Ameerika Arhitektuuriinstituudist, samuti mitmeid isikuid alates New York Times See reis Euroopasse inspireeris peaaegu koheselt kunstilise innovatsiooni ja loomingu laienemist Ameerika Ühendriikides.

Art déco stiilis peeglisaal Carew Toweris, Ohio; EEJCC, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Ameerika art déco stiil osutus Prantsusmaal välja kujunenud algsest stiilist üsna erinevaks. Ameerika art déco, mida nimetati "Streamline Moderne", oli võrreldes Euroopa keerulise ja korrapäraselt eritellimusel põhineva art déco stiiliga vähendatud ja libedam versioon.

Rõhutades ajastu tehnoloogilist arengut, kasvas ja laienes Ameerika art déco kiiresti, nii et seda kasutati Ameerika Ühendriikides palju rohkem kui Euroopas.

Ainulaadse art déco stiili olemasolu aitas taastada mõningast usaldust ja usku Ameerika sotsiaalsesse progressi, kuna loodud kunstiteoseid peeti rahvusliku uhkuse väljenduseks. Ameerika maailmanäitused Chicagos (1933) ja New York City (1939) esinesid peamiselt Art Deco disainilahendused, kuna Hollywood võttis selle stiili omaks ja muutis selle köitvaks kogu riigis. Ameerika Art Deco kiire kasv lõi demokraatia väljenduse oma disainilahenduste kaudu, mis tehti kättesaadavaks tavakodanikele.

Hilinenud art déco

1925. aastaks eksisteerisid art déco liikumises kaks täiesti erinevat ja vastandlikku koolkonda. Need koolkonnad koosnesid traditsionalistidest ja modernistidest. Traditsionalistide hulka, kes olid algselt asutanud Dekoratiivsete Kunstnike Ühingu, kuulusid mööblidisainer Emile-Jacques Ruhlmann, sisekujundaja Jean Dunant, skulptor Antoine Bordello ja disainer Paul Poirot.

See art déco koolkond oli tuntud oma arenenud vormide, tavapäraste tehnikate ja kallite materjalide kombineerimise poolest.

Teisalt paistsid modernistid silma mineviku räige hülgamise poolest. Selle art déco grupi kunstnikud püüdsid leida ja luua kunstilist stiili, mis põhines tehnoloogia uutel arengutel, lihtsusel, kaunistuste puudumisel ning odavamate materjalide ja masstootmise kasutamisel.

Auguste Perret' portree Pariisi, Prantsusmaal asuva Palais d'Iéna palee art déco stiilis suures trepikojas. Trepikoda on suunatud konverentsisaali sissepääsu poole, toimides liigendina palee põhja- ja lõunatiiva otsade vahel. Pange tähele, et raudbetoonist sambad on koonusena allapoole, et väljendada "materjali struktuurilist olemust"; Jean-Pierre Dalbéra Pariisist, Prantsusmaa, CC BY 2.0, Wikimedia Commons'i kaudu.

Modernistid asutasid 1929. aastal oma organisatsiooni, mis kandis nime Prantsuse Modernsete Kunstnike Liit. Selle grupi loominguliste liikmete hulka kuulusid Pierre Chateau, Francis Jourdain, Le Corbusier ja Sonia Delaunay.

Modernistlik art déco rühmitus kritiseeris traditsioonilist art déco stiili, mis nende arvates oli loodud ainult rikaste jaoks.

See rühm väitis, et näiteks hästi tehtud hooned peaksid olema kõigile kättesaadavad ja mugavad, sõltumata nende majanduslikust seisundist, ning et vorm peaks automaatselt järgima funktsiooni. Sellest lähtuvalt sõltus objekti või hoone elegantsus ja võlu sellest, kas see on täiesti võimeline täitma oma funktsiooni, ja mitte seotud kunstipublikuga, kes seda tõenäoliselt vaatab.töötab.

Märkimisväärsed art déco kunstnikud

Art déco liikumises osalesid paljud kunstnikud, alates maalijatest, skulptoritest, sisekujundajatest, mööblitootjatest ja arhitektidest. Järgnevalt vaatleme mitmeid märkimisväärseid loomeinimesi, kes lõid art déco perioodil olulisi kunstiteoseid ja kelle mõjust räägitakse tänapäevalgi.

René Lalique (1860 - 1945)

Prantsuse disainer René Lalique on läinud ajalukku kui üks maailma tuntumaid 19. sajandi lõpu ja 20. sajandi alguse klaasikunsti disainereid. Tema pärand art déco kunstnikuna on tänaseni tugev, tema klaasitööd on kollektsionääride seas endiselt väga populaarsed. Oma karjääri jooksul oli Lalique tuntud oma kaunite parfüümipudelite, ehete, vaaside, lühtrite, kellade ja autode poolest.kapuutsi kaunistused.

Lalique'ist sai kiiresti üks tunnustatumaid juugendstiili ehtedisainereid ning ta töötas ka selliste tuntud Prantsuse ehtekunstnike nagu Cartier ja Boucheron heaks.

Pärast seda, kui Lalique oli oma klaasikunsti loomingut täiustanud, lükkas ta 1920. aastatel juugendstiili tagasi ja tundis huvi voolavate ja orgaaniliste vormide vastu. See viis selleni, et ta võttis omaks kujuneva art déco stiili tehnikad, kusjuures tema kunstiteosed muutusid selle käigus elegantsemaks. Lalique katsetas mitmesuguseid uusi materjale, kuid eelistas siiski töötada klaasiga.

René Lalique'i portree, 1906; Aaron Gerschel, Public domain, via Wikimedia Commons

Kuna ta praktiseeris Art Deco liikumise raames, domineeris tema klaasivalmistamise stiil ehtekunsti valdkonnas. Lalique'i võidukäik oli ka tänu vanemale klaasivalu meetodile, mida seni harva kasutati ja mis võimaldas tal sama kujunduse kordusi vaevata valmistada. Lisaks tema õrnadele parfüümipudelitele ja ehtedele on Lalique'i monumentaalsed Art Deco teosedhulka kuuluvad ka ookeanilaeva valgustatud klaasist seinad ja klaasist sambad, Normandia .

Üks Lalique'i tuntumaid klaasskulptuure oli aga "Victoire", mille ta lõi 1928. aastal.

Valmistatud auto klaasist kapotikaunistuseks, Victoire See skulptuur, mille nägu paistab teravalt välja ja juuksed ripuvad tema taga nagu üksikud teravad tiivad, viitab antiik-kreeka skulptuurile, Tiibadega võit , mis asub Louvre'is. Victoire See on nii kaunite kunstiteos kui ka skulptuurne ese, mis näib oma tõeliselt ameerikaliku stiili tõttu hõlmavat kõike, mida art déco endast kujutas.

Lalique'i maskott "Spirit of the Wind" ehk "Victoire", 1928. aasta; Ingrid Taylar Seattle'ist, WA, USA, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Émile-Jacques Ruhlmann (1879 - 1933)

Art déco liikumise üks silmapaistvamaid mööbli- ja sisekujundajaid oli prantsuse kunstnik Émile-Jacques Ruhlmann. Tema mööblidisainid näisid olevat uskumatult voolujoonelised, kuna ta kasutas väga ekstravagantseid ja ulmelisi materjale, mida ta töötas oma erakordselt peene käsitööoskuse abil. Liikumise populaarsuse kõrgajal sai Ruhlmannist sümboliksart déco stiiliga seotud külluslikkus ja kaasaegsus.

Émile-Jacques Ruhlmann, 1930ndad; Olivier Old, CC BY-SA 3.0, Wikimedia Commons'i kaudu

Ruhlmanni külluslik stiil tekitas erinevaid reaktsioone mitmete erinevate art déco disainerite ja arhitektide poolt. Eelkõige Le Corbusier reageeris Ruhlmanni poolt toodetud kunstiteostele, kutsudes üles looma selle asemel lihtsamaid ja praktilisemaid mööbliesemeid. Ruhlmann uskus aga kindlalt, et kunsti säilitamine tugineb täielikult kõrgklassile, kusjuures temadisainilahendused, mis püüavad suurepäraselt kinni tolle aja sensatsioonilist ja suurepärast vaimu.

Kuigi Ruhlmann oli ornamentika osas piirav, kujundas ta oma mööbliesemed tolle aja kõige eksootilisematest materjalidest. Sõjajärgse kodanluse kindla lemmikuna kujundas Ruhlmann mööblit, mis suutis näidata äsja tekkinud aristokraatliku ühiskonna uut jõukust ja maitset.

Selle tõttu öeldi, et Ruhlmanni suurimaks saavutuseks on tema võime ühendada mineviku klassikaline stiil ja moodsa maailma arenenum stiil.

Émile-Jacques Ruhlmanni kabinet "État", 1922; Jacques-Émile Ruhlmann, CC0, Wikimedia Commons'i kaudu.

Üks Ruhlmanni tähelepanuväärseid mööbliesemeid, mis valmistati 1922. aastal, oli État Kabinet Erinevalt tüüpilisest juugendstiilist oma sümmeetria ja piiratud värvipaleti poolest kasutas Ruhlmann tugevat puitu, mis moodustas terava kontrasti keerulise elevandiluumustriga. Sellest hoolimata laenasid keerukad lillejooned tugevalt juugendstiilist, kusjuures État Kabinet olemasoleva uuendatud ja lihtsustatud objektina, mis näis olevat kinni kahe stiili - juugendstiili ja art déco - vahel.

William Van Alen (1883 - 1954)

Art déco ajastu ehk kõige olulisem kunstnik oli Ameerika arhitekt William Van Alen, kes projekteeris New Yorgis ikoonilise Chrysleri hoone. Brooklynis sündinud Van Alen õppis arhitektuuri nii Ameerika Ühendriikides kui ka Pariisis, enne kui asus kindlale arhitektuuristiilile kindlaks. 1910. aastal, pärast Pariisist naasmist, näitas Van Alen oma suurt huvi selle stiili vastu.modernismi, mis väidetavalt oli inspireeritud alles areneva Art Deco liikumise varajastest etappidest.

Paljud New Yorgi olulised hooned ehitati Art Deco liikumise kõrgperioodil. 1920. aastate lõpus projekteeris Van Alen kuulsa Chrysleri hoone, mis muutis linna siluetiliini, ning hoone valmis 1930. aastal.

Chrysleri hoone foto, 2012; L Latumahina, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

Manhattani East Side'i Turtle Bay linnaosas ehitatud Chrysler Building on tuntud kui üks silmatorkavamaid pilvelõhkujaid linnas. See arhitektuuristiil osutus uskumatult populaarseks ja seda kasutati veel 1960ndatel aastatel.

See valmis vähem kui kahe aastaga, kusjuures öeldi, et iga nädal ehitati umbes neli korrust, mis oli üllatavalt kiire tollaste masinate jaoks.

Walter P. Chrysleri poolt rahastatud hoone kavandati nii, et see viitaks Chrysleri autodele. Van Aleni algses projektis kasutati palju modernistlikke stiilielemente, nagu näiteks kumerad aknad nurkades. Hoone kaks kõige paremini äratuntavat aspekti on kuulsad gargoyles ning seitse kaarekrooni torni tipus.

Sonia Delaunay (1885 - 1979)

Üks väheseid naiskunstnikke, kes tegeles art déco liikumisega, oli vene päritolu prantsuse kunstnik Sonia Delaunay. Orfismi kunstiliikumise kaasasutaja Delaunay on väidetavalt kuulunud teiste märkimisväärsete art déco disainerite hulka, kellel on tänapäevalgi tugev mõju erinevatele moesuundadele. Inspireerituna kubistlikust ja fauvistlikust liikumisest, töötas Delaunay tihedalt koos kaaslaste Sürrealistlik See viis selleni, et temast sai esimene disainer, kes tõi abstraktse inspiratsiooni moe valdkonda.

Sonia Delaunay kannab Casa Sonia loomingut, Madrid, umbes 1918-1920; Anonüümne Tundmatu autor, võimalik, et Zockoll, Public domain, via Wikimedia Commons

Delaunay oli võlutud geomeetrilise disaini ideest, mis osutus kaasaegseks ja sisuliselt moes olevaks aastatel 1920-1930. Delaunay oli lisaks maalikunstnikule ka tekstiilidisainer, kes valmistas sel ajal mõned oma kõige tähelepanuväärsemad moetööd. Värv oli tema töödes oluline aspekt, mida ta määratles kui "dünaamilist kunsti".

Delaunay julgete värvi- ja tekstiilkombinatsioonide tõttu sai ta 1925. aasta Pariisi näitusel "moodsa moe disaineri" tiitli.

Tema tuntuim rõivaese on ehk tema lappidest kleidid, mis olid "simultanismi" eksperimendid. Erinevate värvide segamine Delaunay kasutas erinevaid julgeid värviplokke ja valju geomeetrilisi kujundeid, mis panid tema kleidid silma paistma. Tema edu moes on osaliselt tingitud tema silueti vabastamisest naissoost rõivastes pärast Esimest maailmasõda, kusjuures tema looming ja kunst mõjutavad tänapäevalgi selliseid moodsaid moemaju nagu Christian Dior ja Yves Saint Laurent.

Tamara de Lempicka (1898 - 1980)

Teine väga oluline naiskunstnik, kes lõi teoseid art déco perioodil, on Tamara de Lempicka Poolas sündinud Lempicka, kes on tõenäoliselt üks art déco liikumise kõige austusväärsemaid ja tunnustatumaid kunstnikke, oli kõige paremini tuntud oma rafineeritud ja trendikate art déco-kujutluste poolest, mis kujutasid jõukat klassi ja tema uskumatult stiliseeritud aktimaalide poolest. 1920. aastatel pärast Vene revolutsiooni Pariisi asunud Lempicka oli vaimustuses 1920. aastate nonkonformistlikust Pariisi elustiilist.

Lempicka portreed tõid talle kriitikute kiitust ja märkimisväärset rikkust. Tema maalimisstiil kujutas suurepäraselt luksuslikku ja glamuurset elustiili, kusjuures inspiratsiooni sai ta teistest liikumistest, näiteks kubismist.

Tema ainulaadne lähenemine art déco maalikunstile võimaldas tal esitada teoseid, mis olid oma olemuselt ekstravagantsed, kuid samas puhtad ja täpsed. Lempicka värvide julgus ja tema nurgeline stiil viitasid mõnele art déco stiili põhijoonele, mis on viinud selleni, et tema teoseid peetakse art déco maalikunsti parimaks esindajaks.

Tema ikooniliste teoste hulka kuuluvad Noor daam kinnastega , mis on maalitud 1930. aastal ja on üks tema tuntumaid teoseid. Ta kujutab moekalt tagasihoidlikku daami rohelises kleidis, mida rõhutavad veelgi tema peenelt sobivad valge müts ja kindad, ning tema erksavärviline punane huulepulk paneb ta näilisest arglikkusest hoolimata silma paistma.

Teravad, peaaegu murdunud värvipinnad, mida kasutati näojoonte ja kleidikanga kujutamiseks, on Lempicka iseloomulik stiil, mis näitab ka kubismi ja art déco vastastikust mõju tema kunstilisele stiilile.

Lempicka portreid ja maale tervitatakse tänapäevalgi sama suure vaimustusega kui varem. Kuigi tema teosed olid algselt mõeldud eliitpublikule, on need tekitanud arutelu kõigis ühiskonnaklassides ja on paljude poolt soositud. Lempickat peeti oma põlvkonna üheks silmapaistvamaks portreemaalijaks, kelle puhtad jooned ja elegantse elegantsiga olevadtema kunstiteosed on täiuslikud näited art déco stiilist.

Art Deco poolt jäetud pärand

Samad omadused, mis tegid art déco liikumise alguses nii populaarseks, nagu selle peen käsitöö, rikkalikud materjalid ja ornamentika, viisid lõpuks selle languseni. 1929. aastal Ameerika Ühendriikides alanud ja varsti pärast seda Euroopasse jõudnud suur majanduslangus hakkas aeglaselt soodustama kunstiliikumise allakäiku.

See hävitav majanduslik löök vähendas oluliselt nende jõukate klientide arvu, kes võisid endale sel ajal lubada art déco mööblit ja esemeid, mis viis stiili kiire hääbumiseni.

Teise maailmasõja tekkimine näis tähistavat Art Deco langust. Sõja-aastatel tekitas ühiskonna vaoshoitus Art Deco stiili veelgi dekadentsema mulje, kui see niigi tundus, mis ei sobinud nii pidulikku ajalooperioodi. Piiratud metallivarusid, mida oli võimalik taaskasutada, kasutati sõjarelvade ja -varustuse ehitamiseks, selle asemel et kasutadahoonete ja siseruumide kaunistamine. Tollases ühiskonnas, mis oli nii tõsine, ei peetud selliseid esemeid nagu mööbel enam tähtsaks staatuse esemeks.

Art déco stiilis Prantsuse saatkond, tahvel 22 (R. Creveli akvarelli järgi): Paul Follot' eelkamber, René Creveli maalitud paneelid, 1925. aastal; René Crevel, CC0, Wikimedia Commons'i kaudu

Lisaks sellele suunas 1929. aasta börsikrahh art déco liikumist masstootmise kontseptsiooni suunas. Mitmed tehnoloogilised edusammud võimaldasid põhiliste tarbeesemete taskukohasemat tootmist, mis vähendas seniste art déco disainerite vajadust ja hilisemat populaarsust. 1930. aastate alguseks arenes vastuseks art déco ideaalidele Streamline Moderne.Ameerikas, kusjuures see uus stiil keskendub esemete, mööbli ja arhitektuuri kujunduse lihtsustamisele.

Art déco koges taaselustumist 1960. aastatel koos tarbimiskultuuri algusega. Sellest ajast alates on püsiv ja jätkuv huvi art déco liikumise vastu näha erinevates tekkinud kunstistiilides ja disainides, mis kõik näivad kandvat vihjeid deko kunsti voolujoonelisele esteetikale. Vaatamata sellele, et art déco arenes liikumisena, mille eesmärk oli põgeneda mineviku eest, on see nüüdsestmuutunud sentimentaalseks ja kiindumuslikuks mälestuseks klassikalisest stiilist, mis on osutunud minevikust lahutamatuks.

Art déco disain on tänaseni mõjuv kunstistiil, mille areng on olnud tõeliselt tähelepanuväärne. Hoolimata sellest, et Art déco oli populaarne peaaegu sajand tagasi, peetakse seda üheks esimeseks moodsa arhitektuuri stiiliks, mis avaldas tõelist mõju kunstimaailmale. Tänapäeval võetakse endiselt inspiratsiooni sellest kvintessentsest stiilist, mis on võimaldanud selle dekoratiivse kunstiliigisisuliselt taas moodi. Ükskõik kui palju aega on möödunud, jäävad dekokunsti silmatorkavad geomeetrilised vormid igavesti ikoonilisteks.

Vaata meie Art Deco stiilis veebilugu siin!

Korduma kippuvad küsimused

Mis on Art Deco?

Art Deco, mis tekkis kunstielu 1920. aastate alguses, oli kunstistiil, mida määratles selle võlu modernsuse vastu. Seda ideed võis näha elavatest värvidest ja julgetest geomeetrilistest mustritest koosnevate elementide kaudu, kuna eesmärk oli luua rikkalikke ja tõeliselt külluslikke kunstiteoseid. Art Deco on kõige tuntum ka oma panuse poolest arhitektuuris.

Millised on art déco stiili peamised tunnused?

Art déco stiili peamine tunnusjoon oli selle puhas imetlus modernsuse kontseptsiooni vastu, samuti austus masinate ja tehnoloogia arengu vastu. Sageli kasutati elemente, mis suutsid rõhutada lihtsust, kordust ja sümmeetriat, mis võimaldas art déco kunstiteostele ilmuda puhta ja voolujoonelise esteetikaga.

Millised on mõned kõige ikoonilisemad Art Deco esemed?

Art déco arhitektuur on osutunud selle stiili kõige olulisemaks žanriks, sest selle järgi on valminud mõned kõige tuntumad moodsad ehitised. Nende hulka kuuluvad Rockefeller Centre, Empire State Building ja täiesti hingemattev Chrysler Building, mis kõik on ehitatud New Yorgis.