B ealates 20. sajandi alguses, suutis abstraktse kunsti liikumine tuua erinevaid abstraktsiooni tüüpe peamise maalimisstiili sisse, mis domineeris tollal kunstimaailmas. Abstraktset kunsti vaadeldi kui avangardistlikku stiili ja see sai väga mõjukaks kunsti kujunemisel ja arendamisel, mis ei olnud kujutav ja mida peeti sisuliselt "puhtaks kunstiks". Vaatamata esialgselešokeerivale publikule muutus abstraktne kunst vastuvõetavamaks, kusjuures loodud teostes kasutati kesksete motiividena pelgalt värve ja kujundeid.

Abstraktse kunsti lühike ajalugu

Abstraktne kunst oli uskumatult tähelepanuväärne liikumine, kuna see lahkus täielikult tegelikkusest. kujutatud pildid olid täiesti mittefiguraalsed ja mitteobjektilised, kuna loodud kunstiteostes ei viidatud millelegi kaugeltki reaalsele või kujutavale. kunstiajalugu , hakkasid mõned varasemad liikumised, sealhulgas romantism, impressionism ja ekspressionism, kalduma abstraktsiooni suunas. Selle ajastu kunstiteosed keskendusid rohkem visuaalsele tunnetusele kui esemete kujutamisele.

Abstraktsioon kui kunstistiil aitas materialiseeruda kontseptsioonil "kunst kunsti pärast", mis oli uskumus, et maalid ja skulptuurid peaksid vabanema kõigist välistest tähendustest. Seega lõid abstraktsed kunstnikud kunsti arusaamaga, et nende teosed peaksid olema lihtsalt selleks, et neid nautida selle eest, mis nad on. Keskenduti kunsti enda sisule, kuna kunstiteosedrõhutas sel ajastul materjali, tekstuuri, joone, tooni, värvi ja kompositsiooni elemente täpsete kujutiste asemel.

Killustumine (1937), Paul Klee, õli ja pliiats, kartongil; Daderot, CC0, Wikimedia Commons'i kaudu

Esindades otsustavat hetke modernism , abstraktset kunsti edendasid paljud teedrajavad kunstnikud, kes uskusid, et kunstiteoses esinev emotsioon on kõige olulisem aspekt. Abstraktsed maalijad olid kaasaegse kunsti tekkimise katalüsaatoriks ja lükkasid kiiresti tagasi traditsioonilist kunsti reguleerivad reeglid, kuna loodud kunstiteosed ühendasid nii abstraktsiooni kui ka sürrealismi mõisteid. See sillutas kunstnikele teed liikudaeemale realistlikest kujutistest ja eelistab figuratiivseid teoseid.

20. sajandi alguses toimus kunstimaailmas revolutsioon, kui kunstnikud muutusid visuaalsest maailmast sõltumatuks, kasutades oma töödes abstraktsust. Kuigi abstraktse kunsti algusest on möödas enam kui sajand, on see liikumine jäänud oluliseks aspektiks pidevalt arenevas kaasaegses kunstimaailmas.

Abstraktsiooni mõju oli monumentaalne, sest see tõi kunstiajaloos kaasa põhjapaneva muutuse, mis kestab tänaseni.

Meie kümme kõige kuulsamat abstraktset kunstnikku

Abstraktses kunstis ja ka erinevates teistes kunstiliikumistes mõjukate tegelastena on märkimisväärne hulk abstraktseid kunstnikke, kellest räägitakse tänapäevalgi. Nende arvukad maalid on jäänud ikoonilisteks kunstiteosteks, mis on toonud kaasa selle, et mõned abstraktsed kunstnikud on väga silmapaistvad. Kuigi paljud kunstnikud võivad kuuluda sellesse pingereasse, uurime nüüd meie abstraktsete kunstnike esikümneleid.kelle kunstiteosed ja maine on ajaproovile vastu pidanud.

Wassily Kandinsky (1866 - 1944)

Vene maalikunstnik, keda peetakse kõigi aegade kuulsaimaks abstraktseks kunstnikuks. Wassily Kandinsky peeti kogu abstraktse žanri juhtivaks pioneeriks. Kandinsky õppis esialgu õigusteadust ja majandust, enne kui ta loobus akadeemilistest õpingutest ja alustas 30-aastaselt maalimisõpinguid, mis hõlmasid elulahendusjoonistamist, visandamist ja anatoomia kujutamist. 1910. aastatel kuulsaks saanud Kandinsky't mäletatakse kui juhtivat tegelast modernse kunsti arengus, tema teosed eksisteerivad kuivaraseim Abstraktsed maalid toodetakse.

Kuigi jätkates figuratiivne kunst enne 1913. aastat, Kandinsky on tuntud kui esimene abstraktne kaasaegne kunstnik, kes kasutas oma teostes täielikult ja vabalt puhast abstraktsiooni. Kandinsky, keda peetakse esimese kaasaegse abstraktse maali loojaks, on oma karjääri jooksul loonud palju märkimisväärseid teoseid, millest mõned maalid on jäänud uskumatult tähelepanuväärseks. Nende maalide hulka kuuluvad järgmised. Ilma pealkirjata (esimene abstraktne akvarell) (1910), Koostis VII (1913), Farbstudie Quadrate (1913) ja Valge II (1923).

Ilma pealkirjata (Esimene abstraktne akvarell) (1913) Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Kandinsky väitis, et teda sundis maalimisel "sisemine vajadus", mis nõudis, et ta jääks ükskõikseks tunnustatud ja tundmatute vormide suhtes ning maaliks ainult seda, mida ta hetkel tõeliselt tundis. Enamiku Kandinsky abstraktsete maalide raames võtsid tema mitterepresentatiivsed figuurid juhusliku geomeetrilise vormi kuju, mida kõrvutati kujundite, hõljuvate joonte ja elavate värvide abil.

Uskudes, et värv võib olla sõltumatu kõigist välistest viidetest, eksperimenteeris Kandinsky värviga nii, et see muutus tema teostes pelgalt teemaks. Maalimine oli Kandinsky jaoks väga vaimne, kuna ta püüdis oma abstraktsete vormide ja erksate värvide kaudu anda edasi sügavat inimlikku tunnet. Ta uskus, et need elemendid suudavad ületada erinevaid kultuurilisi ja füüsilisipiirangud, muutes tema teosed kõigile kättesaadavaks.

Untitled ( Koostis Lyrique ) (1922), Wassily Kandinsky, akvarell ja tint, paberil; Wassily Kandinsky, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Muusika moodustas ka Kandinsky loomingu olulise osa, kuna ta pidas seda kõige võrratumaks vormiks mitte-objektiivne kunst Ta uskus, et muusika suudab väljendada universaalseid emotsioone ja ideid viisil, mida teised visuaalsed keeled ei suuda, ning Kandinsky pidas oma missiooniks jagada neid ideid ülejäänud maailmaga. See viis selleni, et ta nimetas mõningaid oma impulsiivsemaid ja keerulisemaid kunstiteoseid "kompositsioonideks".

Lisaks sellele, et Kandinsky oli abstraktne kunstnik, oli ta ka silmapaistev liige rühmas Der Blaue Reiter ajal Saksa ekspressionismi liikumine Kandinsky oli ka Bauhausi kooli professor, kuni natsid sundisid seda sulgema enne Teise maailmasõja algust.

Kandinsky manipuleeris kogu oma karjääri vältel elavat värvi ja vormi, mis mõjutas abstraktse kunsti arengut, mistõttu teda peetakse "abstraktse kunsti isaks".

Piet Mondrian (1872 - 1944)

Hollandi kunstnik Piet Mondrian oli üks kuulsamaid abstraktse kunsti kunstnikke liikumise kõrgajal, kuna teda peeti abstraktse kunsti oluliseks uuendajaks. Algselt oma varasemates töödes figuratiivse stiiliga eksperimenteerinud Mondrian läks kiiresti üle äärmiselt abstraktsele stiilile, kuna ta hakkas oma töödes kasutama tahkeid geomeetrilisi kujundeid.

Maalikunstniku pojana kasvas Mondrian üles, sest isa õpetas teda joonistama. Siiski hakkas ta korralikult maalimisega tegelema alles täiskasvanuna ja võttis abstraktse kunsti omaks pärast Esimese maailmasõja lõppu. Mondrian ei kujutanud kunagi ühtegi religioosset figuuri, vaid tema kunst sai märkimisväärseks tema loodud unikaalse ruudustiku maali poolest.

Broadway Boogie Woogie (1942-1943) Piet Mondrian; Piet Mondrian, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Mondriani ruutude, joonte ja jõuliste värvide kasutamise tõttu sai temast kõige mõjukam De Stijli liikumise toetaja, kuna tema teosed edendasid puhta abstraktsiooni kasutamist vormi ja värviga seotud oluliste aspektide vähendamise kaudu. Seega koosneb enamik Mondriani teoseid väga struktuursetest ja mitteesinduslikest vormidest, mis on esile tõstetud põhilistes põhivärvid .

Mõned tema tuntuimad tööd on järgmised Broadway Boogie Woogie (1942 - 1943), Kompositsioon koos punase, kollase ja Sinine (1937-1942) ja Kompositsioon II punase, sinise ja kollase värviga (1930). Juba ainuüksi tema maalidele antud nimetusi uurides saab teada Mondriani eelistus põhivärvidele punane, kollane, sinine, samuti musta, halli ja valge kaasamine tema teostesse.

Kompositsioon kollase, sinise ja punase värviga (1942) Piet Mondrian; Piet Mondrian, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Kasutades seda geomeetrilise abstraktsiooni stiili, lõi Mondrian oma abstraktsete kunstiteoste kirjeldamiseks termini "neoplastitsism", mis kasutas ainult sirgeid jooni, kolme põhivärvi ja kolme neutraalset tooni. Kuna De Stijli liikumine saavutas Mondrian populaarsust, sai tuntuks oma keskendumisega vormide ja toonide lihtsustamisele oma teostes.

Selle tulemusena sai Mondrianist abstraktse kunsti arengus oluline liider, kuna tema ikooniline stiil mõjutas hiljem Bauhausi ja minimalismi arengut. Mõlemad žanrid põhinesid Mondriani loomingul, kusjuures Bauhaus kasutas liigselt lihtsustatud jooni ja värviteooriat, samas kui minimalism keskendus geomeetrilistele vormidele ja piiratud värvipaletile.

Mondriani metoodiline vertikaalsete ja horisontaalsete elementide kasutamine võimaldas tema töödel areneda loogiliselt, kusjuures tema neoplastika arengust sai üks abstraktse kunsti võtmeisikuid. 1920. aastate alguses kulus Mondrianil paar aastat eksperimenteerimist, kuni ta leidis oma ikoonilise stiili, mida hakati pidama uueks meetodiks kaasaegse reaalsuse illustreerimiseks.

Kazimir Malevitš (1878 - 1935)

Vaadeldes mõjukaid vene abstraktseid kunstnikke, kes on aidanud seda liikumist määratleda, Kazimir Malevitš Malevitš on oluline lisa loetelule. Malevitš on peamiselt tuntud kui kunstnik, kes sillutas teed suprematismile, mis keskendus geomeetrilistele põhivormidele nagu ringid, ruudud, ristkülikud ja jooned, mida maaliti piiratud värvivalikuga. Selle liikumisega eksperimenteerides hakkas Malevitš arendama radikaalset abstraktsiooni, mis viis selleni, et tema teosed muutusid olulisekstükid abstraktse kunsti raames.

Must ruut (1924) Kazimir Malevitš; Kazimir Malevitš, Public domain, via Wikimedia Commons

1915. aastal, pärast Kandinski populaarsuse tõusu, järgnes Malevitš tema jälgedes ja loobus kujutavast maalikunstist tervikuna. See viis Malevitši stiili väljatöötamiseni, mis pani rõhku puhta tunnetuse tähtsusele ja pildistseenide redutseerimisele, mis sai tuntuks kui suprematism. Selle stiili tekkimist peeti realismi uueks maalikunsti versiooniks ja see võimaldasMalevitš kasutab oma töödes reduktiivset meetodit.

Hoolimata sellest, et Malevitš töötas erinevate kunstistiilidega, veetis suurema osa oma karjäärist uurides avangardistlikku žanri - suprematismi. Ta lülitas oma töödesse oma mõtteviisi ja arusaama maalikunsti kontseptsioonist, kuna uskus, et tõelised kujundid ja värvid on võimelised valitsema "ülevalt" loodavate piltide ja lugude üle. Malevitši kõige märkimisväärsemad kunstiteosed kasutavad kõik ära Suprematistlik stiili ja sisaldavad Must ruut (1915), Suprematistlik kompositsioon (1916) ja Valge valgel (1918).

Suprematistlik kompositsioon (1915) Kazimir Malevitš; Kazimir Malevitš, Public domain, via Wikimedia Commons

Geomeetrilise abstraktse kunsti pioneerina eksperimenteeris Malevitš oma arvukates teostes peamiselt ruutude, kolmnurkade ja ringidega. Kuigi ta väitis, et tema maalid on vaid lamedate, abstraktsete värvilõikude kompositsioonid, suutsid need pakkuda võimsaid ja mitmekihilisi sümboleid ning aja ja ruumi mõistetega seotud tundeid. Malevitšit peeti radikaalsemaks kui Kubistid ja futuristid oma lähenemises suprematismile, kuna tema teosed järgisid äärmiselt metoodilist ja kalkuleeritud lähenemist.

Malevitši kohta öeldi, et ta oli lisaks kunstnikule ka viljakas kirjanik. Tema esseed kunsti ideoloogiast käsitlesid mitmesuguseid teoreetilisi probleeme, mis on seotud abstraktse kunstiga ja selle võimega juhtida meie tundeid ja vaimsust toodetud kunstiteostes.

Vaatamata oma tuntusele oli Malevitš sunnitud 1924. aastal, kui Jossif Stalin tõusis võimule, loobuma suprematismist ja naasma figuratiivse kunsti juurde, sest abstraktset kunsti nimetati dekadentsi vormiks, mis tuleks maha suruda, mistõttu Malevitš pidi oma kunstistiili muutma.

Georgia O'Keeffe (1887 - 1986)

Üks kõige viljakamaid naisabstraktseid kunstnikke oli Georgia O'Keeffe , kes mängis olulist rolli Ameerika modernismi arengus ja selle suhetes Euroopa avangardistlike kunstiliikumistega. Oma seitsme aastakümne pikkuse karjääri jooksul on O'Keeffe loonud märkimisväärse hulga töid, mis püüdsid looduse abstraktsiooni kaudu tabada objektide emotsioone ja jõudu.

O'Keeffe'i abstraktsed maalid, mis olid üks esimesi ameerika moodsa kunsti naiskunstnikke, keskendusid lillede, tühjade maastike ja lähivõtete kujutamisele, kusjuures need elemendid muutusid enamiku ameerika kunstnike põhipiltideks. maastikumaalid . O'Keeffe'i kõige ikoonilisemate kunstiteoste hulka kuuluvad seega need lillede kujutised, mida võib näha aadressil Sinine ja roheline muusika (1921), Punane Canna (1924) ja Must iiris III (1926).

Sinine ja roheline muusika (1921) Georgia O'Keeffe; Georgia O'Keeffe, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

O'Keeffe paistis silma abstraktse ja figuraalse kunstnikuna, kuna ta vaidlustas oma maalides pidevalt kunstilise stiili piire. Ta kombineeris oma töödes abstraktsiooni ja kujutamise aspekte, mis näitas tema tahtlikku kõrvalekaldumist traditsioonilistest kunstilistest stiilidest uuenduslike väljendusvormide suunas.

Hoolimata sellest, et O'Keeffe on üks selle liikumise mõjukamaid abstraktseid maalikunstnikke, on ta ehk rohkem tuntud oma ainulaadse lillede sensuaalse kujutamise poolest. Tema dramaatiliselt suured lähivõtteid lilledest andsid tema teostele uskumatult erootilise ilme, kuna neid peeti naise anatoomiat esindavateks. O'Keeffe väitis aga, et tema teoste sensuaalne olemus oli see, mismuutis need sisuliselt abstraktseteks töödeks, kuna tema piltidel oli võime jäljendada seda, milleks vaatajad neid tõlgendasid.

Punane Canna (1919) Georgia O'Keeffe; Georgia O'Keeffe, Public domain, Wikimedia Commons'i kaudu

Kuigi O'Keeffe ei järginud kunsti loomisel ühtegi konkreetset kunstiliikumist, oli tema eksperimenteerimine abstraktsete motiividega looduses tema kõige põhjalikumad teosed. Ta mängis nii väga üksikasjalike kunstiteoste loomisega kui ka kunstiteostega, mis eemaldasid kõik ebaolulised detailid, et keskenduda vormile ja värvile. Läbi oma arvukate kunstiliste uurimuste jäid O'Keeffe'i maalid alatimis põhines esinduslikkusel, mis oli ühine element kõigis tema tehtud töödes.

Kui loodad teostada käsitööprojekte, mille puhul vajad värvi, mis sobib hästi mitmele pinnale, siis on käsitöövärv sinu valik! Konsistents on ühtlane, kreemjas ja kergesti kasutatav.

Mark Rothko (1903 - 1966)

Konkureerides kunstnike Jackson Pollocki ja Willem de Kooningiga kõige kuulsama kunstniku tiitli eest Abstraktne ekspressionist on kõigi aegade suurim vene-ameerika kunstnik Mark Rothko. Rothko, keda mäletatakse kui värviväljamaali rühma olulist liiget, töötas kunstiteose loomisel kogu oma lõuendi üle värviga, erinevalt teatud alade allutamisest žesturaalsetele rünnakutele.

Lätis sündinud Rothko emigreerus Ameerika Ühendriikidesse, kui ta oli väike laps. Algselt õppis ta mitu aastat Yale'is, enne kui ta sealt välja kukkus, kuna pidas seda õppeasutust nii pretensioonikaks kui ka rassistlikuks. Alles pärast ühe sõbra külastamist New Yorgis hakkas ta maalima, mis viis tema linna kolimiseni. Rothko läbis oma kunstnikuna mitmeid erinevaid stiile.karjääri, sealhulgas sürrealismi, enne kui ta hakkas välja töötama oma isiklikku stiili. See tõi kaasa tekkimise Värvivälja maalimine , milles Rothko oli teerajaja.

Foto Mark Rothko , Yorktown Heights, ca. 1949; Consuelo Kanaga, piiranguteta, Wikimedia Commons'i kaudu

Rothko keskendus oma maalides suurejoonelise geomeetrilise abstraktsiooni loomisele, maalides kõrvutades üksteise kõrval puhtast värvist koosnevaid plokke. Tüüpilisel Rothko maalil kujutas ta suuri pigmendiklotse, mis piirnesid üksteisega, et luua värvide võrdlus. Seda stiili võib näha enamikus tema selle perioodi abstraktsetes töödes, nagu näiteks Nr. 10 (1950), Nr. 21 (Red, pruun , must ja oranž) (1951), Oranž, punane, kollane (1960) ja Ilma pealkirjata (must hallile) (1970).

Selle kontrasti abil suutis Rothko oma värvivaliku kaudu luua visuaalseid vibratsioone, mis tekitasid kunstiteose vaatamisel mulje, et tema plokid hõljuvad lõuendi kohal. Seejuures omistati igale teosele tugev emotsionaalne reaktsioon, kuna Rothko tõlkis oma maalidesse eri tüüpi meeleolusid, mis tekitasid erinevates vaatajates erinevaid reaktsioone.

Rothko saavutas kunstnikuna suurt edu, tema töid eksponeeriti moodsa kunsti muuseumis ja neid tunnustati ka ajakirjanduses. Fortune See tõi kaasa palju armukadedust tema isiklikes suhetes, mis jättis Rothko üksildaseks inimeseks.

Vaatamata oma tuntud rahvusvahelisele edule, sooritas Rothko 1970. aastal kahjuks enesetapu. Tema surma eelnenud tööd toimisid nagu eelaimus, kuna tema värvipalett muutus üha tumedamaks ja väljendas raskemaid emotsioone.

Clyfford Still (1904 - 1980)

Teine Ameerika kunstnik meie abstraktsete kunstnike nimekirjas on Clyfford Still, kes aitas tõsta abstraktse ekspressionismi silmapaistvaks kunstiliikumiseks, mille nime all see tuntuks sai. Kuigi Still ei ole nii laialt tuntud kui tema New Yorgi kooli kolleegid, oli ta esimene kunstnik, kes tungis oma töödes, mis olid täiesti ilma igasuguse ilmselge teemata, kaasaegse ja drastiliselt abstraktse stiilini.asi.

Still tegi algselt kujutavaid teoseid, enne kui ta hakkas 1940. aastate keskel katsetama puhta abstraktsiooni ja mitteesinduslikkusega, mis mõjutas tema abstraktse ekspressionismi kaasaegseid, et teha sama. Tema loodud teostes kasutas Still ulatuslikke erksate värvide väljasid, et esile kutsuda dramaatilisi konflikte, mis tema arvates toimusid inimese ja looduse vahel. See stiilivõib näha tema maalidel pealkirjaga PH-973 (1959), PH-971 (1957) ja PH-960 (1960).

Still'i teostes domineeriv teema viitas inimhinge eksistentsiaalsele võitlusele kontrollimatute loodusjõudude vastu. Still väljendas seda kontseptsiooni vertikaalsete ja sakiliste moodustiste kaudu, mis näisid vaatajale trotslikult vastanduvat enamikul tema suuremõõtmelistel maalidel, koos suure värvide vastandamisega, mida ta lõi.

Kuigi tema teoste retseptsioon keerles tema tulemuste ümber värvikombinatsioonid , Still väljendas, et ta ei tahtnud kunagi, et tema teostes aktsepteeritaks värvi kui puhtalt värvi. Seda kontseptsiooni rakendas ta ka oma maalide tekstuuri ja vormide suhtes, kuna ta tahtis, et iga element tema teostes sulanduks kokku ja tekitaks elava energia, mida oleks võimalik teoste vaatamisel tunda.

Hoolimata oma tunnustusest oli Still kurikuulsalt raske inimene, kellega oli New Yorgi kunstielu sageli tõrjutud. Ta trotsis enamikku tema teoste vastu suunatud kriitikat, mis viis selleni, et ta nägi palju vaeva, et kontrollida, kuidas tema maale eksponeeriti, koguti ja isegi müüdi.

Willem de Kooning (1904 - 1997)

Üks kõigi aegade tuntumaid abstraktseid kunstnikke oli hollandlasest ameerika kunstnik Willem de Kooning , kes rajas oma teostes selgelt ameerikaliku maalimisstiili. 22-aastaselt saabus de Kooning New Yorki pärast reisi, mis toimus laevaga varjasena. 1934. aastal liitus ta Kunstnike Liiduga ja alustas seinamaalide maalimist, kuid pidi sellest projektist loobuma, kuna ta ei olnud seaduslik kodanik. De Kooning sai avada oma kunstistuudio alles pärast seda, kui ta sai oma elutunnistuse.kodakondsus, kus ta töötas kuni surmani.

De Kooning eksperimenteeris abstraktsiooni stiiliga, moonutades figuurimaali nii, et vormid tundusid abstraktsetena. Tänu sellele stiilile ei loobunud ta kunagi täielikult inimfiguuri kujutamisest oma abstraktsetes teostes. Seda figuuride kujutamist võib näha mõnes tema kõige märkimisväärsemas teoses, nagu näiteks Naine I (1952), Naine III (1953) ja Vahetamine (1955).

Willem de Kooning oma ateljees, 1961; Tundmatu autor Tundmatu autor, Public domain, via Wikimedia Commons

Tema abstraktsed maalid erinesid enamikust tema kolleegidest, kuna ta jätkas oma abstraktsioonides viiteid inimkujule. De Kooning eelistas naisfiguuri kujutamist, kusjuures need maalid rõhutasid tema unikaalset kombinatsiooni žesturaalsest abstraktsioonist ja figuraalsusest. De Kooningile avaldas suurt mõju ka Pablo Picasso kubistlikud tööd, mis viis teda eksperimenteerima koossegab oma maalides mitmetähenduslikult figuure ja maastikku, samuti tükeldab, paneb kokku ja moonutab oma figuure selle käigus.

Enamik de Kooningi varasemaid maale koosneb naisfiguuridest, mida kujutati geomeetriliste ja abstraktsete elementidega. Alles hilisemas karjääris läks ta oma teostes üle abstraktsematele kujunditele. Vaatamata sellele, et de Kooning omaks populaarse kuvandi mehelikust, joodikust kunstnikust, lähenes ta kunstile õrnalt ja hoolikalt ning teda peeti üheks kõige intelligentsemaks kunstnikuks.New Yorgi kooliga seotud kunstnikud.

De Kooningiga seotud tuntus on viinud selleni, et tema maale müüakse tihti ajaloolise hinnaga. 2006. aastal müüdi "Naine III" (1953) 137,5 miljoni dollari eest, "Interchange" (1955) aga 2015. aastal 300 miljoni dollari eest, mis oli tollal kõrgeim hind, mis kunagi ühe maali eest makstud on.

Franz Kline (1910 - 1962)

Ameerika kunstnik Franz Kline oli kõige tuntum oma osaluse poolest abstraktses ekspressionistlikus liikumises ja teda peeti üheks oma aja suurimaks aktsioonimaalijaks. Kuigi ta uuris oma töödes samu kontseptsioone kui teised abstraktsed kunstnikud, on Kline'i looming alates 1950. aastatest jäänud uskumatult eriliseks ja hinnatud.

Kline oli tuntud oma suurte must-valged maalid mis kasutas enesekindlalt abstraktseid motiive, samuti voolavaid ja paksu pintslitõmmet, mis sageli ristuvad, kattuvad ja suhtlevad omavahel. Seda stiili võib näha tema ikoonilistes töödes, nagu näiteks Mahoning (1956), Untitled (1957) ja Mustikasilmad (1959-1960). Nendes töödes kasutas Kline oma iseloomulikke žesturaalseid pintslilööke, mis tekitasid tema maalides palju emotsioone.

Sabra (1966) Franz Kline; Pedro Ribeiro Simões Lissabonist, Portugal, CC BY 2.0, Wikimedia Commons'i kaudu.

Alustades oma kunstnikukarjääri realistina, arendas Kline välja ladusa stiili, mida ta täiustas oma akadeemilise koolituse ja traditsioonilise kunsti vanade meistrite imetlemise käigus. Pärast New Yorki kolimist ja kohtumist Willem de Kooningiga hakkas tema stiil siiski arenema tema iseloomulikuks abstraktseks lähenemiseks, mille poolest ta on tuntud.

Kline'i teosed, mis ulatuvad negatiivse ruumiga eksperimenteerivatest must-valgetest töödest kuni elavate, uskumatult dünaamiliste ja energiast pakatavate kompositsioonideni, näitasid tema karjääri jooksul arenevat esteetikat. Tema abstraktsioone, eriti neutraalseid töid, võrreldi edaspidi New Yorgi linnapiltide, tema lapsepõlvekodu ümbritseva maastiku ja Jaapanikalligraafia.

Kline'i soovimatus omistada oma töödele mingeid varjatud ja peidetud tähendusi oli huvitav seisukoht, sest see tähendas, et tema teoseid sai soovitada hilisematele abstraktsete kunstnike põlvkondadele ilma etteantud ja võib-olla aegunud tähendusteta.

Oma elu lõpuks oli Kline saavutanud suurt rahvusvahelist tunnustust oma ebatavalise lähenemise eest žesturaalsele abstraktsioonile, kusjuures tema stiil mõjutas lugematul hulgal minimalistlikke kunstnikke.

Jackson Pollock (1912 - 1956)

Üks kõigi aegade ikoonilisemaid abstraktseid maalikunstnikke, kelle nimi on sünonüümiks kogu abstraktse ekspressionismi liikumisele, on Ameerika kunstnik Jackson Pollock. Inspireerituna spontaanse loomingu ja energiliste kompositsioonide ideest, töötas Pollock välja ühe selle liikumise tuntuima kunstitehnika, mida tuntakse tilkmaalina. Oma iseloomulike tilkmaalide loomiseks,Pollock tilgutas, valas ja pritsis värvi suurtele lõuenditele, mis olid asetatud põrandale, võimaldades talle täieliku juurdepääsu kogu lõuendile.

18-aastaselt kolis Pollock New Yorki, kus ta tutvus vedelate värvide tehnikaga, millega hakkas eksperimenteerima. See viis lõpuks tema kurikuulsa "drip paint" tehnika loomiseni, mille käigus ta maalis põrandale asetatud lõuendeid, kasutades kogu oma keha mitme nurga all. Drip paint'ile järgnes abstraktse ekspressionismi ajal mõiste "Action Painting", misviitas sellele, et maalimise füüsilist toimingut ennast peetakse lõpetatud teose oluliseks aspektiks.

Jackson Pollocki portree, 1928; Smithsonian American Art Museum, Public domain, via Wikimedia Commons

Pollocki elus oli rida mõjutusi, mis viisid tema tilkmaalide loomiseni. Enne tema ikoonilisi teoseid maalis Pollock 1930ndatel aastatel realistlikke seinamaale, mis näitasid talle, et maalimine on suures mastaabis võimas. Lisaks julgustas sürrealism tema alateadvuse uurimist, mida võib tuletada tema hilisematest töödest, kusjuures kubism juhtis tema arusaama pildistamisest.ruumi ja kuidas seda tuleks kasutada.

Pollock, keda peetakse Ameerika esimeseks oluliseks sõjajärgseks kunstnikuks ja hiljem selle suurimaks kunstnikuks, kasutas seda žesturaalset värvi pealekandmise tehnikat kõigis oma märkimisväärsetes teostes. Tema ainulaadne stiil on näha kõigis tema töödes, sealhulgas Number 5 (1948), Üks: number 31 (1950) ja Number 11 (sinised postid) (1952).

Pollocki tilgutusmaalide tehnikaga loodud maalid viisid Pollocki uskumatult kuulsaks kunstnikuks. Kuulsuse tipphetkel loobus ta siiski sellest tehnikast, et luua uutes seeriates abstraktsiooni ja figuuride segu. Need maalid osutusid tema tilgutusmaalidega võrreldes äärmiselt ebapopulaarseks, sest ükski neist ei läinud kunagi kaubaks.

Inglismaal Winchesteris asuv pollar, mis on maalitud stiilis Suvine poolt Jackson Pollock See on üks sarjast, mis asub Great Minsteri tänava ja väljaku nurgal; Andy Mabbett, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Pollock arendas välja ühe radikaalsema abstraktse stiili, mida moodsa kunsti ajaloos on kunagi nähtud. Tema joonte ja värvide lahutamine ning maali ja joonistuse mõistete ümbermõtestamine andis pildiruumile uue tähenduse, mida on sellest ajast saadik laiendatud.

Tema 1940. aastate lõpus loodud tilkumaalid on üks kogu sajandi kõige uuenduslikumaid teoseid, millega Pollock saavutas kuulsuse taseme, mis jäi ületamatuks kuni kunstnikukaaslase Andy Warhol 1960. aastatel.

Lisaks sellele, et Pollocki peetakse kõige kuulsamaks abstraktsekspressionistlikuks kunstnikuks, peetakse teda ka üheks 20. sajandi kunsti juhtfiguuriks tervikuna.

Helen Frankenthaler (1928 - 2011)

Teine silmapaistev naine abstraktsete kunstnike nimekirjas on Ameerika maalikunstnik Helen Frankenthaler, kes sai kuulsaks abstraktse ekspressionismi ajal. 20. sajandi üheks mõjukamaks maalikunstnikuks peetud Frankenthaler leiutas tehnika, mida tuntakse nime all "Soak Stain", mis kinnistas tema staatuse silmapaistva kunstnikuna. Selle tehnika raames valas Frankenthaler lahjendatud värvi otse ettevalmistamata lõuendile ja lasi värvil imbuda.läbi, et toota helendavaid värvipesu.

Oma karjääri varases eas alustades tutvus Frankenthaler selliste suurte kunstnike nagu Robert Motherwell, Jackson Pollock ja Franz Kline, kelle praktika mõjutas tema arusaama abstraktsest ekspressionismist. Abstraktsete teoste ikooniks peetavate kunstiteoste vaatamise kaudu hakkas Frankenthaler välja töötama oma isiklikku lähenemist sellele stiilile, mis viis tema "Soak Stain" tehnika tekkimiseni.läbimurre kunstimaailmas tõi kaasa värviväljamaali tekkimise, milles ta oli teerajaja liige.

Frankenthaleri kompositsioonid olid oma olemuselt õhulised, kuna need kujutasid puhta värvi kasutamisega seotud rõõmude tähistamist abstraktses, kuid õrnas mõttes. Seda stiili võib näha enamikus tema märkimisväärsetes töödes, sealhulgas ka Mäed ja meri (1952), Canyon (1965), Savage Breeze (1974) ja Madame Butterfly (2000).

Pärast eksperimenteerimist nii fosforseerivate kui ka uduste kompositsioonidega, kus domineerisid suured orgaaniliste värvide alad, pööras Frankenthaler oma tähelepanu teistele kunstilistele vahenditele. Ta hakkas uurima mitmekülgset puulõiked , millel ta suutis saavutada maalimise omadused oma kurikuulsa "Soak Stain" tehnika mõju jäljendamisega.

Frankenthalerit peeti unikaalseks abstraktseks modernseks kunstnikuks, kuna ta keskendus loodusmaastikele, mida ta sageli oma töödes jäljendas.

Selle asemel, et luua teoseid, mis uurisid eksistentsiaalset vastasseisu, valmistas Frankenthaler õrnu ja unenäolisi abstraktsioone loodusest ja ülevusest. Pika karjääri jooksul, mis hõlmas mitmeid abstraktsete maalijate põlvkondi, eksponeeris Frankenthaler oma töid üle kuue aastakümne, jätkates samal ajal otsustavate ja pidevalt muutuvate teoste loomist.

Paljud kuulsad abstraktsed kunstnikud tekkisid 20. sajandil sellest loomeperioodist, mille tulemusel loodi palju ikoonilisi teoseid, millest räägitakse tänapäevalgi. Kui teile meeldis meie abstraktsete kunstnike nimekirja läbimine, julgustame teid uurima ka teisi abstraktseid kunstnikke, kes ei pruugi olla nii tuntud, kuid ometi on nad omal moel olulised.

Oleme loonud ka abstraktse kunstniku veebiloo.